Музей ЧерномырдинаСамые дорогие картины русских художников. Кандинский стоимость картин
 |
Марк Ротко № 6 (Фиолетовое, зелёное и красное) 1951 Цена - $186 млн год продажи - 2014 частные торги |
 |
Марк Ротко Оранжевый, красный, желтый 236х206см 1961 Цена - $86,882 млн год продажи - 2012 Кристис |
 |
Марк Ротко № 10 239.4х175.9 см 1958 Цена - $81,925 млн год продажи - 2015 Кристис |
 |
Марк Ротко Белый центр 1950 205.8х141см Цена - $72,8 млн год продажи - 2007 Сотбис |
 |
Марк Ротко №1 (Королевский красный и синий) 1954 Цена - $70,1 млн год продажи - 2002 Сотбис |
 |
Марк Ротко Без названия 1952 261.6х158.7 см Цена - $68 млн год продажи - 2014 Кристис |
 |
Казимир Малевич Супрематическая композиция 1916 88.5х71см Цена - $60 млн год продажи - 2008 Сотбис |
 |
Марк Ротко
Без названия 242.9х186.7см 1954 Цена - $46,45 млн год продажи - 2015 Сотбис |
 |
Марк Ротко
Без названия 236.5x203.5см 1961 Цена - $31,442 млн год продажи - 2011 Сотбис |
 |
Марк Ротко Без названия 176,2х222,3см 1954 Цена - $26,92 млн год продажи - 2007 |
 |
Василий Кандинский Белый звук 270х270см 1908 Цена - 23,3 млн год продажи - 2007 Сотбис |
 |
Без названия 1961 Цена - $22,440 млн год продажи - 2007 Сотбис |
 |
Марк Ротко Почитание Матисса 129,5х268,5см 1954 Цена - $22,416 млн год продажи - 2005 Кристис |
 |
Василий Кандинский Фуга 1914 129.5х129.5см Цена - $19,441 млн год продажи - 1990 Сотбис |
 |
Алексей Явленский Шокко в широкополой шляпе 75х65.1см 1910 Цена - $18,665 млн год продажи - 2008 Сотбис |
 |
Марк Ротко № 6 152х240см 1954 Цена - $17,368 млн год продажи - 2004 Сотбис |
 |
Хаим Сутин Портрет мужчины в красном шарфе 1921 100х70см Цена - £8,7 млн ($17,2 млн) год продажи - 2007 Сотбис |
 |
Каземир Малевич Супрематическая композиция Цена - $17,052 млн год продажи - 2000 |
 |
Марк Ротко № 9 266,7х421,6см 1958 Цена - $16,36 млн Кристис |
 |
Хаим Сутин Говяжья туша 1924 Цена - £7,848 млн ($15,2 млн) год продажи - 2006 Кристис |
 |
Марк Шагал Юбилей 1923 80х103см Цена - $14,850 млн год продажи -1990 |
.jpg) |
Марк Шагал Большой цирк 1956 Цена - $13,7 млн год продажи -2007 Сотбис |
 |
Наталья Гончарова Цветы 1912 93х72.7см год продажи - 2008 Цена - £5,5 млн (ок $10,9 млн) Кристис |
.jpg) |
Наталья Гончарова Сбор яблок 1909 год продажи - 2007 Цена - £4,948 млн (ок $9,9 млн) Кристис |
 |
Марк Шагал Русская деревня при луне 1911 Цена - $8,253 млн год продажи - 1999 |
 |
Константин Сомов Радуга 1927 60.3х73.7см год продажи - 2007 Цена - £3,716 млн ($7,433 млн) Кристис |
.jpg) |
Наталья Гончарова Испанка 1916 130,3х81,3см год продажи - 2010 Цена - $6,43 млн Кристис |
 |
Наталья Гончарова Колокольчики 1909 год продажи - 2008 Цена - £3,0445 млн (ок $5,97 млн) Сотбис |
 |
Илья Кабаков Жук 230х150см 1982 год продажи - 2008 Цена - $5,84 млн Phillips de Pury |
 |
Борис Кустодиев Деревенская ярмарка 1920 57,5х57,5см Цена - £2,84 млн год продажи - 2009 Сотбис |
 |
Александр Яковлев Портрет Василия Шухаева в его мастерской 97х131см 1928 год продажи - 2007 Цена - £2,820 млн ($5,611млн) Кристис |
 |
Марк Шагал Желтое кресло 81х112см 1911 год продажи - 1999 Цена - $5,503 млн Кристис |
 |
Алексей Явленский Карие глаза 68х55см 1912 год продажи - 2006 Цена - $5,5 млн Кристис |
 |
Владимир Баранов-Россине Ритм (Адам и Ева) 1910 202-293,3см Цена - £2,72 млн год продажи - 2008 Кристис |
.jpg) |
Иван Айвазовский Американский торговый флот за Гибралтарской скалой 109,3х132,3см 1873 год продажи - 2007 Цена - £2,708 млн ($5,422 млн) Кристис |
 |
Тамара де Лемпицка Портрет мадам М. 1932 99,5х64,8см год продажи - 2009 Цена - $5,4 млн Кристис |
 |
Константин Сомов Русская пастораль 1922 год продажи - 2006 Цена - $5,2 млн |
 |
Василий Кандинский Страшный суд 1910 Цена - $5,2 млн год продажи - 1995 |
.jpg) |
Василий Кандинский Вайльхайм-Мариенплатц 1909 Цена - $4,974 млн год продажи - 2007 Сотбис |
 |
Василий Кандинский Деревня в горах 1908 Цена - $4,953 млн год продажи - 2001 |
 |
Марк Шагал Скрипач и перевёрнутый мир 1929 Цена - $4,62 млн год продажи - 1989 |
 |
Михаил Ларионов Натюрморт с кувшином и иконой 98,5х131,5см 1910-1912 год продажи - 2007 Цена - £2,260 млн ($4,525 млн) Сотбис |
www.art-spb.ru
7 самых дорогих русских картин
За последние 10 лет работы известных русских художников побили многие рекорды мировых художественных аукционов. «Культура.РФ» рассказывает о самых дорогих отечественных картинах по сведениям этого года.
Марк Ротко. «Оранжевый, красный, желтый», 1969
86,9 млн долларов (Christie’s, 2012)
Маркус Яковлевич Роткович, родившийся в 1903 году в Витебской губернии, традиционно из года в год возглавляет все рейтинги продаж «русского искусства». В возрасте 10 лет он эмигрировал с родителями и вырос в США, где укоротил имя до Марк Ротко и стал знаменитым художником-абстракционистом. Ротко прославился как мастер «живописи цветового поля» — беспредметных абстракций, где главным выразительным средством был эффектный, энергичный цвет. А полотно Ротко «Оранжевый, красный, желтый» входит и в десятку самых дорогих картин в мире — после шедевров Пабло Пикассо, Густава Климта и Энди Уорхола.
Казимир Малевич. «Супрематическая композиция», 1916
60 млн долларов (Sotheby’s, 2008)
Абстракции Малевича попадают в свободную продажу крайне редко и обычно весьма сложными путями. Например, «Супрематическая композиция» отправилась на аукцион прямо из государственного музея. Дело в том, что в 1927 году Малевич, стремительно уезжая из Германии, оставил на хранение архитектору Гуго Герингу много работ, привезенных на выставку. В 1958 году наследники Геринга, веря в железный занавес, продали их в амстердамский музей Стеделик. А в 2008 году потомки Малевича отсудили у музея несколько шедевров, поскольку сделка была незаконной.
Хаим Сутин. «Бычья туша», около 1923
28 млн долларов (Christie’s, 2015)
Уроженец Смоленской губернии 20-летний Хаим Сутин переехал в Париж в 1913 году и стал признанным мастером парижской школы, объединившей живописцев из многих стран. Эта картина входит в серию с изображением подвешенных бычьих туш. Сутин писал мясо с натуры, покупая его на бойне, туши висели в мастерской по несколько дней, и он поливал их свежей кровью — для яркости. Соседи жаловались на запах и мух в полицию. Современные искусствоведы считают серию знаковой для современного искусства благодаря натуралистичности живописи и эмоциональному посылу.
Василий Кандинский. «Картина с белыми линиями», 1913
41,8 млн долл. (Sotheby’s, 2017)
Василий Кандинский написал эту абстрактную композицию в 1913 году для выставки в Германии, однако картина там так и не побывала — началась Первая мировая война. После Октябрьской революции 1917 года картина хранилась в фонде Музея живописной культуры на Волхонке, затем в Пензе, позже — в Третьяковской галерее. В 1974 году полотно оказалось у коллекционера Вильгельма Хака — он выменял работу Кандинского у советского правительства на письма Владимира Ленина. В 1970-х годах для своей коллекции Хак построил музей, там и хранилась «Картина с белыми лилиями» до самых торгов Sotheby’s.
Василий Кандинский. «Негнущееся и согнутое», 1910
23,3 млн долл. (Christie’s, 2016)
Картина относится к парижскому периоду творчества Кандинского, когда после переезда из Германии он глобально изменил палитру и добавил в нее нежные оттенки и серые тона. Кандинский писал, что его вдохновила атмосфера Парижа, которая напоминала о дождливых днях на родине, в Москве. Фигура в правой части картины, возможно, изображает сюжет похищения Европы быком-Юпитером. Сторонники этой теории даже опознают в фигуре в самом углу резвящегося морского конька.
Алексей Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)», около 1910
16,5 млн долларов (Sotheby’s, 2008)
Соратник Кандинского по берлинскому художественному обществу «Синий всадник» Алексей Явленский, покинувший Россию в 1896 году, считается одним из создателей немецкого экспрессионизма. На картине изображена девушка из деревеньки под Мюнхеном, чье настоящее имя неизвестно. Прозвище Schokko она заработала, каждый раз прося чашку горячего шоколада во время позирования в холодной студии. Картина была написана на доске, на обороте которой когда-то находился второй портрет девушки — «Шокко в красной шляпе». Художник сумел разделить доску, и «Шокко в красной шляпе» сегодня находится в нью-йоркской частной коллекции.
Валентин Серов. «Портрет Марии Цетлиной», 1910
14,5 млн долларов (Christie’s, 2014)
Произведения Серова так редко появляются в продаже, что покупатели за них едва ли не дерутся. Это полотно попало на аукцион при печальных обстоятельствах. Мария Цетлина, которая также была коллекционером, в 1959 году завещала свое собрание израильскому городу Рамат-Ган с тем условием, что новый музей русского искусства будет назван в честь нее и мужа. Хорошего здания у этого музея с годами так и не появилось, и в 2014 году муниципалитет города отдал портрет — самую дорогую картину унаследованной коллекции — на аукцион. Причем сделал это втайне и от горожан, и от местных депутатов. Однако картина Серова все же была продана за 14,5 миллиона долларов.
Автор: Софья Багдасарова
www.culture.ru
САМЫЕ ДОРОГИЕ КАРТИНЫ РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ
Марк РоткоРассуждая об искусстве и мировой живописи, я нередко задаюсь любопытными вопросами. Например — почему предметы искусства и полотна великих художников из года в год становятся все дороже? Каким образом или отчего в человеке зарождается всепоглощающая страсть к искусству, со временем перерастающая в любовь? Или вытекающий из этих вопросов — как открыть в себе коллекционера искусства?
Однажды, я даже прочел небольшую, но очень интересную статью — отрывок из книги арт — искусствоведа Алана Бамбергера: «Искусство покупать произведения искусства», и мне многое стало понятно. Из чего складывается цена на того или иного художника, или картину, как стать коллекционером и т.д.
Если говорить о коллекционировании предметов искусства, нужно понимать, что даже самые «громкие» публичные или анонимные приобретения — это в первую очередь вложение средств, тщательно продуманный поток инвестиций в предмет искусства. Все именно так — вначале деньги, большие деньги, а потом уже — любовь, страсть, привязанность, восхищение, или амбициозная показуха, фарс между кучкой богатеев — инвесторов, которых правильно называть — «узкий круг интеллигентов — ценителей».
В тот момент, когда искусство стало покупаться и продаваться, разговоры о возвышенных чувствах и пылкой любви к искусству в большей степени неуместны и наивны.
Глупо полагать, что когда вы впервые увидели картину Малевича «Черный квадрат», вами тот час овладела обезоруживающая страсть к большому искусству. Лично у меня вместо пылких чувств — был истерический хохот. Ведь только русский художник, с типичной и свойственной русским людям пытливостью ума и смекалкой, смог продемонстрировать всему миру, что «Это» когда-нибудь будет оценено примерно в 20 млн $. Сам Казимир Малевич даже надпись сделал «Битва негров ночью», которую только недавно обнаружили эксперты. «Черный супрематистский квадрат» Казимира Малевича — ключевое произведение искусства ХХ века — как вам? Ну да ладно…
Без какой-либо издевки и сарказма, лучше расскажу Вам о самых дорогих картинах русских художников за всю историю мирового искусства, которые были публично куплены-проданы на тех или иных аукционах.
1. $86,88 млн. Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое (1961)
Фото: Reuters, Alessia PierdomenicoМаркус Яковлевич Роткович — Маркус Ротковиц — Марк Ротко… 1903–1970. — один из самых загадочных художников современности. Родом из Двинска, Витебская губерния, Российская империя.
Его жизненный путь словно соткан из противоречий — в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и, безусловно, ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил, когда его работы называли абстрактными.
Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.
8 мая 2012 на торгах послевоенным и современным искусством Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое» 1961 года ушло за $86,88 млн с учетом комиссии.
Произведение происходит из собрания пенсильванского мецената Давида Пинкуса. Работу размером 2,4 × 2,1 метра Давид и его супруга Герри купили в Marlborough Gallery, а затем надолго отдали ее в аренду Филадельфийскому художественному музею. Картина «Оранжевое, красное, желтое» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.
2. $60,00 млн. Казимир Малевич. Супрематическая композиция (1916)
Казимир Северинович Малевич(1878–1935), безусловно, входит в пятерку наиболее ярких революционеров искусства XX века в мировом масштабе. Философ, новатор, разработчик новых теоретических подходов, идеолог супрематизма, ставшего визитной карточкой России на международной художественной арене. Работы Малевича — гордость лучших музеев мира и несбыточная мечта многих коллекционеров.
Венцом исследований Малевича можно назвать работу «Черный квадрат» 1915 года (в Третьяковской галерее хранится один из четырех сохранившихся вариантов).
Появление на открытых торгах работы столь высокого класса, как «Супрематическая композиция», — событие не просто исключительное, а единичное. Работы подобного уровня могут появиться на аукционных торгах только из музеев. Именно так и происходило в последние годы.
Супрематические картины Малевича отсуживались адвокатами наследников по линии реституции.
3 ноября 2008 года «Супрематическая композиция» (1916) была продана на Sotheby’s за $60 млн. Это первая из пяти картин, которые поступили в распоряжение наследников Малевича из голландского музея Стеделийк опять же в результате судебного решения по реституционному спору.
По мнению специалистов рынка, цена на эту работу Малевича могла бы быть еще выше. К сожалению, время проведения торгов пришлось на период разворачивающегося глобального финансового кризиса, когда еще не было определенности ни по его глубине, ни по продолжительности. Не исключено, что именно поэтому покупка шедевра Малевича прошла в относительно консервативном режиме, по цене, близкой к гарантированной ставке, заблаговременно сделанной иностранным покупателем.
Читайте также: МИСТИЧЕСКИЕ КАРТИНЫ РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ
3. $28,16 млн. Хаим Сутин. Бычья туша (ок. 1923)
Хаим Сутин (1893/1894–1943) — русский художник мирового значения, один из самых значительных представителей Парижской школы. Это имя долгое время было мало известно на родине. Сутин — уроженец Смиловичей, сейчас уже города, а тогда еврейского местечка в 27 км от Минска, десятый ребенок в семье портного. Художественный дар у Сутина открылся рано, но, как это часто бывает, к сожалению, не в том месте и не в то время. Мальчик начал рисовать то, что видел вокруг, а в ортодоксальной иудаистской традиции запрещено изображать людей и животных.
Сегодня можно уверенно очертить круг сюжетов, которые пользуются наибольшим спросом у коллекционеров. Кому-то не без оснований покажется, что композиции с бычьими тушами, забитой птицей, перекошенными лицами на портретах старух, нищих, простолюдинов выглядят отталкивающе. Но именно в этих вещах, где есть простор для больного сутинского красного, наиболее сильно выражается его яркий талант экспрессиониста.
Историки предполагают, что эти темы Сутин принес из воспоминаний о родном местечке. Такими он запомнил лица тех людей, тот быт:
«Однажды я увидел, как деревенский мясник отрезает голову птице и дает стекать крови. Мне хотелось закричать, но при виде довольного выражения его лица мой крик застрял в горле. Я все время чувствую там этот крик. Тогда, еще ребенком, я нарисовал грубый портрет моего учителя, я пытался избавиться от этого крика внутри меня, но напрасно. Когда я рисовал бычью тушу, я по-прежнему пытался выпустить его».
С 2007 года самой дорогой работой Хаима Сутина был метровый портрет «Мужчина в красном шарфе» 1921 года, проданный на Sotheby’s за £7,8 млн ($15,34 млн). Расстановку сил на рынке художника изменил аукцион Christie’s 8 мая 2013 года, где полотно «Маленький кондитер» было продано за $18 млн (без комиссии — $16 млн).
Последняя продажа, позволившая Хаиму Сутину шагнуть с 5-го на 3-е место нашего рейтинга, состоялась 11 мая 2015 года: на торгах Christie’s в Нью-Йорке полотно «Бычья туша» («Le Bœuf»), написанное около 1923 года, было продано за $28,165 млн (эстимейт $20–30 млн).
В период с 1923 по 1925 год Сутин написал серию из девяти картин с бычьими тушами. Сначала он писал натюрморты в Каннах, а позже — в новой просторной парижской студии, которую ему удалось снять на деньги от продажи картин своему новому покровителю, Альберту Барнсу.
Сутин подвешивал тушу на стену и писал натюрморты. И даже когда мясо начинало портиться, он не останавливался, а лишь просил ассистентку отгонять мух.
Соседи, естественно, начали жаловаться на вонь и вызвали полицию. По первой версии, Сутин пытался объяснить офицерам полиции, насколько искусство важнее обонятельных удовольствий. По другой — при виде людей в форме, которых он всегда боялся, он спрятался, предоставив разбираться с полицией своей ассистентке. После этого случая туши пришлось вымачивать в формальдегиде. Когда картины были закончены, Сутин, боясь отравить местных собак, предпочел закопать объекты своих натюрмортов в землю.
На сегодняшний день только три из девяти картин с тушами находятся в частных руках, и та, что ушла за рекордную сумму, является самой большой и наиболее выразительной.
Читайте также: «ДЕВОЧКА С ПЕРСИКАМИ» В. СЕРОВА ПОД МИКРОСКОПОМ
4. $23,04 млн. Василий Кандинский. Эскиз к «Импровизации № 8» (1909)
Василий Васильевич Кандинский (1866–1944) — признанный русский художник мирового значения. Собственно, его подлинно новаторские идеи определили один из основных векторов развития изобразительного искусства в XX веке. Кандинский считается «отцом абстракции» — художником, который в числе первых подошел к этому открытию и дал ему теоретическое обоснование.
В начале века появление абстракции было уже предопределено. «Деконструкция» классических принципов изобразительного искусства шла во всех направлениях, ставились тысячи художественных экспериментов. Так что идея витала в воздухе, и сразу несколько европейских художников последовательно продвигались к ней параллельными путями, находясь кто в шаге, кто в полушаге от нефигуративной живописи. На «авторское свидетельство» могут претендовать слишком многие. Поэтому не существует всеми признаваемой единой даты изобретения абстракции.
«Срывы» в абстракцию можно увидеть и в картинах Кандинского 1908–1909 годов, но именно импровизации Кандинского 1910 года, по мнению ряда специалистов, стали поворотным моментом в истории искусства. В отдельных работах именно этого года была окончательно разорвана связь с фигуративной живописью, удалены последние намеки на узнаваемые образы, появилась чистая абстракция. Не то чтобы расставание с фигуративной образностью в творчестве Кандинского произошло бесповоротно и навсегда (впоследствии он не раз к ней возвращался), но был перейден Рубикон в идеологии искусства.
Так вот, человек, в 30 лет круто развернувший свою жизнь, бросивший удачно развивающуюся карьеру юриста и решивший стать художником, уже к 44 годам перенаправил реку мирового художественного процесса. «Эскиз к “Импровизации № 8”» из коллекции благотворительного швейцарского Фонда Фолькарт был оценен в $20–30 млн и продан за $23 млн.
5. $18,59 млн. Алексей Явленский. Шокко в широкополой шляпе (ок. 1910)
Алексей Георгиевич Явленский (1864–1941) и Василий Васильевич Кандинский занимают соседние места в ценовом рейтинге для русского искусства — и это более чем символично. Для зарубежных ценителей живописи эти фигуры сопоставимы по своему вкладу в искусство, по своей роли в качестве идеологов экспрессионизма и абстракционизма. Другое дело, что в России Кандинский представлен в лучших музеях страны, а уроженец Торжка Алексей Явленский известен преимущественно специалистам, коллекционерам и ценителям.
В музеях его вещи можно увидеть лишь на редких привозных выставках, составленных из экспонатов зарубежных музеев и частных собранийи галерейных показах. Ну и конечно, русское имя запоминается по рекордным сводкам с ведущих аукционных площадок.
Алексей Явленский покинул Россию задолго до революции и не стал, как Кандинский или Шагал, приезжать из Германии для поддержки передовых идей в искусстве во благо интересов пролетариата. Потому в наших музеях и нет его работ, но роль художника при этом не умаляется.
Знаменитая картина «Шокко в широкополой шляпе» — картина другой эпохи. Шедевр экспрессионизма 1910-х, вещь, в которой хорошо заметно размывание фигуративной составляющей перед шагом в абстракцию. Картина, бесспорно, высокого художественного и исторического значения, «Шокко» — это еще и удивительный пример инвесторской удачи. Дело в том, что в данном случае имела место повторная продажа шедевра, причем недавняя, что позволяет оценить динамику роста цены, не апеллируя к незапамятным временам.
Известно, что предыдущий владелец приобрел «Шокко» на Sotheby’s в 2003 году за $8,3 млн. Цена 2008 года — £9,4 млн, то есть $18,59 млн, в 2,2 раза больше. Владелец заработал на этой картине примерно $10,3 млн за пять лет.
Случай нельзя назвать типичным, не все так дорожает, но и об уникальности речи нет. В целом же это иллюстрация того, как способны набирать в цене шедевры, особенно на фоне роста интереса к творчеству создателя.
Продолжение следует…
По материалам сайта «Инвестиции в искусство»
РЕКОМЕНДУЕМ:
ЗАГАДКИ ХУДОЖНИКА В. СЕРОВА — ПОРТРЕТ ГЕНРИЕТТЫ ГИРШМАН
7 САМЫХ ПЕРСПЕКТИВНЫХ МОЛОДЫХ ХУДОЖНИКОВ РОССИИ ПО МНЕНИЮ FORBES
ГОЛЫЕ НОГИ ЛЬВА ТОЛСТОГО
Нашли ошибку? Выделите ее и нажмите левый Ctrl+Enter.
moiarussia.ru
Кандинский на мировых аукционах
Имя Василия Кандинского (1866 - 1944) в историю мировой живописи вошло как основополагающее в абстрактном искусстве. Абстракционизм возник одновременно в разных странах в 1910-1913 годах. В это время в мире бурно начала развиваться фотография. Многие художники изменили свое отношение к классическому искусству.
Василий Кандинский с детства занимался живописью и музыкой, даже начал изучать юриспруденцию и экономику. Однако путь и выбор художественного направления предопределила его встреча с импрессионистами. На одной такой французской выставке в Москве в 1896 году Кандинского потрясли картины Клода Моне. Фигура и фон на его картинах представляли единое целое, в то же время создавалась целостность восприятия событий, зритель будто вовлекался в сюжет картины.
Эта «встреча» стала судьбоносной. В тридцать лет Василий Кандинский избирает путь художника. Художника-абстракциониста. Цвет и форма в его картинах возведены в абсолют. Каждую фигуру - куб, квадрат, круг, треугольник, мастер одаривает собственным звучанием. По его мнению, каждая форма имеет право на собственную жизнь.
Любой музей мира почтет за честь иметь в своей коллекции полотна революционера в искусстве Василия Кандинского. Только во Франции за 11 последних лет художник написал 144 картины, 250 акварелей и гуашей. Сегодня его работы украшают частные коллекции наследников его друзей. Работы хранятся в Государственном Русском Музее, Государственной Третьяковской Галерее, Музее Гуггенхейма, США, (Нью-Йорк), Центре Жоржа Помпиду во Франции (Париж).
Центру Помпиду основное ядро коллекции картин Василия Кандинского подарила его жена Нина. Она была моложе своего мужа на 30 лет. Трагически закончилась её жизнь в 1981 года, она была убита в Швейцарии.
Коллекцию галереи Lenbachhaus составляют картины Кандинского, подаренные музею другой женщиной его жизни, художницей Габриэль Мюнтер, с которой он был обручен с 1903 по 1916 годы.
Абстрактное искусство живо по сей день. Картины Кандинского на мировых аукционах бьют все рекорды продаваемости. Так, в 1990 году, время бума на авангард, его картина «Фуга» на всемирно известном аукционе Sotheby's была продана за $20,9 миллионов. Картину приобрел Фонд Бейелеров, любой желающий может увидеть это чудо авангардизма в музее фонда в Базеле (Швейцария).
На аукционных торгах Sotheby's в ноябре 2006 года картина Кандинского «Озеро Старнберг» была продана за 9 миллионов долларов.
Картина Василия Кандинского «Вайльхайм-Мариенплац», изображающая рыночную площадь небольшого городка в Верхней Баварии, ушла в частную коллекцию с аукциона Sotheby's в феврале 2007 года за 4,32 миллионов долларов.
А его известная картина «Белый звук», предпродажная оценка которой составляла 6-8 миллионов долларов, была продана на аукционе Sotheby's в 2007 году за рекордную даже для Кандинского сумму - $23,3 миллиона. «Белый звук» был написан Кандинским в 1908 году. Это был период увлечения художника творчеством немецкого поэта Стефана Георге. Белый звук как великое безмолвие...
Мировой финансовый кризис вносит свои коррективы. Инвесторы стараются осторожно вкладывать средства в мировые шедевры. Картина «Этюд к импровизации №3» (Studie zu Improvisation 3) Василия Кандинского продана осенью 2008 года за 16 миллионов 883 тысячи долларов на аукционе Christie's в Нью-Йорке. Предпродажная оценка полотна была в районе 15-20 миллионов долларов. Еще до ноября 2008 года полотна Кандинского считались самыми дорогими в мире. Однако аукцион в Нью-Йорке побил рекорд - «Супрематическая композиция» Казимира Малевича ушла за 60 миллионов долларов.
Аукцион Bonhams в Лондоне в рамках «русских недель» в конце ноября 2008 года продал раннюю картину Василия Кандинского «На берегу моря» (Au bord de la mer) за 120 тысяч фунтов стерлингов. До этого картина, изображающая романтическую барышню, хранилась в частной коллекции. Оценочная стоимость работы была в районе 100-150 тысяч фунтов стерлингов. По этой же самой на аукционе цене ушла картина морского пейзажа Ивана Айвазовского.
25 июня 2009 года аукционный дом Christie's в Париже проводил аукцион «Ценные старинные книги, книги художников и рукописи». Среди 276 лотов, представляющих несомненный интерес для коллекционеров всего мира был лот под номером 196 Кандинский В. «Звуки». Мюнхен. [1913]. Книга на бумаге Hollande van Gelder Zonen, подписанная Кандинским в оригинальном переплете. При предпродажной оценочной цене 25 -35 тысяч евро книга была продана за 25 000 евро.
24 сентября 2009 года на аукционе Sotheby's в Лондоне заявлены 8 лотов - ранние акварели и литографии Василия Кандинского. Предпродажные оценки составляют от 7 до 15 тысяч фунтов стерлингов.
В 2007 году в России учредили ежегодную премию Кандинского. Этот русский проект предполагает главный критерий выбора победителя - вклад художника в современное искусство, в его изменения. Премия Кандинского - независимый национальный проект, миссией которого является продвижение и развитие русского искусства, выявление новых направлений в нем. Не зря именно Василий Кандинский выбран в качестве знаковой фигуры. Революционер в искусстве, изобретатель абстракционизма, этакого арт-тренда ХХ века, ключевая фигура, посол европейского авангарда в России.
Жанна Пятирикова
Статьи по теме
www.luxemag.ru
Кандинский Василий Васильевич - Каталог картин. Цены.
Кандинский Василий Васильевич (1866-1944)
Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 семья осела в Одессе, здесь будущий художник закончил гимназию (1876-85). В 1885-93 (с перерывом в 1889-91) учился на юридическом факультете Московского университета. В 1889 ездил с этнографической экспедицией по Вологодской губернии, где углубленно знакомился с древнерусской иконописью и народным творчеством.
Около 1895 отказался от карьеры университетского профессора и полностью посвятил себя искусству. В 1897 поступил в школу А. Ашбе в Мюнхене, в 1900 учился у Ф. Штука в Королевской Академии художеств. В начале 1900-х гг. Кандинский много путешествовал по Европе и Северной Африке, приезжал в Россию, но постоянным местожительством избрал Мюнхен (1902-1908), затем деревню Мурнау в Баварских Альпах.
Период раннего творчества
В раннем творчестве Кандинского натурные впечатления служили основой для создании ярких красочных пейзажей, иногда с романтически-символической загруженностью сюжетов («Синий всадник», 1903). Середина и вторая половина 1900-х гг. прошли под знаком увлечения русской стариной; в картинах «Песня Волги» (1906), «Пестрая жизнь» (1907), «Рок» (1909) художник совмещал ритмико-декоративные черты русского и немецкого модерна (югендстиля ) с приемами пуантилизма и стилизацией под народный лубок. В части работ Кандинский развивал ретроспективные фантазии, свойственные мастерам круга «Мир искусства» («Дамы в кринолинах», масло, 1909, Третьяковская галерея). Художник синтетического склада, Кандинский работал также в сферах декоративно-прикладного искусства (эскизы женских украшений, мебельной фурнитуры), пластики (лепка в глине), экспериментировал с живописью по стеклу.
Возникновение абстрактных произведений
В 1910 создал первое абстрактное произведение и написал трактат, озаглавленный «О духовном в искусстве» (опубликован в 1912 на немецком языке, фрагменты русского варианта были прочитаны Н. И. Кульбиным в декабре 1911 на Всероссийском съезде художников в Петербурге). Выдвинув в качестве основополагающего фундамента искусства его духовное содержание, Кандинский считал, что сокровенный внутренний смысл полнее всего может выразиться в композициях, организованных на основе ритма, психофизического воздействия цвета, контрастов динамики и статики.
Абстрактные полотна группировались художником по трем циклам: «Импрессии», «Импровизации» и «Композиции». Ритм, эмоциональное звучание цвета, энергичность линий и пятен его живописных композиций были призваны выразить мощные лирические ощущения, сходные с чувствами, пробуждаемыми музыкой, поэзией, видами прекрасных ландшафтов. Носителем внутренних переживаний в беспредметных композициях Кандинского становилась колористическая и композиционная оркестровка, осуществленная живописными средствами — цветом, точкой, линией, пятном, плоскостью, контрастным столкновением красочных пятен.
Большое внимание художник уделял графике, в особенности гравюре на дереве. Экспрессивно-беспредметные графические композиции украсили немецкую книгу стихов Кандинского «Звуки» (1913).
Участник множества русских и европейских выставок, художник умел консолидировать вокруг себя единомышленников. В 1901 он создал в Мюнхене группировку «Фаланга», в 1909 возглавил «Новое художественное общество — Мюнхен», в 1911 был инициатором возникновения объединения «Синий всадник». В первом альманахе «Синего всадника» (1912) была помещена сценическая композиция Кандинского «Желтый звук» на музыку Ф. А. Гартмана — готовившаяся постановка, призванная синтезировать в органическом единстве цвет, свет, движение и музыку (не состоялась из-за начавшейся 1-й мировой войны).
В 1913 в Берлине вышла книга Кандинского «Живопись как чистое искусство» на немецком языке и альбом его работ (1901-1913).Русские годы
С началом войны Кандинский, российский подданный, вынужден был покинуть Германию. Возвратившись на родину через Швейцарию и Балканы, он поселился в Москве; в 1916 посетил Швецию, в 1917 Финляндию. Его живописные работы предреволюционных и революционных лет обладали широким стилистическим диапазоном: продолжая создавать экспрессивно-абстрактные полотна («Смутное», Третьяковская галерея, «Сумеречное», Русский музей, обе 1917; «Белый овал», 1920, Третьяковская галерея, и др.), художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи («Москва. Зубовская площадь», «Зимний день. Смоленский бульвар», обе ок. 1916, Третьяковская галерея), не оставлял занятий живописью на стекле («Амазонка», 1917; «Дамы в кринолинах», ок. 1918, обе в Третьяковской галерее), а также создавал картины, сочетавшие фигуративные элементы и декоративно-беспредметное начало [«Москва I (Красная площадь)», Третьяковская галерея; «Москва II», частное собрание, Мурнау, Германия, обе 1916].
После Октябрьской революции Кандинской активно включился в общественную деятельность. Был членом художественной коллегии Отдела изобразительных искусств Наркомпроса, председателем Всероссийской закупочной комиссии при Музейном бюро Отдела изобразительных искусств Наркомпроса, в 1919-21 заведовал московским Музеем живописной культуры. Преподавал в Государственных художественных свободных мастерских и Вхутемасе (1918-21), состоял профессором Московского университета. В 1921 живописец-теоретик разработал программу деятельности Института художественной культуры (Инхук), где руководил секцией монументального искусства. В печати регулярно появлялись статьи и теоретические работы Кандинского; так появилась и автобиографическая книга «Ступени» (М., 1918).
В январе 1921 Кандинский покинул Институт из-за внутренних разногласий. Вскоре был избран вице-президентом вновь созданной Российской Академии художественных наук, в которой руководил также физико-психологическим отделением. В декабре 1921 был откомандирован в Берлин для организации там филиала Академии и установления культурных связей с другими странами.
Переезд в Германию
В 1922 Кандинского пригласили преподавать в школу «Баухауз», где ему были поручены занятия по стенной живописи, по теории формы. В изданиях «Баухауза» были опубликованы трактаты Кандинского, посвященные вопросам формообразования, цветоведения, сценическому синтезу искусств.
В живописи и графике Кандинский обратился к воплощению своеобразных космологический идей, интерес к которым возник у него еще в России (графическая серия «Малые миры», 1923). В 1924-25 вместе с художниками Л. Фейнингером, А. Г. Явленским, П. Клее вошел в объединение «Синяя четверка».
В 1926 Кандинский опубликовал свой теоретический труд «Точка и линия на плоскости», переизданный во многих странах мира. Спроектировал и выполнил ряд монументальных работ (эскизы живописных панно для фойе «Свободной выставки», 1922; керамическое оформление музыкальной комнаты для Международной выставки в Берлине, 1931). Выступил как сценограф и режиссер в постановке сюиты М. П. Мусоргского «Картинки с выставки» в театре Дессау (1928). В 1928 принял немецкое подданство.
В 1920-е гг. художник достигает всемирного признания, его персональные выставки и выставки «Синей четверки» прошли во многих музеях и галереях в странах Европы и США.
Во Франции
После закрытия нацистами школы «Баухауз» (1932) переехал в Берлин, а оттуда в конце 1933 — во Францию; поселился в Нейи-сюр-Сен, пригороде Парижа, где жил до самой смерти (французское гражданство получил в 1939).
Экспрессивно-органический стиль Кандинского трансформировался в 1920-30-е гг.; композиции с широким использованием правильных геометрических элементов приобрели более упорядоченный характер («В черном квадрате», 1923, Музей Соломона Р. Гуггенхейма, Нью-Йорк; «Тринадцать квадратов», 1930, Национальный музей современного искусства, Париж, и др.). Творчество парижского периода, получившее наименование «синтетического», отмечено отпечатком воздействия сюрреалистической живописи («Разные части», «Вокруг круга», обе 1940, «Разнообразные действия», 1941, Городская галерея Ленбаххауз, Мюнхен, Германия, и др.). Работы Кандинского были включены нацистами в экспозицию «Дегенеративное искусство» (Мюнхен, 1937), часть его произведений была уничтожена. Первые месяцы фашистской оккупации художник провел в Пиренеях. Отказавшись эмигрировать в США, в августе 1940 возвратился в Париж. В 1944 задумал создать комедийный фильм-балет на музыку Ф. А. Гартмана. В ноябре-декабре 1944 состоялась его последняя прижизненная персональная выставка в Париже.
Кандинский Василий Васильевич
Антикварный магазин предлагает Вам ознакомится с Русскими художниками в разделе Энциклопедия.
rus-gal.ru
Самые дорогие картины русских художников — Look At Me
С критериями включения в рейтинг самых дорогих работ русских художников лучше не мудрствовать. Решилось просто. Во-первых, к участию принимались только аукционные результаты— они мало того, что достоверны и открыты, но обычно еще и превосходят по объективности галерейные сделки. Во-вторых, по вопросу принадлежности к русским художникам было принято принципиальное решение: считать таковыми по месту рождения. Родился в Российской империи или в СССР, значит, русский художник, без скидок на то, как в дальнейшем сложилась судьба. К примеру, тот факт, что у Кандинского в разные годы были гражданства и русское, и немецкое, а умер он с французским, не является основанием усомниться, что художник русский. Ну и третье правило: один художник— одна картина. То есть, ситуация, когда, строго говоря, все первые места пришлось бы отвести работам Марка Ротко, разрешается так: оставляется только самая дорогая работа, а все остальные результаты для картин этого художника игнорируются. Без этого, согласитесь, было бы не интересно.
1.МАРК РОТКО. БЕЛЫЙ ЦЕНТР. 65 МИЛЛИОНОВ ДОЛЛАРОВ.
Маркус Яковлевич Роткович— Маркус Ротковиц— Марк Ротко… 1903–1970.
Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий— в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и безусловно ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил, когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он нарочито отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру (что не раз бывало в истории). Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный, за 65 миллионов долларов, происходил из семьи Рокфеллеров.) Мечтавший о массовом зрителе, стал в итоге создателем картин, понятных до сих пор лишь узкому кругу интеллектуалов и ценителей, если не считать народным признанием тот факт, что имя художника стало брендом, а высокая образность работ была растащена на рекламные символы (раз Ротко, значит, круто). Наконец, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, работы которого стали центральным элементом оформления церкви всех религий (http://rothkochapel.org), закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…
Ротко, помнившему черту оседлости и казаков, вряд ли сильно понравилось бы, что его причисляют к русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке тридцатых, не случайно художник «урезал» родовую фамилию. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала— по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича— это часть России, и она будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революции Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, что интересно, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. Его собственное творчество ряд знатоков противопоставляет работам Малевича: если черный квадрат— это конец живописи, то цветовые пятна Ротко— это ее продолжение. И даже на уровне страстей Ротко предавался пороку, который в мире ассоциируется почему-то именно с русскими. Не аргумент, но еще один штрих для цельности натуры русского художника.
К своим новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х Ротко предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими особую композицию. Интеллектуальная основа его работ— это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Это единственное, на что он определенно рассчитывал,— на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие— двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля— это метафорические изображения бога.
Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам— максимум тоненькие плашки-кромки и то в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов — это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно дрожания света электрических ламп. Это растворение цвета в цвете и мягкость переходов особенно удавались маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И этот найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.
Сегодня картины Ротко — гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании— производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти три миллиона долларов— весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в тот момент уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.
Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым— с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.
Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.
2. КАЗИМИР МАЛЕВИЧ. СУПРЕМАТИЧЕСКАЯ КОМПОЗИЦИЯ. 60МИЛЛИОНОВ ДОЛЛАРОВ
Казимир Северинович Малевич (1878–1935), безусловно, входит в пятерку наиболее ярких революционеров искусства XX века в мировом масштабе. Философ, новатор, разработчик новых теоретических подходов, идеолог супрематизма, который стал визитной карточкой России на международной художественной арене. Работы Малевича— гордость лучших музеев мира и несбыточная мечта многих коллекционеров.
Венцом исследований Малевича можно назвать работу «Черный квадрат» 1915 года (в Третьяковской галерее хранится один из четырех сохранившихся вариантов). Вещь высокого метафорического значения— конец картины, конец живописи, отправная точка, требование к разработке проекта будущего. Supremus, по задумке создателя, есть высшая стадия авангарда, способная позволить себе геометрический лаконизм выразительных средств. В двадцатые годы Малевич распространил свою философскую систему в прикладные области: супрематизм лег в основу передового дизайна и архитектуры. Малевич реализовался и как педагог, открывший талант в своих многочисленных учениках, которые сохранили преданность его идеям даже в условиях гонений. В историю искусства вошли периоды его работы в Уновисе («Объединение утвердителей нового в искусстве», Витебск, 1919–1922), в Гинхуке (Государственный институт художественной культуры, 1923).
Конец 1920-х ознаменовался периодом репрессий в отношении разработчиков идей художественного авангарда. По сути, «школа Малевича» была разогнана, самого Малевича неоднократно арестовывали, подвергали пыткам. В 1927 году художнику удалось во время зарубежной командировки укрыть часть работ в Берлине и тем самым спасти свои идеи от запрета и искусственного забвения. Малевич умер в 1935 году в Ленинграде. А его лучшие работы, действительно, в течение десятилетий были похоронены в запасниках русских музеев. Увидеть их можно было, только обзаведясь знакомствами в музейной среде. Тем не менее силами специалистов и коллекционеров-подвижников (например, Георгия Костаки), информация об идеях Малевича, можно сказать, подпольными путями распространялась в кругах советской интеллигенции и оказала влияние на художественный язык представителей неофициального искусства, художников-шестидесятников.
Появление на открытых торгах работы столь высокого класса, как «Супрематическая композиция», — событие не просто исключительное, а единичное. Реально работы подобного уровня могут появиться на аукционных торгах только из музеев. Именно так и происходило в последние годы. Супрематические картины Малевича отсуживались адвокатами наследников по линии реституции. Предпоследний раз «Супрематическая композиция» Малевича (перекрещенные красный и черный прямоугольники), отсуженная наследниками, была продана на торгах Phillips в 2000 году за 15,5 миллиона долларов. А 3ноября 2008 года картина сопоставимого класса была продана на Sotheby’s за 60,0025миллиона долларов. Это первая из пяти картин, которые поступили в распоряжение наследников Малевича из голландского музея Стеделийк опять же в результате судебного решения по реституционному спору. По мнению специалистов рынка, цена на эту работу Малевича могла бы быть еще выше. К сожалению, время проведения торгов пришлось на период разворачивающегося глобального финансового кризиса, когда еще не было определенности ни по его глубине, ни по продолжительности. Не исключено, что именно в связи с этим фактором покупка шедевра Малевича прошла в относительно консервативном режиме, по цене, близкой к гарантированной ставке, заблаговременно сделанной иностранным покупателем.
3.ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ. ФУГА. 19 МИЛЛИОНОВ ДОЛЛАРОВ
Почти 17 лет картина «Фуга» — импровизация Василия Кандинского 1914 года— держала абсолютный ценовой рекорд для русского искусства. Лишь в прошлом году ее потеснил «Белый центр» Ротко. Но стоит помнить, что в 1990 году российские коллекционеры и инвесторы только-только начинали участвовать в международных торгах, капитализму в стране исполнилось года полтора, шло агрессивное перераспределение собственности и нынешним участникам рынка искусства было совсем не до вопросов коллекционирования. Можно сказать, что и рынка русского искусства в современном его понимании не было. Появись эта работа на торгах в наше время, не исключено, что рекорд Ротко мог бы и «затрещать по швам». Но теперь серьезным коллекционерам остается лишь цокать языком. Вещи класса «Фуги», сопоставимого исторического значения и художественного потенциала, выставляются на открытые торги раз в двадцать лет, а то и реже. Предугадать появление подобного шедевра невозможно, почти все они уже надежно закреплены в государственных и частных музейных и коллекционных фондах, а владельцы не планируют с ними расставаться. На удивление, 19-миллионная «Фуга» (а в пересчете на нынешние деньги цена получится, наверное, миллионов под 70) не оказалась упрятанной от лишних глаз в частном собрании, а осталась в публичном доступе. За исключением нескольких дней в году любой желающий может увидеть ее в музее Фонда Бейелеров в Базеле (Швейцария) в прекрасном соседстве с произведениями Пауля Клее, Марка Ротко, Пабло Пикассо, Френсиса Бэкона и других первых имен в искусстве XX века.
Василий Васильевич Кандинский (1866–1944)— признанный русский художник мирового значения. Собственно, его подлинно новаторские идеи определили один из основных векторов развития изобразительного искусства в XX веке. Кандинский считается «отцом абстракции» — художником, который в числе первых подошел к этому открытию и дал ему теоретическое обоснование. В начале века появление абстракции было уже предопределено. «Деконструкция» классических принципов изобразительного искусства шла во всех направлениях, ставились тысячи художественных экспериментов. Так что идея витала в воздухе и сразу несколько европейских художников последовательно продвигались к ней параллельными путями, находясь кто в шаге, кто в полушаге от отвлеченной нефигуративной живописи. На «авторское свидетельство» могут претендовать слишком многие. Поэтому не существует всеми признаваемой единой даты изобретения абстракции. Срывы в абстракцию можно увидеть и в картинах Кандинского 1908–1909 годов, но именно импровизации Кандинского 1910 года, по мнению ряда специалистов, стали поворотным моментом в истории искусства. В отдельных работах именно этого года была окончательно разорвана связь с фигуративной живописью, удалены последние намеки на узнаваемые образы, появилась чистая абстракция. Не то чтобы расставание с фигуративной образностью в творчестве Кандинского произошло бесповоротно и навсегда (впоследствии он не раз к ней возвращался), но был перейден Рубикон в идеологии искусства. Так вот, человек, в 30 лет круто развернувший свою жизнь, бросивший удачно развивающуюся карьеру юриста и решивший стать художником, уже к 44 годам перенаправил реку мирового художественного процесса.
4.АЛЕКСЕЙ ЯВЛЕНСКИЙ. ШОККО В ШИРОКОПОЛОЙ ШЛЯПЕ. 8,4 МИЛЛИОНА ФУНТОВ
Тот факт, что Алексей фон Явленский (1864–1941) и Василий Кандинский занимают соседние места в ценовом рейтинге для русского искусства, более чем символичен. Для зарубежных ценителей живописи эти фигуры сопоставимы по своему вкладу в искусство, по своей роли в качестве идеологов экспрессионизма и абстракционизма. Другое дело, что в России Кандинский представлен в лучших музеях страны, а уроженец Торжка Алексей Явленский известен преимущественно специалистам, коллекционерам и ценителям. В музеях его вещи можно увидеть лишь на редких привозных выставках, составленных из экспонатов зарубежных музеев и частных собраний (такая выставка была в 2000 году в Русском музее) и галерейных показах (работы Явленского любят привозить зарубежные участники Салона изящных искусств). Ну и конечно, русское имя запоминается по рекордным сводкам с ведущих аукционных площадок.
Алексей Явленский покинул Россию задолго до революции и не стал, как Кандинский или Шагал, приезжать из Германии для поддержки передовых идей в искусстве во благо интересов пролетариата. Потому в наших музеях и нет его работ, но роль художника при этом не умаляется. Существуют версии, что к абстракции его знаменитый коллега по «Синему всаднику» и «Новому художественному обществу» Кандинский пришел под влиянием ряда идей Явленского. Визитной карточкой Явленского стали его тематические циклы «Медитации» (прообразы ликов с проступающим крестом), «Абстрактные головы» (условно-портретные экспрессии) и «Мистические головы». Творческий багаж Явленского, накопленный к старости, попал под каток гонений нацистов на «дегенеративное искусство», так что последние годы (Явленский умер в 1941 году, на три года раньше Кандинского) художник доживал в статусе запрещенного.
Знаменитая картина «Шокко в широкополой шляпе»— вещь другой эпохи. Шедевр экспрессионизма 1910-х, вещь, в которой хорошо заметно размывание фигуративной составляющей перед шагом в абстракцию. Кроме высокого художественного и исторического значения «Шокко» — это еще и удивительный пример инвесторской удачи. Дело в том, что в данном случае имела место повторная продажа шедевра, причем недавняя, что позволяет оценить динамику роста цены, не апеллируя к незапамятным временам. Известно, что предыдущий владелец приобрел «Шокко» на Sotheby’s в 2003 году за 7,4 миллиона долларов. Цена 2008 года— 8,4 миллиона фунтов, то есть 16,56 миллиона долларов, в 2,2 раза больше. Владелец заработал на этой картине примерно 9, 16 миллиона долларов за пять лет. Случай нельзя назвать типичным, не все так дорожает, но и об уникальности речи нет. В целом же это иллюстрация того, как способны набирать в цене шедевры, особенно на фоне роста интереса к творчеству создателя
5.ХАИМ СУТИН. МУЖЧИНА В КРАСНОМ ШАРФЕ. 7,8 МИЛЛИОНА ФУНТОВ
Хаим Сутин (1893/1894–1943) — русский художник мирового значения, один из самых значительных представителей «парижской школы». Это имя долгое время было мало известно на родине. Сутин— уроженец Смиловичей, сейчас уже города, а тогда еврейского местечка в 27км от Минска. Десятый ребенок в семье портного. Художественный дар у Сутина открылся рано, но, как это часто бывает, к сожалению, не в том месте и не в то время. Мальчик начал рисовать то, что видел вокруг, а в ортодоксальной иудаистской традиции запрещено изображать людей и животных. За это ему не раз доставалось от сельчан. По легенде, Хаим однажды вознамерился нарисовать раввина. За это подростку пришлось бы совсем туго, но раввин, вероятно, оказался человеком более широких взглядов, выдал Хаиму 25 рублей (весьма значительная сумма по тем временам) и отправил учиться подальше от Смиловичей. Подальше получилось аж до Парижа, куда Сутин добрался в возрасте 20 лет. Но Париж, как и Москва, слезам не верит. Середина 1910-х— годы нищеты, неустроенности, мучительной болезни и вместе с тем, по сохранившимся свидетельствам, годы самореализации и творческого счастья. Вокруг— друзья. Модильяни, Липшиц, свобода и беспутность. Выпивка. Пушкин, открытый Сутину его другом Оскаром Мещаниновым. Потом уже полегче: первые меценаты, покупатели, ценители. Есть сведения, что работу Сутина купил себе даже мэтр Пикассо. Но конечно, представить себе, что через 90 лет за холсты художника будут биться миллионеры, было невозможно.
Сегодня можно уверенно очертить круг сюжетов, которые пользуются наибольшим спросом у коллекционеров. Кому-то не без оснований покажется, что композиции с бычьими тушам, забитой птицей, перекошенными лицами с портретов старух, нищих, простолюдинов выглядят отталкивающе. Но именно в этих вещах, где есть простор для больного сутинского красного, наиболее сильно выражается его яркий талант экспрессиониста. Историки предполагают, что эти темы Сутин принес из воспоминаний о родном местечке. Такими он запомнил лица тех людей, тот быт… Так что это своего рода возвращение, схожее с возвращением Шагала. А может, и не стоит переоценивать тоску, может, все проще: любимым художником Сутина был Рембрандт, и Сутин по-своему изображал, в частности, бычьи туши, за триста лет до него вдохновившие голландца.
В 1943 году Сутин с поддельным паспортом прячется в Париже. Обострилась язва. Еврей. Город оккупирован фашистами. Даже с поддельным паспортом в больницу опасно. Тянули до последнего, но, когда тайком доставили в госпиталь, было уже поздно: перитонит. Сохранилась легенда, что за гробом Сутина шел один лишь его коллега и поклонник— Пикассо. Друзьям художника участвовать в процессии было смертельно опасно.
Самой дорогой аукционной картиной Хаима Сутина на сегодняшний день является метровый портрет «Мужчина в красном шарфе» 1921 года, проданный на Sotheby’s в 2007 году за 7,8 миллиона фунтов (15,34 миллиона долларов). Композиционно портрет близок к другим знаменитым многомиллионным работам Сутина— «Кондитер из Каня» и «Посыльный из “Максима”», хоть и уступает им по силе.
6.МАРК ШАГАЛ. ЮБИЛЕЙ. 13,5 МИЛЛИОНА ДОЛЛАРОВ
Марк Захарович Шагал (1887–1985)— уроженец белорусского Витебска, художник-авангардист, прославивший русское искусство по обе стороны океана, ставший национальной гордостью не только нашей страны, но и Франции, Соединенных Штатов и Израиля. Самобытный художественный стиль Шагала— это особый экспрессионизм, обычно включающий элементы наивного искусства, приемы сюрреализма, а также слои актуальных для периода создания работы модных течений (например, кубизма).
В начале XX века Шагал— ученик Юрия Пэна, Льва Бакста, Мстислава Добужинского и Николая Рериха. После революции он включается в круговорот становления передового искусства, становится комиссаром художественных мастерских. Потом— разочарование, эмиграция, большой успех на Западе (во Франции, США) и долгий период замалчивания в России. Репрессивные информационные ограничения были сняты к 1970-м, мэтр Шагал даже приезжал в Москву на свою персональную выставку в Третьяковской галерее, где хранятся его лучшие работы, в том числе витебского периода.
Творчество Шагала в отличие от Сутина и Ротко было хорошо известно в нашей стране в позднее советское время по публикациям в альбомах и журналах. Неудивительно, что для нынешнего поколения русских коллекционеров и инвесторов работы Шагала являются престижной покупкой. Причем, при соблюдении относительно несложных правил, покупкой безопасной и инвестицинно-оправданной. Так, с вопросами подлинности помогает справляться Комитет Шагала, славящийся своим жестким отношением к подделкам. Учитывая обилие фальшивок, заключение комитета является совершенно необходимым условием того, чтобы работа вообще получила полноценный рыночный статус. На цену работы, кроме обычных параметров, очень влияет период создания. Подлинных работ Шагала на аукционах очень много— это плюс. Но инвестору необходимо учитывать, что вещи конца 1960-х— начала 1970-х годов, которые чаше всего выставляются на торги,— это работы уже старого, 80-летнего художника. Пусть сохранившего приверженность своим передовым идеям, технически безупречного, но без прежней мечтательности и энергетики экспрессиониста-новатора, что и понятно. Так что обычно поздние вещи стоят заметно дешевле.
«Юбилей» за 13,5 миллиона долларов— это 1923 год, ценнейший период, музейное значение, шедевр. Картина продана в 1990 году, так что сейчас сложно даже представить ее актуальную цену. Зато можно вспомнить, что в мае 2007 года на Sotheby’s была продана трехметровая композиция «Большой цирк». 1956 год, конечно, не 1923-й, но в это время Шагал еще фантастически плодотворно работает, воплощает новые идеи, начинает новые циклы, занимается книжной иллюстрацией, стенными росписями, литографирует. Так вот «Большой цирк» был продан за 12,25 миллиона долларов и с учетом комиссионных вплотную приблизился к «Юбилею» в номинальных цифрах. Так что при следующем появлении на торгах шедевра Шагала сопоставимого качества в эту статью наверняка придется вносить изменения. Остается отметить, что подлинные работы Шагала, нетиражная графика и живопись, представлены в довольно широком ценовом диапазоне, что делает их доступными не только для инвесторов, оперирующих миллионными бюджетами. А для удачных вещей художника ежегодный рост стоимости на треть вполне нормальное явление.
7. НАТАЛИЯ ГОНЧАРОВА. ЦВЕТЫ. 5,52 МИЛЛИОНА ФУНТОВ
Наталия Сергеевна Гончарова (1881–1962) вошла в русское искусство как «амазонка авангарда», новатор живописи, блестящий декоратор, живописец, график, театральный художник. В цепи самостоятельных творческих экспериментов Гончарова развивала идеи примитивистской живописи (неопримитивизма), включала в свои работы преобразованные элементы иконописи и лубка. Считается, что ее главным учителем стал муж, Михаил Ларионов, с которым Гончарова познакомилась в 1900 году. Пара осталась неразлучна и в жизни и в творчестве. Почти во всех выставках и в творческих объединениях художники участвовали вместе. Они экспонировались на всех ключевых выставках русского авангарда: «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Мишень»… Эта же традиция сохранилась и в эмиграции. Не случайно на оборотах картин Гончаровой нередко можно видеть подписи Larionov с инвентарным номером, что на самом деле не более чем служебные пометки устроителей выставок: все равно обычно вместе выставляются, а по «семейной» фамилии легче было не запутаться.
Гончаровой не пришлось спешно покидать Россию с началом гонений на авангард. Супруги обосновались в Европе за пару лет до революции, долгое время были обеспечены театральными заказами и до конца своих дней прожили в Париже. Считается, что наиболее высоким художественным значением обладают работы Гончаровой доэмиграционного периода и вещи, созданные до начала 1920-х годов.
Рекордная картина «Цветы» (продана 24 июня 2008 года на Christie’s за 5,25 миллиона фунтов) относится к особо ценному периоду в творчестве художницы. В работе поразительно сплелись идеи и энергетика футуризма, композиционные приемы фирменного лучизма и желто-красная цветовая гамма, характерная для русского народного творчества и иконописи. «Цветы» были выставлены на торги с убедительным провенансом. История этой работы прослеживается с персональной парижской выставки 1914 года в галерее Поля Гийома. Картина хорошо известна по публикациям, участвовала в выставках и имеет интересную историю бытования (была в собрании немецких коллекционеров Хохов).
Прежним рекордом для творчества Гончаровой (и мировым ценовым рекордом для произведения женщины-художницы) были 4,4 миллиона фунтов за картину «Сбор яблок» 1909 года, проданную годом ранее опять же на Christie's. Правда, «Сбор яблок», по мнению экспертов, сложно было причислить к шедеврам.
8.КОНСТАНТИН СОМОВ. РАДУГА. 3,3 МИЛЛИОНА ФУНТОВ
Его «Дама в голубом платье» (1897–1900)— одна из жемчужин Третьяковской галереи, шедевр русского символизма, вещь, погружающая зрителя в умиротворение и заставляющая сожалеть об ушедшей красивой, пусть и эфемерной эпохе. Константин Андреевич Сомов (1869–1939) — художник известный в нескольких творческих ипостасях: как представитель европейской романтической ветви русского символизма, как модернист с выверенным декоративным стилем, а также как график оформитель. Член общества «Мир искусства», ученик мастерской Репина.
Пусть не это главное, но Сомов— это еще и художник, не особо скрывавший свою нетрадиционную сексуальную ориентацию. Может, и не этим объясняются отдельные процессы, происходящие вокруг его творчества, а может быть, какая-то связь и существует. Как знать…
Работы Константина Сомова с 2006 года стали довольно навязчиво штурмовать ценовой рейтинг русского искусства. Неожиданно взятые высоты, признаться, вызвали недоумение целого ряда профессиональных участников рынка. Понятно, что, с одной стороны, декоративный символист Сомов— любимец русских коллекционеров и художник безусловно национального значения. Но, с другой стороны, суммы от 5 миллионов долларов— это уже порядок цен для крепких работ художников мирового уровня. Столько не платили, например, за лучшие вещи культового де Сталя. Или Краснопевцева. А за не лучшую вещь Сомова заплатили, что и вызвало вопросы. Сначала невыдающаяся по художественным параметрам «Русская пастораль» (1922) была продана в 2006 году на Christie’s за 2,6 миллиона фунтов, с 13-кратным превышением эстимейта. А в 2007 году значительно более убедительная «Радуга» (1927) перешла к новому владельцу уже за 3,3 миллиона фунтов с более скромным, всего лишь 5,5-кратным превышением верхнего эстимейта. В пересчете в доллары на тот момент это было 6,5 миллиона— бюджет, в котором можно подобрать довольно хорошую работу почти любого мэтра мирового уровня, включая Пикассо. «Радуга» была написана Сомовым уже в эмиграции. Художник, как и ряд его коллег, не стал возвращаться из зарубежной творческой командировки, куда выехал в 1923 году, в «закручивающие гайки» Советы. С конца 1920-х и до конца жизни художник работал во Франции. Впрочем, «Радуга» 1927 года написана в том же советско-пасторальном модернистском стиле, который Сомов развивал в 1920-е годы в России.
9.ИЛЬЯ КАБАКОВ. ЖУК. 2,6 МИЛЛИОНА ФУНТОВ
Илья Иосифович Кабаков (р. 1933)— лидер московского концептуализма, идеолог «коммунального пространства». Разработчик концепции «тотальной инсталляции», один из самых неоднозначных художников в глазах российской публики и выдающийся философ живописи для публики западной, Кабаков оказался человеком, способным рассказать что-то действительно новое искушенному зарубежному зрителю. Феномену художника Кабакова посвящены десятки книг, его творчество и теоретические разработки изучаются в университетах, подвергаются квалифицированному анализу. Любить или не любить, но такой интерес вряд ли можно поддерживать искусственно столь продолжительное время.
Магистральным направлением творчества Кабакова является концептуализм. Специфическим творческим «вдохновителем» художника стала коммуналка с ее непременными атрибутами: общей кухней, переполненностью, сварами и абсурдом. Понятно, что даже в тяжелых условиях бывает своя романтика, но смысловые уровни работ Кабакова чаще состоят в подчеркивании атмосферы подавления человека коммунальным бытом и отношением окружающих. Это работы о вынужденном превращении в «маленького человека», утешением которого может быть лишь погружение в светлые мечты. В узком смысле это вещи — притчи об агрессивном деморализующем влиянии советской среды. И не трудно представить, что в России в конце 1980-х такие идеи были не искусством, а реальностью, чем, возможно, и объясняется сложность восприятия Кабакова в своем отечестве. А вот на коммунально-благополучном Западе, где не знают, что такое картошку на балконе запасать, совсем другое дело и совсем другой угол зрения.
Так или иначе, восхождение к мировой славе Илья Кабаков совершил именно в эмиграции и стремительно— на зависть большинству других значительных представителей русского неофициального искусства, перебравшихся на Запад с наступлением перестройки. Успеха, сопоставимого с кабаковским, не было ни у кого. А у Кабакова еще в 1992-м была скандальная инсталляция, имитирующая советский общественный туалет, в котором восторженная публика строем проходила сквозь условные секции «М» и «Ж». А годом позже на выставке «НОМА, или Московский концептуальный круг», по воспоминаниям очевидцев, были толпы народа, желающего посмотреть концептуальную инсталляцию Кабакова из двенадцати железных кроватей, выстроенных в круг. И это только начало 1990-х, а потом, само собой, десятки выставок, каталоги, рецензии в ведущих изданиях со всеми вытекающими последствиями в виде заказов и высоких галерейных цен.
10. ВЛАДИМИР БАРАНОВ-РОССИНЕ. РИТМ (АДАМ И ЕВА). 2,72 МИЛЛИОНА ФУНТОВ
Шулим-Вольф Баранов, Владимир Давидович Баранов, Даниэль Россине, наконец, Владимир Давидович Баранов-Россине (1888–1944). Человек удивительной и трагической судьбы. Состоялся как художник в Париже, работал в «Улье», дружил с Шагалом, Цадкиным, Сутиным, Архипенко. В 1917 году вернулся в революционную Россию, работал в Отделе ИЗО Наркомпроса, преподавал, оформлял первую годовщину Октября в Петрограде, работал над революционными панно, оформлял спектакли Мейерхольда. В 1925-м, когда в Советской России начали «затягивать гайки», разочарованный, вернулся в любимый Париж, чтобы, так получилось, жить в стесненных обстоятельствах, а потом в 1943-м попасть в тиски депортации евреев и спустя год погибнуть в концлагере Аушвиц (Освенцим).
Имя Баранова-Россине долгие годы было известно преимущественно специалистам, изучавшим историю русского авангарда. Перипетии судьбы, а также то, что значительная часть работ хранилась в семье художника, не способствовали популярности. Но в начале нашего столетия все изменилось: в 2002 году прошла выставка в Государственной Третьяковской галерее, потом — знакомство с творчеством в Государственном Русском музее. Для российских коллекционеров и ценителей искусства это имя «выстрелило» на Sotheby’s в 2004 году, когда переходный кубистический «Натюрморт со стулом» 1911 года ушел с молотка за 1,050 миллиона долларов. В те времена это был выдающийся случай для русского искусства, и продажа получила широкий резонанс. На волне естественного интереса работы Баранова-Россине начали активно приобретаться российскими коллекционерами.
В своих парижских поисках художник испробовал почти все авангардные течения, включая кубизм, кубофутуризм, абстракцию и сюрреализм. А еще раньше прошел путь академического пейзажа и почти неминуемого для художника тех лет постимпрессионизма. Своего «изма» Баранов-Россине не изобрел, но в рамках оформлявшихся течений его работы очевидно выделялись своей самобытностью. Тяга к технологичности проявилась не только в изобразительном искусстве: Баранов, как ренессансный художник, был увлечен изобретательством. Причем все его открытия связаны с природой света и цвета. На счету художника изобретение предтечи светомузыки «оптофона», прибора для определения качества драгоценных камней «фотохронометра», раскраски-невидимки «хамелеона», позже превратившейся в военный камуфляж, и даже аппарата для производства газировки. К сожалению, все эти изобретения не принесли художнику достатка, при жизни они остались невостребованными.
Сохранившееся творческое наследие Баранова-Россине относительно невелико. По некоторым оценкам, оно составляет чуть более 500 картин и рисунков, причем далеко не все из них относятся к ценным экспериментальным периодам. Но картина «Ритм (Адам и Ева)», проданная 24 июня 2008 года на Christie’s за 2,72 миллиона фунтов, безусловно, принадлежит к числу выдающихся работ художника. В течение многих лет картина-рекордсмен находилась в собрании немецких коллекционеров Альфреда и Элизабет Хох. Работа Баранова-Россине «Ритм (Адам и Ева)» выставлялась на парижском Салоне независимых 1913 года, когда, как считается, и дебютировал предсказанный Гийомом Аполлинером орфизм. В ней присутствуют многие характерные для этого направления моменты: и ощущение музыкального ритма через взаимопроникновение цветов, и кубо-футуристическое взаимопересечение поверхностей — и все это без ущерба для традиционного восприятия красоты, свойственного скорее символизму.
www.lookatme.ru
На Sotheby’s выставлен шедевр Кандинского из Третьяковки
Конечно же, там все легально. Но эта необычная продажа служит очередным напоминанием о сложных взаимоотношениях советского государства с национальным культурным наследием«Сотбис» не публикует эстимейт, предоставляет информацию потенциальным покупателям по запросу. И неспроста. С высокой вероятностью эти белые линии установят новый аукционный рекорд для творчества Кандинского. Текущий рекорд Кандинского обновился лишь в прошлом году, когда картина 1935 года «Жесткий и гибкий» была продана на Christie’s за $ 23 319 500. К слову, это № 4 в рейтинге самых дорогих русских художников. Вещь интересная, значительно больше по размеру, чем «Картина с белыми линиями», но то был поздний 1935 год. А «Картина с белыми линиями» — это 1913 год — пожалуй, самый ценный, самый новаторский период в творчестве художника. Работы такого уровня на торгах появляются не то что не каждый год, но и не каждое десятилетие. Можно даже точнее сказать. В прошлый раз картина сопоставимого класса продавалась на аукционе 27 лет назад — в 1990 году: знаменитый холст «Фуга» (1914) на «Сотбисе». Тогда за этот холст дали более $20 млн, и этот рекорд не могли побить десятки лет. Думаю, что «Картина с белыми линиями» уйдет в районе $30 млн. Или больше. Ибо неизвестно, когда в следующий раз коллекционерам выпадет шанс побороться за подобный шедевр.
При чем здесь Третьяковка? При том, что в определенный период истории эта картина хранилась в главном музее страны. Вообще, где она только не побывала! Кандинский написал «Картину с белыми линиями» в октябре 1913 года, для выставки в Германии. Но в стране, где он прожил почти 20 лет, с началом Первой мировой войны русскому стало находиться небезопасно. В 1914 году Кандинский уехал в Россию, взяв картину с собой.
И закрутилось. Кандинский активно включился в работу по управлению новым революционным искусством. Департамент изобразительных искусств Наркомпроса, Инхук, Музей живописной культуры. Одно время Кандинский возглавлял как раз этот Музей живописной культуры на Волхонке, в фонд которого картина была приобретена в 1919 году. Оттуда в 1920 году картину отправили в музей в Пензу. Позже она была перевезена в Третьяковскую галерею. А вот следующая графа ее биографии: приобретена коллекционером Вильгельмом Хаком (Wilhelm Hack) из Кельна примерно в 1974 году. Как и что — не спрашивайте, каталог об этом умалчивает. Наблюдатели предполагают, что холст Кандинского использовался в какой-то схеме обмена. Так, в немецком «Шпигеле» (spiegel.de ) в 1974 году промелькнул намек на то, что Хак предложил Советам для обмена имевшиеся у него письма Ленина (forum.artinvestment.ru ).
Как бы то ни было, но спустя 43 года после этих событий мы видим шедевр Кандинского с идеальным провенансом, с кучей публикаций и исторических фотографий, на открытых торгах. Что ж, подождем нового рекорда.
Владимир Богданов, AI
Источники: sothebys.com
artinvestment.ru
