Музей ЧерномырдинаОписание картины Василия Кандинского «Черный аккомпанемент». Знак василия кандинского картина
Описание картины Василия Кандинского «Белый овал» (1919год)
Картина написана маслом на холсте в 1919 году, в период рассвета творческого пути Василия Кандинского. Искусствоведы сравнивают «Белый овал» с воплощенной в картину музыкой, проникнутой состоянием души автора, его глубокими чувствами. Такое мнение обоснованно, ведь художник, действительно, рассматривал своё творчество, как тандем цвета и музыки. Каждым своим произведением, Кандинский пытался вызвать у зрителя чувство, соразмерное чувствам, возникшим от прослушивания музыкального произведения.
Данное изображение является ключевым в творчестве художника, как наглядное отражение перехода от абстрактного импрессионизма к систематизированному рациональному абстрактному искусству.
На черном, будто мраморном фоне, изображен овал несовершенной формы. Фон играет особую роль, выделяя и дополняя сюжет. Если взглянуть с другой стороны, то создаётся образ некого экрана, в котором сформирована композиция. Каждая форма композиции представлена, как пространственная перспектива. Создан эффект «картины в картине». В основе композиции лежит черная ось, вокруг которой сгруппированы другие компоненты картины. Ось словно перекрывая остальные элементы, выходит на первостепенный план.
Черные линии, располагающиеся по диагонали, придают баланс всем элементам, которые противоположно направлены.
Если окинуть «Белый овал» общим взглядом, то возникает ассоциация с очертаниями, похожими на человеческое сердце. Элемент композиции, находящийся в левом нижнем углу, вытянутый вверх, похож на фалангу пальца руки, которым кто-то хочет коснуться жизненно важного органа.
Формы произведения Кандинского имеют символический характер. Мастер открывает миру объективно-интеллектуальное положение, выражая свое отношение к революции и гражданской войне в стране.
Описание картины Василия Кандинского «Картина с зелёным центром»
Картина написана маслом по холсту в 1913 году. Произведение с зелёным центром Василия Кандинского имеет традиционное композиционное построение. Художник выстраивает изображаемую композицию от центра. Именно таким образом написано изображение многих работ мастера. В представленной работе центральное место занимает фигура зелёного цвета. Фигура не неопределённой формы, не сомкнутая.
Картина написана в духе символизма. Каждый применённый цвет, использовался мастером, как определённый символ, который вызывает у зрителя определённые чувства. Например: холодный синий оттенок символизирует прохладу, вызывает ассоциацию с морем, льдом, лунным светом или с освещенной темнотой; зелёный цвет имеет много оттенков, благодаря чему получает особую глубину звучания в произведении, символизирует спокойствие, играет роль нейтрализатора между жёлтым и синим оттенками; красный ассоциируется с огнём и кровью, символизирует внутренне движение; обилие жёлтого цвета в картине, придаёт работе художника динамизм и символизирует непреодолимое стремление к чему-либо.
Немало важную роль в картине имеет сочетание цветовой композиции. Содержание картины дополняет противопоставление цвета: красного и зелёного, синего и жёлтого, чёрного и белого. Игра цветом выполнена мастером гениально и очень гармонично. Каждый оттенок имеет своё выражение в замысловатой форме. Сочетание форм и цвета, порождает у зрителя иллюзию вибрирующих переливов, которые при рассматривании ощущаются даже физически.
Мастерское построение элементов изображения, идеально подобранное цветовое сочетание, делает произведение шедевральным. Глядя на картину с зелёным центром, можно сделать вывод о том, что её автор гениален, потому, как никто из последователей не смог написать подобный шедевр.
opisanie-kartin.com
Василий Кандинский: как понять творчество художника.
Поговорили с искусствоведом Кириллом Алексеевым о том, как современному зрителю понять Кандинского.
— Почему Кандинский все еще важен сегодня?
— В начале ХХ века два художника — Кандинский и Малевич — заложили основы современного искусства. Малевич создал геометрическую абстракцию, Кандинский — органическую. Влияние этих концепций современный человек ощущает все время. Причем если раньше преобладало в основном наследие Малевича (геометричность — в архитектуре, в дизайне), то сейчас начинает доминировать органика. Например, творчество недавно скончавшейся Захи Хадид тоже растет из этого корня.
— В чем Кандинский был новатор?
— Он выступал за идею смешивать все со всем, за синтез искусств. Кандинский соединял живопись и музыку. Он не только писал полотна, в которых будто оживала музыка, но и создавал сценические композиции с танцами и пантомимой, в либретто которых была подробно записана световая партитура. Эти как бы театральные постановки и названия имели говорящие — «Зеленый звук», «Желтый звук». То же — в его картинах: он использовал энергичные цвета и пастозные мазки (с явно выраженным направлением), чтобы создать ощущение движения, кипящей направленной энергии.
Василий Кандинский. Секущая линия, 1923 год
Василий Кандинский. Цветной эскиз. Квадраты с концентрическими кругами. 1913 год
— Насколько сильно было влияние Кандинского?
— В тот период Россия с точки зрения искусства была крайне передовой страной. Покинув ее, Кандинский поселился в Германии и дал ее искусству прививку этого новаторства, встряхнул его. Он создал ключевую немецкую художественную группу «Синий всадник». Вокруг него собирались не десятки, а сотни людей — подражателей, учеников. Импульс, который он задал, огромен.
— Рисовать «как Кандинский» легко любому?
— Кандинский на аукционах — весьма дорогой художник, и некоторым бы, конечно, хотелось, чтобы подделывать его было легко, однако это не так. Уж не говоря о том, что он чуть ли не единственный русский художник-авангардист, у которого есть свой каталог-резоне. И все появляющиеся ниоткуда картины, которых в этом каталоге нет, крайне подозрительны. Главное — то, что кажущаяся беспорядочность абстракций Кандинского на самом деле весьма логична и продуманна (например, абсолютно зеленый цвет у него равен средним тонам скрипки, а светло-красный — фанфарам с призвуком трубы). И воспроизвести это, не будучи самим Кандинским, невозможно.
www.culture.ru
Описание картины Василия Кандинского «Черный аккомпанемент»
Василий Васильевич Кандинский — русский живописец, основоположник абстракционизма. Талант к рисованию у него открылся лишь в 30 лет после знакомства с работой Моне «Стог сена». До этого момента Василий, получив юридическое образование, становится преподавателем. Немного позже Дерптский университет приглашает его на работу в качестве доцента, но Кандинский отказывается.
Будущий художник несколько раз менял место жительства, выбирая между Россией, Германией и Францией. В итоге Кандинский получил французское гражданство и перевез с собой жену.
В качестве художника Василий Васильевич посещает множество выставок по всему миру, преподает уроки живописи и совершенствует свои навыки под началом лучших мастеров своего времени. Впоследствии Кандинский вырабатывает новаторскую концепцию ритмического использования цвета в живописи. В своем творчестве он выделил основную линию для создания абстракционных работ, которые имели широкую популярность среди публики.
Картина «Черный аккомпанемент» была написана в 1924 году. В ней присутствуют различного рода геометрические фигуры, «наложенные» друг на друга. Работа наполнена необычным сочетанием ярких и броских цветов на черном размытом фоне.
Художник любил играть с воображением зрителя, подбирая самые разные формы изображения и цвета. Таким образом он знакомил общество со своим необычным видением окружающего, что стало настоящей сенсацией среди критиков-эстетов, которые сумели найти некий смысл в его работах.
Кандинский оперирует на сочетание не сочетаемого. В его полотнах можно рассмотреть обилие резких форм и вычурных цветов. Конкретная работа художника не стала одной из популярных картин, однако своего зрителя она нашла в серии полотен, посвященных эстетике геометрии.
opisanie-kartin.com
Василий Кандинский, Василий Кандинский искусство
«Вплоть до тридцатого года своей жизни я мечтал стать живописцем, потому что любил живопись больше всего, и бороться с этим стремлением было нелегко… В возрасте тридцати лет мне явилась мысль – теперь или никогда», – именно так Василий Кандинский (1866-1944) говорил о своём вступлении на путь художника и теоретика искусства. Ведь с самого его детства эти два начала преобладали в нём – стремление к живописи и желание абсолютного познания её сущности. Впервые душа живописца пробудилась в Кандинском, вероятно, когда после переезда его семьи в Одессу в 1871 г. мальчик стал получать художественное и музыкальное образование, симбиоз которых впоследствии сыграл важную роль в его теории искусства.
Но путь к искусству тогда для Кандинского был ещё неблизким, ведь ему ещё предстояло окончить гимназию в Одессе, юридический факультет в Московском университете, и даже стать преподавателем юриспруденции. Но в возрасте 30 лет он решил оставить занятия наукой, ссылаясь на отсутствие веры в науку как таковую, и безраздельно углубился в изучение тайн искусства. И Кандинский выбрал для обучения живописи один из признанных центров европейского искусства – Мюнхен. Там он попал в частную школу югославского художника Антона Ашбе, которая, впрочем, не удовлетворила его потребности в новых знания. Потому он решил поступить в Мюнхенскую академию художеств, и со второго раза ему это удалось. Именно там он начал свои эксперименты с формой и цветом. Конечно, сначала это были по большей части пейзажи, но даже в них он стремился вытеснить реальные объекты игрой линий и цветовых пятен. Так, постепенно в процессе художественного и интеллектуального поиска Кандинский пришёл к абстрактному искусству, которое он в последующие годы продолжил проповедовать. В 1911 году он вместе со своим товарищем Францем Марком основал группу «Синий всадник», участники которой стремились выявить «ассоциативные свойства цвета, линии и композиции». Это, собственно, и стало отправной точкой для абстракционизма Кандинского, но полное теоретическое обоснование это новое течение в изобразительном искусстве получило в 1912 году, когда свет увидела его книга «О духовном в искусстве», которая абсолютно перевернула все представления об искусстве.
Сам Кандинский довольно просто объяснял свой поворот к абстрактному искусству: «Сегодня я люблю круг, так как раньше любил коня, а может быть и больше, так как нахожу в круге больше внутренних возможностей, отчего он и занял место коня». И в действительности для него это было так, ведь он было окружён миром явлений, которым не требовался никакой предмет, а форма лишь была выражением внутреннего содержания. Но для создания чисто художественной композиции необходима была не только форма, но и цвет, который призван создавать особое силовое напряжение с точки зрения абстрактной живописи. Цвет был именно тем абстрактным компонентом, что воплощал своё звучание в материальной форме. Кандинский даже говорил о том, что определённые формы на плоскости имеют соответствующее цветовой воплощение. Так, треугольнику соответствовал жёлтый, квадрату – красный, а кругу – синий. Но, конечно, же в своих полотнах художник не ограничивал себя подобными условными обозначениями и продолжал художественные поиски. По его мнению, даже использование, казалось бы, противоположных форм и цветов создавало лишь новую гармонию, которую он часто сравнивал с музыкальной.
Каждый цвет для Кандинского звучал по-особому, вызывая вполне определённые эмоциональные реакции. Жёлтый для него был очень динамичным и означал всё резкое, взрывное, агрессивное. В то же время, противоположностью ему был синий, который должен был вызывать ощущение холода, покоя, вечера, моря и лунного света и всегда был самоуглублён. Красный стал для художника цветом огня и крови, проявляющим движение лишь внутри себя. Самым спокойным из всех цветов оказался зелёный, который имел наибольшее количество оттенков и благодаря этому приобретал неповторимую глубину звучания. Отдельно от всего Кандинский определил чёрное и белое, которые обозначали все цвета сразу или же полное уничтожение цвета. Это были молчащие цвета. Белый обозначал активное, а чёрный – пассивное сопротивление. Именно под таким углом Кандинский в своих литературных трудах и полотнах рассматривал цвет взаимодействующий с формой.
Для восприятия зрителя картины Василия Кандинского были очень сложны первоначально и отчасти такими и остаются по сей день. Сам же автор, чтобы облегчить понимание своих произведений объяснял, что воспринимать их нужно не в качестве стороннего наблюдателя, а как бы изнутри самой картины. Полотна должны были вызывать ощущение отхода от действительности. Так, он говорил: «Абстрактное искусство создаёт рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с действительностью». Но на самом деле, новый «мир искусства» Кандинского подчинялся вполне конкретным законам существования, а потому создавал очень живую и определённую реальность. И в сущности, её единственно возможным средством выражения стал язык формы и цвета.
Василий Кандинский, Автопортрет
Автор статьи: Нонна Довбыш
Комментарии
styleinsider.com.ua
Описание картины Василия Кандинского "Красное пятно II"
Василий Кандинский. «Красное пятно II»Картина Кандинского «Красное пятно II» появилась в конце его пребывания о России в 1921 году и относится к работам, которые кажутся холодными и сглаженными после неукротимого хаоса цвета и форм мюнхенского периода и неспокойного времени русского изгнания. Внутри поля картины под углом расположена большая светлая основная плоскость. Она напоминает одноцветную трапецию — отличительный признак супрематического искусства — в том виде, в котором ее применял в своих картинах Малевич. Кандинский же перерезает эту форму рамой картины и таким образом вписывает в прямоугольник. Остающиеся свободными углы заполнены облачными формами. Слева вверху парят два белых ланцетовидных пятна, пронзенные двумя копьями.
То место, где эти формы пересекаются друг с другом, отмечено черным. На этой динамичной, но в то же время стабильной и устойчивой плоскости разыгрывается собственно композиция картины; красное пятно, давшее ей название, составляет пульсирующий центр, вокруг которого группируются другие части полотна. Разделенная на несколько частей и выделенная цветом дуга охватывает пятно и закрывает его сверху. Два острых рога снизу, напротив, сталкиваются с пятном. Их пересекает множество изогнутых и ланцетовидных форм. Темный круг как бы поддерживает сзади большой оранжевый рог. Из нескольких вариантов картины этот — первый, в котором появляется мотив круга. В картинах периода Баухауса он становится господствующей формой. Для Кандинского крут означает новый важный знак в его аналитическом словаре основных форм. Кроме того, из-за различных размеров и положений кругов в картине возникает неописуемая пространственная структура, возможно, символ загадочного «четвертого измерения», взаимопроникновения пространства и времени, передать которое в своих картинах стремились многие современники Кандинского, кубисты и футуристы. Другой заряд несут в себе заключенные в подковообразную арку мелкие формы непосредственно рядом с дугой и пятном. Они, изящные и драгоценные, в противоположность главным формам, кажутся нежным эхом отзвучавшей главной темы. Желтый неправильный четырехугольник является как бы посредником между крупными и мелкими формами.
Во взаимопроникновении и наслоении форм раскрывается пространственное напряжение, которое держит всю композицию в подвижной динамике. В Инхуке Кандинский впервые исследовал взаимоотношения между цветами и формами, что отражено в этой работе. Рядом с напряженными отношениями форм и плоскостей проявляются также и цветовые отношения. В то время как желтый цвет подчиняется оканчивающимся острием формам, красный является свойством прежде всего массивного округлого пятна. Оттенки синего цвета проявляются исключительно в более мелких формах, но не составляют никакого собственного контрапункта. Кандинский еще не достиг той чистоты цветов, которой сияют его картины периода Баухауса. Но и здесь можно заметить, что цвета упрошены до чистых контрастов. «Контрасты и противоречия — это наша гармония», — говорит Кандинский в своей эстетике. Красное пятно II, несмотря на уже названные противоборства цветов и форм, не производит впечатления неспокойного, резкого или дисгармоничного. Структура композиции, создающая впечатление игры, скрывает спокойное, не взволнованное чувство, схожее с симфоническим хором, в котором все голоса звучат в одной тональности — в данном случае в могучем мажоре красного пятна. Однако если охватить взглядом вместе со светлой главной плоскостью и свободные углы, то возникнет впечатление космического, элементарного. Здесь Кандинский вновь приближается к своим русским современникам -Малевичу и Лисицкому, — которые экспериментировали с парящим, беспорядочным, центробежным построением основных геометрических элементов. От работ этих художников Кандинского отличает нераздельность языка цвета и формы, многообразие их взаимоотношений, их экспрессивный, «говорящий» стиль, ощущение пространства и иероглифические, орнаментальные фантастические формы, которые в поздних работах достигают полной зрелости. Красное пятно //является блестящим примером «симфонической композиции», по Кандинскому, «состоящей из множества форм, которые сами подчинены явной или скрытой композиционной доминанте. Эта композиционная доминанта иногда внешне определяется с трудом, что придает еще более сильное звучание ее внутреннему содержанию. Эту сложную композицию я называю симфонической».
Четкое построение цветов и форм на этой картине указывает на новый период творчества Кандинского, который начинается вместе с его педагогической деятельностью в Баухаусе.
Помочь мне рублём вы можете через карту Сбербанка: +79805587761 (номер к ней привязан).
Источник: Хайо Дюхтинг: «Василий Кандинский»
Похожее
karagezyan.ru
Василий Кандинский
Маленькие радости 1913
Ровно 150 лет назад (1866) родился один из самых загадочных и сложных русских художников Василий Кандинский. В попытках найти ключ к его живописи написана не одна сотня книг и научных исследований. В России имя Василия Кандинского с начала тридцатых годов находилось под двойным запретом: как эмигранта и как художника-авангардиста.
Он стал открываться только в перестроечные восьмидесятые вместе со многими другими запретными именами. Провал в понимании искусства XX века оказался столь велик, что его оказалось невозможным компенсировать даже за несколько десятилетий.
Живопись Кандинского – это сложный механизм, возникший на сломе эпох и мироощущений. Чтобы понимать его, надо подняться на другие уровни восприятия закономерностей культуры, сломать слепоту и ограниченность нашего потолка по отношению к искусству XX века.
Белый овал 1919
Он сделал то, что когда-то сделал в скульптуре Микеланджело, а в живописи – Пикассо. Он совершил переворот в понимании и художника, и цвета, и подходов к искусству, назвав художника переводчиком с языка Духовности.
«Художник — служитель высшим целям, обязательства которого точны, велики и святы. Он должен воспитывать себя и научиться углубляться, должен, прежде всего, культивировать душу и развивать её, чтобы его талант стал облачением чего-то, а не был бы потерянной перчаткой с незнакомой руки — пустым и бессмысленным подобием руки».
Из всех искусств Василий Кандинский считал самым трудным для понимания абстрактную живопись, т.к. она требует знания того, что значит хорошо рисовать, обладания повышенной чувствительностью к цвету и ощущения себя поэтом, что в конечном итоге является самым важным.
Пестрая жизнь 1907
Он всегда ощущал себя не только поэтом и художником, но еще и шаманом, и пророком, чья миссия - передать человечеству универсальные идеи, поставив их на благо общества. Этой миссии он следовал всю жизнь. Василий Кандинский верил в целительность искусства, в ее возможности изменить мир к лучшему. Сегодня только некоторые начинают говорить об искусстве как о шаманизме, а он начал говорить об этом еще сто лет назад.
Искусство Кандинского – принадлежит русской культуре, он вырос из нее, хотя в «Энциклопедическом словаре живописи» Василий Кандинский представляется как французский художник русского происхождения. О своих русских корнях художник говорил неоднократно, повторяя: «Москва – мой камертон».
Святой Георгий 1915-1916
Его мироощущение и идеалы сформировались под влиянием философских традиций русской религиозной мысли (Соловьев, Мережковский, Белый, Булгаков и др.) и традиций народа. И хотя потом он был увлечен теософскими идеями, но стержнем его творчества оставалась русская культура.
Ключевых идей у Василия Кандинского было несколько. Самая главная - идея о внутренней необходимости, для выражения которой художник может использовать любой арсенал. Картина – это духовный образ внутренней необходимости и ничего больше. Если художник этому изменяет, картина теряет ценность.
Беспредметность и язык абстрактных форм – это универсальный язык, идеальный режим визуализации для выражения внутренней необходимости. С его помощью можно наиболее точно выразить духовность и глубину человеческих эмоций, то, что понятно всем, независимо от культурных традиций и места проживания. Кандинский не рисовал, он думал, прежде всего, думал.
День всех святых II 1911
Здесь сказалась его научная закваска, полученная им в годы учебы на юридическом факультете в МГУ, который он блестяще окончил, защитил диссертацию и был оставлен преподавать в качестве доцента. Теоретическая работа и осмысление того, что художник делает, были присущи ему органически, но все-таки Кандинский-художник всегда шел впереди Кандинского-теоретика.
Свое творчество он рассматривал как сплав цвета и музыки, музыка - высшая форма беспредметного искусства, где с помощью звуков можно вызвать у слушателя желаемые образы и эмоции. Своими картинами Василий Кандинский тоже хотел вызывать у зрителя такие же образы и эмоции, какие вызывает музыка у слушателя.
Примером того, как картина может звучать подобно музыке, является одно из лучших произведений художника с «музыкальным» названием «Композиция VII» (1913). Это вершина его творчества до Первой мировой войны. Картина возникла не сразу. Ей предшествовала большая подготовительная работа, было создано более тридцати эскизов, но сама картина была написана моментально, всего за четыре дня.
Композиция VII 1913
«Композиция VII» – это вихрь цветов и символов, кружащихся по спирали друг вокруг друга, изображая циклические процессы разрушения и спасения, смерти и возрождения. Исследователи считают, что здесь Кандинский совместил сразу несколько тем: Эдемского сада, Всемирного Потопа, Воскресения и Страшного суда.
Тема Апокалипсиса и мессианства, искупительной смерти и воскресения из мертвых была одной из центральных в творчестве Василия Кандинского. К ней он постоянно возвращался. В 1910-1913 годах у него появилась целая серия, которая в «Композиции VII» воплотилась в синтетическом единстве чистой живописи:
Страшный суд (1910), Импровизация 12 (Всадник) (1910), Все святые I и II (1911), Всадник Апокалипсиса (1911), Ангел Страшного суда (1911), Святой Георгий (1911), Распятый Христос (1911), Великое Воскресение (1911), Композиция со святыми (1911), Святой Владимир (1911), Страшный суд (1912), Импровизация. Потоп (1913) и другие.
Страшный суд 1912
Убежденный, что только через страдания и смерть возможно Воскресение, Василий Кандинский принял революцию семнадцатого, в которой увидел крушение старого мира и прорыв в будущее. Динамика разрушения-созидания увлекала и завораживала его. Именно так он понимал живопись:
«Живопись есть грохочущее столкновение различных миров, призванных путём борьбы создать новый мир, который зовётся произведением. Каждое произведение технически возникает, как возник космос, путём катастроф, подобных хаотическому рёву оркестра, выливающемуся в конце концов в симфонию, имя которой — музыка сфер. Создание произведения есть мироздание».
Художник - это тот, кто творит новые миры, вслушиваясь и вглядываясь в себя. Поэтому и нет необходимости обращаться к натуре. Произведение возникает из художника, а не из внешнего мира, подобно тому, как музыка рождается и звучит внутри композитора.
Картина с белой каймой 1913
Когда Василий Кандинский сформулировал для себя идею единства цвета и музыки, многие его картины стали получать музыкальные названия: «Впечатление», «Композиция», «Импровизация»… И из них постепенно исчезает предметность. Избавлению от внешней предметности художник во многом обязан своим ранним впечатлениям.
Это началось еще в детстве, когда однажды он сильно заболел. В бреду ему являлись картины и видения. Эти состояния сопровождались внутренней дрожью и кошмарными снами, которые потом он пытался воспроизвести. Обладая художественным даром, ему это удавалось. Правда, не сразу, но в конечном итоге, очистив видения от конкретных образов, он сумел это сделать.
Позднее художник не раз впадал в такие пограничные состояния, страдая от депрессий, головокружений, неуверенности в себе, ночных кошмаров, перепадов настроения, рассеянности и головных болей, о чем свидетельствуют его близкие. Выводило Василия Кандинского из этих состояний гнетущей тоски и депрессивных мыслей только творчество - единственное целительное средство от этих симптомов.
(Окончание здесь)
Тина Гай
Related posts
coded by nessussotvori-sebia-sam.ru
