Музей ЧерномырдинаОписание картины Пабло Пикассо «Смерть тореадора». Пикассо описание картины
Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Солера»
Практически весь 1903 год Пабло Пикассо провел в Барселоне, где обзавелся множеством друзей. Для некоторых из них, очень молодой на то время художник написал портреты. Среди числа счастливчиков оказался и Солер, модный портной того времени, помогающий молодым художникам.
Известно, что Солер отдавал одежду в обмен на картины, ведь Пабло Пикассо, как и большинство художников, вел полу нищенский образ жизни. "Портрет Солера" стал не единственной работой, написанной для друга. В течении всей дружбы, которая длилась не один год, художник работал над картинами, посвященными Солеру, также изображая на них семью известного портного.
На данном портрете Солер изображён одиноко сидящим за столиком в кафе. Лицо выполнено в жёлтых оттенках с четкой прорисовкой всех мелких деталей. Художник изобразил его выражение меланхоличным и печальным, что было поистине присуще другу. Фон изображен очень темными тонами, даже выглядывающие кисти рук из-под одежды выглядят бледно и приглушённо, весь акцент картины заключен непосредственно в лице, которое выглядит ярким пятном, среди глубокого полумрака.Пабло Пикассо в своей работе стремился обозначить элегантность и артистизм, присущую Солеру. Показать всю красоту худощавого лица с аккуратной бородкой и приподнятыми кончиками тонких усов. Оно у портного бледное и призрачное, с присутствующим лёгким нервным напряжением.
Глядя на "Портрет Солера", выполненный в темных сине-зеленых тонах, мы видим, сидящего перед нами человека, глаза которого полны печали и одиночества, заключенного среди людей. Именно эти чувства посещали и самого Пикассо в определенный период жизни. Возможно, в изображении друга, близкого художнику по духу, молодой Пикассо отразил и свой внутренний мир, с присущими ему эмоциями.
Описание картины Пабло Пикассо «Акробаты мать и сын»
В период 1904г.-1906г. у известного итальянского художника Пабло Пикассо выдался особый этап в творческой жизни, в котором он наносил на холст только образы артистов, акробатов и циркачей. Именно в этот период Пикассо создаёт свой знаменитый шедевр "Акробаты (мать и сын)".
Мы видим, как за столом расположились мать с сыном, одетые в обтягивающую цирковую одежду. Перед ними стоит практически пустая тарелка, одна на двоих. Мать задумчиво опустила голову на руку, но в глазах прослеживается глубокая печаль и безысходности, а сын, отвернувшись от матери, с любопытством смотрит в противоположную сторону.
Это был очень сложный период в семье цирковых артистов. Люди все время были в пути, вынужденные постоянно гастролировать, чтобы хоть как-то прокормить себя. Глядя на пустую одинокую тарелку на столе, в которой должен был быть вкусный обед, понимаешь, на сколько, бедны были артисты, ведь заработанных денег катастрофически не хватало на нормальное существование. Несмотря на отвергнутое лицо мальчика, также не сложно догадаться, какие эмоции присущи юному акробату, вынужденному уже с малых лет трудиться, чтоб заработать хоть какую-то копейку для своей семьи.
Период, в который была написана картина "Акробаты (мать и сын)" условно получил название "розовый", ведь для большинства работ Пабло Пикассо использовал сочетание именно розового оттенка, разбавляя его золотыми и серыми тонами. Данная картина не является исключением. Весь задний план заполнен теплой гаммой нежного розового оттенка, приближенного к нежному красному цвету. Костю мальчика для выступления художник изобразил в контрастном синем цвете с белоснежным жабо на шее и рукавах. Примечательно, что для своих работ данного периода, Пикассо использовал реальных персонажей из цирка Медрано.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Петух»
В довоенный период, когда Пабло Пикассо увлекся сюрреализмом, воплощая в нем свою бурную, не поддающуюся описанию фантазию, появилось цветное графическое изображение под простым названием "Петух". Картина написана в стиле экспрессионизма, притягивая взгляд к грубому графическому изображению домашней птицы яркими красками, показав необыкновенную красоту и в то же время присущую ей тупость.
Картина выполнена в сочных, красочных тонах, где тщательно прорисована каждая часть петуха. Более детально изучив картину, стоит обратить внимание, что художник прибегнул ещё к одному жанру, используя кубизм в определенных элементах. Петух стоит, открыв клюв, в котором виднеется длинный язык. Насыщенной алой краской прорисованы детали головы петуха и гребешок.
Крупными мазками яркой контрастной друг другу краски выделены перья птицы, покрывающие все маленькое тельце. На ногах петуха выделяются острые шпоры, которые он с гордостью демонстрирует зрителю. Фон обозначен достаточно просто и незамысловато, художник решил оформить его плавными бежевыми разводами, которые своей невзрачностью и блеклостью позволяют ещё больше выделить красоту главного образа голосистой птицы.
Работая над картиной "Петух" Пабло Пикассо стремился показать всю роскошь и в то же время абсолютную дурость и агрессию, присущую данной птице. Художник изобразил его без лишних деталей и сложных мазков, также, не используя игру света и тени, однако, картина настолько притягивает взгляд, что стала одной из самых узнаваемых работ именитого автора.
Пабло Пикассо создал целую серию картин, главным героем которых был непосредственно петух. Эти работы привлекательны своей ненавязчивой простотой и в то же время яркой современной оригинальностью, присущей только работам Пикассо.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Смерть тореадора»
Коррида была излюбленным зрелищем Пабло Пикассо с самого детства. Он регулярно приходил на арену, где видел не только победы тореадора, но и их полнейшие поражения. Художник много раз изображал бой быков в своих картинах, но самой популярной из них стала "Смерть тореадора", написанная в стиле излюбленного автором сюрреализма в 1933 году.
На картине "Смерть тореадора" художник изображает одновременно быка, который для него служил олицетворением мужского начала, и лошадь – женского. Если посмотреть на картину глазами автора, то мы видим, что в этих образах присутствует вечное столкновение полов, борьба мужчины с женщиной.
Далее перед нами раскрывается тревожный сюжет, в котором огромный бык тащит на своих мощных рогах беспощадного тореадора, предчувствующего свою приближающуюся погибель. Его лицо мы видим выглядывающим из-под красного куска ткани, в котором Пикассо оставил некую загадку. Если тореадор сможет одолеть своего рогатого соперника, то это будет просто его красной накидкой, если произойдет все наоборот, приобретя печальный исход, это красное пятно означает кровь, струящуюся из тела умирающего человека. Судя по названию картины нужно склоняться ближе ко второму варианту, однако, зная непредсказуемость и неординарность мысли художника можно найти и другой тайный смысл этого действия.
Пабло Пикассо зачастую изображал образы героев с двойственным смыслом. Даже на картине "Смерть тореадора", бык представлен не только как убийца, но и такой же жертвой, как и побежденный им человек. Если всмотреться, то мы видим, что на морде зверя присутствует вовсе не дикая ярость, а всего лишь необычайное удивление. Картина пропитана экспрессией и мотивами сюрреализма, которые способны до конца понять только истинные ценители искусства Пабло Пикассо.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Пьеро»
Испанский художник и декоратор Пабло Пикассо был основоположником кубизма в жанре живописи. Его работы были пронизаны эпохой классицизма. Эта направленность сопровождалась строгими канонами, которые придавали изображениям формы, соответствующие мирозданию. Художник любил кубический стиль, так как картины отличались своей тонкостью передачи чувств.
Работа «Пьеро» была создана в период классического начала ровных форм. Актёрская игра для Пикассо стала значимой стороной в изображении кубических образов. Грустный кукольный герой изображён на стуле, с опущенной головой. Его задумчивый взгляд напоминает чувства, когда нужно выходить на сцену, а ты боишься и теряешься. Пьеро, по сути, всегда выступает печальным и трагическим героем театральной игры.
При написании картины художник отчётливо выражает белый костюм актёра, с некоторыми разноцветными линиями. Непосредственность и угрюмость актёра, заставляет наблюдателей замирать. Пьеро не смог использовать время для счастливой жизни. Его удел играть на сцене, и развлекать зрителей. Поток красок театральной комнаты, больше напоминает кабинет мыслителя, об этом свидетельствует книга на столе. В целом картина составлена композиционно и правильно, что подчёркивает профессионализм художника.
Гигантская сила труда показывает не только восприимчивость живописца к творческой проблематике, но и говорит о его личности. Полное перечисление циклов жизни художника встречается в каждой его работе. Воплощение многих парадоксов увлекает зрителя, и втягивает в мир вдохновений.
Традиционный стиль живописи присутствовал в шедеврах Пикассо всегда, он умело воссоздавал изображения, как вызов прошлому, так и реальности. Пабло Пикассо – успешный деятель, творчество, которого практически никогда не поддавалось критике.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Дриада»
Великолепную габаритную картину «Дриада» или «Обнаженная в лесу», Пабло Пикассо написал маслом на холсте в свой африканский период.
Искусство Африки всегда привлекало художника. Он восхищался выставочными экспонатами в музеях, восторгался необычной притягательной силой магии скульптур, которые часто были грубыми, однако очень притягательными.
Картины была написана в 1908 году. Живописец изобразил на картине не то женщину, не то идола из дерева. Создается впечатление, что он просто вытолкнул из чащи древний лесной дух-божество – дриаду. Мастер кисти считал, что магию матушки-природы можно с легкостью передать магией красок. В раннем кубизме картина «Дриада» выгодно выделяется тем, что она наполнена энергией жизни, ведь деревянный истукан – не застывшая фигура, а жестикулирующая Галатея.
О том, что к написанию «Дриады» Пикассо подошел по-особенному, свидетельствует размер полотна. Тщательно продуманную композицию художник перенес на большой холст. Это говорит о том, что картина довольно значима.
Фон полотна своеобразен. Скульптурная фигура обрамлена двумя стволами мертвенных деревьев, которые образуют нишу. Сама же дриада выдвинута вперед. Цветовое решение тоже специфическое: лицо затемненное, а во всем образе преобладает оттенок желтой охры.Главное, что впечатляет зрителя при рассматривании «Дриады», – упрощенная манера написания и огрубление при изображении женского тела.
К подобным действиям живописца побуждал эпатаж, ведь Пикассо стремился с помощью самых простых методов передать реальность. Его произведение не свелось к геометризации, оно имеет собственный смысл.
Таинственный мир «Дриады» мрачный, открыт для темных сил, его не озаряет свет солнца. Силуэт женщины, исполненный в коричневых оттенках (от светлого до темного) немного вульгарен, со скрытой энергией. Это свидетельство того, что художник часто размышлял над противоречивостью человеческой природы.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Семья вместе»
Творческую жизнь Пабло Пикассо можно четко разграничить по так называемым периодам: увлечение кубизмом, активная работа в стиле сюрреализма, постимпрессионизм, загадочные «голубой» и «розовый» художественные периоды.
Рассматриваемая работа «Семья вместе» 1903 года относится к периоду «голубому». А все потому что с 1902 до 1905 год испанский живописец творил в мрачных, холодных тонах синего оттенка. В это время он обращался к пугающим и больным темам: старость, нужда, разного рода страдания.
Искусствоведы считают, что толчком к подобным проявлениям в художестве было трагическое самоубийство друга Пикассо. Сам автор в эти годы тоже мало радовался солнцу, находясь в большой нужде.
Спасением для юного художника были любые заказы. В 1903 году к живописцу обратился товарищ Солер – успешный портной из Барселоны. Клиент пожелал получить собственный портрет, его жены и семейное изображение. В картине «Семья вместе» воплощено третье пожелание заказчика.
«Семья вместе» написана в жанре, популярном у французских импрессионистов, – «завтрак на траве». Мы видим позирующих членов большой семьи: муж с женой, их четверо маленьких детей, домашний питомец. Каждое лицо изображено с индивидуальными чертами, но общая схематика лиц однотипная, что очень характерно для Пикассо.
В центре холста – смятая белая скатерть с фруктами, пустой тарелкой, упавшей бутылкой и тушей кролика на ней; сбоку – охотничье ружье.
Хотя в семейном портрете соблюдена голубоватая гамма того периода творчества Пикассо, все же изображение лишено налета трагизма. Парадоксально, но синий на этой картине кажется теплым цветом, уютным, дружественным и располагающим.
Пикассо, как всегда, оказался на высоте: полотно прославилось в мире и попало в Музей современного искусства в бельгийском городе Льеже.
opisanie-kartin.com
