Музей ЧерномырдинаКандинский и немецкий экспрессионизм. Абстрактный экспрессионизм кандинский картины
Экспрессионизм, футурокубизм и абстракционизм Василия Кандинского
Революция в России стимулировала всплеск развития самых разных авангардных течений в искусстве. Художники и поэты, скульпторы, режиссеры и постановщики балета восприняли некий хаос и отсутствие упорядоченности 1910-х годов. как среду, имманентно присущую авангардизму и «творческому хаосу» креативности, воспевающей отказ от реализма. Бурление художественных мастерских, кружки типа «Бубнового валета» и «Синего всадника», которые издавали свои журналы в России и за рубежом были очень популярны и охватывали значительную часть художников. Так, «Синий всадник» был основан в 1911 году Василием Кандинским и немецкими экспрессионистами, ратовавшими за отказ от замшелых традиций академической живописи. Другой пример: поэт Владимир Маяковский, изначально занялся живописью (в 1911 году он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества). Однако вскоре он познакомился там с художником Давидом Бурлюком и моментально оказался в поэтическом кружке кубофутуристов «Гилея». Время окончательного синтеза искусств, казалось, было не за горами.
Бегство от реальности
Вот в таком круговороте событий среди многих течений авангардизма возник абстракционизм Василия Кандинского. Родившись в обеспеченной семье и получив образование юриста в Московском государственном университете, Кандинский отказался от престижной карьеры профессора Дерптского университета и, под воздействием выставки импрессионистов, выехал в Мюнхен, чтобы учиться живописи. В 1909 г. художник организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», два года спустя — альманах и группу «Синий всадник». Художников, танцоров и композиторов этой творческой группы объединял интерес к средневековому искусству, а также примитивизму, кубизму и другим модернистским течениям. Напомним, что, например, кубизму свойственно изображать объекты посредством множества пересекающихся плоскостей (как делал в ранние годы своего творчества, 1900-е, Пабло Пикассо). Так же и художники разных направлений пытались посредством не-реалистичных методов создать целостное восприятие объекта искусства и передать чувства, вызываемые им у художника, зрителю.
Экспрессионизм
Движение экспрессионистов (к которым, например, относится автор одной из самых дорогих в истории картин «Крик» Эдвард Мунк – подробнее читайте о самых дорогих картинах в другой нашей статье) увлекало Кандинского, но он не остановился на этом уровне абстракции от реального образа. Экспрессионисты стараются передать зрителю именно чувства и эмоции, владеющие автором. Они не стремятся при этом точно передать формы изображаемого. Но в своей зрелой манере письма Кандинский вообще отходит от реализма, оставляя только формы, которые должны передать чувства зрителю.
До 1914 г. в Мюнхене Кандинский знакомится с русскими художниками: И. Я. Билибиным, К. С. Петровым-Водкиным, И. Э. Грабарем. В Германии Кандинского принимали как своего, прошла его персональная выставка, однако с началом Первой мировой войны он был вынужден вернуться в Россию. Возможно, это стало судьбоносным для формирования стиля письма художника, придало импульс его индивидуальной манере живописи.
Преобладание формы над объектом
В России в это время стал складываться абстракционизм. Хотя рождением стиля считается 1910 г., когда Кандинский в Альпах в городочке Мурнау написал свою первую абстрактную композицию. Все же наибольшее число абстракционистов были русскими: абстракционизму были привержены Казимир Малевич, Наталья Гончарова и др. Его суть заключалась в «беспредметности», преобладании формы над содержанием – точнее, выражение содержания через формы, порой весьма далекие от реализма. Это было время философов, когда каждый художник считал своим долгом объяснить, почему он видит выражение реального мира именно в такой манере – и для этого написать философский труд. Так, для Казимира Малевича это была книга «Супрематизм. Мир как беспредметность или вечный покой» (1922 г.), а для Василия Кандинского - «О духовном в искусстве» (1910 г.)
В своей книге он писал о том, как фигуры взаимодействуют друг с другом, но и не только об этом, а о том, как массы людей воздействуют друг на друга. «Духовный треугольник медленно движется вперед и ввысь. В наше время одна из нижних наибольших секций достигает ступени первых лозунгов материалистического "Credo". Политически эти обитатели являются приверженцами народного представительства или республиканцами. Они оттачивают меч справедливости, чтобы нанести смертельный удар гидре капитализма и отрубить этому злу голову». Вот так, несмотря на аполитичные, казалось бы, картины, Кандинский замахивается на происходящее в обществе. В этом он даже близок Н.К.Рериху, который, отображая горы, в реальности замахивается на высокие духовные образы, теософию.
Социальное служение
Революцию многие авангардные художники восприняли как поворот власти лицом к авангардизму и всему новому, поэтому с удовольствием согласились занять разные руководящие должности. Так, Кандинский участвовал в создании Российской академии художественных наук в статусе ее вице-президента, преподавал во ВХУТЕМАСе в 1918 г., затем был почётным профессором Московского университета.
Однако уже в 1921 году, несмотря на развертывание в России авангардистских течений, эмигрировал как и впоследствии сделало большинство философов и художников-абстракционистов того времени. Он выехал в Германию, а затем, когда в годы нацизма его работы перестали выставлять и осудили как «дегенеративное искусство» - в Париж, где жил по 1944 год.
Можно ли назвать Кандинского подлинно русским художником? Конечно, да, как и стиль его работы, абстракционизм, возник под воздействием общения с другими русскими художниками. Сейчас его работы являются одними из самых дорогих на аукционах во всем мире, и, наряду с работами Казимира Малевича, составляют «золотой фонд» российского искусства.
Смотрите каталог современного искусства галереи "Артимекс": среди предметов 1920-х годов есть отнесенные к абстракционизму.
Регистрация на лекцию и мастер-класс
Отправить* Пожалуйста укажите в сообщении Название лекции, которую вы хотите посетить.
* Если вы планируете прийти на лекцию с кем-то, то пожалуйста укажите имя человека, с которым вы хотели бы посетить данную лекцию.
* Пожалуйста зарегистрируйтесь на наш предложенный мастер-класс или напишите пожелания - какая тема лекции была бы Вам интересна.
Мы стараемся готовить лекции интересные для Вас!
Если есть вопросы, не стесняйтесь их задать! Мы будем рады на них ответить!
www.artimex.ru
Кандинский и немецкий экспрессионизм | История | DW
Импровизация 2
Василий Кандинский родился в 1866 году в Москве. Гимназические годы он провел с семьей в Одессе. Позже поступил на юридический факультет Московского университета. В 30-летнем возрасте Кандинский уезжает в Германию изучать искусство.
Галопом по Европе
С 1900 года он посещает Академию художеств под руководством Франца фон Штука (Franz von Stuck) в Мюнхене. В это время он много путешествует по Европе и Северной Африке. большое влияние на него оказывает знакомство с Габриэле Мюнтер (Gabriele Münter), которая впоследствии становится его критиком и близкой подругой.
Импровизация VII, 1913
"Я не патриот, Элла. Я только наполовину русский... По воспитанию – я наполовину немец... Как художник я привязан к Германии, и все немецкое, немецкие древности значат для меня больше, чем для многих немцев", - писал Кандинский в одном из писем к Мюнтер.
В 1911 году вместе с Франком Марком (Frank Marc) Кандинский основал общество художников "Синий всадник" (Der Blaue Reiter). В него входили Август Макке (August Macke), Пауль Клее (Paul Klee), Алексей Явленский. Организация художников просуществовала до 1914 года.
От экспрессионизма к авангарду
Композиция VIII, 1923
Постепенно Кандинский все больше отходит от экспрессионизма. В 1910 году появляются его первые абстрактные картины, положившие начало истории современного абстрактного искусства: "Абстрактная акварель" , "Импровизация IX". Свои картины художник делит на импрессии, импровизации и композиции.
Возвращение в Москву
В 1914 года Кандинский снова возвращается в Москву. На дальнейшее развитие его творчества большое влияние оказывают научные открытия 20-го века: разложение атома, теория Эйнштейна. Новое измерение в искусстве он видит в отображении идеального, духовного мира. на этом этапе появляются картины "Москва", "Красный овал", "Красная точка II". Кандинский посвящает себя также исследованию гуманитарных наук и работает руководителем Института художественной культуры.
Профессор в Баухаусе
В 1921 году он навсегда покидает Россию и начинает преподавать в Баухаусе (Bauhaus) в Веймаре, в одной из выдающихся архитектурно-художественных высших школ 20-го века. В это время "Композиция VIII" становится его значимым произведением.
В 1933 году, после закрытия нацистами Баухауса, художник-авангардист переезжает во Францию. В этот последний период творчества он испытывает влияние сюрреализма. Его последней важной работой является "Композиция X".
Умер Кандинский в 1944 году в пригороде Парижа Нейи-сюр-Сен.
Самое крупное собрание картин Кандинского - более 150 - находится в Музее Гугенхайма в Нью-Йорке.
www.dw.com
Абстрактный экспрессионизм
Абстрактный экспрессионизм Послевоенный (кон. 40-х — 50-е гг. XX в.) этап развития абстрактного искусства. Сам термин еще в 20-е гг ввел немецкий искусствовед Э. фон Зюдов (E. von Sydow) для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 г американец Барр применил его для характеристики ранних работ Кандинского, а в 1947 г. назвал «абстрактно-экспрессионистскими» работы Виллема де Кунинга и Поллока. С тех пор понятие абстрактного экспрессионизма укрепилось за достаточно широким, стилистически и технически пестрым полем абстрактной живописи (а позже и скульптуры), получившей бурное развитие в 50-е гг. в США, в Европе, а затем и во всем мире. Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются ранний Кандинский, экспрессионисты, орфисты, отчасти дадаисты и сюрреалисты с их принципом психического автоматизма. Философско-эстетическим основанием абстрактного экспрессионизма во многом явилась популярная в послевоенный период философия экзистенциализма.
Абстрактный экспрессионизм. продолжил начатое Кандинским и сюрреалистами «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума, логических законов и, более того, — от традиционных законов цветовых отношений, цветового синтаксиса европейско-средиземноморской культуры. Девизом абстрактных экспрессионистов стала формула: «Освобождение от правил, освобождение от формализма, от господства линейки и циркуля, но в первую очередь — освобождение свободно струящегося цвета от доктринерских законов формы» (Карл Рурберг). Главным творческим принципом художников абстрактного экспрессионизма стало спонтанное, автоматическое нанесение красок на холст исключительно под влиянием субъективных настроений и эмоциональных состояний. Радость, гнев, страсть, страх, страдание в буквальном смысле слова выплескиваются абстрактными экспрессионистами потоками красок на полотна. Манеры письма самые разные — от традиционной работы кистью до нанесения красок только шпателем, разливания их из банок, выдавливания из тюбиков, разбрызгивания из пульверизатора и т. п. Соответственно многообразны и возникающие цветовые структуры и по форме, и по цвету (от монохромных до резкого, бьющего по нервам буйства красок, не имеющего никаких аналогов в природе или в традиционной живописи). Разнообразен и спектр воздействия работ абстрактных экспрессионистов — от черных символических иероглифов Пьера Сулажа и медитативных огромных почти монохромных (с еле заметными тоновыми флюктуациями) полотен Марка Ротко до шокирующих глаз и психику зрителя «диких» по яркости, пластике и синтаксису полотен голландца Карела Аппеля.
Главными центрами зарождения Абстрактного экспрессионизма были Париж (в частности, Ecole de Pans), где после войны собралось большое количество художников со всего мира, и США. Среди ведущих фигур Абстрактного экспрессионизма в Европе можно назвать Roger Bissiere, основателя Ecole, Пьера Сулажа, Ганса Гартунга, Николая Де Сталя (Nicolas de Stael), представителей группы «Кобра» ( А. Ерн (Asger Jorn), П.Алехински, К. Аппель). В США— это Аршил Горки, Уильям де Кунинг, Адольф Готтлиб, Барнет Нойман, Джексон Поллок, Марк Ротко. Наряду с группой «Кобра», участники которой нередко вводили в свои картины элементы видимой действительности и использовали предельно яркие кричащие цвета и их сочетания (особенно К. Аппель), в Абстрактном экспрессионизме выделяют такие направления, как ташизм, живопись действия, информель.
С середины 50-х гг. Абстрактный экспрессионизм стал мощным международным движением в искусстве, захватив практически все континенты. Полная свобода (у Кандинского она была ограничена «законами внутренней необходимости», то есть традиционными эстетическими законами цвето-формо-образования, живописного синтаксиса) нанесения красок на полотно или обращения с пластическими формами, декларируемая А. э., породила бесчисленное множество последователей этого направления, наводнивших музеи, галереи и дома частных граждан массой своих поделок.
Послевоенный абстракционизм прямо не связывал себя с геометрической традицией абстракционизма (К. Малевич, П. Мондриан). Живопись действия выросла, опираясь на иррациональные основы сюрреализма. Единственная функция искусства - действие, которое выполняет сам художник. Живопись Джексона Полока поддерживается проекцией действия. Наиболее важное в творчестве: автоматизм - творческий процесс, а не получаемый результат. Этот метод творчества кажется простым, но вместе с тем и сложным. Создавая композицию, художник свободно льёт, наливает краски на полотно. Эти работы очень экспрессивные и очень оживлённые. Основная проблема, которую решают эти художники - отношение цветов. Принципы живописи действия в США дальше развивали постживописные абстрактные направления (hard-edge, color-field).
В Европе аналогичный французский ташизм или искусство informel. Это ветвь развивалась параллельно американской, влияя на множество разнообразных художественных исканий: международные датско-бельгийско-голландские группы живописи СоВга, гуманистические скульптуры Альберта Джакомета.
“Живопись действия”
В рамках американского абстракционизма была развита так называемая “бесформенная живопись” Джексона Полока, который считал процесс творчества самоценным, а результат не важным, имевшим смысл только как 
воспоминание о творческом процессе, оставшееся на полотне. Возвращаясь к первобытному синкретизму, Полок трансформировал живопись в священный танец художника. Полoк вешал полотно на стену или клал его на пол, “совершая” вокруг него некий шаманский обряд, художник, по его словам, “входил внутрь живописи”. Он выработал технику получившию название дриппинг, которая состояла в разбрызгивании красок из банки (французская параллель – “ташизм” - живопись пятнами.) Художественный метод Полока получил в Англии название “живописи действия”. В 1952 году на выставке в Париже его живопись произвела грандиозное впечатление на жаждущих очередного нового слова критиков. Многие, правда, оспаривали оригинальность техники Полока, видя что-то похожее в изображениях Хартунга 1922 года.
Другим знаменитым европейским представителем “живописи действия” был Жорж Матье, приблизивший технику экстаза к спектаклю. Он устраивал свои сеансы живописи в присутствии публики, на глазах которой испещрял полотно закорючками, запятыми и точками. Во время своих шоу, сопровождавшихся музыкой, он был облачен в средневековый костюм. Матье признан основателем “исторической абстрактной живописи” (еще один очередной перл его величества интерпретации. Эта живопись “отличается от обыкновенной исторической живописи тем, что ничего не изображает – ни людей, ни костюмы, ни аксессуары”. (Авагян Т.И.) Исторической она стала потому, что критики Матье соблаговолили приписать его закорючкам и пятнам способность выразить массовые народные движения, борьбу за власть династий и т.д. Такая идея пришла им в голову, благодаря названием картин (“Битва Бувине”, “Капетинги повсюду” и др.)
Поллок родился в Коди (Вайоминг) в семье овцевода. В 16 лет он записался в 
Высшую школу прикладных искусств в Лос-Анджелесе, однако уже через год вынужден был уйти оттуда из-за "неудовлетворительного поведения".
Середина 30-х: Абстрактные картины.
С 1930 Поллок учился у Томаса Харта Бентона, представителя так называемого американского регионализма, выступающего против модернистов и отстаивающего реалистичную живопись. Благодаря его влиянию из-под кисти Поллока в середине 30-х появились первые картины (например, "Ночное пастбище", 1936). В 1935 Поллок попал в программу государственной поддержки неимущих художников. Он занимался чисткой общественньис памятников и работал помимо этого как ремесленник. В своих картинах (например, "Пламя", 1934?1938) Поллок постепенно отходил от предметной живописи и приближался к европейскому авангарду: его интересовали работы Пауля Клее, Хоана Миро и Пабло Пикассо, а также Макса Эрнста, чья "капельная техника" (Эрнст наносил капли на бумагу) буквально очаровала его.1937: В психиатрической лечебнице.
В 1937 Поллок, у которого уже с юности развилась алкогольная зависимость, попал в психиатрическую лечебницу, где прошел курс лечения. Тем не менее в дальнейшем у художника случались рецидивы. В 1941 он познакомился с художницей Ли Краснер, на которой четыре года спустя женился. В 1943 Поллок получил заказ на стенную роспись в доме владелицы художественной галереи Пегги Гуггенхайм. В своей работе Поллок объединил шрифтовые знаки, а также обозначения-символы животных и тотемов, которые появятся затем и в его последующих работах (например, "Волчица", 1943).1946: "Живопись действия".
В процессе поиска собственного стиля из-под кисти Поллока появилась картина "Готика" (1944), в которой он полностью отказался от фигуративных элементов. Целью художника было "напрямую переносить творческий процесс на полотно". Примерно в 1947 он открыл для себя так называемый "капельный" метод, позволивший ему вплотную приблизиться к своей цели: полотно он клал на пол и покрывал его каплями краски, беспорядочно стекающей с кисти, из жестяной банки или продырявленного ведра. Иногда он с силой метал краски на поверхность, смешивая их друг с другом; либо предварительно смешивал краски с песком или стеклянной крошкой и затем наносил эту смесь на полотно толстым слоем. О своей манере работы Поллок отзывался так: "На полу я являюсь частью картины". При работе он целиком и полностью отдавался вдохновению, и появившиеся таким образом продукты "подсознательной" деятельности подвергал в дальнейшем "осознанной" обработке с помощью деревянных палочек, ножей, мастерков и т. п. В период между 1947 и 1950 Поллок завершил свои наиболее известные работы: "Собор" (1947), Номер 1: Белый какаду" (1948), а также !"Туманность цвета синей лаванды" и "Осенний ритм" (обе 1950). Особенность этих картин : прерывистые переплетения цветных линий, которые за счет своей прозрачности дают возможность заглянуть в пространство заднего фона картины. Для своих работ Поллок выбирал большие форматы, так как, по его мнению, мольбертная живопись устарела. Будущее живописи он видел в настенных росписях.50-е годы: Кризис.
После международного успеха на одной из выставок Поллок, которого критики успели наречь "Джеком-каплеметателем" ("Jack, the Dripper") по аналогии со знаменитым "Джеком-потрошителем" ("Jack, the Ripper"), пережил в начале 50-х тяжелый кризис и предался сильнейшим алкогольным возлияниям. Из его картин исчезли краски, сейчас он обходился одним лишь черным цветом. Многие работы нумеровал, оставляя без названий, "чтобы зритель видел в картине именно то, что она собой представляет ? обнаженную живопись". Помимо картин, выполненных с применением "капельной" техники, Поллок создавал работы на основе энергичных, широких штрихов. При этом он часто обращался к фигурным мотивам (например, "Номер 29", 1952; "Белый свет", 1954). Симптомы психического заболевания у Поллока между тем обострялись все чаще, многократные курсы лечения успеха не приносили. После его любовной связи с одной молодой девушкой от художника ушла жена, Ли Краснер (1956). В том же году Поллок погиб в автокатастрофе в Ист-Хэмптоне (штат Нью-Йорк) в возрасте 44 лет.
gorodnaneve.com
Абстрактный экспрессионизм. Художники-экспрессионисты. Биографии. Картины
Рады представить Вашему вниманию гениальных художников абстрактного экспрессионизма:Марка Ротко, Джексона Поллока и Виллема де Кунинга.Представитель абстрактного искусства Жоан Миро
Марк РоткоТолько гениальная личность может в одночасье изменить свою судьбу и, не оглядываясь на последствия предпринятого шага, поступить так, как велит внутренний голос. В 1923 г. двадцатилетний студент Йельского университета Маркус Роткович, бросил учебу в этом престижном заведении, сделав выбор в пользу искусства. Так начинался творческий путь яркого представителя абстрактного экспрессионизма Марка Ротко, взявшего себе это имя в 1940 г., после получения американского гражданства.Биография и картины Марка Ротко на сайте rothko-pollock.ru
Джексон ПоллокАбстрактное творчество американского художника Пола Джексона Поллока, еще при жизни принесло ему не только громкую славу, но и бурное негодование ряда критиков, утверждавших, что его работы не имеют ни малейшего отношения к области искусства. Родился будущий лидер абстрактного экспрессионизма 28 января 1912 г. Место жительства семьи менялось часто, т. к. ее глава не мог определиться с постоянной профессией, и на момент рождения Пола, Поллоки проживали в городе Коуди штата Вайоминг.Биография и картины Джексона Поллока на сайте rothko-pollock.ru
Виллем де КунингВиллем де Кунинг родился 24 апреля 1904 года в Роттердаме, Нидерланды. Отец и мать Кунинга занимались торговлей алкоголем, отец в качестве распространителя, а мать – владелицы бара. Этот семейный бизнес предопределил сложившуюся в будущем алкогольную зависимость художника, от которой он страдал большую часть жизни.Биография и картины Виллема де Кунинга на сайте rothko-pollock.ru
Жоан (Хуан) Миро – испанский художник, скульптор, график и дизайнер, ведущий представитель абстрактного искусства. Биография и картины Жоана Миро на сайте rothko-pollock.ru
expressionists.ru
Абстрактный экспрессионизм — Art-Salon
Абстрактный экспрессионизм — одно из двух основных течений абстракти-визма, или абстрактного искусства. Проявился главным образом в западноевропейской и американской живописи первой половины XX в. Абстрактные экспрессионисты, как они сами себя назвали, ставили своей целью спонтанное выражение своего внутреннего мира, субъективных ассоциаций подсознания в хаотических, неорганизованных логическим мышлением абстрактных формах. Название этого течения связано с преемственностью абстрактивизма от экспрессионизма, заключающейся в общем тезисе примата выражения над изображением. Различие состоит лишь в том, что абстрактивисты доводили этот принцип до предела, до полного отрицания изобразительности в живописи, а затем и в других видах искусства. Создателем абстрактного экспрессионизма считается художник В. Кандинский, его первая абстрактная акварель появилась в 1910г. В этом и последующих произведениях Кандинского объект изображения исчезает и остается лишь выражение субъективных ассоциаций и эмоционального состояния. Абстрактный экспрессионизм возник одновременно и развивался параллельно с другим, геометрическим течением, создателем которого был К. Малевич (см. супрематизм).
Новая волна абстрактного экспрессионизма, получившая названия ташизм (от франц. tache — пятно), получила развитие в Европе и США в начале 1950-х гг. Термин «ташизм» был впервые применен художественным критиком Ф. Фенеоном в Париже в 1889г. Американцы охотно использовали его, так как видели происхождение ташизма в «абстрактном импрессионизме» позднего К. Моне и пуантилистов (см. дивиэионизм). Представителями ташизма в Америке были X. Хартунг, М. Ротко, Дж. Поллак, У. де Кунинг, М. Тоби. Однако, если в абстрактных картинах Кандинского имела место пластическая и цветовая организация формы, то у ташистов ее заменили культом случайности линий, мазков и пятен. Существует еще одно название этого течения: «Живопись действия», в нем особо подчеркивается динамизм изобразительного метода, его стихийность, пренебрежение традиционными приемами рисования, компоновки, тех-нихи работы кистью, точной моделировки формы, замена их более непосредственны» ми и простыми приемами разливания, раз-брыэгивания краски, выражающими «мо-торность» творческого акта художника (см; также акционнизм).
Абстрактный экспрессионизм — направление постмодернизма
Представителями абстрактного экспрессионизма были Джексон Полок (1904 — 1984), Вильям де Кунинг (1912 — 1956), Марко Ротко (1903 — 1970). Послевоенный абстракционизм прямо не связывал себя с геометрической традицией абстракционизма (К. Малевич, П. Мондриан). Живопись действия выросла, опираясь на иррациональные основы сюрреализма. Единственная функция искусства — действие, которое выполняет сам художник. Живопись Джексона Полока поддерживается проекцией действия. Наиболее важное в творчестве: автоматизм — творческий процесс, а не получаемый результат. Этот метод творчества кажется простым, но вместе с тем и сложным. Создавая композицию, художник свободно льёт, наливает краски на полотно. Эти работы очень экспрессивные и очень оживлённые. Основная проблема, которую решают эти художники — отношение цветов. Принципы живописи действия в США дальше развивали постживописные абстрактные направления (hard-edge, color-field).
В Европе аналогичный французский ташизм или искусство informel. Это ветвь развивалась параллельно американской, влияя на множество разнообразных художественных исканий: международные датско-бельгийско-голландские группы живописи СоВга, гуманистические скульптуры Альберта Джакомега.
`Живопись действия`. В рамках американского абстракционизма была развита так называемая `бесформенная живопись` Джексона Поллока, который считал процесс творчества самоценным, а результат не важным, имевшим смысл только как воспоминание о творческом процессе, оставшееся на полотне. Возвращаясь к первобытному синкретизму, Поллок трансформировал живопись в священный танец художника. Поллoк вешал полотно на стену или клал его на пол, `совершая` вокруг него некий шаманский обряд, художник, по его словам, `входил внутрь живописи`. Он выработал технику получившию название дриппинг, которая состояла в разбрызгивании красок из банки (французская параллель — `ташизм` — живопись пятнами.) Художественный метод Поллока получил в Англии название `живописи действия`. В 1952 году на выставке в Париже его живопись произвела грандиозное впечатление на жаждущих очередного нового слова критиков. Многие, правда, оспаривали оригинальность техники Поллока, видя что-то похожее в изображениях Хартунга 1922 года.
Другим знаменитым европейским представителем `живописи действия` был Жорж Матье, приблизивший технику экстаза к спектаклю. Он устраивал свои сеансы живописи в присутствии публики, на глазах которой испещрял полотно закорючками, запятыми и точками. Во время своих шоу, сопровождавшихся музыкой, он был облачен в средневековый костюм. Матье признан основателем `исторической абстрактной живописи` (еще один очередной перл его величества интерпретации. Эта живопись `отличается от обыкновенной исторической живописи тем, что ничего не изображает — ни людей, ни костюмы, ни аксессуары`. (Авагян Т.И.) Исторической она стала потому, что критики Матье соблаговолили приписать его закорючкам и пятнам способность выразить массовые народные движения, борьбу за власть династий и т.д. Такая идея пришла им в голову, благодаря названием картин (`Битва Бувине`, `Капетинги повсюду` и др.)
Творчество Поллока, Аршила Горки, В. де Кунинга, Марка Родко, Жоржа Матье и других представляло собой наиболее влиятельное направление абстрактной живописи 40-50-х годов, возникшее в США — так называемый абстрактный экспрессионизм. Принцип его заключался в отказе от предварительного замысла и планомерно построенной формы. Художник культивировал спонтанную манеру письма и свободные импровизации на холсте.
Перерастая в искусство постмодернизма, `искусство действия` приобретает более выраженные формы. Например, хеппенинг — это наиболее распространенная форма `искусства действия`. В основе его лежит незапланированное действие, осуществляемое художником при участии присутствующей публики, когда как бы стирается грань между реальностью и художественным творчеством.
Другая форма `искусства действия` перформанс — состоит в исполнении определенных заранее спланированных действий перед собравшейся публикой. Но в отличии от хеппенига в нем наличествует определенный заранее заготовленный сценарий. Кроме того в перформансе не принимает активное участие публика, довольствуясь лишь ролью зрителя.
Акция — так, обобщая, называют `искусство действия`, заменяющее художественное произведение жестом, разыгранным представлением или спровоцированным событием. Своими корнями `искусство действия` уходит в первые десятилетия двадцатого века, в творчество футуристов, дадаистов и сюрреалистов. Расцвет искусства действия приходится на 60-70 годы. В нем реализуется одна из ведущих идей модернизма о процессуальном характере искусства. `Искусство действия` квинтэсенция идеи о превалировании творческого акта над его результатом, с другой стороны оно воплощает другую характерную тенденцию искусства 20-го века — стремление уничтожить грань между искусством и действительностью, растворить художественный жест в окружении, спонтанно протекающих процессах жизни.
art.batato.ru
Абстрактный экспрессионизм
АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ(см. абстрактнвизм; экспрессионизм) — одно из двух основных течений абстракти-визма, или абстрактного искусства. Проявился главным образом в западноевропейской и американской живописи первой половины XX в. Абстрактные экспрессионисты, как они сами себя назвали, ставили своей целью спонтанное выражение своего внутреннего мира, субъективных ассоциаций подсознания в хаотических, неорганизованных логическим мышлением абстрактных формах. Название этого течения связано с преемственностью абстрактивизма от экспрессионизма, заключающейся в общем тезисе примата выражения над изображением. Различие состоит лишь в том, что абстрактивисты доводили этот принцип до предела, до полного отрицания изобразительности в живописи, а затем и в других видах искусства. Создателем абстрактного экспрессионизма считается художник В. Кандинский, его первая абстрактная акварель появилась в 1910г. В этом и последующих произведениях Кандинского объект изображения исчезает и остается лишь выражение субъективных ассоциаций и эмоционального состояния. Абстрактный экспрессионизм возник одновременно и развивался параллельно с другим, геометрическим течением, создателем которого был К. Малевич (см. супрематизм).
Новая волна абстрактного экспрессионизма, получившая названия ташизм (от франц. tache — пятно), получила развитие в Европе и США в начале 1950-х гг. Термин "ташизм" был впервые применен художественным критиком Ф. Фенеоном в Париже в 1889г. Американцы охотно использовали его, так как видели происхождение ташизма в "абстрактном импрессионизме" позднего К. Моне и пуантилистов (см. дивиэионизм). Представителями ташизма в Америке были X. Хартунг, М. Ротко, Дж. Поллак, У. де Кунинг, М. Тоби. Однако, если в абстрактных картинах Кандинского имела место пластическая и цветовая организация формы, то у ташистов ее заменили культом случайности линий, мазков и пятен. Существует еще одно название этого течения: "Живопись действия", в нем особо подчеркивается динамизм изобразительного метода, его стихийность, пренебрежение традиционными приемами рисования, компоновки, тех-нихи работы кистью, точной моделировки формы, замена их более непосредственны" ми и простыми приемами разливания, раз-брыэгивания краски, выражающими "мо-торность" творческого акта художника (см; также акционнизм).
Абстрактный экспрессионизм - направление постмодернизма
Представителями абстрактного экспрессионизма были Джексон Полок (1904 - 1984), Вильям де Кунинг (1912 - 1956), Марко Ротко (1903 - 1970). Послевоенный абстракционизм прямо не связывал себя с геометрической традицией абстракционизма (К. Малевич, П. Мондриан). Живопись действия выросла, опираясь на иррациональные основы сюрреализма. Единственная функция искусства - действие, которое выполняет сам художник. Живопись Джексона Полока поддерживается проекцией действия. Наиболее важное в творчестве: автоматизм - творческий процесс, а не получаемый результат. Этот метод творчества кажется простым, но вместе с тем и сложным. Создавая композицию, художник свободно льёт, наливает краски на полотно. Эти работы очень экспрессивные и очень оживлённые. Основная проблема, которую решают эти художники - отношение цветов. Принципы живописи действия в США дальше развивали постживописные абстрактные направления (hard-edge, color-field).
В Европе аналогичный французский ташизм или искусство informel. Это ветвь развивалась параллельно американской, влияя на множество разнообразных художественных исканий: международные датско-бельгийско-голландские группы живописи СоВга, гуманистические скульптуры Альберта Джакомега.
`Живопись действия`. В рамках американского абстракционизма была развита так называемая `бесформенная живопись` Джексона Поллока, который считал процесс творчества самоценным, а результат не важным, имевшим смысл только как воспоминание о творческом процессе, оставшееся на полотне. Возвращаясь к первобытному синкретизму, Поллок трансформировал живопись в священный танец художника. Поллoк вешал полотно на стену или клал его на пол, `совершая` вокруг него некий шаманский обряд, художник, по его словам, `входил внутрь живописи`. Он выработал технику получившию название дриппинг, которая состояла в разбрызгивании красок из банки (французская параллель - `ташизм` - живопись пятнами.) Художественный метод Поллока получил в Англии название `живописи действия`. В 1952 году на выставке в Париже его живопись произвела грандиозное впечатление на жаждущих очередного нового слова критиков. Многие, правда, оспаривали оригинальность техники Поллока, видя что-то похожее в изображениях Хартунга 1922 года.
Другим знаменитым европейским представителем `живописи действия` был Жорж Матье, приблизивший технику экстаза к спектаклю. Он устраивал свои сеансы живописи в присутствии публики, на глазах которой испещрял полотно закорючками, запятыми и точками. Во время своих шоу, сопровождавшихся музыкой, он был облачен в средневековый костюм. Матье признан основателем `исторической абстрактной живописи` (еще один очередной перл его величества интерпретации. Эта живопись `отличается от обыкновенной исторической живописи тем, что ничего не изображает - ни людей, ни костюмы, ни аксессуары`. (Авагян Т.И.) Исторической она стала потому, что критики Матье соблаговолили приписать его закорючкам и пятнам способность выразить массовые народные движения, борьбу за власть династий и т.д. Такая идея пришла им в голову, благодаря названием картин (`Битва Бувине`, `Капетинги повсюду` и др.)
Творчество Поллока, Аршила Горки, В. де Кунинга, Марка Родко, Жоржа Матье и других представляло собой наиболее влиятельное направление абстрактной живописи 40-50-х годов, возникшее в США - так называемый абстрактный экспрессионизм. Принцип его заключался в отказе от предварительного замысла и планомерно построенной формы. Художник культивировал спонтанную манеру письма и свободные импровизации на холсте.
Перерастая в искусство постмодернизма, `искусство действия` приобретает более выраженные формы. Например, хеппенинг - это наиболее распространенная форма `искусства действия`. В основе его лежит незапланированное действие, осуществляемое художником при участии присутствующей публики, когда как бы стирается грань между реальностью и художественным творчеством.
Другая форма `искусства действия` перформанс - состоит в исполнении определенных заранее спланированных действий перед собравшейся публикой. Но в отличии от хеппенига в нем наличествует определенный заранее заготовленный сценарий. Кроме того в перформансе не принимает активное участие публика, довольствуясь лишь ролью зрителя.
Акция - так, обобщая, называют `искусство действия`, заменяющее художественное произведение жестом, разыгранным представлением или спровоцированным событием. Своими корнями `искусство действия` уходит в первые десятилетия двадцатого века, в творчество футуристов, дадаистов и сюрреалистов. Расцвет искусства действия приходится на 60-70 годы. В нем реализуется одна из ведущих идей модернизма о процессуальном характере искусства. `Искусство действия` квинтэсенция идеи о превалировании творческого акта над его результатом, с другой стороны оно воплощает другую характерную тенденцию искусства 20-го века - стремление уничтожить грань между искусством и действительностью, растворить художественный жест в окружении, спонтанно протекающих процессах жизни.
© 2006-2018 www.ExPoster.ru - Картины репродукции: акварели, портрет, рисунки, декор и прочее современное искусство. При использовании материалов с сайта ссылка на первоисточник обязательна!
www.exposter.ru
Абстрактный экспрессионизм — МегаЛекции
Абстрактное искусство. Мифология первоэлементов формы
Абстракционизм(от латинского abstractus – удаленный, отвлеченный) весьма широкое направление в искусстве XX столетия, возникшее в начале 1910-х в нескольких странах Европы. Основоположники абстракционизма — художники Василий Кандинский и Казимир Малевич, Пит Мондриан, Пауль Клее, Робер Делоне, Франтишек Купка.
Истоки:
Абстракционизм возник на основе таких течений как кубизм, футуризм и экспрессионизм. Возникновение абстракционизма связано с трансформацией мировоззрения начала ХХ века. Увлечение метафизическими идеями охватило философию, литературу, живопись. Стремление выразить невыразимое, передать ощущение единства души и материи, вселенной и человека – потребовало от художников нетрадиционного языка. «Пока искусство не освободилось от предметности, оно осуждает себя на рабство» - Р. Делоне.
Для абстракционизма характерно:
- использование исключительно формальных элементов для отображения реальности, где имитация или точное отображение действительности не было самоцелью
- абстрактная скульптура, живопись и графика исключают ассоциацию с узнаваемым предметом
- абстракционизм становится «искусством в себе». Без подражания действительности он становится самостоятельной реальностью
- стремление к «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации
- основным принципом абстрактного направления является отрицание изобразительности – разрушение реального зрительного образа и соответствующей этому образу эстетики.
- цвет превращается в средство, направленное против материальной предметности
- изобразительные средства абстракционизма заключаются в свободной игре красок, на тонких модуляциях, ритмах, равновесии, колебаниях и других сочетаниях. Использовались линии, фактуры, геометрические фигуры, упрощение фигур и деталей, тяготение цветов к 7 основным
§ Абстракционисты тяготели к «объективированным» формам творчества: архитектуре, художественному конструированию, прикладному искусству. Так, Кандинский преподавал в Баухаузе. Малевич проявлял интерес к архитектуре и художественному конструированию. Мондриан был крупной фигурой в группе голландских конструктивистов «Де Стейл». Делоне занимался прикладным искусством. Такое, казалось бы, неожиданное смыкание устремленного «вверх», в запредельный мир идеализма с самыми «низовыми», предметными формами художественной деятельности должно найти себе объяснение в идеалистических социальных программах, на которые опирался русский, немецкий и голландский конструктивизм. Важным шагом в структуре экспрессионизма стали цветные рельефы с живописными плоскостями, размещенные под разными углами друг к другу. От этого впоследствии берет начало направление дизайна, оформления и композиции предметно-пространственной среды.
§ Абстракционисты считали, что создают еще невиданный в мире тип искусства, и создают его, начиная с нуля.В этом смысле их субъективные намерения были позитивными: строить, а не разрушать, особенно упорно прокламировал эту идею Робер Делоне, полагавший, что с кубизмом и футуризмом кончилась эпоха разрушений, «живописи бедной, истерической, конвульсивной», — «эпоха интеллектуалов, занимавшихся живописью по-дилетантски», и настала пора творить чистое, здоровое искусство: «Это великий таинственный процесс современности: от разрушения к созиданию».
В абстракционизме можно выделить два основных направления:
- геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях:
§ конструктивизм (архитектоны Малевича)
§ конструктивный геометризм (Пит Мондриан)
- лирическая абстракция (абстрактный экспрессионизм (В. Кандинский), в которой композиция организуется из свободно текущих форм).
Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений:
Неопластицизм
Обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917—1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). В своей художественной практике один из основоположников направления Пит Мондриан отталкивался от аналитического кубизма, но путём отторжения всех фигуративных элементов свел его к «выражению чистой пластики» — прямым линиям, голым плоскостям и прямоугольникам «базовых цветов» (красный, жёлтый, синий) на нейтральном фоне (белый, серый, чёрный). Идеи художников «Стиля» оказали огромное влияние не только на архитектуру и живопись, но и на дизайн интерьеров и мебели, а также на типографское дело.
Характерны черты:
- чёткие прямоугольные формы, компоновка крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра: «Все больше и больше,- говорит Мондриан, - я исключал все кривые, пока мое произведение, в конце концов, не осталось только в рамках вертикальных и горизонтальных линий. Вертикали и горизонтали являются выражением двух взаимопротивоположных сил».
- избегание эмоциональности
- решительный антипсихологизм
- стремление к всеобщему и универсальному, поэтому – отказ от замкнутых форм, кривых линий
- в основе построений – прямолинейные конструкции из разной толщины линий и геометрических фигур, раскрашенных однотонной краской
- такие же строгие правила касаются и цвета: он должен быть плоским, основным и обусловленным
Абстрактный экспрессионизм
В. Кандинский
Вас. Кандинский. 1911 г. – «Синий всадник» (экспрес-м, Мюнхен). Наравне с Малевичем – создатель основ совр. ис-ва. «Первая абстрактная акварель» (1910), «Импровизация 11» (1910) и «Картина с кругом» (1911) – первые абстракт. работы.
Труд Кандинского «О духовном в искусстве» (опублик. в 1910, в России - 1911) – одна из самых влият. худ. теорий 20 в. Запрет зрителю ожидать от искусства удовлетворения его обывательских желаний («красота», «натуроподобие», «рассказ» и проч.). Требование судить творца по его намерениям, по степени «внутренней необходимости» его работ. «Та картина хорошо написана, которая живет внутренне полной жизнью. Также и "хорошим рисунком" является только такой, в котором ничего не может быть изменено без того, чтобы не разрушилась эта внутренняя жизнь совершенно независимо от того, противоречит ли этот рисунок анатомии, ботанике или другой науке. Здесь вопрос заключается не в том, не нарушается ли, не повреждена ли внешняя (а значит, всегда лишь случайная) форма, а только в том, нуждается ли художник в этой форме, как она существует вовне, или нет. Также и краски следует применять не потому, что они существуют или не существуют в этом звучании в природе, а потому, что именно в этом звучании они необходимы в картине. Короче говоря, художник не только вправе, но обязан обращаться с формами так, как это необходимо для его целей. И необходимым является не анатомия или что-либо подобное, не принципиальное пренебрежение этими-науками, а только полная неограниченная свобода художника в выборе своих средств, Необходимость эта есть право на неограниченную свободу, которая тотчас же становится преступлением, если она не основывается на этой необходимости. Для искусства это право является внутренним моральным планом».
НО: внутр. необх-ть недоказуема, и зритель не может ее измерить, так как она является, по сути, манипуляцией его – зрительским – восприятием.
Между средств. ис-ва и его воздействием устанавливается планомерная связь. Кандинский: «цвет является средством, которым можно непосредственно влиять на душу. Цвет - это клавиш; глаз - молоточек; душа - многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу. Таким образом ясно, что гармония красок может основываться только на принципе целесообразного затрагивания человеческой души. Эту основу следует назвать принципом внутренней необходимости».
Кандинский первым описал трехактовый метод раннего авангарда:
1. художник выделяет средства искусства (напр., формы и цвета).
2. ему открывается их бессознательно-знаковый характер.
3. художник строит из этих элементов новую знаковоую систему, чье воздействие уже находится по мнению авангарда, под полным контролем худ-ка.
"Художник скоро будет гордиться тем, что сможет объяснить свои произведения, анализируя их конструкцию". Если художник утверждает, что все его действия намеренны, то он не может быть обвинен в неудаче; так он приобретает неограниченную власть над зрителем. Кандинский первым взял эту власть.
Метод Кандинского – лирическая абстракция. Художник через рисование и черчение имитировал течение и глубину музыкального произведения, окрашенность отражала тему глубокого созерцания.
С 1909 г. Кандинский делит свои работы на «импрессии» (выраж. впечатл. от природы), импровизации" (выражение впечатлений от "внутренней природы", души) и "композиции" (пик сознательных творческих амбиций). Композиция — синоним творчества, преодоление искушения "человеческим, слишком человеческим" фрагментом и титаническое созидание целого; ее наивысшим воплощением является абстракция, хотя художник пришел к ней не сразу. В импровизациях еще видны силуэты лодок, воинов, ангела с мечом, контур Небесного Града, в композициях 1909-1912 годов — трубящие фигуры и падающие башни: это сцены Апокалипсиса. Распад указывает на то усилие отвлечения от материального, которое помогает художнику прозреть истинный облик мира. Поэтому вопрос, какая картина стала первой абстракцией Кандинского (на него нет ясного ответа), оказывается неверно поставленным: степень абстрактности определяется здесь способностью зрителя к аналогичному отвлечению, способностью "прозревать предмет" (слова художника). Кандинскому всегда хотелось "не глядеть на картину со стороны, а самому вращаться в картине, в ней жить", и того же вращения — оно, как легко понять, делает затруднительным рациональное чтение форм, — требует он и от зрителя.Напр., «Москва. Красная площадь» (Москва 1),1916, Холст, масло, 51,5 х 49,5
На протяжении всей творческой жизни Кандинский создавал как абстрактные, так и фигуративные произведения. В зависимости от задачи мастер обращался к абстрактным или фигуративным формам или к их сложному сочетанию. Абстракция не была для Кандинского однажды принятым решением о строительстве нового мира, как для Малевича и его последователей; для него каждая картина была новым актом внутреннего созерцания, расфокусирования мысленного зрения (он серьезно занимался теософской медитацией). Картины Кандинского вплоть до 1920-х годов сохраняют намеки на изображения даже в самых радикальных работах, например, в двух огромных полотнах 1913 года — "Композиции VI" и "Композиции № 7" (ГТГ), каждая из которых представляет собой мрачное видение космического потопа. "Москва. Красная площадь" – своеобразный городской пейзаж, далекий от задачи передать вид площади. Пользуясь отчасти футуристическим методом передачи движения форм, он словно кружится, находясь в центре площади и показывая ее главные памятники. Художник писал, что особенно любит то состояние, когда солнце заходит и "плавит всю Москву в один кусок, звучащий как туба, сильной рукой потрясающей всю душу". Этот час заката – "последний аккорд симфонии, развивающей в каждом тоне высшую жизнь, заставляющую звучать всю Москву подобно фортиссимо огромного оркестра".
Он считал, что задача искусства – отскабливать с души человека покровы материального.
«Смутное»,1917, Холст,масло, 105 х 134
Кандинский активно занимался теорией искусства. Одной из интересовавших его тем была тема цвета. Художник изучал взаимосвязь цвета с формой. Форма может быть любой, но цвет не может существовать в качестве независимого от формы элемента. Кандинский считал, что каждый цвет выявляет определенный характер движения. Например, желтый акцентирует активное движение к зрителю и соответствует треугольнику. Красный проявляет только движение внутри себя. Это цвет "внутреннего кипения", и он воспринимается в форме квадрата. Синий выражает движение от зрителя, т.е. составляет полный контраст желтому, и его свойства созвучны кругу. В картине "Смутное" происходит драматическое столкновение центростремительных и центробежных сил, словно разбивающихся друг о друга, что вызывает ощущение тревоги, нарастающее по мере "вживания" в это произведение. Масса дополнительных цветов осуществляет своеобразную оркестровку главной темы – борьбы двух разнонаправленных сил, то усмиряя, то обостряя ее.
- размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного, в отличие от внешнего, случайного. Его идеи вдохновлены трудами Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера. "Художник - "царь" (как его называет Сар Пеладан" не только потому, что велика его власть, а потому, что велики и его обязанности. Раз художник является жрецом "прекрасного", то это прекрасное следует искать при помогли того же принципа внутренней ценности, который мы всюду находили. Это "прекрасное" можно мерить только масштабом внутреннего величия и необходимости, которые до сих пор всюду и всегда верно служили нам. Прекрасно то, что возникает из внутренней душевной необходимости. Прекрасно то, что прекрасно внутренне. Под этим прекрасным, само собою разумеется, не следует понимать внешнюю или даже внутреннюю общепринятую нравственность, а все то, что даже и в совсем неосязаемой форме совершенствует и обогащает душу. Поэтому, например, в живописи внутренне прекрасен каждый цвет, ибо каждый цвет вызывает душевную вибрацию, и каждая вибрация обогащает душу. И поэтому, наконец, внутренне прекрасным может быть все то, что внешне "уродливо". Так это в искусстве, так оно и в жизни. И поэтому во внутреннем результате, т. е. в воздействии на душу других, нет ничего "уродливого".
- художественное сознание в поисках всеобщего стремится к передаче зримых образов
- художника увлекали новые открытия, особенно в области познания свойств пространства и времени, бесконечности природных форм. Рациональный склад ума способствует, по мнению Кандинского, выработке абстрактного мышления
- использование символики цвета и линий: черный – выгоревший костер смерти, белый – чистота, красный - восхождение, желтый – кислый, как лимон, зеленый – символ жизни, голубой – бесконечность неба.
Орфизм (фр. orphisme, от фр. Orpһée — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х годов, образованное Р. Делоне, Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан. Генетически связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером.
Влияние живописи Сёра, Сезанна и Гогена.
- Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей. В эстетической концепции Делоне, в отличие от теорий основоположников абстракционизма Кандинского и Мондриана, идеалистическая метафизика отвергалась; основной задачей представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка.
- Робер Делоне считал своей главной задачей изображение хаоса цветовых пятен: «Я люблю прежде всего цвет, все люди любят прежде всего свет. Они изобрели огонь».«Драматизм, катаклизм… Это — синтез всего, что присуще эпохе разрушения. Пророческое видение. Также социальные отзвуки: война, крушение основ. Видение катастрофического проникновения, предрассудки, неврастения… Космические потрясения, желание очищения. Закопать старое, прошлое… Свет все деформирует, все разрушает… Больше геометрии. Европа рушится…»
- Делоне называл своим прямым предшественником Ж. Сёра,поскольку именно этот мастер сумел разложить картину на искрящуюся мозаику цветовых пятен. Художник сделал вывод, что только с помощью анализа цвета и света можно изменить материальную предметность мира, и это станет основой нового искусства.«Пока искусство не освободилось от предмета, оно осуждает себя на рабство. Это верно даже в тех случаях, когда явления света в предметной среде подчеркиваются без возвышения его до живописной самостоятельности».
- Из этого вытекала и задача нового искусства, как его понимал Делоне, — создание «архитектуры цвета» и его «динамической поэзии».
- художник настаивал на особой экспрессии сочетания красного и синего цветов. Он даже придумал ему особое название — «удар кулака».
Творчество Пауля Клее
Истоки и влияния:
- Редон, Сезанн, Энсор, Мунк, Ван Гог, Кандинский
- Клее несравненно более, чем его великие предшественники, предан плоскости, в то время как даже у Сезанна ощутимо дыхание пространства — пусть даже и впаянного в холст, но тугого, упругого, рвущегося в бесконечность, подобно рождающейся в космосе материи. У Сезанна — мир, прошедший через сознание и заново творимый на полотне, у Клее — хрупкая отрешенность, даже некая застенчивость наблюдателя, старающегося казаться добросовестным, по-детски непосредственным.
- Он не играет в детское восприятие, он стремится к нему со страстью искателя забытого, но бесконечно важного праязыка. Он искренне восхищался искусством детей, стараясь постичь непосредственность их интуитивного творчества и даже в какой-то мере использовать их эмоциональные ходы («Танцуй, чудовище, под мою сладкую музыку», 1922, МСГ). Известно, что Клее возвращался к идее «стать почти примитивом».
- Одилон Редон дал ему мощный импульс к пониманию глубинных образов подсознания. Но живопись Редона слишком осязаема, «телесна» для Клее. Страшное, лишь смутно угадываемое ощущается куда более значительным, нежели подробно описанное (известно, как усилился конец гоголевского «Вия», когда автор по настоятельному совету критика лишил чудовищ конкретного, детально изображенного обличья).
- Интеллектуализм и перенасыщенное сложными ассоциациями сознание избегают тягостной материальности редоновских фантомов. Боль, тревога, радость, предчувствия перемещаются в более разреженное, словно бы отчасти и освобожденное от гравитации пространство, где место не объемам, но беспокойной и красноречивой игре угловатых плоскостей, цветовым и пластическим намекам.
- спокойный и дружественный союз фигуративного и абстрактного
- строжайший вкус и взвешенность
- строгая ритмизованность его картин и рисунков вносит в пластические структуры Новейшего времени гармоническую ясность «золотого века»
- Игры подсознания в картинах Клее сложны и менее всего агрессивны. В его искусстве слишком много страдания и сострадания. Его трудно отнести не просто к одному, но даже к нескольким конкретным направлениям
- у Клее нет ни живописной агрессии, ни горькой страстности, но становление и «дада», и экспрессионизма, и сюрреализма, и беспредметной живописи немыслимо без Клее, как и без Пикассо.
- Клее обладал способностью показать реальный мир в отдаленных, почти одушевленных пластических ассоциациях, но он далек от могучей полифонии абстракций Кандинского.
- Его имя по праву занимает место среди первых мастеров беспредметного искусства — рядом с Кандинским, Малевичем, Мондрианом или Делоне. Но, создавая нефигуративные миры, он отнюдь не стремится создать некую внематериальную субстанцию.
- Реальность Клее — не предмет, но сознание (и здесь он сближается с Кандинским). У экспрессионистов — реальность, преобразованная страстью и болью и именно их выражающая. В абстракции — преодоление материального. У сюрреалистов — материализация подсознательного. Клее же создает поэтическую мифологию душевной жизни, пластическую и цветовую лирику бессознательных сфер.
- В 1914 году, одним из первых, не претендуя на теоретические открытия, он зафиксировал акт художественного «автоматизма»: с закрытыми глазами провел черту, стараясь передать видимое «мысленным взором», о чем глава сюрреализма Андре Бретон вспоминал даже через четверть с лишним века.
- «Вы мечтаете о том, чтобы покинуть это время, этот мир, эту действительность и войти в другую, более соответствующую вам действительность, в мир без времени... Вы ведь знаете, где таится этот другой мир и что мир, который вы ищете, есть мир вашей собственной души. Лишь в собственном вашем сердце живет та другая действительность, по которой вы тоскуете. Я могу вам дать только то, что вы уже носите в себе сами, я не могу открыть вам другого картинного зала, кроме картинного зала вашей души... помогу вам сделать зримым ваш собственный мир, только и всего». Это слова Пабло, героя Гессе, произнесенные в театре «Только для сумасшедших», где плата за вход — разум.
- Клее занимает мысль, что чудовищность мира способствует абстракции (покой — фигуративности).
- Влияния столь же очевидны, сколь преходящи. Есть смутные отзвуки фовистского цвета, сезанновской плотной напряженности и кубистической структурированности в мощнейшей по колориту акварели «Красные и белые купола» (1914).
- Густое полыхание багровых оттенков, темные — не рушащие плоскость — провалы в бесконечность, но сквозь эту живописную лаву просматривается хрупкая линеарность ожившего рисунка, сделанного то ли рукой искушенного художника-мудреца, то ли гениального младенца,— частый прием Клее. Он мерит взрослое встревоженное сознание нежной мудростью незабытой сказки. Но и в сказки («Чары рыб», 1925, Музей искусства, Филадельфия) он вплетает инфернальную тревогу. Эта картина примечательна и тем, что среди мерцающих силуэтов волшебных рыбок живут персонажи кубистического мира.
- Картины Клее, объединяемые названием «Магические квадраты» быть может, самые емкие и личностные его создания. Вероятно, это и есть синтез свободной абстракции и потока сокровенных ассоциаций, соединения воспоминания с непосредственным впечатлением, реализуемой в простых, «первичных» формах.
- отсутствие понятия гравитации, верха и низа, линейно-классической перспективы
- В работе «Вращающийся дом» окна здания спроецированы наружу, дом виден одновременно с улицы и изнутри, но это не просто кубистическая растяжка объема во времени. Здесь - «картинный зал души», видимое, синтезированное со знаемым, перевернутый, опрокинутый внутрь души мир. У Клее нет безысходности, отчаяния, распада.
- Сама идея хаоса, которую он ощущает как опасность страха и незнания, по определению исключается из его искусства.
- Клее устремлен в себя. Он обращается к подсознанию не с ужасом или болезненным интересом, но со светлой улыбкой.
megalektsii.ru
