Музей ЧерномырдинаСюжет знаменитой картины: какие шедевры спрятались в кинолентах. Картины сюжет
Сюжет картин в реальной жизни (77 фото)
Аноним
19 октября 2011 07:55 Если перенести сюжет известных картин в современную обстановку, то получается следующее... 
Источник: flickr.com
Понравился пост? Поддержи Фишки, нажми:
Новости партнёров
fishki.net
Как развить воображение, чтобы придумать сюжет картины?
Янв 25, 2018
in Полезные статьи по рисованию by Марина ТрушниковаКак развить воображение и наладить творческий процесс, чтобы придумать сюжет картины.
Бывало ли у вас такое, что хочется что-то нарисовать, и идея уже витает в воздухе, но как воплотить это на листе, не знаешь? Или и того хуже, нужно что-то нарисовать , а в голове – будто чистый лист, ни одной идеи… Как же преодолеть этот ступор и наладить творческий процесс, как развить воображение, чтобы просто фонтанировать идеями и образами?
Я знаю и использую четыре способа поиска идеи для картин. Расскажу о трёх из них.
I способ как развить воображение: Начать с главного.
Не бывает так, чтобы, задумав картину, вы не имели идей совсем. Обязательно хоть какой-то образ в голове крутится.
Например, вы знаете, какой персонаж должен быть в картине. Или каким должно быть цветовое решение. Или фон, окружение.
Поэтому первый способ состоит в том, чтобы ухватиться за тот минимум, который есть в голове, и начать его раскручивать.
ВАЖНО! Фишка здесь в том, что вы не должны переживать о композиции картины заранее.
Вы берёте образ, который есть в голове и на него нанизываете всё остальное. А о композиции думаете после того, как оформится идея.
Как это выглядит на практике:
Для маленького эскиза вы берёте большой лист. Это важно! Нужно дать пространство, в котором будет разрастаться идея.
Рисуете главное (то, за что вы зацепились) в центре большого листа.
Затем добавляете окружение. Шаг за шагом. Ваше воображение само начнет подсказывать вам какие-то детали. Так уж оно устроено – потянется цепь ассоциаций и воспоминаний, одна деталь подтащит следующую, та – ещё одну и так далее.
Когда некий образ, пусть не в конкретных деталях, найден – обозначайте границы композиции, отчеркивайте прямоугольник формата. Есть “минус” – такой вариант бывает трудно подогнать под имеющийся формат холста. Но можно нарисовать еще один эскиз на основе полученного в уже заданном формате.
Так происходило в моем случае с этой картиной. Сначала я просто бездумно нарисовала сидящего человечка. Вдруг у него выросли крылья, и он превратился в ангела. “Где может сидеть такой задумчивый ангел? – подумала я. – Наверно, на крыше…” Начала рисовать крышу, дом, вспомнила детство, свой двор, где жила, и понеслось…
Поскольку холст для картины у меня был квадратный, то эскиз я перерисовала, изменив композицию для квадратного формата. При этом, посмотрите, я в поиске идеального расположения не перерисовывала домики, а двигала рамки эскиза.
В следующем же способе рамки двигать нельзя. В чём его суть?
II способ: Задать питательную среду для воображения
Бывает, что идеи нет от слова “совсем”.
Вернее, я бы сказала, что эта идея в вас есть, но где-то очень глубоко, в пластах бессознательного. Поэтому у вас есть некое внутреннее томление и желание творить, но вы ни словом, ни образом не можете это проявить.
В этом случае мне помогает следующий способ.
Чертим прямоугольник с пропорциями будущей картины. А лучше сразу несколько. Я рисую либо четыре прямоугольника 6х8 см, либо парочку 10х15.
Начинаем простым карандашом рисовать хоть что-то: чёркать, делить пространство, стирать, исправлять, пристраивать какой-нибудь элемент, играть с тоном.
Это и есть питательная среда для воображения. В какой-то момент ваша фантазия хватается за возникающие пятна и домысливает их. Пространство вашего формата уже не безжизненно пустое, уже есть за что зацепиться. Вы вдруг начинаете видеть образы, придумывать истории. В результате ступор пропадает.
Полезная статья: Почему у детей фантазия богаче?
Что интересно, в этом случае часто рождается серия картин. Ваше подсознание выталкивает на поверхность те образы, которые его будоражили, но не были вами осознаваемы.
Так у меня родились картины серии “белое на белом”.
III способ: Использование композиционных приёмов
Если уйти от всякой лирики про подсознание и образы, которые в нас есть, то третий способ будет заключаться в планомерном и логичном следовании композиционным приёмам.
У нас есть персонаж. Мы продумываем его характер, образ. Ищем ему место в пространстве листа, исходя из правил композиции.
Идём от схемы, логично расставляя все элементы.
Этот способ я подробно описывала в прошлой статье “Эскиз картины. Вопросы композиции”.
Итак, чтобы придумать сюжет картины, используйте любой способ, который вам ближе.Кстати, а каким способом создания эскизов чаще всего пользуетесь вы? Может есть свой? Поделитесь в комментариях!
Расскажите об этой статье в соцсетях, люди будут вам благодарны:
А какой же способ №4?
Да, я в начале упомянула, что у меня четыре способа для поиска идеи картины.
Четвертый способ похож на способ №2. Но он более специфичен. Это моя собственная технология, которую я придумала однажды.
Она сложна для объяснения, здесь нужно показывать. Поэтому я в своё время создала курс “Карандашные Фантазии”. Рекомендую его всем, кто хочет нырнуть в бездну своего творческого мышления и воображения и понять, что на самом деле все мы от природы обладаем богатым воображением. Просто зачастую “не умеем его готовить”. Доказано участниками курса. 🙂
izo-life.ru
Картины с необычным сюжетом - Воздушные замки
Большинству невзыскательных зрителей нравятся картины с очевидным сюжетом: портреты, пейзажи, незамысловатые жанровые сцены. Но некоторых манят картины с сюжетами необычными. Такие картины являются загадками, предоставленные для размышлений и раздумий живописцами прошлого. Эти картины не отпускают долго, хочется ответить на вопросы, заданные художниками.«Крик»
Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель
Национальная галерея, Осло
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
«Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»
Поль Гоген. 1897-1898, холст, маслоМузей изящных искусств, Бостон
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.
Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.
«Герника»
Пабло Пикассо. 1937, холст, маслоМузей королевы Софии, Мадрид
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Портрет четы Арнольфини»
Ян ван Эйк. 1434, дерево, маслоЛондонская национальная галерея, Лондон
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
«Демон сидящий»
Михаил Врубель. 1890, холст, маслоТретьяковская галерея, Москва
Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.
Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.
Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».
«Апофеоз войны»
Василий Верещагин. 1871, холст, маслоГосударственная Третьяковская галерея, Москва
Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.
Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне.
Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.
«Американская готика»
Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго
Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.
«Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.
«Влюбленные»
Рене Магритт. 1928, холст, масло
Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.
Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
«Прогулка»
Марк Шагал. 1917, холст, маслоГосударственная Третьяковская Галерея
«Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.
Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.
«Сад земных наслаждений»
Иероним Босх. 1500-1510, дерево, маслоПрадо, Испания
«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия.
Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.
Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.
На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
«Три возраста женщины»
Густав Климт. 1905, холст, маслоНациональная галерея современного искусства, Рим
«Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.
Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.
«Семья»
Эгон Шиле. 1918, холст, маслоГалерея «Бельведер», Вена
Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.
«Две Фриды»
Фрида Кало. 1939
История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.
«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
Клод Моне. 1899, холст, маслоГосударственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.
Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.
«Номер 5, 1948»
Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло
Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»
Жоан Миро. 1935, медь, маслоФонд Жоана Миро, Испания
Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.
Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
использованоThis entry was originally posted at http://zharevna.dreamwidth.org/618984.html. Please comment there using OpenID.
zharevna.livejournal.com
Картина С Нуля | Востребованные сюжеты в живописи
Какие сюжеты в живописи самые востребованные?
Практически всех начинающих художников интересует: какие сюжеты в живописи самые востребованные?
Что лучше всего писать, на чем остановиться, чтобы не прогадать? Что лучше всего продается?
Нужно ли быть универсалом и уметь хорошо рисовать все или приложить усилия только к какой-нибудь одной теме, а остальные «так себе»?
Кстати, как нарисовать вот этих лошадок смотрите в статье: Как нарисовать лошадей видео
Безусловно, надо уметь рисовать все. Конечно, какой-то сюжет для Вас будет более привлекательным и будет получаться лучше, а какой-то – хуже.
Подход здесь следующий: для начала Вам надо попробовать, порисовать, «пощупать» все сюжеты понемногу и только после этого углубиться в какую-то одну более удачную для Вас тему. И после того, как в этой теме добились, если не совершенства, а хотя бы приличного мастерства, тогда стоит приступать к более полному изучению остальных сюжетов.
С какой темы лучше начать?
На самом деле все сюжеты в живописи хороши и как говорится: «покупается все, что продается».
Пейзажи – неисчерпаемый источник вдохновения для художников и любимая тема покупателей. Очень хорошо покупают и пейзаж легко рисовать.
Натюрморты. Это могут быть различные фрукты, цветы в вазах. Целое поле цветов или один крупный цветок на весь формат, кстати, очень популярный сюжет в последнее время. Рисовать цветы – одно удовольствие.
Животные, в частности – лошади (скажу по секрету – моя самая любимая тема). Считается, что рисовать лошадей очень сложно. Это да, но есть одна хитрость, и нарисовать лошадей становится гораздо проще.
Ню. «Нюшечка» заслуживает отдельного разговора. Все любят смотреть, но покупают весьма неохотно, во всяком случае, у нас. Уж очень народ у нас сильно закомплексован: «а вдруг кто-то что-то не то подумает, жена домой не пустит, знакомые не поймут…». Надеюсь, когда-нибудь ситуация изменится, потому ню – это очень стильно и красиво.
Портреты – это только под заказ. Есть одна отличная фишка, которая позволяет выстреливать портреты «на раз», но о ней не здесь и не сейчас…
Мы с Вами рассмотрели основные сюжеты в живописи, они все востребованы в той или иной степени. Необходимо пробовать рисовать все…
Творческих Вам успехов!
С уважением, Маргарита Потороча
kartina-s-nulya.com
Сюжет картины воздействует только на тех, кто не способен эмоционально воспринимать живопись.: xenia_mikhailov
Сюжет картины и сюжет живописи.Во всяком произведении, написанном, нарисованном, гравированном, орнаментированном, имеются два сюжета, сочетающихся в разных пропорциях. Литература, история, география, чувство - все, что не является пластикой, - составляют сюжет картины.Художественный замысел, технические средства, вечные, но постоянно меняющиеся способы выражения - все, что является пластикой,- составляют сюжет живописи. Сюжет картины имеет не больше эстетического значения, чем название картины; важно только, как сюжет картины передан.
В живописный сюжет входят все эстетические и пластические силы: расположения, гармонии, материала, которые позволяют реализовать - из призрачных реальностей или воображаемых чувств, подсказанных сюжетом картины, - чудесную драму художественного замысла. Самому художнику важен только сюжет живописи: им он выражает свою творческую волю.Сюжет картины воздействует только на тех, кто не способен эмоционально воспринимать живопись. Чем меньше зритель чувствителен к эстетическому выражению или к технике живописи, тем он чувствительнее к сюжету. Для большинства воскресных посетителей музеев сюжет - это все. Наше общество, отказывая массам в образовании, навязывает им это подчинение сюжету. Те, кто дрожит от волнения перед улыбкой Джоконды, кто слышит звон колокола при виде "Анжелюса" или шум моря и ветра в маринах Клода Моне, те образуют особую категорию людей, безнадежно нечувствительных к гармониям линий и цветов. Другие жертвы невежества - это те, кто хотят увидеть в живописи кучу вещей, о которых художник и не думал: гуманность, чувственность, нежность и т. д. На эту удочку попадаются самые культурные люди. Когда в 1886 году Жорж Сера показал свою картину-манифест "Воскресенье на Гранд-Жатт", обе господствовавшие тогда литературные школы, натуралисты и символисты, судили о картине с точки зрения своих литературных позиций. Ж-К. Гюисманс, Поль Алексис, Робер Каз увидели в ней воскресную гулянку продавцов, подручных мясников, женщин, ищущих равлечений; Поль Адан восхищался скованностью персонажей, находя в этом отзвуки шествий времен фараонов, а грек Мореас вспоминал процессии панафиней.
Но Сера хотел дать только веселую и ясную композицию с равновесием горизонталей и вертикалей, доминантами теплых цветов и светлых тонов со светящимся белым пятном в центре. Только непогрешимый Фенеон досконально изучил техническую новизну живописца. Сера так мало придавал значения сюжету, что говорил друзьям: "Я мог бы написать, только в другой гармонии, битву Горациев с Куриациями". Он выбрал натуралистический сюжет только для того, чтобы подразнить импрессионистов, и намеревался написать по-своему все их картины. Хороший сюжет может быть у писателя, но для живописца нет хороших сюжетов. Сюжет должен стать незаметным, как стиль в романе. Сюжеты картин устаревают, живописный сюжет не стареет.
Живопись мастеров оправдывает сюжет их картины; котелок у Дега никогда не выглядит смешным - он приобрел стиль благодаря живописи. Котелки на картинах Даньян-Бувре вызывают смех. Модные наряды у Курбе, Мане, Гиса естественны, а у Шаплена, Клере-на или Роля кажутся гротескными. Нужен был весь живописный талант Делакруа, чтобы заставить нас принять пустые романтические истории "Айвенго" или "Гяура". Делакруа волнует нас арабеской линий, пламенем красного цвета, противопоставленного зеленому, - об этом говорил еще Бодлер,- а не своими устаревшими сюжетами. Живописное великолепие ларца "Гелиодора" или сандалии на первом плане в "Сарданапале" трогают нас больше, чем эти еврейские или ассирийские рассказы - простой предлог для линейных и хроматических композиций.
Если живопись не определяет, не уточняет сюжета картины, если она не господствует над ним, то такая независимость и двойственность создадут противоречия, портящие произведение. Как бы печален ни был выбранный сюжет, как бы грустны ни были его элементы, картина никогда не будет вызывать чувство печали, если доминанты линий, цветов и тонов не находятся в соответствии с чувствами, которые хотел выразить художник. Если бы мачта в "Бедном рыбаке" Пюви де Шаванна не была бы наклонена налево, эта картина не внушала бы чувства печали. Пюви, ученик Пуссена, умел пользоваться элементами композиции.Если бы в "Канкане" и "Цирке" Сера не были скомпонованы динамогенические линии, цвета и тона, то они не были бы, несмотря на их названия, картинами движения и радости. Эти вечные правила, которые умели применять Пуссен, Пюви и Сера, придают картине живописность и укрепляют ее хрупкий сюжет.
Чем дальше художник продвигается в своей практической деятельности, тем лучше он владеет мастерством и тем больше он понимает, что необходимо отказываться от сюжетности, жертвовать ею в пользу живописи. Художник уже не попадается в чарующие ловушки природы, он остерегается красивости открыток, он понимает ненужность и опасность излишних и противоречивых деталей натуры. Он обращает внимание только на существенное, стремится к простоте, к синтезу, отстраняет все, что не относится к драме. Он понимает величие жертв, которых требовал холодный разум Делакруа; подавляя пыл своего воображения. Делакруа, страстный романтический мастер с ясным умом, всегда без колебания жертвовал любым куском картины, как бы удачен он ни был, если он был ненужен для конечного эффекта. Такое соотношение холодного разума и страсти, пыла и логики, радостного опьянения и мучительной работы, присущее всем мастерам, является силой таланта. Гений упрощает, выбирает, жертвует. Он знает, что никогда картина не будет достаточно проста, что нет прекрасной живописи без прекрасного материала и что материал важнее, чем сюжет, предметы и литература.
Лучший пример, какой можно привести, - это две картины Тёрнера, написанные им через большой промежуток времени, но скомпонованные из элементов, взятых из одного и того же мотива: Норэм Касл на реке Твид. Первая картина написана в 1815 году, она относится к зрелым годам художника. Вторая - в 1835 году, Тёрнеру было 66 лет. Тот же мотив: река, на первом плане - вода, направо и налево - берега, вдали - холм с развалинами замка. На этом сходство кончается.
В более ранней картине Тёрнер прекрасно расположил обильное количество красивых элементов; такой прекрасный вид вызвал бы восхищение и восторженные восклицания туристов. На правом берегу на первом плане пьют воду восемь коров; позади - вытащенная на берег лодка и два рыбака; дальше бурлаки, дома и деревья. На левом берегу на первом плане - большая баржа и человек, который ее пришвартовывает, еще дальше хижина рыбаков со всеми классическими принадлежностями: веслами, парусами, сетями; дебаркадер с лодками и людьми. На реке - парусная лодка. В глубине - замок, написанный во всех подробностях, с десятками окон, частью на свету, частью в тени. Сзади - самое великолепное небо, бурные облака самых редкостных оттенков, самых сложных форм. Невозможно создать картину, в которой было бы больше элементов красоты.
В более поздней картине почти ничего этого нет. Большое желтое пятно в середине неба постепенными градациями доходит до лиловых берегов. Туманное синее пятно в середине - это замок и его отражение в реке. Никаких подробностей архитектуры. Налево пурпуровый цвет переходит в оранжевый, не определяя никакого предмета; немного более темный по топу лиловый обозначает крышу. Направо - градации двух цветов, оранжевого и лиловатого. И посреди воды, отражающей небо, - красное пятно, отдаленно напоминающее корову. В этой упрощенной картине все, что художник хотел возвеличить,- замок, берега, стадо -лишено всего ненужного, но выявлено гораздо яснее, чем в композиции, где все элементы противоречат, мешают, убивают друг друга. Красное пятно дает большее представление о стаде, чем восемь коров первой картины, где художник уподобился ювелиру и соединил слишком много красот вместе.Во второй картине виден только живописец, старый художник, сумевший пожертвовать сюжетом в пользу живописи.Мы видим ту же борьбу за свободу, то же понимание необходимости жертв у Клода Моне, "борца с сильной душой и крепкими мускулами", которому все художники, достойные этого имени, обязаны уроком искусства или жизни. Он постепенно отказался от картин с фигурами - а в них он сделал чудесные вещи, как, например, "Завтрак" и "Дама в белом", ставящие его рядом с Курбе,- и, чтобы иметь больше свободы и более обширный репертуар, он посвящает себя пейзажам и маринам. Потом понемногу он отказывается от сюжета, замыкается в сериях с одинаковым мотивом: стога сена, тополя, соборы, заботясь только о том, чтобы украсить эти предлоги для живописи всей своей чувствительностью и всем умением колориста. И, наконец, апофеоз его творчества - это серия "Ненюфар", где все принесено в жертву игре красок, тонов и оттенков. В этой торжественной симфонии он подытоживает и реализует все, что искал в течение всей жизни.
Дискредитирование сюжета.
Надо сказать, художники сейчас как будто мало заботятся о сюжете и больше внимания обращают на технику, ремесло, материал. Они знают, что живопись может быть прекрасна, даже совсем не имея сюжета, а что хороший, но плохо поданный сюжет не имеет смысла. Если они иногда думают о сюжете, то потому, что любитель придает еще ему какое-то значение: "Снег" продается, но если в пейзаже имеется крест, то такой пейзаж не купит ни маршан-еврей, ни суеверный коллекционер. Некоторые художники специализируются на каком-нибудь сюжете: существуют, например специалисты по унылым озерам, по призрачным деревням, по цирку, по старым крышам, так же как по кардиналам и артиллерийским батареям. Но все это не имеет отношения к живописи. На сюжеты есть мода. Около 1880 года имели успех картины на такие сюжеты, как "Новобрачные у фотографа" Даньяна-Бувре или "Мы вам дадим 25 франков, чтобы начать дело" Ж.-Ф. Раффаэлли; сейчас такие сюжеты показались бы смешными, как бы прекрасна ни была живопись.Число сюжетов и драматических ситуаций ограничено, а возможности живописного решения безграничны, достаточно перемены ритма или контраста, чтобы совершенно изменить картину. Сколько было повторений одного и того же сюжета в течение веков, тогда как картин с одинаковым живописным решением не существует. Сюжет картины имеет так мало значения, что в случае надобности он может быть подменен. На некоторых эскизах Пуссена мы видим, что скала становится быком, искривленный ствол дерева превращается в тело нимфы исключительно из соображений гармонии линий. Две знаменитые марины Тёрнера "Улисс издевается над Полифемом" и "Последний рейс корабля "Смелый" почти одинаковы по композиции. В первой картине посредине галера Одиссея, во второй - старое военное судно на буксире. Если мы переставим предметы, то надо будет переставить названия и сюжеты, но эта фантастическая хронология не изменит живописное решение. Тёрнер сам вносил фантазию в выбор подписей под своими картинами, называя "Дождь, пар и скорость" паровоз, от которого удирает обезумевший от страха заяц, и назвав "Рок Лимпет" (род раковины конической формы, известной у нас под именем морское блюдце) картину, изображающую Наполеона на острове св. Елены, где, чтобы оправдать название, в уголке написана маленькая ракушка. И Сезанн относился к сюжету и названию не более уважительно, обозначая свои серьезные композиции: "Жена ассенизатора", "Новая Олимпия", "После обеда в Неаполе, или Пунш с ромом".Не лучше ли было бы, вместо того чтобы навязывать себе сюжет и название, называть свои картины так же, как музыканты свои произведения: opus №... Таким образом, репертуар живописца стал бы неограниченным и он не был бы связан сюжетом. Уистлер осмелился называть некоторые свои произведения "Гармония в ...". Но его смелость возмутила Рёскина, увидевшего в этом бесстыдство "кокни".
Значение картины. Живописная эмоция.
Художник должен трогать зрителя не сюжетом, а гармонией линий и красок, которые он располагает в нужном ему порядке. Он выразит себя лучше всего, руководствуясь не рассуждениями, а чувствами. "Всякое искусство должно обращаться к нашим органам чувств, чтобы через них проникнуть в самый источник эмоции", - сказал Конрад. В пластических искусствах мысли теряют свое значение, если материал плох и форма посредственна. Художник должен воздействовать на чувства через глаза, а не литературой сюжетов и названий. "Ничто так не гасит воображения, как призыв к памяти и рассуждениям", - говорится в одной аксиоме Стендаля. Анекдоты, воспоминания, вызываемые названиями и сюжетами, душат ощущение. Надо сказать, некоторые художники нечувствительны к сюжету картин, которыми они больше всего восхищаются. В их представлений какая-нибудь картина Перуджино - это пирамидальная композиция и гармония трех цветов. Имя Пинтуриккио напоминает им оранжево-красную и оранжево-зеленую гармонию росписи помещений Борджа, а вовсе не историю Пикколомини. Они удивляются, что эрудиты могут писать толстые тома об этих колористах, а великолепные слова: синий, красный, желтый - ни разу в них не встречаются. Для тонко чувствующих людей направление посохов в "Аркадских пастухах" Пуссена, доминанта "Алжирских женщин" Делакруа, острая гармония Боннара имеют больше значения, чем все истории этих картин. Для таких людей гуманность, чувствительность - слова, которыми описывают картины Каррьера, не извиняют его отказ от цвета. Настоящий художник заменил бы все эти благородные философские поиски чувственным красным и эмоциональным синим. Лучше всего можно понять картину, понять, чем и как она нас трогает, узнав и поняв, как и почему картина была задумана и какими средствами реализована. Понять значение картины - это значит разделить волнение и труд художника перед мотивом. Об этом волнении и работе мы теперь и поговорим.
Наблюдение природы.
Художник, чтобы выразить себя, будет черпать нужные ему элементы из природы. Только она обеспечит ему обновление и разнообразие- ведь ничего нового изобрести нельзя. Самые безумные композиции изображают более или менее измененную природу. Но по хорошо известному определению Делакруа, природа только словарь, в нем ищут слова, в нем находят элементы предложений или рассказа, но никто никогда не рассматривал его как поэтическое произведение.Природа своим коварным изобилием подстраивает художнику тысячи ловушек, предлагает ему тысячи комбинаций: среди них есть и очень хорошие и очень плохие. Если она в отдельных своих элементах всегда гармонична до самых маленьких частностей, то она не всегда гармонична в столкновении и сочетании различных элементов. Природа не ответственна за следствие случайностей или вмешательства человека. Иногда нет ничего более негармоничного, чем какая-нибудь зелень на фоне голубого неба, чем некоторые углы, параллелизм или хаос некоторых гор. Художник должен защищаться от этого, выбирая, и не должен обольщаться даже самым совершенным из того, что ему предлагает природа. Он должен выбрать из огромного количества задач, поставленных природой, одну, соответствующую его целям. Он должен противостоять обольщению этих, таких соблазнительных, красных и зеленых, этих восходящих линий, если он хочет реализовать поэму спокойствия и мира, которую он носит в душе. Город, как Ле Пюи, праздник в Бенаресе -эти сюжеты могут оказаться не под силу какому-нибудь художнику, и он потерпит неудачу, тогда как он мог бы добиться успеха, изобразив иву на берегу Сены или пресловутую компотницу. Ажурная колокольня, зубчатая башня не должны привлекать художника, это уже законченные произведения. Но увидеть великолепие простой стены, ничтожного пучка травы и посредством исполнения градациями и контрастами цвета передать это великолепие в картине - вот это благородная живописная задача, в которой побеждают терпеливые, как Сезанн и Сера. Там, где еще не все досказано, художник может дать себе волю.
Композиция.
После того как выбор сделан, художник найдет лучшее руководство и самую плодотворную помощь в правилах композиции. В этих правилах, правилах гармонии, начиная с золотого сечения древности, кончая законами Шеврейля и Шарля Анри, нет ничего тайного. Все мастера знали или интуитивно чувствовали их. Нет ни одной картины Тёрнера, в которой мы не могли бы найти применения девяти важных законов, описанных впоследствии Рёскиным под названием законов доминанты, повторения, продолжения, кривизны (curvature),излучения, контраста, чередования, устойчивости (consistance), гармонии. Художник видит эти правила в природе, и они помогают ему. Если художник чувствителен к гармонии, он заметит, что какой-нибудь пейзаж, где доминирует желтый цвет, будет хорошо дополнен неожиданным появлением автобуса этого цвета, что симфония кораблей с синими парусами будет дополнена экипажем в оранжевых одеждах. Природа откроет художнику также и двойной закон аналогий, сходных и противоположных аналогий. Изгиб горы, повторяющий изгиб первого плана, покажет ему воздействие и возможности игры линий. Он поймет, что не существует изолированных предметов, он отыщет в природе цвета и формы, которые позволят ему запеть песню, которую он носит в душе.Сезанн приходит на мотив в поисках объемов, зная, чтб он хочет сделать. Он возьмет от мотива только то, что ему нужно. Он консультируется с природой так, как Дега советовал пользоваться моделью: "Художник находится в своей мастерской на шестом этаже. Модель внизу во дворе. Художник работает наверху и спускается вниз, только чтобы по мере надобности сверяться с моделью". В стволе дерева Сезанн открывает элементы красоты, которые не видят другие. Все эти переплетающиеся, охватывающие друг друга линии, перекрывающие, переходящие друг в друга и противостоящие друг другу красочные элементы он берет и располагает по-своему. И это дерево, из которого какой-нибудь легкомысленный художник сделал бы одним случайным мазком кисти или взмахом шпателя водосточную трубу, Сезанн воссоздает, превосходя даже в красоте подлинное дерево. Жорж Сера, прежде чем положить мазок на свою дощечку, смотрит, сравнивает, прищуривает глаза на игру света и тени, видит контраст, различает рефлекс, долго делает пробы на крышке этюдника, служащей ему палитрой, борясь с материалом, так же как он борется с природой, а его кисть нацеливается на маленькие кучки красок, расположенных по хроматической гамме, и берет различные красочные элементы, из которых составится цвет, предназначенный выразить открытую им тайну. От наблюдения к выполнению, от мазка к мазку этюд заполняется, и... шедевр создан.Матисс, стоя перед мотивом, обводит контуры своих ног на земле, как это делает модель в мастерской, чтобы найти свое точное место. У Матисса в руке отвес, он обнаруживает им малейшее изменение ритма вертикалей. Он долго смотрит на зеленый и цветущий эвкалипт со множеством ветвей. Потом он терпеливо ищет на своей палитре цвет, который заполнит контуры найденных им форм. И из этого косматого дерева, уничтожив ветки и листья, он делает голый цилиндр, ничем не похожий на то, что ему предлагала природа. Но позже, когда видишь эту работу вдали от непрочной реальности, обнаруживаешь ее величие, о котором и не подозревал.
Спасибо ben_azzaj за подсказанную иллюстрацию.
Боннар, напротив, фиксирует все, что природа может предложить его живописному таланту. В маленькую записную книжку - она всегда при нем - или, еще лучше, в свою память он заносит все, что ему показывает жизнь.
Он понимает, любит и выражает все, что видит: сладкий пирог завтрака, глаз своей собаки, луч солнца сквозь жалюзи, губку в тазу. Потом он отдается своему инстинкту и, даже не стараясь придать видимость реальности предметам - иногда они остаются совершенно непонятными, - он выражает свою любовь к жизни в великолепных, всегда новых картинах, имеющих вкус и аромат незнакомых плодов. Эти два последние примера - один, в котором логика перевешивает чувство, другой, где любовь перевешивает рассуждения,- характерны для отношений человека с природой.Борьба Кросса с природой была ужасна: в каждом мазке его воля боролась с первой выучкой, он испускал горестные вопли, как будто подымал непосильные тяжести. Часто он изнемогал в этой борьбе, но когда он был один перед мольбертом и создавал свободно, он побеждал, как это доказывают его последние произведения, непревзойденные по своей свободе и великолепию, произведения радости и опьянения, тогда как его работы, сделанные в мучительной борьбе с натурой, часто бывали засорены ненужными подробностями. Некоторые художники, наоборот, способные выполнить этюд с натуры, терпят неудачу в мастерской: простые копиисты, они не достигли равновесия между страстью и логикой созидающего таланта.После обильного цветения произведений искусства, в которых сюжет не играет никакой роли, в которых он только предлог, а предметы имеют самостоятельного значения не больше, чем слоги и слова в поэме, кажется, что теперь интерес к сюжету иссяк. Кампания в пользу возврата к сюжету была реакционным движением неоакадемизма, созданным теми, кто всегда старается остановить эволюцию человеческого духа...
Портрет
Так же как сюжет, умер и портрет в живописи. Сходство современных изображений достигается другими средствами. Без сомнения, лучшие портреты этих последних пятидесяти лет, превосходные образцы живописи, мало отвечают определению портрета. В портрете, как и в других произведениях искусства, все теперь приносится в жертву живописному. Сезанн, начав портрет Гюстава Жеффруа, после более чем сорока сеансов едва только набросал лицо. Все свои усилия он посвятил изображению книг библиотеки критика - фону картины. "Какая прекрасная картина Ренуара, но как досадно, что это Воллар", - сказал Моне о великолепном, но мало похожем портрете этого маршана.Новый мир создаст новую культуру; когда тяжелый труд людей будет облегчен, то почти все смогут испытать волнение и радости от Живописи как таковой. Сейчас во всех странах рабочие интересуются музыкой и существует множество хоровых обществ. Только из-за недостатка образования массы нечувствительны к живописи и им нравится сюжетность. Новое общество выдвинет новые сюжеты, но и они, сыграв свою роль пропаганды и ознаменования победы, будут поглощены настоящей живописностью. Новые материалы, новые способы выражения выявят новые ценности, освобожденные от принуждения и рабства внешнему облику природы.
Поль Синьяк. Сюжет в живописи.
xenia-mikhailov.livejournal.com
какие шедевры спрятались в кинолентах
15:49 22/10/2017
Ни для кого не секрет, что многие режиссеры заимствуют для своих сцен мотивы из живописи. С их помощью можно выразить множество нюансов и создать нужную атмосферу. Например, как с «Тайной вечерей» Леонардо да Винчи. Эта монументальная роспись легла в основу «Врожденного порока» Пола Андерсона и «Хранителей» Зака Снайдера. «МИР 24» рассказал, какие еще шедевры спрятались в кинолентах.
На пятом месте нашего рейтинга - «Офелия» Джона Милле. Эта печальная картина настолько вдохновила режиссера Ларса фон Триера, что он решил повторить ее в своем фильме. Даже название у ленты соответствующее - «Меланхолия». В образе Офелии у Триера - Кирстен Данст. Ее героиня Жюстин, точь-в-точь как на картине, плывет по ручью в свадебном платье. Правда, в отличие от Офелии, которая, потеряв рассудок, покончила с собой, Жюстин лишь впадает в глубокую депрессию.
Юная девушка вполоборота и блеск жемчужной сережки в ухе. Кто она? С этим портретом Яна Вермеера связано много тайн, и он - на четвертой строчке нашего рейтинга. Фильм «Девушка с жемчужной сережкой» Питера Веббера - словно ожившая картина голландского художника. Рассказать историю полотна в кино помогла Скарлетт Йоханссон. Ее героиня и есть та модель, личность которой остается загадкой.
На третьем месте нашего рейтинга - «Архитектура при свете луны» Рене Магритта. Эту картину процитировал Питер Уир в своем фильме «Шоу Трумана». По сюжету, главный герой всю жизнь живет в реалити-шоу и не подозревает об этом. Аскетичное полотно легло в основу финальной сцены трагикомедии. На «краю мира» Труман поднимается по декорациям, очень напоминающим лестницу Магритта, к выходу в реальную жизнь.
На второй строчке нашего рейтинга - «Развалины театра в Чугучаке» Василия Верещагина. По мотивам этой картины режиссер Алехандро Иньярриту снял одну из сцен в своем «Выжившем». За эту ленту Леонардо Ди Каприо наконец-то получил «Оскар». Впрочем, до Иньярриту эскиз разрушенного храма использовал Андрей Тарковский. Этот образ появляется в его «Андрее Рублеве». Возможно, мексиканский режиссер вдохновился работами сразу двух русских мастеров. По крайней мере, как он сам признавался, творчество Тарковского произвело на него неизгладимое впечатление.
И, наконец, на первом месте нашего рейтинга - работа «Фрида Кало и Диего Ривера» Фриды Кало. Эта картина, как и множество других, появляется в фильме о мексиканской художнице. Оживить полотна Фриды взялась режиссер Джули Теймор, а помогала ей актриса Сальма Хайек. Большая часть картин Кало – автобиографична, поэтому воссоздать интерьеры и костюмы героев авторам фильма было несложно.
Подписывайтесь и читайте нас в «Яндекс.Дзен»
mir24.tv
Сюжетно тематический жанр: живопись картины представители
Картина в сюжетно-тематическом жанре основана на смешении традиционных жанров изобразительного искусства. Комбинация может подразумевать сочетание батального, бытового жанров, пейзажа, портрета. Направление развивалось параллельно с другими жанрами, в разных стилях, зависимо от исторического периода.
Исследователи истории искусства считают, что жанр появился в 1930-е годы и характерен для живописи советской России. Другие называют более обширный период развития направления, упоминая среди представителей художников эпохи Ренессанса.
Особенности
Главная особенность – социальная значимость картины. Изображение не абстрактное – объекты на полотне иллюстрируют событие из жизни. Картина имеет фабулу, сюжет, действие. Большинство работ – многофигурные, динамичные композиции.
Тематические картины могут представлять сочетание пейзажа и батального, исторического, религиозного направлений. Примеры работ присутствуют в творчестве многих живописцев.
Сюжетной называют картину, которая отображает определенный сюжет, событие, в котором задействовано несколько или большое количество участников. Тематическое изображение несет в себе определенную идею, смысл, не скрытый при помощи аллегории. Тема четко выражается при помощи художественных средств, в стиле, характерном для определенной исторической эпохи. Сюжетно-тематическое разнообразие отображает широкий круг мероприятий, которые свойственны для жизни человека.
Передача сюжета не обязательно использует изображения людей, задействованных в определенном событии. Чтобы передать достижения науки, культуры или промышленности можно использовать изображения объектов, которые появились или развились в результате улучшений в определенной сфере.
Примером могут служить полотна времен СССР. Достижения экономики государства могут передавать детализированные пейзажи, бытовые сцены. Такие изображения будут тематическими, поскольку демонстрируют связь человека, его достижений, и природы, которая дала свои плоды для развития населения и экономики страны.
Пейзаж портрет натюрморт
Любой жанр живописи может быть сюжетно-тематическим:
- Пейзаж: может передавать достижения экономики, человеческого труда;
- Портрет: при условии передачи характерных черт исторической эпохи, наличию динамики изображения;
- Натюрморт может быть тематическим, если живописец вложил определенную идею в произведение.
Комбинация предметов на картине может демонстрировать интересы художника, особенности развития общества на определенном этапе, нюансы жизни представителей профессий.
Исходя из особенностей жанра, можно сделать вывод, что любое изображение можно охарактеризовать как сюжетно-тематическое, если путем передачи объектов на полотне, художник излагает свой идейный замысел. Опираясь на тему и идею, художник выбирает стиль и жанр, которые максимально подходят для иллюстрирования идеи живописца.
Структура
Направление подразумевает наличие идейного замысла, темы, формы, мотива, которые помогают сформировать и передать зрителям идею автора полотна.
- Идейный замысел – центральная линия идеологии, исходя из которой, художник выбирает средства для реализации идеи.
- Тема – событие, действо, изображенное на полотне для воплощения идейного замысла.
- Художественная форма, выбирается, исходя из особенностей темы и идеи. Правильно выбранная форма – залог доступности идеи автора зрителям. Художественная форма – это особенности выбора цветовой гаммы, света и стиля, прочих средств художественной выразительности.
- Мотив или сюжет – воплощение темы и идеи на полотне.
Композиция
Композиция – это гармоничное сочетание цвета, света, формы и других средств, которые позволяют зрителю понять и осмыслить идею автора полотна. Правильное построение композиции поможет доступно передать зрителю замысел, проникнуться эмоциями и чувствами живописца. Создание сюжетного полотна невозможно без людей, как главных действующих лиц.
Если композиция построена правильно, а все детали изображения представляют единое художественное целое. Мастерство художника состоит в умении из нескольких деталей создать цельное сюжетное повествование.
Как построить
Для правильного построения сюжетной картины необходимо:
- Грамотно выбрать стиль;
- Гармонично сочетать цвета и оттенки;
- Правильно выбрать объекты для передачи идейного замысла;
- Адекватно использовать средства художественной выразительности.
Таким образом, главное в сюжетно-тематической живописи – гармоничность композиции. Сложность этого задания в том, что целью жанра является передача социальных взаимоотношений, отличающихся многогранность, неоднозначностью. Это касается и общественной жизни, и бытового уровня отношений.
Наиболее распространено использование бытового жанра при создании сюжетных полотен. Художники стремятся передать эмоции и характеры героев при помощи средств художественной выразительности, выразить свое субъективное мнение относительно событий, отображенных на полотне.
Умение передать все нюансы жанра – результат мастерства и опыта художника. Для работы в данном направлении мало умения красиво отображать на полотне объекты, требуется быть наблюдательным живописцем, умеющим замечать тонкости эмоций и чувств человека.
Необходимые навыки
Для написания сюжетной картины необходимо:
- Развивать умение наблюдать, распознавать эмоции, тонкости настроения.
- Овладеть техникой работы в разных стилях.
- Иметь достаточный уровень знаний в искусстве.
Художники представители
Представители жанра: российские «передвижники», Э.Делакруа, Д.Веласкес.
Замечательный пример сюжетно-тематического жанра живописи необычные и очень интересные, необычные картины современного художника Юрия Бралгина:
Современное искусство ставит сюжетно-тематическое направление на должное место среди других жанров, благодаря возможности передать индивидуальный стиль мастера и показать высокий уровень профессионализма.
Рекомендуем публикации
Аллегория как жанр в живописи
Виды пейзажа в живописи
Батальная живопись
Пастораль в живописи
Портрет в живописи
Натюрморт в живописи
Загрузка... artrecept.com
