Музей Черномырдина Музей Бахрушина Центральный музей
    Вооруженных Сил РФ Валютная биржа Центральная детская
    библиотека Музей Есенина Политехнический музей Дворец спорта Видное Педагогический
    колледж Музей спорта Музей памяти воинов Библиотека 214 МузШкола Радость Самбо 70 Частная коллекция

Монохромная живопись: пишем картину в одном цвете. Картины монохромные

как нарисовать картину одним цветом

Приветствую всех!

Этот урок посвящен монохромной живописи. Сегодня мы напишем картину с использованием всего лишь одного цвета — синего. Различные тоновые градации этого цвета будут помогать нам писать тени и освещенные участки.

Мы будем придавать объектам объем и определенную форму с помощью того, что будем показывать свет и тень. Цвет этих объектов- игнорируем.

Для примера в своей работе я взяла фотографию, на которой изображен восточный пейзаж, горы необыкновенной формы, река, и плот с рыбаком.

Материалы для урока монохромной живописи:

Краски:

голубая ФЦ;
белила;
небесно голубой;
кобальт синий;
бирюзу;
кобальт фиолетовый.

Приступаем к работе

Фон

Первоначальный этап нашей работы — нанесение фоновой краски. Для фона берем смесь синей ФЦ с белилами, добавляем достаточно много разбавителя. Краску хорошенько растираем флейцевой кистью, что бы не осталось мазков, следов от работы с более мелкой кистью.

Намечаем линию горизонта. В моем случае, она располагается по середине холста.

Такое расположение не случайно, я хочу, что бы зритель, чувствовал себя еще и наблюдателем за той картиной, которая изображена на холсте. Для наблюдателя-созерцателя линия горизонта чаще всего располагается по центру, и объект на котором заострено внимание, также находится в центре. В нашем случае, в центре холста, на месте пересечения диагоналей, именно там намечен наш главный герой — рыбак (точнее его голова).

Горы

После того, как наметили линию горизонта мелкими макательными мазками пишем горы вдали — более светлым оттенком синего цвета. Гору, которая располагается немного ближе пишем уже более темным синим. Далее отмечаем рельеф этих гор, то что они сплошь покрыты какой-то растительностью, имеют выступы и впадины. Для этого в некоторых местах добавляем более темных мазков, или наоборот, светлых оттенков — голубой с белилами.

Вода

Тон воды по бокам холста делаем более насыщенным и темным. Флейцевой кистью наносим несколько незаметных мазков синей ФЦ, можно добавить и капельку кобальта фиолетового.

Отражение

Намечаем отражение пейзажа в спокойной воде. Переносим горя, темные кусты и деревья у линии горизонта, как в зеркальном отображении, стараемся максимально соблюдать форму, цвет и тон этих объектов.

Чтобы речная гладь была более убедительной, прозрачной и напоминала воду, поверх наносим несколько спокойных волн.

Для этого берем в руки мастихин, макаем одно его ребро в жидкий раствор голубой с белилами и проводим несколько легких, слегка зигзагообразных горизонтальных мазков. После этого приема, вода действительно стала прозрачной, спокойной, мокрой и убедительной.

Рыбак в лодке

Дальше пишем нашего главного героя на лодке. Намечаем тонкой кистью не густой синей краской форму лодки. По-сути, это не лодка, а плот, на котором стоит рыбак.

В руках он держит длинный шест — который выполняет функцию весла. Возле рыбака стоит огромная посудина, похожая на миску или большую корзину. По видимому, она предназначена для сбора улова. На улице достаточно темно — сумерки, и путь нашему герою освещает фонарь закрепленный над плотом.

Все эти объекты: фигурку нашего героя, шляпу на его голове, плот слегка изогнутой формы, весло, миску и тень от нее, арку на которой весит фонарь — все это мы пишем тонкой кистью разными оттенками синего цвета.

Фонарь

В этой, достаточно холодной, «синей» среде нам нужно показать яркий свет фонарика, который закреплен над лодкой. В такой ситуации это сделать очень просто, мы немножечко стираем фоновый синий цвет, на том месте где должен засветиться фонарик. Там же наносим несколько мазков белилами с очень маленькой примесью кадмия лимонного. Таким образом получаем очень яркий светящийся фонарик.

Если бы мы проделали этот же пример на каком-либо колористическом полотне, или на картине выполненной в теплых тонах, эффект был бы намного хуже, вполне возможно, что яркий свет фонарика совсем затерялся в его окружении.

Если вы хотите показать очень яркий свет, создайте для него подходящую «темноту», в которой он сможет засверкать.

На этом этапе картину можно считать законченной, она вполне хорошо смотрится, но мне хочется ее еще немножко дописать, уточнить некоторые детали…

Вот и все…

Примеры монохромных картин

Смотрите примеры монохромных картин написанных в разные эпохи разными мастерами. И обязательно попробуйте эту технику.

Японская монохромная живопись

Вьетнамский художник Ву Цун Дьен

Монохромная роспись стен

Винсент Ван Гог монохромная живопись

И.Н. Крамской написал монохромную картину

И.Н. Крамской, монохромная живопись

Монохромная живопись. Видеоурок

Желаю всем удачи и вдохновения!

Рекомендуем публикации

Пишем копию картины Винсента Ван Гога «Звездная ночь»
Масляная живопись: пейзаж «Парусная регата»
Пейзаж «Закат над морем»: пишем мастихином без разбавителей
Пишем зимний пейзаж «Оттепель»
Живопись пальцами: рисуем рыбок кои изучаем технику Айрис Скотт
Как нарисовать картину со сказочным сюжетом

Загрузка...

artrecept.com

10 известных художников, которые рисуют картины самым необычным способом

Автор: Юлия Вихневич

Дата: 24 Июнь 2016

Думаете, что художественные шедевры можно создавать только лишь с помощью карандашей и красок? Эти 10 современных художников доказывают, что любой материал под кистью таланта превращается в шедевр, а иногда даже и кисть не нужна - в ход идут самые непредсказуемые инструменты. Одни работы поражают реалистичностью, другие - мастерством автора, а некоторые созданы настолько странным образом, что не могут не дарить хорошее настроение.

1. Виниций Кесада (Vinicius Quesada). "Блюз, написанный кровью"

Бразилец обожает шокировать публику своими работами: свои апокалиптические картины художник создает при помощи человеческой кровью и мочи. На картинах присутствуют всего лишь три цвета – желтый, синий и красный. Автор, в прямом смысле слова, вкладывает жизнь в свои работы, так как в качестве материала использует исключительно свою кровь, выделяя 450 мл крови каждые 2 месяца.

2. Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai). Картины, которые со временем становятся только «лучше»

Элизабетта создает свои картины, используя достаточно изысканный материал - белое и красное вино. Причем использует она его не в качестве источника вдохновения, а вместо красок. Особенность ее работ в том, что цвет красок на полотне со временем меняется, так как вино стареет и приобретает новые оттенки.

3. Таринан фон Анхальт (Jet Art). Реактивное искусство от княгини из Флориды

Американская художница свои абстрактные картины создает при помощи потоков воздуха от реактивного двигателя самолета. Клиенты Таринан платят огромные деньги за возможность увидеть, как художница творит, ведь сам по себе этот процесс представляет собой небольшое шоу с риском для жизни. За создание одной абстрактной картины ценителю креатива придется выложить не меньше 50 тысяч долларов. Свою технику Jet Art княгиня использует также для декорирования одежды, которую демонстрирует на различных фэшн-шоу.

Таринан фон Анхальт

Таринан фон Анхальт.Jet Art

4. Подводные картины украинских художников

Креативные украинские дайверы создают свои работы на глубинах от 2 до 20 метров в водах Черного и Красного моря. Художников настолько вдохновляет красота подводного мира, что они придумали необычный способ запечатлеть ее с помощью обычной краски и холста с нанесением водонепроницаемого клея. Целая группа художников ежегодно представляет свои картины на выставках в Киеве. Примечательно, что количество последователей с каждым годом растет и «подводная живопись» становиться все популярнее не только среди профессиональных дайверов, но и творческих людей.

Рисование под водой

Подводная картина

5. Натали Айриш (Natalie Irish). Картины с «любовью»

Художница рисует поцелуями, а в качестве материала использует обычную губную помаду! В среднем на одну картину уходит около пяти тюбиков помады, а благодаря современным возможностям beauty-индустрии палитра для рисования достаточно широкая. Первой работой художницы был портрет Мерлин Монро – именно с этой актрисой у Натали ассоциируется красная помада. Художница призналась, что создание ее картин – непростой труд, ведь ей необходимо методично по определенной схеме оставлять поцелуи на холсте, постоянно меняя фокусировку глаз. На одну картину уходит минимум 3 часа.

6. Отман Тома. Творчество «со вкусом» или еда как искусство

Багдадский художник совмещает приятное с …творческим и при создании своих работ вместо привычных красок использует мороженое. Его работы похожи на акварельные рисунки, имеют широкий спектр насыщенных цветов. Художник всегда фотографирует свои работы с остатками мороженого и кистями на холсте, тем самым показывая небольшую часть процесса превращения любимого десерта в искусство.

Картина мороженым

Картина из мороженого

7. Карен Эланд (Karen Eland). Репродукции мировых шедевров и кофе

Художница создает картины при помощи обычного эспрессо. Карен делает необычайно точные копии известных картин, придавая им авторский штрих - чашку кофе. Копии работ Матисса, Пикассо и Да Винчи вышли из-под кисти художницы настолько реалистично, что трудно поверить, что они создавались при помощи обычного кофе. Художница признается, что больше всего любит работать в кофейнях, так как тамошняя теплая обстановка является для нее необычайно вдохновляющей.

Мона Лиза

8. Джудит Браун (Judith Braun). «Аппликатура» от необычной американки

При создании своих замысловатых картин художница использует свои пальцы и угольную пыль. Именно данное направление творчества художницы, которая работает в различных техниках более 30-ти лет, пользуется огромной популярностью, особенно серии «Симметричные процедуры» и «Алмазная пыль». Сама же Джудит не считает свои работы искусством в чистом виде.

9. Кира Эйн Варзеджи Kira Ayn Varszegi. Чем грудь не инструмент для создания картин?

Видимо так думала американская художница, которая при написании картин вместо кистей использует собственную грудь. Абстрактные картины пользуются большим спросом, а сама Кира - популярностью в сети. На выставках и в современных галереях креативная художница пока не представлена, но ее картины в интернете распродаются быстро и за неплохие деньги.

Картина грудью

Абстракция грудью

10. Паоло Троило (Paolo Troilo). Монохромные картины от итальянского самоучки

Паоло Троило имел успешную бизнес-карьеру, научился рисовать самостоятельно, а в 2007 году был признан лучшим итальянским креативщиком. Пишет картины мастер акриловыми красками без помощи каких-либо инструментов, только пальцами. Отличительная черта его картин – монохромная гамма, загадочность и реалистичность красоты мужского тела.

Картина пальцами

art-holst.com.ua

Монохромное искусство /monochrome art | Art Узел

от /греч./ μονόχρωμος — одноцветный (μονό-один, χρωμος-цвет). Объекты искусства в одном цвете или оттенках одного цвета.

Период 1950-е - 1960-е годы

Европейская абстракция вступила в новую, монохромную стадию. Удо Култерманн (Udo Kultermann - историк искусства, куратор и автор многочисленных книг по искусству) продемонстрировал ее проявление и разнообразные формы на выставке 1960 года в Леверкюзене.

Ив Кляйн объясняет появление монохромного искусства, пользуясь словом "чувствование" (восприимчивость) - тем же, которое вдохновляло супрематизм Малевича, основанный на "превосходстве чистого чувствования". Для Кляйна цвет - это "ощущаемое чистое пространство", а "монохромное пространство" - это самый прямой путь "ко всему, к безмерной восприимчивости живописи". Идеи пространства и бесконечности пытались воплотить в своих поисках многие художники. Для Пьеро Мандзони "беспредельность безусловно монохромна", для Лючио Фонтана отверстия в однотонных холстах - это расселины, сквозь которые свет бесконечности проходит в живописное пространство, для Энрико Кастеллани - "монохромная поверхность", подчиненная "неопределенному и основанному на повторах ритму". Она придает произведению "конкретность бесконечного".

Свободно экспериментируя с цветом, монохромная живопись предлагала множество вариаций в решениях и приемах. Пьеро Мандзони отказался от разнообразия материалов ради нейтральности Achrom (от /фр./ безцветного). Черный и белый у Энрико Кастеллани - это модули, а Агостино Боналуми и Франческо Ло Савио подчиняют живописное пространство трехмерности объекта. От использования фабричных красок Ив Клайн приходит к поверхностям, покрытым чистым пигментом, с монограммой IKB (формула международного синего цвета Кляйна (International Klein Blue, IKB), соединяя ремесло с концептуальными и похожими на перформанс действиями. Его губки - это прямое указание на то, что он предлагает зрителю. Художник объяснял: "они появляются на голубом фоне, готовые впитать все, стовно губки". Впервые, в 1957 году, Ив Кляйн представил комнату синих монохромов, где выставил одиннадцать синих картин идентичного формата (78 x 56 см) в галерее в Милане. Работы висели на кронштейнах на расстоянии 20 см от стены. Три основных цвета с которыми работал Ив Кляйн: синий, розовый и золотой (monogold).

Художники: Ив Кляйн (Yves Klein), Лючио Фонтана (Lucio Fontana), Пьеро Мандзони (Piero Manzoni), Энрико Кастеллани (Enrico Castellani), Агостино Боналуми (Agostino Bonalumi), Франческо Ло Савио (Francesco Lo Savio), Луиз Невельсон (Louise Berliawsky Nevelson), Отто Пиене (Otto Piene), Сальваторе Скарпитта (Salvatore Scarpitta), Гюнтер Юккер (Gunther Uecker).

Выставка: 1960, Леверкюзен, Замок Морисбройх "Монохромная живопись"

Журнал: "Azimuth"

Тексты: П.Рестани "Ив: Монохромные высказывания", 1956; У.Култерманн "Новая концепция живописи", 1960.

См. также статьи: Абстрактное искусство, Постживописная абстракция.

Описание некоторых произведений:

Энрико Кастеллани "Белая поврхность", 1959. Холст, масло. Частное собрание. К 1959 году художник выработал особую модульную систему своих монохромных композиций, всегда только черных или белых. В первый раз он выставил из в 1960 году в галерее "Азимут". Она была открыта Мандзони в 1959 году. Выставочная деятельность сопровождалась изданием журнала "Azimuth", Кастеллани входил в его редакцию вместе с Аньетти и Мандзони. Поверхность холста кажется подвижной, благодаря скрытому под ней каркасу из вбитых на равном расстоянии в специальный подрамник гвоздей. В результате возникает объемная текстура чередующихся впадин и выпуклостей. Монохромное пространство приобретает упорядоченный ритм и динамику, особенно выразительную в скользящих лучах света. В середине 60-х годов Кастеллани расширяет свои поиски, перенося их в пространственную среду. Пространство его абстрактных и белых комнат стремится "свести на нет их физические свойства".

Энрико Кастеллани "Белая поврхность", 1959

Пьеро Мандзони "Ахроматизм", 1957-1958. Каолин, уложенное складками полотно. Нью-Йорк, Музей Соломона Р.Гуггенхайма. Первоначально Мандзони был близок к атомному искусству. В 1957 году, полный впечатлений от посещения миланской выставки Ива Кляйна в галерее "Аполлинер", он приходит к собственному варианту монохромности: ахроматизму, нейтральному цвету, отсутствию цвета. В 1960 году он писал: "Намекать, выражать, представлять - теперь эти проблемы несущественны". "Почему бы не опустошить этот контейнер, не освободить эту поверхность? Почему бы не попытаться найти беспредельный смысл этого пространства абсолютного и чистого цвета?" Художник работал с коалином (тончайшей глиной, из которой обычно делают фарфор). Он пропитывал им куски ткани и закреплял их на холсте, где они высыхали, образуя складки. С 1960 года он использовал натуральные и искусственные волокна, камни и формы для хлеба. Его ахроматические композиции, постепенно переставали быть живописью и приближались к объектам. Эта эволюция происходила параллельно с поисками концептуалистов.

artuzel.com

Мастера монохромного: почему некоторые из величайших полотен превратились в монохром

http-%2F%2Fcdn.cnn.com%2Fcnnnext%2Fdam%2Fassets%2F171030141014-monochrome-celestin.jpg

Представьте, что вы не можете видеть все цвета спектра, только черный - белый доступен. Вы сразу, наверно, поймете, что вам что-то не хватает – все оттенки серого оказались просто урезанным видением реальности.Но на протяжении веков художники намеренно убирали цвет в своем искусстве как способ сделать его более тонким и сложным. От Яна Ван Эйка, Рембрандта и Энгра до Дега, Пикассо и Герхарда Рихтера художники создали - и воссоздали - изображения в монохромном виде, чтобы подчеркнуть композиции в своих работах.

Художественная традиция

Эта история начинается, как и многие другие в западном искусстве, с церкви.

http-%2F%2Fcdn.cnn.com%2Fcnnnext%2Fdam%2Fassets%2F171101122558-monochrome-jan-van-eyck.jpg

Ян ван Эйк – Благовещение, диптих, ок. 1433-35, Архангел Гавриил (левое крыло), Дева Мария (правое крыло), дерево, масло

В 12-ом столетии цистерцианские монахи ограничивали количество цветов, используемых в витражах, чтобы уменьшить чувствительную стимуляцию и поощрять более медитативное поклонение Богу.

Несколько столетий спустя, в раннем Северном Ренессансе, благочестие накинуло покровы над своими ярко окрашенными алтарями во время Великого Поста.

А люди стали скрывать свое искусство, они писали в гризайле - изображения, полностью состоящие из серых или нейтральных тонов.

Эти внешние сюжеты, написанные поверх ярких, красочных картин скрывали зачастую шедевры, но и сами были прекрасными работами, созданными мастерами.

Одна из самых ранних работ - набор наружных дубовых панелей для портативного алтаря фламандского мастера Ганса Мемлинга, представляет собой два изображения гризайла, выполненных в стиле, напоминающим высеченные каменные статуи. Мимические скульптуры были умным решением проблемы отказа от цвета.

Это была практика, лежащая в основе жаркого соперничества художников и скульпторов во время итальянского Возрождения.

Хендрик Гольциус, «Без Цереры и Вакха, Венера замерзнет» (1599)

Картина Хендрика Гольциуса привлекла большое внимание, когда она была создана, зрители не могли понять, как это было сделано, потому что это похоже на печать.

Мастерская Питера Пауля Рубенса (1577-1640) Три грации, масло, дерево

На протяжении многих лет имитационные скульптуры становились модными оптическими иллюзиями, используемыми в дизайне интерьера - они имитировали камень без затрат. Но художники знали другие способы произвести впечатление монохромным изображением.

Фактически, некоторые художники предпочли воспроизводить цветные картины в монохромном виде. Это доказывало, что у них есть навык, необходимый для овладения светом и оттенком без цвета.

Спустя годы после провокационной «Великой одалиски» (1814) французский неоклассический мастер Жан-Доминик Энгр продемонстрировал свое мастерство живописи в градации оттенков.

«Это был способ лучше понять падение света на различных поверхностях, - сказал Пэкер.

Модернизм в монохромном

http-%2F%2Fcdn.cnn.com%2Fcnnnext%2Fdam%2Fassets%2F171030135451-monochrome-pablo-picasso.jpg

По мере распространения гравюры в XVI и XVII веках художники понимали, что тиражирование их картин означает достижение более широкой аудитории. И они начали превращать полихромные шедевры в черно-белые как руководство для гравёров.

Но дальше еще интереснее - к 20-му столетию оборотная сторона этой практики возникла, когда художники, такие как Пикассо, Уорхол и Рихтер, начали работать с черно-белыми изображениями, чтобы имитировать массовое производство механической печати.

Пабло Пикассо, «Лас Менинас (Infanta Margarita María)» (1957).

Пикассо лихо подражал газете в «Гернике» (1937). И ограничил свою палитру, одновременно подражая испанским старым мастерам в произведениях, таких как «Лас Менинас» («Инфанта Маргарита Мария» 1957 года»), отдавая лань уважения Диего Веласкесу. Он резко драматизирует сцены контрастом и темными, безумными линиями. Работа «Менины по Веласкесу» — это своеобразная вариация на общеизвестный милый сюжет, вариация очень смелая и крайне оригинальная. И она в монохромной гамме.

Склеп. Здесь Пикассо использовал масло и уголь. Поразительно, как мастер пользуется тенями – это своего рода метод художественного воздействия. Все фрагменты рисунка подчёркиваются резкими тенями, выписанными голубыми и тёмными сизо-фиолетовыми красками. Выполненная в гризайле, она производит впечатление черно-белого изображения, а некоторые фрагменты откровенно монохромные.

Верхнюю часть работы Пикассо намеренно оставил лишь в рисунке, тем самым переместив акцент именно на сам склеп.Сегодня картина «Склеп» экспонируется в Нью-Йорке и входит в список самых известных работ Пабло Пикассо.

http-%2F%2Fcdn.cnn.com%2Fcnnnext%2Fdam%2Fassets%2F171101122558-monochrome-jan-van-eyck111.JPG

Marlene Dumas, «The Image as Burden» (1993)

Некоторые художники на самом деле выбрали черно-белую живопись как способ продемонстрировать свои навыки.

http-%2F%2Fcdn.cnn.com%2Fcnnnext%2Fdam%2Fassets%2F171030141727-monochrome-gerhard.jpg

Герхард Рихтер, «Хельга Матура с ее женихом» (1966)

Иногда монохром дает совсем другое, неожиданное прочтение сюжета.Например, для Рихтера отсутствие цвета на этой фотографии проститутки, которая была жестоко убита, устраняет все эмоции от этого ужасного преступления.

Франк Стелла, «Парк Томлинсон Корт I» (1959)

Герхард Рихтер, «Серое зеркало - 765» (1992)

В течение всего 20-го века художники использовали черное и белое, чтобы имитировать массовое производство механической печати.сайт ПикассоссылкаБыло использовано

tanjand.livejournal.com

Монохромные рисунки - vasilina_r

vasilina_rАвтор - Vikolka. Это цитата этого сообщенияМонохромные рисунки

Серия сообщений "Монохромные,черно-белые рисунки":

Часть 1 - Винтаж. Cилуэты, графика. (I)Часть 2 - Чёрно-белое...Часть 3 - Рисунки старинных голандских изразцовЧасть 4 - Монохромные рисункиЧасть 5 - Большая коллекция чёрно-белых картинокЧасть 6 - Чёрно-белые и одноцветные картинки ( МНОГО !!!!)...Часть 20 - Graphics / Boiko IrinaЧасть 21 - Галерея Анатолия КудрявцеваЧасть 22 - Картинки для декупажа...черно-белое...

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

vasilina-r.livejournal.com

Монохромные картины Дениэла Дейнджера - Арт - Библиотека

15:14

Монохромные картины Дениэла ДейнджераЗамечательный американский художник и гравировщик Дениэл Дейнджер (Daniel Danger). Работы этого художника весьма необычны и отличаются исключительной узнаваемостью - это монохромные картины акрилом с изображениями пустынных мест, темных ландшафтов в готическом стиле и разного рода призраков, дополняющих атмосферность работ. Дэниэл весьма востребованный художник в индустрии, его работы можно встретить на различных выставках, картинных галереях и частных коллекциях, в оформлении печатной и музыкальной продукции, плакатах, постерах, открытках. Среди клиентов художника можно отметить Universal Pictures, Dreamworks, ABC television, Mondo, Penguin Books, Oni Press, Lucas-Arts, Paramount Pictures, он принимал участие в создании образов для таких фильмов ужасов как "Человек-волк", "Ходячие мертвецы", "Мгла" и многих других. Сам художник владеет небольшой продакшн и дизайн-студией Tiny Media Empire в Бостоне.

Дэниэл родился 31 год назад в Массачусетсе в поистине творческой американской семье. Его отец занимался уроками рисования в средней школе, но по сути все детство художник провел в разъездах родителей по Штатам. Отец обладал массой различных творческих умений - скульптура, резьба по дереву, фотография, мебельное производство и еще многими другим, в то время как его мать более 35 лет профессионально занималась гончарным искусством. Жизнь маленького Дэниэла и его братьев проходила почти в походных условиях среди нескончаемых ярмарок и художественных фестивалей, в которых выставлялись работы его родителей. Почти все время мальчик был предоставлен самому себе, коротая свободное время за игрой в Лего или просмотром ТВ передач. Немного повзрослев он стал сам подрабатывать помогая родителям во время выставок, попутно знакомясь со многими творческими людьми и их жизнью. Дениэл не жалеет об этом времени, именно оно послужило ему источником вдохновения в его творчестве.

Дейнджер с английского переводится как "опасность" - такой псевдоним взял себе художник по своему прозвищу, которое прикрепилось к нему в школьной рок-группе, где он выступал. Сами иллюстрации и офорты Дениэла как нельзя лучше подтверждают псевдоним его создателя - атмосфера созданных художником образов наполняется чувством близкой и неотвратимой угрозы, какой то фатальностью и сковывающим страхом. На картинах Дейнджера нет монстров, но этого и не нужно - мрачный монохромный фон картин, заросшие бурьяном пустыри, темные леса с голыми деревьями, заброшенные полуразрушенные дома и, самое характерное, неясные силуэты людей и животных делают свое дело - зритель получает целый спектр разных чувств и эмоций.

Часто на картинах Дейнджера присутствуют призраки и привидения - своего рода художественные проекции историй, услышанных художником в детстве, жившим в Новой Англии, где множество летних дач после сезона остаются пустовать. Наверняка он сам не раз бывал в подобных местах и умело перенес свои впечатления на картины. Страшные истории из детства о пропавших детях нашли свое отражения в любимых художником образах: :девочках-призраках, совсем не к месту находящихся в темных и пустых домах или ночном лесу. Иногда они висят в воздухе, еще более усиливая пугающую атмосферу. Именно фигуры и неясные силуэты людей наиболее акцентируют внимание зрителя и наполняют всю сцену липким страхом непонятного. Сам художник приписывает своей памяти высокую избирательность, но, отмечает он, именно свойство документировать события и их отношения между собой позволяют ему изображать свой мир в картинах с присущей ему манерой. Даже их названия представляют некого рода отчет что и когда произошло. Документирование есть ключ к прожитому дню - утверждает он.