Музей ЧерномырдинаОписание картины Федора Александровича Васильева «После Грозы». Картина после
Описание картины Федора Александровича Васильева «После Грозы»
Федор Александрович Васильев – современник русских пейзажей. Особенным моментом влияния на его творчество, оказалось знакомство с выдающимися художниками И. И. Шишкиным, И. Н. Крамским. Внимательное изучение природы сопровождалось многочисленными этюдами и зарисовками. Обучение художеству Фёдор Васильев закончил к 1867 году. Талант художника стремительно рос, его рисунки отражали некоторую поэтическую чувственность и глубину красок русской природы.
Творение «После грозы» – работа, отражающая зрелость художника Васильева. Написана картина в 1868 году. Сюжет выражает пейзаж сельского типа. На улице очень жарко, день проникнут теплотой солнечных лучей, так, что трудно дышать. Душный день, закончился, и хочется, чтобы пошёл дождь. Прогремит гроза, и влага окутает весь горизонт. Наверное, в такой день творец создавал свой шедевр. Такой же душный, и пасмурный.
Определённое внимание уделяется небу – оно притягивает, и опускает в свою бездонную глубину. Чистое и синее, без облаков, небо напоминает синей пушистый клубочек. Мысленно, даже можно представить море, которое растянулось на многие километры. Художник показал величавость и красоту неба после грозы. Творение наполнено спокойствием, вызывая добрые чувства у ценителей искусства. Даётся воля фантазиям, и представляются небеса, которые изобразил Фёдор Александрович.
Картина «После грозы» отображает спокойную и томную обстановку, в которой стало легко дышать. Земля полна небольших дождевых ямочек, дорога наполняется людьми, которые выходят подышать чистотой воздуха. На дальнем плане виднеется ельник. Этот уголок природы, выражен темно-зелёной краской. Отмечает хорошее настроение художника. Гармония цвета и души Васильева ясно сочетаются в картине «После грозы».
Веласкес Диего
Живопись после живописи. Что случилось с картинами во второй половине XX века
Что случилось с картинами во второй половине XX века: живопись в эпоху инсталляций, мультимедиа и 3D.
Что и зачем рисуют современные художники — загадка для большинства. Но самое удивительное — при нашествии «цифры», радикальности перформанса и тотальных инсталляций их интерес к традиционной живописи никуда не делся. Сотни молодых художников новой волны экспериментируют с красками и поверхностями, не боятся писать картины после Малевича, Бэкона и Ротко и дают другое прочтение привычным подходам и жанрам. При этом предметы картин становятся все более зыбкими и неузнаваемыми, а живопись все больше походит на кино: жанры и техники смешиваются между собой, а границы китча и искусства размыты как никогда раньше.
Натюрморт с хлебом и серебряным кувшином, Виллем Хеда, 1658
 |  |
| Натюрморт с музыкальными инструментамиЖорж Брак, 1908 | Четыре цветка в натюрмортеДэвид Хокни,1990 |
К тому же вся история модерна сложилась так, что нескольким поколениям стало чихать на академический истеблишмент и унылые экзамены в академию искусств — художники открыли для себя широкую публику и возможность ее шокировать, увлекать или раздражать. Нарисовать проституток острыми линиями и быть обруганным главным городом Европы стало важнее, чем угодить графу с 500-летней историей рода, нарисовав его приукрашенный портрет с румяными щеками.
 |  |  |
| Три грацииРафаэль, 1501-05 | Раздевающаяся женщинаЭгон Шиле, 1911 | Feather StolaМарлен Дюмас, 2000 |
Аллегория зрения, Ян Брейгель старший, 1618
 |  |
| Красная мастерская, Анри Матисс, 1912 | 1948, Вильгельм Саснал, 2006 |
Предмет
Предмет в современной живописи совершенно не обязательно должен начинаться и заканчиваться на холсте, может существовать без тени и четкого очертания и вообще не ставит целью напомнить какой-то предмет или опровергнуть канон того, как рисовались предметы. Временами он настолько неуловим, что догадаться о нем можно только по надписи. Предмет без функции, но в контексте — наверное, таким было бы общее описание вещей в живописи здесь и сейчас.
Susan Rothenberg, With Martini, 2002
William Scott, Bottle and bowl, blues on green, 1970
Человек
Портретное сходство остается уделом фотографии (и уже даже не как искусства, а как молчаливого регистра в фейсбуке или айфоне). Эмоция человека совсем не обязательно должна быть изображена в пределах лиц и тел — как смотрят на нас мускулистые мужички с полотен Машкова или Фрида со сросшимися бровями. Что же теперь рисует художник, когда рисует человека? В первую очередь — его человечность, нечто живое и неуловимое, что присуще только существам, которые умеют дышать. Направления жестов, полуповороты тела, акценты поз, тона теплокровной кожи, штрихи одежды — и незавершенность портрета почти всегда становится не только высказыванием, но и знаком качества.
Richard Phillips, Spectrum, 1998
Elizabeth Peyton, Jarvis, 1995
Ситуация
Жанровая сцена как раскадровка и застывшая картинка из театра исчезли из современной живописи чуть ли не раньше всего. Даже на мансардах Ренуара девушки в шляпках смотрят не на кавалеров, а куда-то между их трубками, сиренью и небом, и взгляд этот ловить не надо. Ситуация в живописи сейчас — это условно, минимум — живое в мертвом: от собаки на кресле до человека в аэропорту. И те, и другие одинаково плоские — перспектива убивает все: рука начинается или заканчивается в перилах, ноги уходят в лестницу, а волосы сливаются с фоном. Границы иллюзорны, и слияние с поглощением занимают сейчас художников больше всего, ведь аморфность и прозрачность — наша чуть ли не самая новая и интересная черта.
Neo Rauch, Die Fuge, 2007
Karin Mamma Andersson, Scener ur ett aktenskap, 2009
Линия и форма
Кошмар обывателя — абстракция — продолжается, потому что рисовать нечеткое нечто, которое обретает новую суть через цвет, форму и размах линии — это бестелесная живопись с нуля, без впечатления, живопись из головы, идущая от импульсов. И хотя большинство абстрактных полотен — предмет инвестиций для бесхребетных коллекционеров и унылых банков, лучшие из современных абстракционистов продолжают вычленять из белого шума вещи, которых не существует в осязаемой природе.
Cy Twombly, Leda and the swan, 1962
Roger Hilton, September 1961, 1960
Пейзаж
Природа у современных живописцев — не Божий храм и не мастерская, не декорации и не пастораль, из которой выкурили всех людей. На планете, где живет почти семь миллиардов человек, природа и среда — универсальная утопия, нарисованная пунктиром, в которой бывали или попадают все. Она без конца и без края, проявляется то в виде полей, то в мелочах — из плоской детской раскраски, где фон и герои не существуют друг без друга. Природа — это огромный человек без глаз и носа, утонувший в обыденности и безвременье.
Edward Hopper, Gas, 1940
Raqib Shaw, The garden of earthly delights III, 2003
worldartdalia.blogspot.com
КАРТИНА ПОСЛЕ ЖИВОПИСИ. Выставка современной петербургской живописи.
27.11.2015 - 17.01.2016
Научно-исследовательский музей Российской Академии художеств
Северо-Западный филиал Государственного центра современного искусства (ГЦСИ)
Петербургский благотворительный фонд культуры и искусства «ПРО АРТЕ»
При поддержке
Министерства культуры Российской Федерации
Комитета по культуре Санкт-Петербурга
В программе IV Санкт-Петербургского международного культурного форума
КАРТИНА ПОСЛЕ ЖИВОПИСИ
27 ноября 2015 – 17 января 2016
Выставка современной петербургской живописи в Рафаэлевском зале Научно-исследовательского музея Российской Академии художеств
Кураторы: Елена Губанова, Александр Дашевский
Дизайн: Александр Менус
Открытие выставки в пятницу 27 ноября в 17:00
Санкт-Петербург, Университетская наб., д. 17
Выставка «Картина после живописи» продолжает серию выставок о современном искусстве Санкт-Петербурга, осуществляемых Северо-Западным филиалом ГЦСИ в рамках углублённого исследования современных тенденций в искусстве нашего города. На выставке будут представлены работы современных петербургских художников, а также преподавателей и выпускников Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина (Академия художеств).
В современном художественном процессе «картина» как жанр изобразительного искусства вновь приобретает большую значимость. Во всём мире с успехом прошли выставки «новой живописи». Цель проекта - показать, как современные петербургские художники работают в станковом искусстве. Как «картина» вовлечена в ткань современного искусства, каким образом классическое изобразительное средство становится новым медиа. На выставке будет представлено более 30 работ 20 петербургских художников разных поколений. В выставке принимают участие: Марина Алексеева, Анна и Алексей Ган, Илья Гапонов, Иван Говорков, Валерий Гриковский, Елена Губанова, Александр Дашевский, Алексей Кострома, Владислав Кульков, Владимир Кустов, Григорий Майофис, Семен Мотолянец, Игорь Пестов, Виталий Пушницкий, Керим Рагимов, Андрей Рудьев, Ольга Тобрелутс, Леонид Цхэ, Петр Швецов.
В рамках проекта готовится издание со вступительной статьей Ивана Чечота - известного петербургского искусствоведа, руководителя сектора истории и теории изобразительного искусства и архитектуры Российского института истории искусств РАН, профессора факультета истории искусств Европейского университета в Санкт-Петербурге.
6, 13, 20 декабря и 6, 8, 10, 17 января в 14.00 состоятся специальные экскурсии по выставке с арт-медиаторами.
17 декабря в 18.00 состоится круглый стол с участием кураторов, художников и искусствоведов.
Информация:
(812) 332 13 47, www.ncca.ru – Северо-Западный филиал ГЦСИ Направление: Визуальные искусcтваwww.proarte.ru
После грозы (картина Васильева) — WiKi
В 1868 году 18-летний Фёдор Васильев обратился к теме деревенского пейзажа. Вместе с художником Иваном Шишкиным, с которым он в 1867 году побывал на острове Валаам, Васильев провёл лето 1868 года в деревне Константиновка, расположенной под Петербургом, рядом с Красным Селом[4] (ныне входит в состав района Горелово[5]). Помимо картины «После грозы», в этом же году были написаны и другие известные произведения Васильева — «Деревенская улица» и «Возвращение стада»[4][6].
Картина «После грозы» на почтовой марке СССР 1975 года Картина «После грозы» была передана в дар Третьяковской галерее предпринимателем и коллекционером Дмитрием Боткиным (не позднее 1898 года)[1][7].
Бо́льшую часть холста занимает небо, частично ярко-голубое, а частично затянутое облаками и тучами — последствиями недавней грозы. Ниже изображена тёмно-зелёная полоса леса, а на переднем плане — размытая от дождя просёлочная дорога[8].
Сравнивая картины Васильева «После грозы» и «Деревенская улица», искусствовед Фаина Мальцева писала[6]:
 | При всей видимой упрощённости их построения молодому пейзажисту удалось придать содержанию каждой из них широкий, обобщающий смысл. Как бы ограничив композиции обеих картин густо сомкнувшейся вдали полосой леса, Васильев в меру возможностей расширяет изображённое в них пространство и конкретно выражает это дорогой с проложенными по ней колеями. |  |
В Государственном Русском музее находятся рисунки Васильева «Просёлочная дорога после дождя» и «Повозка на дороге», которые были использованы при подготовке к написанию этой картины[1].
ru-wiki.org
Отдых после боя (картина) - Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Фрагмент картины «Отдых после боя» (1955) на марке СССР 1965 года (ЦФА [ИТЦ «Марка»] № 3200) «Отдых после боя» — картина известного советского живописца, академика Ю. М. Непринцева, написанная 1951 году, в которой живописными средствами талантливо передана идея духовного единства народа в годы военных испытаний.
Сталинская премия первой степени за 1952 год.
История[ | ]
Замысел картины Непринцеву подсказали личные наблюдения и переживания военных лет, а также знаменитая поэма А. Твардовского «Василий Тёркин». После начала войны художник добровольцем ушёл на фронт, служил в истребительном батальоне и действующих частях Краснознамённого Балтийского флота, участвовал в обороне Ленинграда.
Напряжённая работа над картиной продолжалась с 1949 по 1951 год и увенчалась большим успехом автора. Показанная на Всесоюзной художественной выставке в Москве, картина получила высокую оценку зрителей и специалистов. В 1952 году за картину «Отдых после боя» Юрий Непринцев был удостоен Сталинской премии первой степени. Миллионами репродукций картина разошлась по всей стране, что заслуженно сделало её одним из самых известных и любимых произведений советского изобразительного искусства[1].
Оригинал картины «Отдых после боя» был подарен руководителю КНР Мао Цзэдуну. В 1953 году Юрий Непринцев пишет вторую авторскую версию картины для Георгиевского зала Большого Кремлёвского дворца, а в 1955 году — третью версию для Государственной Третьяковской галереи. Картина вошла в «золотой фонд» отечественной живописи как одно из лучших воплощений образа советского человека[2]. Для Непринцева картина стала вершиной творчества, хотя в последующие годы им будет создано немало живописных и графических работ, в том числе и на темы Великой Отечественной войны. Вариант картины из собрания Государственной Третьяковской галереи неоднократно экспонировался на крупнейших художественных выставках[3].
См. также[ | ]
Примечания[ | ]
Источники[ | ]
- Юрий Михайлович Непринцев. Автор вступ. статьи Г. Леонтьева. М., Советский художник, 1954.
- Востоков Е. Подвиг народа // Искусство. 1970, № 5. С.2-9.
- Изобразительное искусство Ленинграда. Каталог выставки. Л., Художник РСФСР, 1976. С.24.
- Юрий Михайлович Непринцев. Каталог выставки. Л., Художник РСФСР, 1989.
encyclopaedia.bid
