Музей ЧерномырдинаСамые дорогие картины русских художников. Кандинский самая известная картина
цены, фото произведений Малевича, Кандинского, Шагала и других.
Картины русских мастеров прошлых столетий на аукционах появляются нечасто. Интерес, напротив, растет из года в год. К примеру, в Лондоне, признанной мировой столице антикварной торговли, проводятся русские аукционные недели. Борьба за полотна разворачивается нешуточная, счет идет на миллионы. Наталья Летникова изучала итоги торгов.
60 млн долларов — абсолютный аукционный рекорд среди русских художников. И принадлежит он картине «Супрематическая композиция» Казимира Малевича. Судьба «синего прямоугольника поверх красного луча» непростая. Путешествие по выставкам Европы, хранение у немецкого архитектора Гуго Геринга и в Амстердамском музее. После 17 лет судебных тяжб картина вернулась к наследникам Малевича… и ушла с молотка. Самую известную работу отца супрематизма — один из четырех «Черных квадратов» — можно увидеть в Эрмитаже.
23 млн долларов — за эскиз. Сумма не удивляет, когда речь идет о работе основоположника абстракционизма Василия Кандинского — «Эскиз к импровизации № 8». Полотно, рассказывающее о жизни Киевской Руси, более полувека находилось в коллекции швейцарского Благотворительного фонда братьев Фолькарт. В России картины Кандинского представлены в Пушкинском музее.
16,5 млн долларов — в такую сумму на торгах была оценена «Шокко в широкополой шляпе», работа ближайшего соратника Василия Кандинского — Алексея Явленского.Он известен в первую очередь на Западе — под именем Alexej von Jawlensky. Самое большое российское собрание картин живописца находится в Омской картинной галерее. Полотна музею передал брат художника Дмитрий Явленский.
14 млн долларов выплачено на аукционе за авангардный «Юбилей» Марка Шагала. Картина золотого периода мастера, его любимый сюжет — полет вместе с женой Беллой.Уроженец Витебской губернии приехал в Петербург учиться живописи с 27 рублями в кармане и стал поистине гражданином мира, сохранив в творчестве любимые витебские мотивы: коврики, занавески, патефон на столе.Работы Шагала есть среди экспонатов Третьяковской галереи.
12 млн долларов отдано за «Труды Богоматери» Николая Рериха — центральное полотно в триптихе, включающем картины «Богоматерь Орифламма» и «Богоматерь Защитница».Уменьшенные вариации работы находятся в музеях Нью-Йорка и Риги. Произведение попало на аукцион после пребывания в собрании таинственного ордена розенкрейцеров. На родине художника открыты сразу несколько музеев его памяти. Самый необычный — в горно-алтайском селе Верх-Уймон, на пути знаменитой Центрально-Азиатской экспедиции.
10 млн долларов — в такую сумму обошелся «Маленький ковбой» Николая Фешина. Портретист, воспитанный казанским резчиком иконостасов, окончил Академию художеств в мастерской Ильи Репина, но половину жизни прожил в Америке.Работы живописца двух континентов есть в коллекциях более 30 музеев мира. В России с творчеством Николая Фешина можно познакомиться, посетив, к примеру, Музей Академии художеств.
10 млн долларов — за такие деньги ушла с аукциона «Испанка» Наталии Гончаровой. Увлечение художницы испанской темой отразилось на холсте в образе танцовщицы. Наталия Гончарова участвовала в выставках «Бубновый валет», «Ослиный хвост», рисовала для Дягилевских сезонов, да так и осталась в Париже. Картины правнучатой племянницы жены Пушкина представлены в Русском музее.
7,5 млн долларов — на эти деньги, вырученные от продажи картины Ильи Репина «Парижское кафе», можно купить не одну кофейню на Монмартре. Работу считают нехарактерной для кисти Репина, относя сюжет и манеру письма к импрессионизму. Этой работой Репин опередил свое время. И Ренуар, и Мане писали парижан на отдыхе уже после показа «Парижского кафе» на выставке во французской столице. Ощутить творческую атмосферу мастерской великого художника можно в Доме-музее И.Е. Репина
7 млн долларов — за «Натюрморт с фруктами» Ильи Машкова. Картина «московского варвара», ученика Серова, Коровина, Васнецова, была в частной коллекции и выставлялась около ста лет назад. Машков, бунтарь от искусства, заявлял вместе с обществом «Бубновый валет»: «В «чудачестве» есть своя опасная прелесть, к которой некоторые так привыкают, что всю жизнь не могут с ней расстаться!»Художник подолгу жил в Абрамцево. В знаменитой усадьбе и сейчас хранятся полотна Ильи Машкова.
7 млн долларов отдано за «Извозчика» Бориса Кустодиева. Работа изначально служила афишей выставки русского искусства 1924 года в Нью-Йорке. Кустодиев решил посвятить жизнь искусству еще в детстве — так его впечатлили передвижники. В тот момент он никак не мог предположить, что спустя годы получит приглашение от своего кумира, Ильи Репина, принять участие в работе над полотном «Торжественное заседание Государственного совета». Знаменитая картина находится в собрании Русского музея.
«Извозчик». Борис Кустодиев. 1923 г.
«Натюрморт с фруктами». Илья Машков. 1910 г.
«Парижское кафе». Илья Репин. 1875 г.
«Испанка». Наталия Гончарова. 1916 г.
«Маленький ковбой». Николай Фешин. 1940 г.
«Труды Богоматери». Николай Рерих. 1933 г.
«Юбилей». Марк Шагал. 1923 г.
«Шокко в широкополой шляпе». Алексей Явленский. 1910 г.
«Эскиз к импровизации № 8». Василий Кандинский. 1909 г.
«Супрематическая композиция» . Казимир Малевич. 1916 г.
www.culture.ru
Василий Кандинский: картины, биография
Творчество Василия Васильевича Кандинского (1866-1944)
В 1910 году Василий Кандинский создал акварель — хаотичное размещение красочных пятен и линий, ничего не изображающих и не обозначающих. Так художник покончил с предметностью, которая, как он считал, мешала его картинам. С этого момента, с "часа" Кандинского, в искусстве 20 столетия стало развиваться новое направление, получившее название "абстрактное"; потом оно приобретало разные другие наименования ("чистое", "конкретное" и др.), существенно менялось по своим формам, нередко вызывая острые дискуссии. Тем не менее в некоторых своих разновидностях, пусть уже мало напоминающих об опыте 1910 года, абстрактное искусство существует и по сегодняшний день. Ничего не представляя, оно апеллировало к чувствам зрителя, стремясь дать ему новый опыт восприятия действительности, некую особую философию духа.
Стиль Кандинского приобрел известность благодаря многокрасочным полотнам, объединенным художником в циклы: "импровизации", "композиции" и "впечатления", нередко имеющие порядковые номера и подзаголовки. Период с 1909 по 1914 год был самым интенсивным, художник написал около двухсот картин, некоторые из них большого формата. Пятна цвета, то крупные, то мелкие, парящие в неведомом пространстве, словно сливаются или разбегаются; часто они оконтурены и имеют "мягкие", наподобие биологических, формы. Сверкающие, как молнии, зигзагообразные линии прорезают эти таинственные миры. Зритель словно погружается в атмосферу тайны, пятна как бы оживают, стремясь заманить зрителя в бездонные пространства, где они обитают. То, что отдельные пятна крупнее, другие меньше — не является знаком их реальной величины; такая живопись, как космос, топографически и хронологически неоднородна, погружение в нее должно зрителя "растворить", дать новый духовный опыт. Так, по крайней мере, виделось самому Кандинскому, о чем он рассказал в своих книгах "Взгляд назад" (1913, в русском переводе — "Текст художника") и "О духовном в искусстве".
"О духовном в искусстве" художник начал писать в 1910 году, хотя отдельные наброски появились раньше. Основные положения сводились к следующему. Кандинский полагал, что нарождается новая эра в развитии человечества, возникает раса людей будущего. Для них будет ценен мир внутреннего и духовного, сейчас закрытый "кошмаром материалистических воззрений". Однако он надеется, что "Великое Помело истории сметает сор внешнего с духа внутреннего". Формы зреют в душе художника, рождаются так же, как "миры и люди". Новое "чистое" искусство ведет к "духовному центру природы и человека". Вибрация, подобно звукам, пронизывает сверхчувствительным образом "мертвую материю", она составляет "музыку сфер", поэтому у каждой краски есть "свой голос": одни могут звучать как флейты, другие — как виолончель. Кроме того, краски, как живые существа, вызывают и непосредственные эмоции, где желтый может быть знаком бешенства, синий — печали, красный — мужественности и т. п.
Кандинский часто брался за перо (ему принадлежит свыше шестидесяти выступлений в прессе), чтобы пояснить свои замыслы. Философия его, конечно, наивна, наивна так, как только может быть у поэта. А Кандинский и был поэтом, и не только потому, что писал стихи, а потому, что поэтически воспринимал всю действительность, видел отражения одних свойств материи в других, ступени многих миров, раскрывающиеся один в другом. Он увлекался оккультными науками, теософией. Его рассуждения о "вибрациях", "космических законах", "всепроникающих лучах" опираются на эзотерические учения мистиков рубежа 19 — 20 веков, романтическую традицию и тексты французских и русских символистов. Есть прямые параллели в его текстах с мистическими учениями западных и индийских философов, рассматривающими вопросы о духовном сверхсозерцании, о космической эволюции "как манифестации духовного абсолюта" и борьбе астрального и материального миров. Но, естественно, живопись Кандинского не есть бессмысленная иллюстрация вневероисповедальных мистических утопий. Она выражает преклонение перед богатством мира с его ослепляющей красочностью, перед возможностью вызывать различные эмоции посредством оркестровки красок, звучащих как музыка. Он верил в единство всех искусств. Поэтому двенадцать гравюр, изданных в 1904 году, могут иметь название "Стихи без слов". Размышления о музыке были не случайны, так как Кандинский играл на виолончели, любил музыку Вагнера.
Известно, что Кандинский поздно обратился к профессиональным занятиям искусством, в тридцать лет отправившись в Мюнхен, чтобы учиться живописи. Однако отметим, что до этого, еще в 1880 году он приобрел первые в своей жизни краски и кисти. А увлечение цветностью мира начинается вообще чуть ли не с первых детских лет, когда трехлетним он с родителями побывал в Италии, запомнив на всю жизнь краски этой страны. Блистательные гимны цвета посвятил Кандинский Москве в своих автобиографических записках. Его сборник "Созвучия" 1913 года включал тринадцать поэм, многие из которых посвящены краскам желтой, белой, голубой.
До 1896 года Кандинский изучал римское и русское право, уделял внимание "рабочему вопросу". Он слышал "подземный грохот политических движений", но не это захватило его, властно проявилось желание стать художником. Большое значение имело увлечение этнографией, через которую он хотел "открыть тайники народной души". Поездка в Вологодскую губернию по поручению Московского общества естествознания, антропологии и этнографии дала большое впечатление о красочности быта русских крестьян, об особом чувстве пространства в избах и храмах, о декоративной силе орнамента. Не тут ли появился его "византинизм", отмечаемый впоследствии многими критиками? Через всю жизнь художник, как он сам говорил, "пронес любовь к глубокой сущности русского народа". В 1900-е годы он в декоративной манере писал фольклорные сюжеты, почерпнутые из истории и быта русского народа. Россия была его "первым" домом, Германия — "вторым". Затем волей судеб "третьим" стала Франция, где он скончался в местечке Нёйи-сюр-Сен близ Парижа.
В Мюнхене Кандинский недолго посещал мастерские Антона Ажбе, у которого встретил массу соотечественников, и Франца Штука. Уже в 1901 году он со своими сподвижниками создает группу "Фаланга". В этот момент ощутимо влияние символической традиции Беклина, Россетти, Сегантини, желавших во внешней форме раскрывать "внутреннее", и особенно югендстиля — немецкого стиля модерн, проповедовавшего в журналах интерес к "бессюжетной" орнаментации форм, к "жесту" линий, символике цвета. Кандинский много путешествует, посетив Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывает в Одессе и Москве. Свое искусство художник считал продолжением традиции мирового искусства. Он знал и ценил таких художников, как Грюневальд, Эль Греко, Делакруа, Уистлер; в русской традиции любил Поленова (его копировал), Репина и Левитана, вовсе не считая их "враждебными" своему творческому методу. Особым вниманием, как "духовидец", пользовался Рембрандт.
Вместе с Габриэль Мюнтер Кандинский снимает дом в местечке Мурнау, расписывает его интерьеры русским орнаментом, много читает. Среди современных художников особо оценил Клода Моне, с его картиной "Стог сена" он познакомился еще в Москве. Затем привлекали Сезанн, Матисс, Пикассо. В Мурнау он пишет пейзажи, яркие по цветовой силе, которая, правда, его не удовлетворяла. В 1909 году начинает работать над импровизациями, где все более зашифровывает реальные формы, вплоть до того, что вскоре они полностью исчезают. Кандинский вместе со своими сподвижниками создает "Новую ассоциацию художников" и, что более важно — объединение "Синий всадник" (в 1911 году, совместно с Францем Марком). Художники организуют ряд выставок, налаживают издание одноименного с объединением альманаха. В начале первой мировой войны Кандинский покидает Германию, и в декабре 1914 года появляется в Москве. С началом революции Кандинский активно включается в художественную жизнь обновленной России. Он участвует в создании Музея живописной культуры, преподает в Университете и во Вхутемасе. Когда при А. В. Луначарском в Наркомпросе был создан отдел ИЗО, Кандинский вошел в московскую коллегию, председателем которой был В. Е. Татлин. В мае 1920 года Кандинский выступает инициатором создания Инхука (Института художественной культуры), составляет программу науки, которая бы исследовала "аналитические и синтетические элементы искусств", то есть цвет, плоскость, объем, пространство, звук, время, движение, слово и их воздействие на психику. Однако "психологизм" теорий Кандинского заставил выступить против него "вещевиков" В. Ф. Степанову, А. В. Бабичева, А. М. Родченко, тяготевших к конструктивизму. Кандинский со своими сторонниками продолжил работу в Российской Академии художественных наук. Он делает доклады, печатает в журнале "Искусство" (1923, № 1) статью "К реформе художественной школы", присланную уже из Германии. Многие идеи, которые излагал в программе Инхука, художник использует уже в Баухаузе, где начинает профессорствовать в конце 1921 года после отъезда с родины до момента его закрытия нацистами. В 1933 году Кандинский переезжает во Францию.
Художник отказывается от своего раннего стиля абстракций; теперь его интересуют геометрические формы, четко обозначенные. Отражением новых идей стала книга "Точка и линия к плоскости", изданная в 1926 году. Это систематический анализ живописных элементов — линий и их исходного пункта — точки, сочетание "рисуночной формы" и "формы красочной", ритмов и пропорций, отношение углов, разработка плоскости. В основе этого имелась своя философия — "победа над злом в мире". Продолжая преимущественно заниматься станковой живописью, художник в духе времени обращает внимание и на производственные объекты, делает росписи чашек. В 1931 году Кандинский создает проект оформления музыкального салона, предложенного зодчим Мисом ван дер Роэ. В геометрическом стиле абстракций Кандинский больше внимания обращает на "игру" различных сочетаний фигур, иногда напоминая Пауля Клее, с ним дружившего.
За традицией Кандинского последовали многие художники; в 1930-е годы он — признанный лидер современного искусства, хотя в это время само абстрактное искусство как-то академизируется, склоняется к однообразным штампам. Казалось, что время его вообще должно вскоре закончиться. Однако прогноз этот не оправдался, и опыт Кандинского все еще продолжает привлекать молодых художников разных стран мира.
Комментарии пользователей Facebook и ВКонтакте. Выскажи мнение.
www.artcontext.info
Самые известные картины Кандинского — LeXNews
Вконтакте
Одноклассники
Творчество Василия Кандинского — это буквальное пошаговое отражение его жизненного пути. Все что чувствовал художник, внутренние переживания, восприятие жизненных реалий отображается в его картинах. С раннего детства у Кандинского бывальщины способности к живописи, однако он становиться юристом и удостаивается звания доцента с правом преподавать. Одно единственное событие переворачивает все его мировоззрение, и он решает сделаться художником. Будущий основатель собственного направления в абстракционизме, увидит творение Клода Моне. Он решает творить сам, изначально рисует в стиле импрессионизма. Самые популярные картины Кандинского приведены ниже.
10 Габриель Мюнтер за рисованием.
«Габриель Мюнтер за рисованием». Постимпрессионистская работа художника посвящена его ученице и возлюбленной. Он нарисовал ее со горбы, как она работает (рисует, творит) на фоне осеннего парка. Кандинский за всю свою творческую жизнь написал очень мало портретов, но свою возлюбленною представил в нескольких своих известных картинах. Лица Мюнтер не видно, но это не главное, внимание привлекает игра красок и как фигура художница ярко выделяется от окружающего фона. Габриель Мюнтер сыграла одну из основных ролей в становлении Кандинского абстракционистом. Даже после расставания с художником из-за основы первой мировой войны она сохранила его работы, оставленные им в Германии в доме Мурнау.
9 Синий всадник.
«Синий всадник». Довольно маленькое полотно художника (по сравнению с иными полотнами автора) относится к раннему периоду становления Кандинского художником. Но некоторые эксперты уже в этих работах видят предпосылки к абстракции, какая станет его стилем намного позже. Нечеткие очертания, вольные мазки передают идею автора, о не важности того, что изображено, главное что ощущает созерцатель картины. Это своеобразная философия художника переноситься на его рабы в стиле абстракционизма. Также как картина называлось творческое объединение, созданное совместно с Францем Марком. Но Кандинский никогда не связывал название объединения и своей знаменитой картиной.
8 Композиция VII.
«Композиция VII». Как и более ранние полотна этой логической цепи Композиция VII отдана теме апокалипсиса. Главной темой картины является – Страшный суд, однако отличает ее от Композиций V и VI обилие светлых красок. Картина отображает не угнетение, ужас и ужасы, наоборот, высвобождение души из материального бытия в светлый, лучший мир. Судя по записям, Габриель Мюнтер она написана всего за четыре дня, однако подготовительный процесс, популярного на весь мир полотна, занял много месяцев. Было сделано много набросков и точных планов, около 30 эскизов, кроме того масса набросков масло, акварелью, гравюры.
7 Несколько кругов.
«Несколько кругов». Создание этого известного полотна приходится на самый плодотворный этап в творчестве Кандинского. Это кульминация работ (может означать: Работа — функционирование какой-либо системы — механизма, биоценоза, организма или общности, — а также её части) художника с кругами в стиле абстракционизма. В этом же году Кандинский выпускает книгу своих суждений и дум об абстракционизме. В книге он рассуждает о музыкальных и эмоциональных эквивалентах красок. Картина написана 1926 году, когда знаменитый «Баухауз» переехал из Веймара в Дессау. До 1933 года пока к воли не пришли нацисты, художник написал более 300 акварелей и 160 картин маслом. Но «Баухауз» закрыли и Кандинский спешно переехал в Париж. Многие труды, написанные в этот период, были уничтожены.
6 Капризный.
«Капризный». Детство и юность Кандинского прошли в Одессе, в портовом городе. И во многих трудах художника можно проследить морскую тематику. Данная картина явное тому подтверждение. На первый взгляд образы на знаменитой картине вполне удобопонятные. В центре лодка или корабль, можно различить волны, рыб, команду и флаги, однако не стоит забывать, что это абстракционизм. Стоит немного по-другому взглянуть и это уже не морское корабль, а космическое и элементы все похожи на космические тела. Для кого-то это похоже на фантастическую рыбу. Эта картина Кандинского считается немного юмористической, шутливой по касательству к остальным работам автора.
5 Композиция VIII.
«Композиция VIII». Кандинский был глубоко верующим человеком, и это могло не отобразиться в творчестве художника. Являясь продолжением апокалипсической черты, создание картины (в живописи — произведение искусства, обладающее законченным характером (в отличие от эскиза и этюда) и самостоятельным художественным значением) пришлось на период, когда рациональное начало, строгость и логика преобладали в работах автора. Именно тогда он пишет свою знаменитую книжку «Точка и линия на плоскости», описывая психологическое значение каждой фигуры на картинах. Автор понимал, что для обывателя будет сложно понять всю глубину думы, поэтому рекомендовал не заострять внимание на каждой детали. Художник (человек, занимающийся изобразительным искусством, шире — всякий деятель искусства вообще) советует попробовать провести через себя эмоции исходящие от картины, прочувствовать музыку в конфигурациях и линиях.
4 Двое на лошади.
«Двое на лошади». Одна из ранних и известных работ Кандинского, на первый взгляд не имеет ничего общего с его немало поздними работами и стилем. Но и здесь можно заметить предпосылки в виде ярких пятен и линий. Не четкое изображение лиц людей намекает, что их эмоции — это не основная идея. От картины веет спокойствием и умиротворенностью. Направление движения указывает, что всадники возвращаются домой, они не управляют конем, он везет их сам. Такие намеки подают широкий простор для философских размышлений. Протекающая рядом река также намекает на бренность жизни.
3 Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими сферами.
«Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами». Знаменитая картина художника является переходным моментом в творчестве Кандинского от хаотичности к строгой геометрии. Кое-каким толчком в этом стала выставка его картин в 1912 году, холодно принятая критиками. Однако после выставки имя Кандинского стало популярно во всем мире. 1913 году создается «Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами». Художник начинает изучать отзывы зрителей сравнительно своих картин. Отмечает, какие фигуры и цвета оказывают на них положительные или отрицательные эмоции, какие ассоциации вызывает та или иная картина. Выявляет нюансы, не лишь радующие глаз, но и затрагивающие струны души.
2 Синее небо.
«Синее небо». После вынужденного переезда из Германии в Париж Кандинский опять возвращается к фигурной живописи. Но назвать ее таковой довольно трудно, так как это смесь с абстрактным искусством. Фигуры, линии и цвета дают явный намек на отвлечение. Картины в этом периоде отличаются своей шутливой формой. Изображенные на известной картине «Синее небо» некие существа заставляют усомниться, что это небосвод. Может быть, это море с плавающими в нем рыбами, кальмарами и медузами. Автор не дает определения этим существам, тем самым оставляя простор для фантазий. Любой зритель увидит то что ближе ему.
1 Вид Мурнау.
«Вид Мурнау». Долгое время Кандинский прожил в Мурнау со своей возлюбленной Габриель Мюнтер. Среди трудов художника множество известных картин с пейзажами, в которых он изображает свой дом и местную природу. Расположенный у подножья Альп, город и красота кругом вдохновляли художника. В картинах, созданных в этот период творчества Кандинского, уже прослеживаются отступления от фигурного изображения, игра линий и пятен сходит на первый план. Именно в этом месте художник переосмысливает свое творчество и больше задумывается о беспредметном искусстве. Однажды он видит полотно с удивительной игрой красок, но в сумерках не узнает свое картину, стоящую вверх ногами. Он понимает не важно, что изображено на картине, главное какие эмоции оно возбуждает у зрителя.
Вконтакте
Одноклассники
lexus22.ru
цены, фото произведений Малевича, Кандинского, Шагала и других.
Картины русских мастеров прошлых столетий на аукционах появляются нечасто. Интерес, напротив, растет из года в год. К примеру, в Лондоне, признанной мировой столице антикварной торговли, проводятся русские аукционные недели. Борьба за полотна разворачивается нешуточная, счет идет на миллионы. Наталья Летникова изучала итоги торгов.
60 млн долларов — абсолютный аукционный рекорд среди русских художников. И принадлежит он картине «Супрематическая композиция» Казимира Малевича. Судьба «синего прямоугольника поверх красного луча» непростая. Путешествие по выставкам Европы, хранение у немецкого архитектора Гуго Геринга и в Амстердамском музее. После 17 лет судебных тяжб картина вернулась к наследникам Малевича… и ушла с молотка. Самую известную работу отца супрематизма — один из четырех «Черных квадратов» — можно увидеть в Эрмитаже.
23 млн долларов — за эскиз. Сумма не удивляет, когда речь идет о работе основоположника абстракционизма Василия Кандинского — «Эскиз к импровизации № 8». Полотно, рассказывающее о жизни Киевской Руси, более полувека находилось в коллекции швейцарского Благотворительного фонда братьев Фолькарт. В России картины Кандинского представлены в Пушкинском музее.
16,5 млн долларов — в такую сумму на торгах была оценена «Шокко в широкополой шляпе», работа ближайшего соратника Василия Кандинского — Алексея Явленского.Он известен в первую очередь на Западе — под именем Alexej von Jawlensky. Самое большое российское собрание картин живописца находится в Омской картинной галерее. Полотна музею передал брат художника Дмитрий Явленский.
14 млн долларов выплачено на аукционе за авангардный «Юбилей» Марка Шагала. Картина золотого периода мастера, его любимый сюжет — полет вместе с женой Беллой.Уроженец Витебской губернии приехал в Петербург учиться живописи с 27 рублями в кармане и стал поистине гражданином мира, сохранив в творчестве любимые витебские мотивы: коврики, занавески, патефон на столе.Работы Шагала есть среди экспонатов Третьяковской галереи.
12 млн долларов отдано за «Труды Богоматери» Николая Рериха — центральное полотно в триптихе, включающем картины «Богоматерь Орифламма» и «Богоматерь Защитница».Уменьшенные вариации работы находятся в музеях Нью-Йорка и Риги. Произведение попало на аукцион после пребывания в собрании таинственного ордена розенкрейцеров. На родине художника открыты сразу несколько музеев его памяти. Самый необычный — в горно-алтайском селе Верх-Уймон, на пути знаменитой Центрально-Азиатской экспедиции.
10 млн долларов — в такую сумму обошелся «Маленький ковбой» Николая Фешина. Портретист, воспитанный казанским резчиком иконостасов, окончил Академию художеств в мастерской Ильи Репина, но половину жизни прожил в Америке.Работы живописца двух континентов есть в коллекциях более 30 музеев мира. В России с творчеством Николая Фешина можно познакомиться, посетив, к примеру, Музей Академии художеств.
10 млн долларов — за такие деньги ушла с аукциона «Испанка» Наталии Гончаровой. Увлечение художницы испанской темой отразилось на холсте в образе танцовщицы. Наталия Гончарова участвовала в выставках «Бубновый валет», «Ослиный хвост», рисовала для Дягилевских сезонов, да так и осталась в Париже. Картины правнучатой племянницы жены Пушкина представлены в Русском музее.
7,5 млн долларов — на эти деньги, вырученные от продажи картины Ильи Репина «Парижское кафе», можно купить не одну кофейню на Монмартре. Работу считают нехарактерной для кисти Репина, относя сюжет и манеру письма к импрессионизму. Этой работой Репин опередил свое время. И Ренуар, и Мане писали парижан на отдыхе уже после показа «Парижского кафе» на выставке во французской столице. Ощутить творческую атмосферу мастерской великого художника можно в Доме-музее И.Е. Репина
7 млн долларов — за «Натюрморт с фруктами» Ильи Машкова. Картина «московского варвара», ученика Серова, Коровина, Васнецова, была в частной коллекции и выставлялась около ста лет назад. Машков, бунтарь от искусства, заявлял вместе с обществом «Бубновый валет»: «В «чудачестве» есть своя опасная прелесть, к которой некоторые так привыкают, что всю жизнь не могут с ней расстаться!»Художник подолгу жил в Абрамцево. В знаменитой усадьбе и сейчас хранятся полотна Ильи Машкова.
7 млн долларов отдано за «Извозчика» Бориса Кустодиева. Работа изначально служила афишей выставки русского искусства 1924 года в Нью-Йорке. Кустодиев решил посвятить жизнь искусству еще в детстве — так его впечатлили передвижники. В тот момент он никак не мог предположить, что спустя годы получит приглашение от своего кумира, Ильи Репина, принять участие в работе над полотном «Торжественное заседание Государственного совета». Знаменитая картина находится в собрании Русского музея.
«Извозчик». Борис Кустодиев. 1923 г.
«Натюрморт с фруктами». Илья Машков. 1910 г.
«Парижское кафе». Илья Репин. 1875 г.
«Испанка». Наталия Гончарова. 1916 г.
«Маленький ковбой». Николай Фешин. 1940 г.
«Труды Богоматери». Николай Рерих. 1933 г.
«Юбилей». Марк Шагал. 1923 г.
«Шокко в широкополой шляпе». Алексей Явленский. 1910 г.
«Эскиз к импровизации № 8». Василий Кандинский. 1909 г.
«Супрематическая композиция» . Казимир Малевич. 1916 г.
www-test.culture.ru
33 САМЫЕ ДОРОГИЕ КАРТИНЫ РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ: shakko_kitsune
В начале декабря 2011 года на русских торгах в Лондоне были установлены новые ценовые рекорды. Подводя итоги года, VashDosug.ru составил список самых дорогостоящих работ художников России по результатам аукционных продаж.Если верить рейтингам, самый дорогой русский художник — Марк Ротко. Его «Белый центр» (1950), проданный за 72,8 млн. долл., вдобавок, занимает 12-е место в списке самых дорогих картин в мире вообще. Однако Ротко был евреем, родился в Латвии и уехал из России в возрасте 10 лет. Честно ли с подобной натяжкой гнаться за рекордами? Поэтому Ротко, как и других эмигрантов, которые покинули Россию, еще не став художниками (например, Тамару де Лемпицки и Хаима Сутина) мы из списка вычеркнули.
Еще одна оговорка: от каждого автора мы взяли по одному произведению — иначе одни и те же фамилии заполнили бы весь топ списка.
№ 1. Казимир Малевич — 60 млн. долларов
«Супрематическая композиция». 1916. (Sotheby’s, 2008)
Автор «Черного квадрата» — слишком важная персона, чтобы его произведения часто встречались в свободной продаже. Вот и эта картина попала на аукцион весьма сложным путем. В 1927 году Малевич, собираясь устроить выставку, привез из своей ленинградской мастерской в Берлин почти сотню работ. Однако его срочно отозвали на родину, и он оставил их на хранение архитектору Хуго Херингу. Тот сберег картины в сложные годы фашистской диктатуры, когда их вполне могли уничтожить как «дегенеративное искусство», и в 1958 году, уже после смерти Малевича, продал их государственному музею Стеделек (Голландия).
В начале XXI века группа наследников Малевича, почти сорок человек, начала судебное разбирательство — потому что Херинг не являлся юридическим владельцем картин. В результате музей отдал им эту картину, и отдаст еще четыре, которые наверняка вызовут фурор на каком-нибудь аукционе. Ведь Малевич — один из самых подделываемых художников в мире, а происхождение картин из музея Стеделек безупречно. А в январе 2012 года наследники получили еще одну картину с той берлинской выставки, отобрав ее у швейцарского музея.
№ 2. Василий Кандинский — 22,9 млн. долларов
«Фуга», 1914 (Sotheby's, 1990)
На аукционную цену произведения влияет его репутация. Это не только громкое имя художника, но и «провенанс» (происхождение). Вещь из знаменитой частной коллекции или хорошего музея всегда стоит дороже, чем работа из анонимного собрания. «Фуга» происходит из прославленного Музея Гугенхайма: однажды директор Томас Кренц вывел из состава музейных фондов этого Кандинского, картину Шагала и Модильяни, и выставил их на продажу. На полученные деньги музей зачем-то приобрел коллекцию из 200 работ американских концептуалистов. Кренца за это решение очень долго осуждали.
Это полотно отца абстракционизма любопытно тем, что установило рекорд в далеком 1990-м году, когда аукционные залы Лондона и Нью-Йорка еще не заполнили безрассудные русские покупатели. Благодаря этому, кстати, оно и не сгинуло в какой-нибудь очень приватной коллекции в роскошном особняке, а находится в постоянной экспозиции в частном музее Бейелеров в Швейцарии, где его может увидеть любой. Редкий случай для такой покупки!
№ 3. Алексей Явленский — 9, 43 млн. фунтов стерлингов
«Шокко в широкополой шляпе», около 1910 (Sotheby's, 2008)
Примерно 18,5 млн. долл. заплатил неизвестный покупатель за портрет, на котором изображена девушка из деревеньки под Мюнхеном. Шокко — это не имя, а прозвище. Модель, приходя в студию художника, каждый раз просила чашку горячего шоколада. Так за ней и прижилось «Шокко».
Алексей Явленский, пусть и ближайший соратник Кандинского — художник на родине не очень известный. А вот на Западе он пользуется заслуженной популярностью и, как видите, лишь немного отстает от приятеля по аукционным результатам. В историю искусства он вошел под измененным на немецкий лад именем Alexej von Jawlensky. Кстати, его возлюбленная, художница-экспрессионистка Марианна Веревкина, тоже малоизвестная у нас, вообще подписывалась как Marianne von Werefkin.
№ 4. Марк Шагал — 16,3 млн. долл
«Юбилей». 1923 (Sotheby's, 1990)
Еще одна покупка 1990-х годов, которая в наши дни оказалась бы намного дороже — и, как «Фуга» Кандинского — из музея Гугенхайма. Картина золотого периода Шагала на его излюбленный сюжет, который он будет повторять бесчисленное число раз — полет вместе с обожаемой женой Белой.
Картина называется «Юбилей» и датируется 1923 годом, но любопытно, что в знаменитом нью-йорском музее современного искусства МОМА с 1949 года хранится абсолютно такая же картина 1915 года под названием «День рождения». Какой именно семейный праздник здесь изображен — в принципе, неважно: главное, что семейная пара сливается в поцелуе.
№ 5. Наталья Гончарова — 6,43 миллиона фунтов
«Испанка». Ок. 1916 (Christie's's, 2010)
Амазонка авангарда — один из самых востребованных русских художников на арт-рынке. Ее работы обычно уходят очень дорого, и если б мы не решили брать от каждого автора по одной картине, то они заполонили бы весь список. Например, «Цветы» за 5,52 млн. фунтов, или «Негритянки» за 2,6 млн. фунтов, которую олигарх Доронин купил в подарок Наоми Кэмпбелл.
Популярность влечет за собой аферы и скандалы: недавно на Западе опубликовали две книги о Гончаровой, где специалисты Третьяковской галереи с удивлением нашли почти 300 работ, им совершенно не известных. Половина из них возникла буквально из ниоткуда, из какой-то частной коллекции. Со временем эти сомнительные картины наверняка тоже окажутся на аукционе. Эксперты горестно вздыхают: это вредно повлияет на продажи настоящих вещей художницы.
№ 6. Николай Фешин — 6,95 млн. фунтов
«Маленький ковбой». 1940 (MacDougall's, 2010)
Художник из Казани, ученик Репина, эмигрировавший в 1923 году в США, на родине хорошо известен разве что сотрудникам казанского музея, где хранится много его произведений. Стремительный взлет картины Фешина к такой высокой цене — одна из самых странных загадок 2010 года. Тем более, что той же весной эту работу купили за 600 тыс. долл. Любопытно, что сделка случилась не на таком уважаемом аукционе, как Christie's или Sotheby's, а на торгах молодого дома МакДугалл, который специализируется на русском искусстве и принадлежит семейной паре англичанина и русской. Сплетничали, что по-настоящему сделки и не было, и вся эта история — лишь пиар-ход, чтобы вздуть цены на художника.
№ 7. Илья Репин — 4, 52 млн. фунтов
«Парижское кафе». 1875 (Christie's, 2011)
Картины классика такого калибра, как Репин, в продаже оказываются крайне редко — они давно разошлись по музеям. Это полотно в 1916 году купил один шведский коллекционер, и с тех пор оно оставалось скрытым от глаз публики. За 95 лет его показывали только трижды — последний раз на предаукционной выставке в Москве.
Сценка из парижской жизни написана молодым художником, который уже заработал себе репутацию обличительными «Бурлаками», во время его учебы в Париже. Сейчас нам этого не понять, но на самом деле, изображенная сцена — крайне скандальна: женщина посмела явиться в кафе без сопровождения! Значит, это дама полусвета, падшая женщина... Джентльмены осуждающе смотрят на нее, покидая оскверненное место. Русские критики Репина обругали за такой фривольный сюжет и призвали вернуться к правильным «русским» народническим темам, что он и сделал. Обратите внимание — дама спокойна и безразлична к осуждению толпы. Но спустя 20 лет Репин переписал ее фигуру, придав ей стыдливое выражение — так картина становилась нравоучительной. Шведский владелец, сделав рентген, восстановил первоначальный вариант.
№ 8. Василий Поленов — 4,07 млн. фунтов
«Кто из вас без греха?». 1908 (Bonhams, 2011)
Авторское повторение знаменитой картины из Русского музея про Христа и грешницу чуть было не погибло из-за айсберга. Его собирались увести в Штаты на «Титанике». Но обошлось. В США картина все равно в итоге оказалась, причем на выставке-продаже. Американский филантроп подарил ее и вторую работу христова цикла, «Повинен смерти», одному университету, который в полной безвестности хранил их почти 80 лет. А в XXI веке, с удивлением глядя на рост цен на русские вещи, извлек из хранилищ и отдал на продажу.
Перед аукционом оба полотна ненадолго выставили в Лаврушинском. По официальной версии — чтобы привлечь внимание добрых спонсоров, вдруг они выкупят их для государственной галереи. На самом деле — чтобы перед торгами эти лоты «заразились» величием и блеском имени ГТГ и висящих в ней подлинников. Это не суеверие, а свойство массового сознания — и оно действительно работает. Обе картины ушли с молотка с огромным успехом. Купил их неизвестный покупатель, увы — не добрый спонсор.
№ 9. Константин Сомов — 3,7 млн. фунтов.
«Радуга». 1927 (Christie's, 2007)
В сладком предкризисном 2007 году продажа картины за такую колоссальную сумму стала сенсацией. Полотно оказалось самым дорогим произведением искусства, проданным на «русских торгах» — так называют несколько дней, когда в мировых аукционных столицах главные дома устраивают продажи только русского искусства. Кандинского и Малевича, например, продают на торгах импрессионистов и модернистов, вместе с художниками мирового значения. А авторов, известных только на родине, приберегают именно для таких продаж. Обычно они проходят в Лондоне, поэтому рекордные цены у большинства лотов в нашем списке — в британских фунтах стерлингов, а не в долларах.
№ 10. Илья Кабаков — 2,9 млн. фунтов
«Жук». 1985 (Phillips de Pury, 1998)
Первый представитель отечественного «современного искусства» в списке — легендарный Илья Кабаков, душа московского концептуализма. Мировую славу он завоевал уже в эмиграции. Внизу картины — детский стишок о том, как маленький мальчик хочет получить этого жука в свою коллекцию. По мнению арт-критиков этот текст «рифмуется» с ситуацией среди коллекционеров искусства: теперь сам Илья Кабаков и его работы стали такими жуками, которые собиратели мечтают получить в свою собственность.
№ 13. Борис Кустодиев — 2,84 млн. фунтов
«Деревенская ярмарка», 1920 (Sotheby's, 2009)
Симпатичный сюжет, повторение более крупной картины из Русского музея — работа ушла почти за 4,5 млн. долл. Рекорд оказался весьма кстати, чтобы поправить репутацию хорошего художника Кустодиева. Дело в том, что предыдущий триумф этого автора — картина «Одалиска» (3 млн. долл., Christie’s, 2005), которую купил коллекционер Фаберже Виктор Вексельберг, — оказалась подделкой. Аукцион, в принципе, дает 5-летнюю гарантию, однако тогда он уперся и отказался признать свою ошибку. Вексельберг потерял миллионы — а аукционные дома еще больше, потому что, говорят, олигарх обиделся и прекратил делать новые покупки.
№ 12. Александр Яковлев — 2,82 млн. фунтов
«Портрет художника Василия Шухаева в его мастерской», 1928 (Christie's, 2007)
Cамая известная картина мастера Серебряного века Яковлева — «Двойной автопортрет в виде Арлекина и Пьеро». Яковлев нарисовал себя в виде одного клоуна, а вторым клоуном его изобразил друг, художник Шухаев. Но на этом же портрете Шухаев изображен в более «цивильном» виде.
Картина, если честно, скучновата, не то что предыдущий аукционный рекорд Яковлева — две негритянки «Тити и Наранге, дочери вождя Эки Бондо» (2,5 млн. долл), написанная художником после вояжа по Сахаре и Экваториальной Африке. По количеству интересных «этнографических» вещей Яковлев вообще сравним с Верещагиным. А отчетливое влияние стилистики стиля ар деко делает их неподражаемыми.
№ 13. Владимир Баранов-Россине — 2,73 млн. фунтов
«Ритм (Адам и Ева)». 1910 (Christie's, 2008)
Еще один эмигрант, малоизвестный на родине — однако талант бесспорный. Баранов-Россине стал художником в Париже, после Октябрьской революции вернулся в Россию, в 20-х бежал обратно во Францию и, наконец, погиб в Освенциме. Эта авангардная картина принадлежит к числу лучших его работ. Кстати, вот еще один фактор, который влияет на ценообразование лота: в каталоге аукциона под репродукцией напечатано, что картина, кто бы ее ни купил, вскоре будет выставляться в Гамбурге, на экспозиции, посвященной Нижинскому. Читаем между строк: «у того, кто ее купит, есть шанс увидеть свою фамилию на этикетке на популярной выставке!». Оказывается, будущие выставки делают картину еще более заманчивой, чем прошедшие.
№ 14. Иван Айвазовский — 2,7 млн. фунтов
«Американские суда у скалы Гибралтара». 1873 (Christie's, 2007)
Главный русский маринист пользуется стабильной популярностью (если точнее, армянский — его полное имя Ованнес Айвазян). Средняя цена картины Айвазовского — примерно 1 млн. долл., эта же обошлась неизвестному покупателю в 5,3 млн. долл. Любопытно, что сам художник числил за собой примерно 6 тыс. произведений, теперь же по всему миру насчитывается более 60 тыс.
Расскажем о распространенном способе подделки: для того, чтобы сфальсифицировать работу дорогостоящего русского пейзажиста, берут работу его дешевого европейского современника и убирают оттуда все детали, выдающие происхождение. Такова, например, картина главы дюссельдорфской школы Андреаса Ахенбаха, проданная на кельнском аукционе в 2001 году и обнаруженная в Москве в 2003 году как работа Айвазовского.
№ 15. Василий Верещагин — 2,28 млн. фунтов
«Тадж-Махал. Вечер», 1874–1876 (Sotheby's, 2011)
Самое знаменитое произведение Верещагина — гора черепов «Апофеоз войны». Однако из своих азиатских путешествий художник привозил множество более мирных произведений — ярких пейзажей и зарисовок национальных типов. В 1890-х Верещагину организовали выставку в США. Эта картина тогда была продана за 1 тыс. долл. и в итоге оказалась прекрасным вложением денег. Среди других полотен Верещагина, недавно пошедших с молотка, — «Распятие на кресте у римлян» из серии, посвященной различным видам казни. Недавно ее продали за 1,7 млн. фунтов.
№ 16. Михаил Ларионов — 2,26 млн. фунтов
«Натюрморт с кувшином и иконой». 1910–1912 (Sotheby’s, 2007)
Работы Ларионова ценятся дешевле, чем произведения его жены Натальи Гончаровой. Она вообще была талантливей его, но брак был на удивление счастливым. И официально они оформили свои отношения примерно на 50-й год совместной жизни. Может быть, это один из рецептов?
Этот натюрморт в стиле примитивизм нельзя считать примитивным. Помимо гармоничного сочетания цветов, в нем еще скрыта глубокая символика. Кувшин (возможно, средиземноморская амфора) обозначает западную культуру, справа — среднеазиатский соусник. Между ними большая карта России. Икона — вероятно «Собор Архангела Михаила», небесного покровителя художника. Используя эти предметы, Ларионов рассказывает о том, что составляет его суть как личности.
№ 17. Михаил Нестеров — 4,3 млн. долл.
«Видение отрока Варфоломея». 1922 (Sotheby’s, 2007)
Авторское повторение одной из самых знаменитых русских картин эпохи символизма. Она в два раза меньше исходника, и в небесах художник добавил месяц. Оригинал, написанный в 1890 году, находится в Третьяковской галерее — копия же была сделана художником почти тридцать лет спустя. Очень хотелось кушать. А в советской России как раз собирали работы для отправки на американскую выставку-продажу. Американцы русское искусство 1920-х не очень поняли, многое осталось непроданным, но Нестеров оказался в числе счастливчиков. Позже на родине он все-таки найдет свою нишу и станет писать эталонные портреты советской интеллигенции.
№ 18. Борис Григорьев — 3,72 млн. долл.
Пастух в горах («Клюев-пастырь»). 1920 (Sotheby's, 2008)
Григорьев — еще один эмигрант, ранний период творчества которого пришелся на Серебряный век. Самое известное его произведение — гигантский портрет Мейерхольда во фраке, танцующего с собственной тенью в виде шута. Вскоре после создания этой картины Григорьев сбежит из Петрограда по водам Финского залива, а умрет в достатке на собственной вилле в Ницце.
Проданная картина входит в его знаменитый цикл «Расея», изображающей отечественное крестьянство первой четверти ХХ века. И, право, изображающей с такими рожами, что смотреть страшно. Здесь в образе пастуха явлен крестьянский поэт Николай Клюев, предтеча Есенина. Среди его стихов есть такие: «На припеке цветик алый Обезлиствел и поблек — Свет-детина разудалый От зазнобушки далек».
№ 19. Константин Маковский — 2,03 млн. фунтов
«Из повседневной жизни русского боярина в конце XVII века». 1868 (Sotheby’s, 2007)
Маковский — салонный живописец, известный огромным количеством головок боярышень в кокошниках и сарафанах, а также картиной «Дети, бегущие от грозы», которую одно время постоянно печатали на подарочных коробках шоколадных конфет. Его сладкие исторические картины пользуются стабильным спросом среди русских покупателей.
Тема этой картины — древнерусский «поцелуйный обряд». Знатным женщинам на Древней Руси не разрешалось покидать женскую половину, и только ради почетных гостей они могли выйти, поднести чарку и (самая приятная часть) позволить поцеловать себя. Обратите внимание на картину, висящую на стене: это изображение царя Алексея Михайловича, один из первых конных портретов, появившихся на Руси. Композиция его, хоть и была нагло скопирована с европейского образца, считалась необыкновенно новаторской и даже шокирующей для того времени.
№20. Святослав Рерих — 2,99 млн. долл.
«Портрет Николая Рериха в тибетском одеянии». 1933 (Christie's, 2009)
Сын Николая Рериха покинул Россию совсем подростком. Жил в Англии, США, Индии. Как и отец, интересовался восточной философией. Как и отец — писал множество картин на индийские темы. Отец вообще занимал огромное место в его жизни — он написал более тридцати его портретов. Эта картина создана в Индии, где клан обосновался в середине века. Картины Святослава Рериха появляются на аукционах редко, а в Москве произведения знаменитой династии можно увидеть в залах Музея Востока, которому авторы их подарили, а также в музее музее «Международный центр Рерихов», который располагается в роскошной дворянской усадьбе прямо позади Пушкинского музея. Оба музея не очень любят друг друга: музей Востока претендует и на здание, и на коллекции Центра Рериха.
№ 21. Иван Шишкин — 1,87 млн. фунтов
«Вид на остров Валаам. Кукко». 1860 (MacDougall's, 2010)
Главный русский пейзажист провел на Валааме три лета подряд и оставил множество изображений этой местности. Это произведение немного мрачновато и не похоже на классического Шишкина. Но это объясняют тем, что картина относится к его раннему периоду, когда он не нащупал свою манеру и находился под сильным влиянием дюссельдорфской школы пейзажа, в которой обучался.
Об этой дюссельдорфской школе мы уже вспомнали выше, в рецепте поддельного «айвазовского». «Шишкины» делаются по той же схеме, например, в 2004 году на Sotheby's был выставлен «Пейзаж с ручьем» дюссельдорфского периода живописца. Он оценивался в 1 млн. долл. и подтверждался экспертизой Третьяковской галереи. За час до продажи лот был снят — это оказалась картина другого ученика этой школы, голландца Маринуса Адриана Куккука, купленная в Швеции за 65 тыс. долл.
№ 22. Кузьма Петров-Водкин — 1,83 млн. фунтов
«Вася». 1922 (Christie's, 2010)
Портрет мальчика с иконой Богородицы был найден в частной коллекции в Чикаго. После того, как его передали аукционному дому, эксперты начали исследования, пытаясь установить его происхождение. Оказалось, что картина была на выставках в 1922 и 1932 годах. В 1930-х работы художника ездили по Штатам в составе выставки русского искусства. Возможно, именно тогда владельцы и приобрели эту картину.
Обратите внимание на пустое место на стене позади мальчика. Сначала автор думал написать там окно с зеленым пейзажем. Это бы уравновесило картину и по композиции и по цветам — трава бы перекликалась с зеленой туникой Богоматери (кстати, по канону она должна быть синей). Почему Петров-Водкин закрасил окно — неизвестно.
№ 23. Николай Рерих — 1,76 млн. фунтов
«Пришествие». 1922 (Sotheby’s, 2007)
Прежде чем навестить Шамбалу и начать переписываться с далай-ламой, Николай Константинович Рерих довольно успешно специализировался на древнерусской теме и даже делал балетные эскизы для «Русских сезонов» Дягилева. Проданный лот относится к этому периоду. Изображенная сцена — чудесное явление над водой, которое наблюдает русский монах, скорей всего — Сергий Радонежский. Любопытно, что картина написана в том же году, что другое видение Сергию (тогда отроку Варфоломею), фигурирующее в нашем списке выше. Стилистическая разница — колоссальна.
Рерих написал множество полотен и львиную долю из них — в Индии. Несколько штук он подарил индийскому института сельскохозяйственных исследований. Недавно два из них, «Гималаи, Канченджанга» и «Закат, Кашмир», появились на аукционе в Лондоне. Только тогда младшие научные сотрудники института заметили, что их ограбили. В январе 2011 года индусы обратились в лондонский суд за разрешением расследовать это преступление в Англии. Интерес воров к наследию Рериха понятен, ведь есть спрос.
№ 24. Любовь Попова — 1,7 млн. фунтов
«Натюрморт с подносом». (Sotheby’s, 2007)
Любовь Попова умерла молодой, поэтому прославиться, как другая амазонка авангарда Наталья Гончарова, не сумела. Да и наследие у нее поменьше — поэтому в продаже ее работы найти трудно. После ее смерти была составлена подробная опись картин. Этот натюрморт долгие годы был известен только по черно-белой репродукции, пока не всплыл в частной коллекции, оказавшись самым значительным произведением художницы в частных руках. Обратите внимание на жостовский поднос — может быть, это намек на вкус Поповой к народным промыслам. Она происходила из семьи ивановского купца, занимавшегося тканями, да и сама создала много эскизов агитационного текстиля на базе русских традиций.
№ 25. Аристарх Лентулов — 1,7 млн. фунтов
«Город в южной России», 1914-16. (Sotheby’s, 2007)
Лентулов вошел в историю русского авангарда запоминающимся изображением собора Василия Блаженного — не то кубизм, не то лоскутное одеяло. В этом пейзаже он пытается дробить пространство по похожему принципу, но выходит не так увлекательно. Собственно, поэтому «Василий Блаженный» в Третьяковской галерее, а эта картина — на арт-рынке. Все-таки когда-то музейщики имели возможность снимать сливки.
№ 26. Алексей Боголюбов — 1,58 млн. фунтов
«Вид на храм Христа Спасителя из Кремля», 1878 (Christie''s, 2007)
Продажа этого малоизвестного художника, пусть и любимого пейзажиста царя Александра III, за такие безумные деньги — симптом бешенства рынка накануне кризиса 2008 года. Тогда русские коллекционеры были готовы покупать даже второстепенных мастеров. Тем более, что первоклассных художников продают редко.
Возможно, эта картина отправилась в подарок какому-нибудь чиновнику: у нее подходящий сюжет, ведь Храм Христа Спасителя давно перестал быть просто церковью, и стал символом. И льстящее происхождение — картина хранилась в царском дворце. Обратите внимание на детали: кирпичная кремлевская башня покрыта белой штукатуркой, а холм внутри Кремля совершенно необустроен. Ну, а зачем было стараться? В 1870-х столицей был Петербург, а не Москва, и Кремль не являлся резиденцией.
№ 27. Исаак Левитан — 1,56 млн. фунтов
«Иллюминация Кремля», 1896 (Christie''s, 2007)
Совершено нетипичная для Левитана работа была продана на том же аукционе, что и картина Боголюбова, однако оказалась дешевле. Связано это, разумеется, c тем, что картина не похожа на «левитана». Авторство ее, однако, бесспорно, аналогичный сюжет есть в Днепропетровском музее. 40 тысяч лампочек, с помощью которых был украшен Кремль, зажгли в честь коронации Николая II. Через несколько дней случится ходынская катастрофа.
№ 28. Архип Куинджи — 3 млн. долл
«Березовая роща», 1881. (Sotheby’s, 2007)
Знаменитый пейзажист написал три подобные картины. Первая находится в Третьяковке, третья — в Государственном музее Беларуси. Вторая, представленная на аукционе, предназначалась для князя Павла Павловича Демидова-Сан-Донато. Этот представитель знаменитой уральской династии жил на вилле под Флоренцией. Вообще, Демидовы, став итальянскими князьями, развлекались как могли. Например, дядя Павла, от которого тот унаследовал княжеский титул, был так богат и знатен, что женился на племяннице Наполеона Бонапарта, и однажды в плохом настроении ее высек. Бедная дама с трудом смогла добиться развода. Картина, однако, к Демидову не попала, ее приобрел украинский сахарозаводчик Терещенко.
№ 29. Константин Коровин — 1,497 млн. фунтов
«Вид с террасы. Гурзуф». 1912 (Sotheby’s, 2008)
Импрессионистам присущ очень «легкий», размашистый стиль письма. Коровин — главный русский импрессионист. Он очень популярен среди мошенников; по слухам, количество его подделок на аукционах достигает 80%. Если картина из частного собрания была выставлена на персональной выставке художника в знаменитом государственном музее, то ее репутация упрочняется, и на следующем аукционе она стоит намного дороже. В 2012 году Третьяковская галерея планирует масштабную выставку Коровина. Может быть, там будут работы из частных собраний. Данный абзац — пример манипуляции сознанием читателя на примере перечисления фактов, не имеющих между собой прямой логической связи.
№ 30. Юрий Анненков — 2,26 млн. долл.
«Портрет А.Н. Тихонова», 1922 (Christie''s, 2007)
Анненков сумел эмигрировать в 1924 году и сделал на западе неплохую карьеру. Например, в 1954 году его номинировали на Оскар как художника по костюмам за фильм «Мадам де...». Наиболее известны его ранние советские портреты — лица кубистические, граненые, но совершенно узнаваемые. Например, он неоднократно рисовал таким образом Льва Троцкого — и даже повторил рисунок много лет спустя по памяти, когда журналу Times захотелось украсить им обложку.
Изображенный на рекордном портрете персонаж — писатель Тихонов-Серебров. В историю русской литературы он вошел, главным образом, своей близкой дружбой с Максимом Горьким. Настолько близкой, что, по грязным слухам, жена художника Варвара Шайкевич даже родила от великого пролетарского писателя дочь. На репродукции не очень заметно, но портрет выполнен в технике коллажа: поверх слоя масляной краски здесь идут стекло и штукатурка, и даже приделан настоящий дверной звонок.
№ 31. Лев Лагорио — 1,47 млн. фунтов
«Ночь над Невой. Санкт-Петебург», 1881 (Christie''s, 2007)
Еще один второстепенный пейзажист, почему-то проданный за рекордную цену. Одним из показателей успеха аукциона является превышение эстимейта («оценки») — минимальной цены, которую эксперты аукционного дома установили для лота. Эстимейт этого пейзажа был 300-400 тыс. фунтов., а продали его в 4 раза дороже. Как сказал один лондонский аукционер: «счастье — это когда два русских олигарха соревнуются за один и тот же предмет».
№ 32. Виктор Васнецов — 1,1 млн. фунтов
«Богатырь», 1920 (Christie''s, 2011)
Богатыри стали визитной карточкой Васнецова еще в 1870-х. Он возвращается к своей звездной теме, подобно другим ветеранам русской живописи, в годы молодой советской республики — и по финансовым соображениям, и чтобы снова почувствовать себя востребованным. Эта картина — авторское повторение «Ильи Муромца» (1915), который хранится в Доме-музея художника (на Проспекте Мира).
№ 33. Эрик Булатов — 1,084 млн. фунтов
«Слава КПСС», 1975 (Phillips de Pury, 2008)
Второй нынеживущий художник в нашем списке (еще Энди Уорхол сказал, что для художника лучший способ поднять цены на свои работы — это умереть). Эрик Булатов, кстати, это советский Уорхол, подпольный и антикоммунистический. Он работал в жанре соц-арт, который был создан советским андеграундом, как наш вариант поп-арта. «Слава КПСС» — одно из самых знаменитых произведений художника. По его собственным объяснениям, буквы здесь символизируют решетку, загораживающую от нас небо, то есть свободу.
Бонус: Зинаида Серебрякова — 1,07 млн.фунтов
«Лежащая обнаженная». 1929 (Sotheby’s, 2008)
Серебрякова любила рисовать обнаженных женщин, автопортреты и своих четверых детей. Этот идеальный феминистский мир гармоничен и спокоен, чего не скажешь о жизни самой художницы, которая с трудом вырвалась из России после революции и потратила много сил, чтобы вытащить оттуда своих детей.
«Обнаженная» — не картина маслом, а рисунок пастелью. Это самый дорогой русский рисунок. Столь высокая сумма, отданная за графику, сопоставима с ценами на рисунки импрессионистов и вызвала большое удивление у Sotheby's, которые начали торги с 150 тыс. фунтов стерлингов, а получили миллион.
Список составлен на основе цен, указанных на официальных сайтах аукционных домов. Эта цена складывается из чистой стоимости (озвученной, когда опускается молоток), и «премии покупателя» (дополнительного процента аукционного дома). В других источниках может быть указана «чистая» цена. Курс доллара к фунту часто колеблется, поэтому британские и американские лоты расположены относительно друг друга с приблизительной точностью (мы же не Forbes).
Дополнения и исправления нашего списка приветствуются.
shakko-kitsune.livejournal.com
Самые известные картины Кандинского | Kleinburd News
Творчество Василия Кандинского — это точное пошаговое отражение его жизненного пути. Все что чувствовал художник, внутренние переживания, восприятие жизненных реалий отображается в его картинах. С раннего детства у Кандинского были способности к живописи, однако он становиться юристом и удостаивается звания доцента с правом преподавать. Одно единственное событие переворачивает все его мировоззрение, и он решает стать художником. Будущий основатель собственного направления в абстракционизме, увидит творение Клода Моне. Он решает творить сам, изначально рисует в стиле импрессионизма. Самые известные картины Кандинского приведены ниже.
Габриель Мюнтер за рисованием
«Габриель Мюнтер за рисованием». Постимпрессионистская работа художника посвящена его ученице и возлюбленной. Он нарисовал ее со спины, как она работает (рисует, творит) на фоне осеннего парка. Кандинский за всю свою творческую жизнь написал очень мало портретов, но свою возлюбленною изобразил в нескольких своих известных картинах. Лица Мюнтер не видно, но это не главное, внимание привлекает игра красок и как фигура художница ярко отличается от окружающего фона. Габриель Мюнтер сыграла одну из основных ролей в становлении Кандинского абстракционистом. Даже после расставания с художником из-за начала первой мировой войны она сохранила его работы, оставленные им в Германии в доме Мурнау.
Синий всадник
«Синий всадник». Довольно маленькое полотно художника (по сравнению с другими полотнами автора) относится к раннему периоду становления Кандинского художником. Но некоторые эксперты уже в этих работах видят предпосылки к абстракции, которая станет его стилем намного позже. Нечеткие очертания, вольные мазки передают идею автора, о не важности того, что изображено, главное что чувствует созерцатель картины. Это своеобразная философия художника переноситься на его рабы в стиле абстракционизма. Также как картина называлось творческое объединение, созданное вместе с Францем Марком. Но Кандинский никогда не связывал название объединения и своей знаменитой картиной.
Композиция VII
«Композиция VII». Как и более ранние полотна этой логической цепи Композиция VII посвящена теме апокалипсиса. Главной темой картины является – Страшный суд, однако отличает ее от Композиций V и VI обилие светлых красок. Картина отображает не угнетение, страх и ужасы, наоборот, высвобождение души из материального бытия в светлый, лучший мир. Судя по записям, Габриель Мюнтер она написана всего за четыре дня, однако подготовительный процесс, известного на весь мир полотна, занял много месяцев. Было сделано много набросков и точных планов, около 30 эскизов, кроме того множество набросков масло, акварелью, гравюры.
Несколько кругов
«Несколько кругов». Создание этого известного полотна приходится на самый плодотворный период в творчестве Кандинского. Это кульминация работ художника с кругами в стиле абстракционизма. В этом же году Кандинский выпускает книгу своих суждений и мыслей об абстракционизме. В книге он рассуждает о музыкальных и эмоциональных эквивалентах красок. Картина написана 1926 году, когда знаменитый «Баухауз» переехал из Веймара в Дессау. До 1933 года пока к власти не пришли нацисты, художник написал более 300 акварелей и 160 картин маслом. Но «Баухауз» закрыли и Кандинский спешно переехал в Париж. Многие работы, написанные в этот период, были уничтожены.
Капризный
«Капризный». Детство и юность Кандинского прошли в Одессе, в портовом городе. И во многих работах художника можно проследить морскую тематику. Данная картина явное тому подтверждение. На первый взгляд образы на знаменитой картине вполне понятные. В центре лодка или корабль, можно различить волны, рыб, команду и флаги, однако не стоит забывать, что это абстракционизм. Стоит немного по-другому взглянуть и это уже не морское судно, а космическое и элементы все похожи на космические тела. Для кого-то это похоже на фантастическую рыбу. Эта картина Кандинского считается немного юмористической, шутливой по отношению к остальным работам автора.
Композиция VIII
«Композиция VIII». Кандинский был глубоко верующим человеком, и это могло не отобразиться в творчестве художника. Являясь продолжением апокалипсической линии, создание картины пришлось на период, когда рациональное начало, строгость и логика преобладали в работах автора. Именно тогда он пишет свою знаменитую книгу «Точка и линия на плоскости», описывая психологическое значение каждой фигуры на картинах. Автор понимал, что для обывателя будет сложно понять всю глубину мысли, поэтому рекомендовал не заострять внимание на каждой детали. Художник советует попробовать провести через себя эмоции исходящие от картины, прочувствовать музыку в формах и линиях.
Двое на лошади
«Двое на лошади». Одна из ранних и известных работ Кандинского, на первый взгляд не имеет ничего общего с его более поздними работами и стилем. Но и здесь можно заметить предпосылки в виде ярких пятен и линий. Не четкое изображение лиц людей намекает, что их эмоции — это не главная идея. От картины веет спокойствием и умиротворенностью. Направление движения указывает, что всадники возвращаются домой, они не управляют конем, он везет их сам. Такие намеки дают широкий простор для философских размышлений. Протекающая рядом река также намекает на бренность жизни.
Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами
«Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами». Знаменитая картина художника является переходным моментом в творчестве Кандинского от хаотичности к строгой геометрии. Некоторым толчком в этом стала выставка его картин в 1912 году, холодно принятая критиками. Однако после выставки имя Кандинского стало известно во всем мире. 1913 году создается «Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами». Художник начинает изучать отзывы зрителей относительно своих картин. Отмечает, какие фигуры и цвета оказывают на них положительные или отрицательные эмоции, какие ассоциации вызывает та или иная картина. Выявляет нюансы, не только радующие глаз, но и затрагивающие струны души.
Синее небо
«Синее небо». После вынужденного переезда из Германии в Париж Кандинский снова возвращается к фигурной живописи. Но назвать ее таковой довольно трудно, так как это смесь с абстрактным искусством. Фигуры, линии и цвета дают явный намек на абстракцию. Картины в этом периоде отличаются своей шутливой формой. Изображенные на известной картине «Синее небо» некие существа заставляют усомниться, что это небо. Может быть, это море с плавающими в нем рыбами, кальмарами и медузами. Автор не дает определения этим существам, тем самым оставляя простор для фантазий. Каждый зритель увидит то что ближе ему.
Вид Мурнау
«Вид Мурнау». Долгое время Кандинский прожил в Мурнау со своей возлюбленной Габриель Мюнтер. Среди работ художника множество известных картин с пейзажами, в которых он изображает свой дом и местную природу. Расположенный у подножья Альп, город и красота вокруг вдохновляли художника. В картинах, созданных в этот период творчества Кандинского, уже прослеживаются отступления от фигурного изображения, игра линий и пятен выходит на первый план. Именно в этом месте художник переосмысливает свое творчество и больше задумывается о беспредметном искусстве. Однажды он видит картину с удивительной игрой красок, но в сумерках не узнает свое картину, стоящую вверх ногами. Он понимает не важно, что изображено на картине, главное какие эмоции оно вызывает у зрителя.
[embedded content]
kleinburd.ru
Василий Кандинский - Лучшие картины художников
Василий Кандинский (1866-1944). Родился в Москве в семье коммерсанта. Родители Василия, люди образованные, поддерживали в нем интерес к живописи и музыке, но мечтали о карьере юриста для сына. Кандинский, с блеском окончивший юридический факультет Московского университета, остался там преподавать.
В 1896 году, посетив выставку французских импрессионистов, он был потрясен картинами К. Моне и, бросив все, уехал учиться живописи в Мюнхен, поступив в Академию художеств к Ф.Штуку. По окончании Кандинский путешествовал по Европе и Северной Африке, основал ассоциацию художников-авангардистов «Фаланга», экспериментировал в духе фовизма и постимпрессионизма, не переставая искать собственный стиль. В 1903 году он познакомился с художницей Габриэль Мюнтер, ставшей его единомышленницей и верной подругой. Они поселяются в Мурнау, в Баварии. Годы в Мурнау станут самыми плодотворными в творчестве художника, который придет к осмыслению и обоснованию беспредметного искусства («О духовном в искусстве», 1911). Согласно его учению, современное общество представляет собой модель пирамиды, в основании которой находятся люди материальные и примитивные, а на вершине — художники, властители умов и сердец, несущие свет искусства. Осознавая несовершенство и иллюзорность реального мира, художник должен переместить свой взгляд с действительности внутрь себя, в мир «под знаком Духа». Природные формы, служащие препятствием для творца, отвергаются. Он создает искусство, ориентированное на свое внутреннее зрение, а голос души подсказывает ему подлинную форму. К 1910 году относятся первые живописные опыты Кандинского в области беспредметности. Классифицируя абстрактные произведения, мастер различал среди них «импрессии», «импровизации» и «композиции» и так разъяснял заложенный в них смысл: импрессии возникают как непосредственная реакция на реальные явления, в основе импровизации лежит интуитивное чувство, а композиция вырастает из подготовительных эскизов. В абстрактных образах художник искал аналогию музыкальным впечатлениям. Музыка вообще была одной из причин, подвигнувших Кандинского к занятиям живописью. Однажды, слушая в Большом театре оперу Вагнера «Лоэнгрин», он увидел, как музыкальные звуки трансформируются в его сознании в цвета. Позднее мастер писал, что «накладывая на холст цветные линии и пятна, хотел заставить предметы петь с той силой, что была известна ему одному». Идеи Кандинского нашли отклик у других художников, совместно с которыми в 1911 году он создал объединение «Синий всадник», чьей целью было «разрушить преграды между различными видами искусств». Однако публика не приняла работы Кандинского, что повергло его в уныние.
С началом Первой мировой войны художник вернулся в Москву. После революции он активно занимался музейной и преподавательской деятельностью, но так и не смог ужиться с большевистским строем, отвергавшим его искусство. В 1922 году он уехал в Германию, куда его пригласили преподавать в Баухаузе. Здесь сложился новый живописный стиль Кандинского, названный им «лирическим геометриз-мом» и описанный в работе «Точка и линия на плоскости» (1926). Теперь его картины, напоминающие инженерные чертежи, представляли собой модели гипотетических миров. Имя художника становится всемирно известным, Кандинского провозглашают лидером новой, абстрактной живописи. С приходом к власти нацистов Баухауз закрывают, многие работы Кандинского уничтожаются, его творчество объявляют вырожденческим. Мастер переезжает во Францию и селится в Нёйи-сюр-Сен, под Парижем, где скончался 13 декабря 1944 года, оставив после себя богатое теоретическое и художественное наследие. Не имея прямых последователей, творчество Кандинского тем не менее оказало огромное влияние на развитие искусства XX века, навсегда изменив его облик.
vissage.ru
