Музей ЧерномырдинаНациональный кинопортал Film.ru — все о кино. Картины хаяо миядзаки
Хаяо Миядзаки - Все интересное в искусстве и не только.
Хаяо Миядзаки - гигант анимации. И, в честь 75-летия (5 января), давайте полюбуемся некоторыми работами. В конце концов, мы все скорей всего смотрели радостные и красочные фильмы – особенно сейчас, когда компьютер дал нам доступ к огромному пласту киноискусства!В то время как карьера Миядзаки составляет более пяти десятилетий в длину, первый большой успех пришео к нему в 1984 году с мультфильмом «Навсикая из Долины Ветров». Это позволило ему сделаться соучредителем студии Ghibli, которая быстро стала самым значимым именем в японской анимации.
Фильмы Миядзаки в красивом стиле и им не хватает типичных злодеев кино. Вместо этого, антагонисты неоднозначны. Гуманизация – одно из основополагающих свойств его творчества, которое принесло Mizyazaki мировую известность.С Днем Рождения, Хаяо!
tanjand.livejournal.com
Хаяо Миядзаки — Look At Me
На этой неделе на мир обрушилась новость о том, что из профессии уходит легендарный мультипликатор Хаяо Миядзаки. Look At Me проследил личностный путь главной фигуры японской анимации.
Хаяо Миядзаки
Hayao Miyazaki
1941, Токио, Япония
Мультипликатор, режиссёр, мангака
Ранние годы
Второй из четырёх братьев, Хаяо Миядзаки родился в городке Akebono-cho, части токийского района Bunkyo-ku. Во время Второй мировой войны его отец Катсудзи был директором Miyazaki Airplane — завода по изготовлению боевых самолётов, которым владел дядя Хаяо. Неудивительно, что будущий аниматор в основном был занят рисованием самолётов, а авиация стала одним из его главных увлечений на всю жизнь и прослеживалась лейтмотивом во многих фильмах.
Мать Миядзаки была ненасытной читательницей, постоянно в открытой форме подвергавшей сомнению социальные нормы. Позднее Миядзаки признавал, что свой сомневающийся и скептический ход мыслей перенял именно у неё.
С трёх лет Хаяо и его семья были вынуждены часто переезжать — сначала из-за войны, а потом из-за длительного лечения болезни Потта, которым страдала его мать. Сменив три начальных школы, Миядзаки поступил в Среднюю Школу Омия, во время учёбы в которой он познакомился с творчеством одного из важнейших своих вдохновителей — мангаки (художника манга) Осаму Тезука.
«Хякудзядэн»
Впоследствии Миядзаки уничтожил почти все свои ранние работы, назвав их примитивным копированием стиля Тезуки. Во время учёбы в Старшей Школе Тойотама молодой Хаяо увидел анимационный фильм «Хякудзядэн» и после сконцентрировал всё своё внимание на анимации, что было волевым решением, ведь он не рисовал почти ничего, кроме самолётов и боевых кораблей, и для профессиональной карьеры аниматора ему было необходимо научиться рисовать человека.
Миядзаки в 1963 году окончил факультет экономики и политики престижного Университета Гакусюин. Во время учёбы он был членом литературного клуба, объясняя свой выбор тем, что «в те времена это было самым близким к клубу любителей манга вариантом». Интересно, что в клубе в основном изучали западные детские книги.
Начало карьеры мультипликатора
В апреле того же года Хаяо получил работу художника-фазовщика в Toei Animation. Вскоре после вступления на должность, он встал во главе одной из сторон внутреннего трудового конфликта и в течение следующего года уже стал председателем профсоюза. В творческом процессе Миядзаки также проявил принципиальность с самого начала: он лично переписал (и нарисовал) непонравившуюся концовку фильма Gulliver’s Travels Beyond the Moon. К 1968 году Миядзаки стал важной фигурой студии и имел широкий спектр работы: от создания визуальных концептов, дизайна сцен и основной
«Принц Севера»
анимации и до роли художника-постановщика. Одновременно все эти роли он выполнял при создании «Принца Севера», важной анимационной работы Исао Такахаты, коллаборация Миядзаки с которым затянется на тридцать лет. В последующие годы Хаяо принимал всё больше участия в создании проектов студии, придумывая идеи и сюжетные куски для ключевых сцен «Кота в сапогах», «Летающего корабля-призрака», «Али-бабы и сорока разбойников» и других.
«Летающий корабль-призрак»
Миядзаки покинул Toei в 1971-м, следующее десятилетие работая со множеством студий (основные: Mushi Production, Nippon Animation, TMS Entertainment). Работая в паре с Исао Такахатой, он снимает шесть эпизодов первого сезона культового аниме Lupin III, в качестве аниматора работает над World Masterpiece Theater и двумя короткометражками Panda! Go, Panda!
После этого Хаяо и Такахата начинают объёмную подготовку над сериалом-экранизацией «Пеппи Длинныйчулок», но после поездки в Швецию и личной встречи с Астрид Линдгрен проект неожиданно был отменён.
Свой первый полноценный режиссёрский проект — аниме-сериал «Конан — мальчик из будущего» — Миядзаки снимает в 1978-м. Уже в этой экранизации истории Александра Ки можно увидеть общие формы архетипов, идей и образов, которые станут ключевыми в основных работах мастера, в особенности — уникальные дизайны воздушных кораблей.
«Конан — мальчик из будущего»
Прорыв и Студия Ghibli
Нельзя сказать, что первая полнометражная работа Миядзаки «Люпен III: Замок Калиостро» прошла незамеченной, но действительно знаменитой и характеризующей мультипликатора работой является экранизация собственной манги «Навсикая из Долины Ветров». Её успех позволил Миядзаки и Такахате в 1985 году основать собственную студию Ghibli («Гибли»). По сей день оставаясь двумя самыми продуктивными режиссёрами студии, за двадцать с лишним лет они во многом создали лицо японской анимации такими картинами, как Grave of the Fireflies, Kiki’s Delivery Service, Pom Poko и «Принцесса Мононокэ».
Миядзаки с чрезмерной дотошностью подходил к процессу, лично проверяя (и если нужно перерисовывая) буквально каждый кадр своих первых фильмов, и очень быстро приобрёл репутацию трудоголика, отрезающего всё, что мешает ему концентрировать своё внимание целиком на работе. Самым показательным примером являются его неровные отношения со своим сыном Горо, которого Хаяо долгое время попросту игнорировал, и чей режиссёрский дебют («Сказания Земноморья») принимал в штыки, говоря что у сына для подобной работы «слишком мало опыта». В самые последние годы отношения между отцом и сыном смягчились, и сейчас о «Сказаниях» Миядзаки говорит вещи вроде «По крайней мере, я вижу, что он делает это с искренностью».
«Принцесса Мононокэ»
По окончании работы над «Принцессой Мононокэ» в 1997 году Миядзаки публично заявляет, что стал слишком стар для собственного скрупулёзного метода создания анимационных фильмов, и что его как карьера как аниматора на этом заканчивается. Многие восприняли это как окончание его карьеры в анимации в целом, но хоть Миядзаки формально и покинул Ghibli в 1998-м, он планировал написать сценарий и спродюсировать фильм с членом студии Йосифуми Кондо в кресле режиссёра. К несчастью, в том же году Кондо скончался, что в конечном итоге вынудило Миядзаки вернуться в студию Ghibli и начать работу над «Унесёнными призраками». Вдохновлённый дочерью одного из близких друзей, Миядзаки создал фильм, который позволил ему побить сразу несколько мощных рекордов: набрать более 300 миллионов долларов сборов, получить Берлинского «Золотого Медведя» и первым за всю историю японской анимации удостоиться «Оскара» за «Лучшую анимационную картину». Один из самых известных кинокритиков на планете Роджер Эберт после выхода фильма сказал о Миядзаки: «Его фильмы настолько хороши, что они вынуждают тебя пересмотреть собственный подход к анимации».
Туда, обратно и ещё раз
После «Унесённых» Миядзаки вновь заявил, что больше не будет заниматься режиссурой, и точно так же был вынужден вернуться через несколько лет, когда посреди работы над «Ходячим замком» проект неожиданно покинул режиссёр Мамору Хосода. За свои технические достижения картина была номинирована на «Оскар» и получила награды в Венеции и Сиэтле.
Две следующих полнометражных работы Миядзаки — «Рыбка Поньо на утёсе» и буквально только что показанный на Венецианском фестивале «Ветер крепчает» — продолжают поддерживать экспериментальный тон работ мастера. Концепты «Поньо» Миядзаки сделал акварелью, а большинство сцен фильма были отрисованы исключительно от руки, чтобы более естественно передать живой ритм подводного мира. В «Ветре» аниматор возвращается к любимой теме авиации времён Второй мировой войны. Параллельно с работой над «Ветром» Миядзаки вовлечён в работу над «Сказкой о принцессе Кагуе» — возвращением в профессию после четырнадцатилетнего перерыва Исао Такахаты.
Первого сентября, одновременно с фестивальным дебютом фильма «Ветер крепчает», Хаяо Миядзаки заявил, что уходит на пенсию. Зная его историю, сразу хочется предположить, что как минимум следующие несколько лет проекты студии Ghibli не обойдутся без участия мастера.
«Ветер крепчает»выходит в прокат30 января 2014 года
Однако всё труднее и труднее игнорировать простой факт, что годы берут своё: 5 января мультипликатору исполнилось 72 года, а спартанская рабочая этика и неистовый ритм уже почти 30 лет без перерыва выматывают его самого так же, как и всех работников студии.
Таймлайн
1963
Получает работу художника-фазовщика в Toei Animation.
1964
Становится председателем профсоюза.
1965
Женится на коллеге Акэми Ота.
1968
Работает в качестве художника-постановщика над «Принцом Севера» Исао Такахаты.
1969
Рисует мангу и предлагает идеи для ключевых сцен адаптации «Кота в сапогах».
1971
Уходит из Toei и вместе с Такахатой режиссирует шесть эпизодов первого сезона «Люпена III».
1978
Выходит первая самостоятельная работа Миядзаки как режиссёра — сериал «Конан — мальчик из будущего».
1979
Выходит его первый полнометражный фильм «Люпен III: Замок Калиостро».
1984
Экранизирует собственную мангу «Навсикая из долины ветров». Тогда же «Дисней» дублирует картину на английском, вырезая из оригинала примерно полчаса.
1985
Вместе с Исао Такахатой основывает студию Ghibli.
1992
Выходит «Порко Россо».
1997
Выходит «Принцесса Мононокэ», и Миядзаки объявляет об окончании карьеры режиссёра, официально уходя из студии Ghibli.
1999
Возвращается в режиссёрское кресло из-за смерти оригинального режиссёра «Унесённых призраками», после вскоре вновь объявляет об уходе из профессии.
2002
Отказывается от участия в церемонии наград «Оскара» в качестве протеста американского вторжения в Ирак.
2003
Ещё раз возвращается в качестве режиссёра собственного сценария «Ходячего замка», в этот раз из-за неожиданного ухода Мамору Хосоды.
2005
Получает «Награду за вклад в киноискусство» Венецианского кинофестиваля.
2006
Выходит режиссёрская работа сына Миядзаки Горо «Сказания Земноморья».
2008
Выходит «Рыбка Поньо на утёсе».
2012
Заканчивает работу над фильмами «Ветер крепчает» и «Сказка о принцессе Кагуе» и объявляет о выходе на пенсию.
Влияние
Pixar
Главный популяризатор Миядзаки на Западе, один из основателей студии Pixar Джон Лассетер называет его «одним из величайших деятелей кино нашего времени», считает, что в анимации эта фигура важнее даже Уолта Диснея. Для английского озвучания фильмов Миядзаки Лассетер тратит большие бюджеты на привлечение актёров масштаба Кристиана Бэйла, Билли Боба Торнтона и Лиэма Нисона. Режиссёр и сценарист мультфильма «Вверх» Пит Доктер многократно называл свою работу подражанием «Ходячему замку».
Кино и телевизионные деятели
Акира Куросава включил фильм «Мой сосед Тоторо» в список ста своих любимых на свете фильмов, говоря, что «весь талант ушёл из киноиндустрии в аниме». Гильермо Дель Торо называет себя «безусловным поклонником всех без исключения фильмов Миядзаки», а один из главных иллюстраторов последних трёх сериалов Star Trek Рик Стернбах включил в канон Star Trek: The Next Generaton инопланетную расу «навсиканцев», названную в честь героини Миядзаки.
Манга и комиксы
Великий французский комиксист Жан «Мебиус» Жирард (кроме прочего, дизайнер декораций фильмов «Чужой» и «Пятый Элемент») называл Миядзаки «самым пылающим из огней, которые льют свет на детский разум» и сделал нехарактерное для профессионала такого масштаба множество «фанатских» зарисовок по мотивам образов мастера.
Автор культового фильма «Акира» Катсухиро Отомо признал, что учился анимации на ранних работах Миядзаки.
Что можно найти в продаже
Фотография via flikr.com/FICG.mx
www.lookatme.ru
Волшебный мир Хаяо Миядзаки - здесь был Вася
Оригинал взят у rizhkin в Волшебный мир Хаяо МиядзакиХаяо Миядзаки - известный во всем мире японский мультипликатор, режиссер, сценарист и продюсер.Хаяо Миядзаки - известный во всем мире японский мультипликатор, режиссер, сценарист и продюсер.Родился Хаяо в Токио в 1941 году.Уже два года продолжалась вторая мировая война. Через 4 года начнется война между Японией и Россией. А США насесут два ядерных удара.
волшебный проход, кадр из фильма Ходячий замок, 2004 год
Отец Миядзаки во время войны был директором Миядзаки Эйрплейн, фабрики по изготовлению деталей к самолётам.
Его мама болела и часто лежала в разных больницах, из-за чего семье приходилось много переезжать.
дух леса - Тоторо
рисунок к фильму Мой сосед Тоторо, 1988 год
кадр из фильма Навсикая из долины ветров, 1984 год
В фильмах Миядзаки (а именно так он сам называет то, что он делает) мистически сливаются технология и природа (к которой в Японии относятся, как к живому организму, поклоняются ее силам - множеству духов), а тема войны и антиутопичных сценариев развития событий после проходит через почти все его творчество.
рисунок к фильму Небесный замок Лапута, 1986 год
Хаяо сан признается, что на него сильно повлияли 3 анимационных фильма. Перым был японский мультфильм «Легенда о белой змее» 58 года, именно после этого, он решил стать аниматором.
рисунок к фильму Навсикая из Долины Ветров
И как было приятно узнать, что другими двумя, также сильно повлиявшими на его творчество мультфильмами, были советские мультфильмы: «Снежная королева» Льва Атаманова и «Ёжик в тумане» Юрия Норштейна.
Кстати, Хаяо сан и Юрий Борисович друзья и часто встречаются. Миядзаки сан называет Юрия Борисовича "поэтом анимации".
Еще один маленький дух леса.
Когда его спросили, почему именно эти два мульфильма, он ответил, что они очень психологичны. Мне кажется, я не совру, если скажу то же самое и о творчестве самого Миядзаки.
кадр из фильма Мой сосед Тоторо
Миядзаки сан, кстати, еще любит творчество Антуана де Сент-Экзюпери.
кадры из фильма Небесный замок Лапута
Мир, который создает Миядзаки, тоже не совсем детский.рисунок к фильму Ходячий замок
котельная, рисунок к фильму Унесенные Призраками, 2001 год
рисунок входа в комнату, где живет волшебница, Унесенные призраками
кадр из фильма Навсикая из долины ветров
кадр из фильма Унесенные призраками
Но он для тех, кто хранит в своей душе ребенка, кто верит в чудеса и добро.рисунок к фильму Унесенные призраками
Хотя маленькие японские дети его тоже очень любят. А вот моя трехлетняя племянница испугалась черных чернушек (сусуватари).
А еще мир Миядзаки просто очень красивый
В Японии, кстати, есть воплощенный мир Миядзаки - музей созданной им компании Гибли.
Эта картинка - потолок одной из комнат в нем. А еще такое солнышко сияет в детской в одном из его мультфильмов.
Говорят, в музей невозможно просто так попасть – нужно записываться за несколько месяцев.
спасибо
viterikanatali-bright.livejournal.com
Волшебные миры Хаяо Миядзаки - watchman
Какой же ключ открывает дверь в параллельную вселенную? На этот вопрос патриарх мультипликации, японский режиссёр-аниматор Хаяо Миядзаки отвечает очень лаконично: «Бумага и карандаш». Но это слишком простой ответ для человека, чей гений породил целый жанр «психоаналитической фантастики-аниме». Мультики? Не совсем, если их автор Хаяо Миядзаки!
http://music.ykt.ru/music/14303
(При чтении рекомендуется включить музыку)
«Я полагаю, что детские души наследуют историческую память предыдущих поколений. Потом, когда они начинают взрослеть, доставшаяся им память становится всё более и более недосягаемой. Поэтому больше всего на свете я хочу сделать фильм, который способен разбудить в людях эту память. Если я эго сделаю, я точно смогу умереть счастливым» – так говорит патриарх японской мультипликации Миядзаки.
Это его вечное желание ухватить ускользающее прошлое за руку и выдернуть из глубин небытия дало удивительный результат – так родились те самые вселенные-фантасмагории Миядзаки, где прошлое переплетается с настоящим и даже вторгается в будущее, вплетаясь в узор так необычно и таинственно, что зрители просто тонут в рисованном мире японского мультипликатора.
Опять же ему принадлежат такие слова: «Мы... создаём тайну, а тайна никогда не бывает идеальной». В этом весь Миядзаки. Какой бы проект он не реализовывал – повсюду оживающие тайны, в которых миллионы неидеальных линий и километры неизведанных глубин.
В нашей стране Хаяо Миядзаки известен мало. Мультфильмы, им созданные, с некоторых пор на слуху, а имя создателя знают лишь единицы. И уж совсем мало кто в курсе, что стажировку молодой Миядзаки проходил... на Мосфильме. Как он признавался в одном из интервью, его самые любимые мультфильмы – именно советские: культовый «Ежик в тумане» и «Снежная королева». Говоря о «Королеве...», Миядзаки добавил, что «благодаря этому фильму он узнал, что качественная, тщательно прорисованная анимация способна достучаться до самых глубин души человека».
Западный мир узнавал о японском гении анимации тоже постепенно. Несмотря на его успех и славу в Японии, европейцы познакомились по-настоящему с Миядзаки лишь в 1997 году, когда мировые экраны потрясла самая сложная и самая пугающая из режиссёрских работ Миядзаки «Принцесса Мононоке».
В этой анимационной повести действие разворачивается в Японии XVII века, где лесные духи («мононоке» – злобный дух) вступают в битву с людьми, уничтожающими их дом. Имя главного героя «Принцессы...» Аситаки – очень символично и не переводится напрямую с японского языка. «Асита» по-японски – «завтра», а «ка» – суффикс, причём вопросительный. Так что имя героя символизирует вопрос «Ты – будущее?»
Но «взорвала» западные экраны всё-таки не мрачная и жестокая «Принцесса...», а красивая волшебная сказка «Унесённые призраками», вышедшая в 2001 году. Этот фильм, рассказывающий о девочке, вынужденной стать служанкой у духов в зачарованном мире, чтобы освободить своих родителей. Помимо того, что эта сказка получила «Оскара», «Золотого медведя» и ещё целый ряд всевозможных наград, она ещё и стала первым в истории кино проектом, который заработал более 200 миллионов долларов до выхода в американский прокат.
Затем был «Ходячий замок Хаула», где у замка были куриные ноги, «позаимствованные» Миядзаки у известной русской народной сказки...
ПОЛЁТЫ ВО СНЕ И НАЯВУ
Хаяо Миядзаки испытывает страсть ко всяческим летательным аппаратам и вообще к полётам. Практически ни один мультфильм режиссёра не обходится без эдакой невообразимой летательной штуковины. Такая страсть Миядзаки родом из детства. Режиссёр признавался, что он очень часто летал во сне и летает до сих пор. Мало того, его отец был директором фабрики по изготовлению деталей к самолётам.
А название его собственной студии «Ghibli» позаимствовано у итальянских самолётов-разведчиков времён Второй мировой войны, которые, в свою очередь, получили африканское имя от горячего ветра, дующего из пустыни Сахара. По замыслу Миядзаки, с таким названием его студия должна была стать свежим ветром в японской анимации.
А ещё в его фильмах часто присутствуют... свиньи. Миядзаки сам признавался: «В моих фильмах очень много свиней. Может быть, это просто потому, что свинью легче нарисовать... Но, если говорить правду, мне кажется, что свинья очень похожа на человека – по поведению и внешне».
Свиньи для Миядзаки не всегда отрицательные персонажи. Например, в одной из известнейших его фантасмагорий «Порко Россо» главный герой – свинья-антифашист, бороздящий воздушные просторы Адриатики в 1930-х годах. Культовая фраза из этого мультфильма – «Лучше я буду свиньёй, чем фашистом!»
Но всё-таки в 90 процентах случаев, главные герои у Миядзаки – девочки, больше похожие на мальчиков.
Свои мультфильмы режиссёр чаще всего позиционирует как детские, однако детского там не так уж и много. По этому поводу Миядзаки говорил: «Я законченный пессимист. Но если у кого-то из коллег рождается ребёнок, всё, что мне остаётся – это пожелать ему счастливого будущего. Ведь ни у кого нет права говорить ребёнку, что он не должен рождаться в этом догорающем мире. И мы никак не можем ему помочь – разве что благословить его. Собственно, думая об этом, я и делаю свои фильмы». И ещё: «мне кажется, что дети интуитивно понимают лучше, чем взрослые: мир, в котором они родились, безжалостен, безнадёжен и промозгл». А вот ещё цитата из «пессимизма» Миядзаки: «Жизнь – это просто мерцающий в темноте свет».
Может быть, именно поэтому Миядзаки «улетает» в свои волшебные вселенные, где свет – это целый мир. И где тьма – не вечна.
КАТАНА ПО ПОЧТЕ
Несмотря на то, что обычно фантастические аниме-истории Миядзаки не сильно привязаны к японской культуре, сам он ведёт себя порой очень даже по-японски. Так, у него когда-то вышла очень неприятная история с прокатом в США мультфильма «Навсикая из Долины Ветров». Американцы под предлогом моральности изрядно покромсали прекрасную ленту.
Миядзаки сильно рассердился, однако было уже поздно. Но когда в следующий раз от американской кинокомпании «Мирамакс» пришло предупреждение о вынужденном обрезании его нового фильма «Принцесса Мононоке», Миядзаки в ответ прислал вице-президенту компании катану (cамурайский меч) с надписью «Не резать!», тонко намекнув таким образом, что не потерпит снова покушения на святое.
НЕУДАЧИ И ИХ СЛЕДСТВИЯ
Неудачи у Миядзаки тоже случались. Однажды он решился сделать мультфильм о Пеппи Длинном чулке и даже лично отправился в Стокгольм к Астрид Лингрен, чтобы добиться прав на экранизацию произведения. Однако шведская бабушка не разглядела японского гения и отказала в экранизации. Но Миядзаки идею о смешной девочке не оставил. В результате родилась чудесная «Большая панда и маленькая панда» – история о девочке, усыновлённой пандой. Девочка очень напоминала Пеппи: те же рыжие косички, самостоятельность и буйство фантазии.
Урсула Ле Гуинн тоже поначалу отвергла предложение Миядзаки об экранизации её знаменитого романа «Волшебник Земноморья». Правда, через много лет подзабытая писательница уже сама обратилась к режиссёру с просьбой об экранизации. Но Миядзаки писательницу не простил, а роман экранизировал его сын. Мультфильм, правда, оказался спорным и, как говорят, писательнице не понравился. А что делать – Миядзаки один такой в целом мире. Как у него – не выйдет ни у кого.
КРАСОТА МИРА В ГОЛОВЕ
Помимо полётов, двумя другими основными темами работ Миядзаки являются экология и ответственность. В общественной жизни Японии его голос звучит весьма весомо. Не так дано он был признан человеком, наиболее активно повлиявшим на культуру региона Азии. Он один из самых активных экологов страны, хотя к «японской» стране у него весьма специфическое отношение. Известны такие его слова: «Современная жизнь такая зыбкая, поверхностная и фальшивая. Я жду, когда предприятия обанкротятся, Япония обеднеет и зарастёт дикой травой».
Впрочем, Миядзаки видит не только зыбкость этого мира, но и его догорающую красоту. А «вся красота мира легко может поместиться в голове у одного человека»...
Его картины, такие, как «Навсикая из Долины Ветров» и «Принцесса Мононоке», еще очень долго не забудутся. Роскошная графика, тщательно проработанные миры, неглупые сюжеты и глубокий подтекст не дадут им устареть, и их все так же будут рекомендовать детям и взрослым, поклонникам аниме и людям, не знакомым с этим жанром.
#Шедевры_аниме
www.dnevniki.ykt.ru
Стили аниме Миязаки Хаяо(Miyazaki Hayao)- Как нарисовать аниме
Стили аниме - в первую очередь хочется рассказать об одном японце, выдающемся человеке, который внес весомый вклад в развитие японского аниме, и создал свой стиль аниме- Миязаки Хаяо. Продюсер, художник, режисер, рисовальщик, он считается одним из самых ярких художников своего поколения. Его считают патриархом японской мультипликации. В течении последних двадцати лет Миязаки Хаяо является ведущим японским мультипликатором. Один из ее основателей, он является сегодня ее выдающимся мастером. Есть в сети сайты, которые могут вам рассказать о его биографии, каков был его путь к успеху, вы можете все это найти, введя в поисковую форму своего браузера его имя, можно добавить слово- "биография". Такие сайты есть и информацию по его творческому пути- биографию вы можете получить. Здесь- же я не буду пересказывать то, что уже есть на других сайтах, моя задача состоит в том, что- бы разобраться, каков- же стиль аниме Миязаки Хаяо, который прямым образом повлиял на развитие аниме Японии- в этом нет сомнений.Миязаки Хаяо (Miyazaki Hayao)
Ну, совсем немного вступления о нем, так сказать- войдем в курс дела. Начинал Миязаки Хаяо с рисования манги. Можно сказать, что его творческий путь быт достаточно тернист, полон труда, поисков, но в конечном итоге это дало свои результаты- успешная работа над созданием аниме, где он проявил смелую, страстную романтическую трактовку оригинальных тем- так он любит работать. В 1978г. он поставил как режиссер свой первый мультипликационный сериал "Конан- мальчик из будущего". С этого момента, когда он смог в полной мере наслаждаться работой, начал проступать неповторимый стиль аниме Миязаки Хаяо. С этого момента его талант начал успешно расцветать.
В чем его вклад в аниме, каков стиль его аниме? Мы, как художники, зачастую думаем (в частности и я), что стиль аниме- это понятие, которое относится исключительно к рисованию аниме. Дело обстоит несколько иначе, оно намного шире. Стиль аниме- это и рисунок, графика, но к этому нужно еще добавить внутреннее душевное наполнение, красоту сюжета, как аниме может влиять не только на наши зрительные рецепторы, но и на наши души и внутренний мир.
1. Нужно сказать, что до его весомого влияния в аниме, аниме как таковая делалась исключительно для детей. Он первый начал ставить фильмы, которые были ориентированы не только на детей, но и на взрослых. Фильмы становились достаточно сложными и глубокими и заинтересовывали зрителей всех возрастов. При этом сюжеты фильмов были не сильно привязаны к Японской культуре, потому стали интересны не только в Японии, но и за ее пределами. Это первый вклад Миязаки в развитие аниме.
2. Хотя фильмы Миязаки специфически японские по ощущениям и образу мышления, их эстетика и напряженная драматичность универсальны по своему воздействию. Во всех его фильмах ощущается присущий ему гуманизм и обеспокоенность будущего общества. Он активный и влиятельный эколог и вопросы защиты окружающей среды ему не чужды. В его творчестве важнейшую роль играют гуманистические и общечеловеческие идеи. При этом Миязаки умеет не опошлить эти идеи, не свести их к констатации очевидностей, а аниме - к их пересказу. Он умеет грамотно и тонко наполнить аниме силой влияния на сознание человека. Его творчество обнаруживает поразительное единство видения мира и необыкновенное разнообразие тем и сюжетов. Возможно в этом разгадка его огромного успеха. Миязаки умеет мастерски построить захватывающую идею, любит в своих фильмах присутствие летательных устройств. Это характерные черты стиля Миязаки Хаяо.
3. Миязаки поражает едкой иронией и безудержной фантазией, которые он приносит на большой экран в своих великих изобразительных драмах. Его творения очень разные, но все удивительные. Есть и особые, фирменные черты стиля Миязаки: огромный, странный и феерически прекрасный мир, чудесные персонажи, которым даже говорить не обязательно, много неба и полетов во сне и наяву, бесконечные метаморфозы.
4. Графику фильмов Миязаки отличает большая точность образов, выверенность и реалистичность, особое внимание уделяется проработке характеров персонажей и живописности ландшафтов.
"Ходячий замок Хаула"- сегодня считается лучшим фильмом Миязаки. И поклонников его творчества поразила в этом фильме тонкая передача любовных переживаний. Они говорят: "Дело в том, что никогда еще так сильно и проникновенно Миязаки не говорил о любви. О том, что любовь побеждает все- любые проклятья."
5. В чем заключается сама суть стиля аниме Миязаки Хаяо- не только в графических приемах, но и в том, что его фильмы не являются только какой- то очередной развлекательной историей, с захватывающим сюжетом. Его фильмы учат чему- то правильному и прекрасному, учат анализировать поступки людей, помагают вытащить наружу человека все тонкие грани его естества. Его фильмы, казалось- бы, предназначенные для детей, стоят внимания и взрослых, и их интересно смотреть. Какими- то невидимыми приемами, они побуждают человека думать, размышлять, сопереживать. Они задевают в человеке то доброе, которое иногда дремлет и не может проявиться через обыденность нашей жизни.
Вот только некоторые его детища, которые стоит посмотреть: «Мой сосед Тоторо» «Принцесса Мононоке» «Унесенные призраками» «Ходячий замок Хаула» «Небесный замок Лапута»
Также такие чудесные аниме как "Рыбка Поньо на утесе" и "Возвращение кота" не обошлись без его внимания. "Возвращение кота"- очень рекомендую посмотреть девочкам и девушкам, что- то тонкое есть в этом мультфильме, что словами трудно высказать. Так прочувствовать суть женского существа может не каждый, уж тем более не каждому мужчине дано понять женскую психологию, чего хочет женщина. Миязаки Хаяо это удалось. Это показано очень тонко и ненавязчиво, и этим ценно. Это и есть проявление того самого неповторимого стиля аниме Миязаки Хаяо.
Стиль аниме Миядзаки Хаяо
А теперь о рисовании аниме, как работал Миязаки над созданием своих детищ. Вот вам интересные ролики- как работал Миязаки. Как вообще идет дело над созданием классической аниме. Трудоемкая, кропотливая работа, но она того стоит. У кого не самый шустрый интернет, можно сначала дождаться загрузки видео, можно развернуть видео в полноэкранный режим. Итак, Миязаки начинает "рождение" аниме еще на бумаге, листочек за листочком, сам сюжет аниме, основные сцены событий, наброски движений персонажей и сами персонажи. Прорабатывается образ каждому персонажу, каждому учавствующему "лицу" в фильме. А дальше каждый листочек, каждый рисунок прорабатывается учеником- уточняется, подчищается, прорисовывается четче контур. Миязаки сам создает цветовые поиски, после идет кропотливая работа по подбору цвета пигментов красок. Это не первый ролик из серии создания аниме "Принцесса Мононоке", но от него вы сможете найти все остальные.
Или внизу каждого плеера есть значок Youtube, тыцнув по которому вы попадете на страницу его. Что- бы понять сам процесс создания классической аниме, наверное, нужно вникнуть в саму суть процесса. И ничего страшного, что озвучка японская.
Наверное вам известен клип Your Mark & Castles in the Air, созданный Миязаки для популярнейшего в Японии, вот уже три десятилетия, дуэта GHAGE & ASKA? Если кто не знает еще, то очень просто вводим фразу "On Your Mark скачать" или еще лучше- "короткометражки студии Ghibli скачать " в поисковик и смотрим результат. Нас интересует не сам клип, а работа Миязаки над его созданием, а именно- в чем проявляется стиль исполнения аниме Миязаки Хаяо. Там можно более детально увидеть- как он рисует. Это естественно важно. И, повторюсь, пусть сам он сейчас уже практически не работает, самостоятельно не создает аниме, но еще учит и корректирует работу своих учеников. Для ознакомления вы можете скачать на свой компьютер эти файлы и просмотреть их самостоятельно. Весь материал посмотреть стоит, но более всего нас интересуют эти два видео- файла:
1) 03a - On Your Mark Storyboard (готовый клип)- это смотрите в первую очередь, что- бы иметь представление о чем идет речь
2) 03a - On Your Mark Storyboard (рабочие рисунки Миязаки к нему)- после это.
Посмотрите внимательно, как рисовал Миязаки, как он работал карандашом, делал поисковые зарисовки, как формировал рисунок на листе, как компоновал сам кадр в листе. А еще посмотрите на то, как он работал красками. Посмотрите как легко он создает пейзажи.
Кстати, кто интересуется вопросом как рисовать одежду аниме для вас тоже найдется интересный файлик, в скачанном материале обратите внимание на файл Booklet 31-32 в папке Scans.
После того, как вы просмотрите, а может и поработаете немного карандашами и красками сами, советую посмотреть следующий ролик:
Это любительская работа художника SOICHIRO. Здесь я хочу заметить некоторую деталь- разницу. Вы чувствуете разницу?
Художник SOICHIRO работает на планшете, прорабатывает цветом используя компьютерную программу. Хоть и руководит планшетом живая рука человека, но разница довольно ощутимая. Это относится к графике. Всмотритесь в лица персонажей- также почувствуете отличие, потому- что два совершенно разных человека создадут два совершенно разных характера одному и тому- же персонажу. Ну а Миязаки работал по- старинке, простым карандашиком, на обычном листике бумаги или кальке. Как: старается компоновать рисунок в листе общими очертаниями, после прорабатывает детальнее. Он схватывает композиционно "кадр" и помещает в формат листа. Но за работу SOICHIRO и выложенный им хороший ролик, также, конечно, скажем- большое спасибо.
Стиль аниме Миязаки Хаяо
В сети встречаются замечания, например: все персонажи в различных фильмах аниме Миязаки похожи один на другой.В какой- то степени это так и есть. Но объяснить это можно тем, что у каждого художника вырабатывается в процессе свой определенный стиль исполнения, рисования персонажей. А итог- ВСЕГДА можно отличить работу Миязаки от какой- либо другой. Это его стиль рисования:
широко раскрытые, почти круглые глаза, напоминающие форму "яйцо". Деталей- складок в одежде персонажей, вычурных причесок- в работе совсем немного, больше проработаны- архитектура, внутреннее убранство, пейзажи, и такие любимые Миязаки- летательные аппараты и всякая подобная движущаяся техника. Наверное это обусловлено самим технологическим процессом, где персонажи находятся постоянно в движении и работу над детальной проработкой осуществлять достаточно сложно, тогда как вторые- третьи планы можно очень тщательно проработать.
И главным образом аниме больше проработано не за счет богатства рисунка самого персонажа, а за счет смыслового наполнения его и идеи самого фильма, и, конечно, невообразимой красоты акварелей. Я думаю, это все вместе и есть- стиль рисования аниме Миязаки Хаяо.
Возможно, в процессе создания готовой аниме используются не акварельные краски, а другие, какие- то специальные пигменты, технические приспособления, аэрографы. Но видя эти работы, мне они очень напоминают акварельные. Но может это и хорошо. Ведь не у каждого из нас есть возможность поработать в настоящей студии анимации и не у каждого есть возможность достать эти краски. Но ведь у нас есть акварель! Начало- то есть! Если начать учиться рисовать и писать несложные акварельки, немного взяв на вооружение знаний со страницы цветоведение, а самое главное- не бросить начатое, то в результате могут получаться вот такие работы:
Копируя работы Миязаки, этого мастера "непослушной краски", можно просто замечательно научиться писать акварелью. Для копирования такая аниме как "Ходячий замок Хаула" возможно и сложновата для начала, а вот аниме "Мой сосед Тоторо"- самый раз для начала подойдет. Если хотите, возьмите пока только эту пару аниме. Я о них говорю только потому, что для меня эти аниме самые любимые. У вас могут быть другие- берите своих любимчиков в обработку;). А фигуру человека, само тело- можно в заключение проработать и гуашью.
Стиль аниме Миязаки Хаяо
И в заключение... Иногда создатели знаменитых аниме кажутся нам очень далекими, практически недостижимыми. И очень хочется хоть на минутку заглянуть- а как они живут, какие они вообще- люди? Это такие- же как и мы, самые обычные люди, лишь живут в одном из дальних уголков нашей планеты, где, возможно, мы никогда не побываем. Каждодневным, кропотливым трудом, среди обыденности жизни эти люди творят кусочки прекрасного. Но, это такие- же люди, как и мы с вами:
Если есть замечания, вопросы, пожелания или советы- пишите. Ну а тема моего сайта- как научиться рисовать
paintmaster.ru
Главные темы в творчестве Хаяо Миядзаки — Look At Me
Порко Россо (1992)
Кризис среднего возраста, хрюши, пацифизм
Порко Россо — уникальная глава в фильмографии мультипликатора. В интервью Миядзаки неоднократно говорил, что сделал фильм для взрослых, позабывших о своих детских стремлениях: даже если жизнь не сложилась так, как ожидалось, и мечты юности не удалось реализовать, никогда не поздно быть верным тому, уже глубоко зарытому в возрастных проблемах, образу мысли.
Главный герой — ветеран Первой мировой Марко Паггот (также известный как Алый Свин), мужчина средних лет, который от гнетущего чувства вины трансформировался в человека-свинью. К счастью, никто этих метаморфоз не замечает или не придаёт им никакого значения. По окончании войны, Марко живёт в одиночестве, на острове, зарабатывая деньги охотой на воздушных пиратов (для государства). Во время одной из атак пиратов его самолёт сбивает американский ас Кертис. Для ремонта Порко обращается к авиамеханику Пикколо и знакомится с его внучкой Фио — инженером-авиастроителем, которая соглашается отремонтировать гидросамолёт для реванша.
Если семнадцатилетняя Фио вписывается в традиционный для Миядзаки образ молодой, сильной героини, то Марко — прямая противоположность типичного героя: он не сталкивается с неопределённым будущим, а не может вырваться из прошлого. Одолеть собственную вину ему необходимо так же сильно, как победить в дуэли Кертиса. Также здесь прослеживается очевидная линия «Красавицы и Чудовища» — между Марко и Фио. Возвращается и месседж против насилия и ограничения свободы других: события фильма происходят в антураже стремительно поднимающегося в Италии фашизма. Однако, несмотря на возвращение темы пацифизма, акцент с экологии полностью снят. Полёт помимо традиционной метафоры свободы здесь превращается в инструмент отчаянного эскапизма, и его атрибуты — самолёты, пилоты и воздушные битвы — занимают основное время.
www.lookatme.ru
За пригоршню иен
На прошлой неделе в российский ограниченный прокат вышла анимационная фэнтези-сказка Горо Миядзаки «Сказания Земноморья» – основанная на одноименном цикле романов Урсулы Ле Гуин.
Горо – сын и продолжатель дела знаменитого японского мультипликатора Хаяо Миядзаки, пожалуй, самого знаменитого в мире и в нашей стране режиссера аниме: его ленты «Унесенные призраками» и «Ходячий замок» – лауреаты многих престижных кинонаград мира – в свое время небезуспешно прокатывались в наших кинотеатрах, а сейчас достаточно прочно обосновались в программах российского телевидения. В ближайшем будущем в кинотеатрах России можно будет увидеть еще одну картину режиссера – уже ставшую классикой «Навсикаю из долины ветров».
Хаяо Миядзаки
О творчестве Хаяо Миядзаки и истории аниме в целом рассказывает Борис Иванов.
Когда кинокритик попадает на просмотр картины малознакомой кинематографии, ему бывает трудно определить истинное значение фильма. Является ли лента оригинальной, провокационной постановкой, раздвигающей границы допустимого? Или же ее авторы повторяют расхожие ходы, которым сто лет в обед? Новый ли это шаг для режиссера? Или же он уже не первый год штампует одинаковые ленты?
В наше время «белых пятен» на кинокарте остается все меньше, и хорошему критику нужно ориентироваться не только в Голливуде, ведущих европейских кинематографах и работах советских и российских режиссеров. Японские, китайские, корейские, иранские, индийские, тайские постановки – все они давно не загадочная экзотика, а полноправные участники кинопроцесса, активно участвующие в обмене идеями с западными лентами и получающие призы на известных фестивалях.
Большинство бывших «экзотических» кинематографий добираются до массового зрителя с помощью артхаусных прокатчиков и благодаря рекламе, которую этим картинам делают киногурманы. Но есть любопытное исключение. Японская анимация не первое десятилетие присутствует и на западном, и на советско-российском рынке, однако лишь в последние годы о ней начали активно писать профессиональные западные исследователи.
Причин этого две – снобизм и привычка к западной анимации, подавляющая часть которой живет в узком мирке детского и семейного кинематографа. По аналогии японская анимация тоже считается сугубо детской, а ее технологическое однообразие (преимущественно рисованная двухмерная анимация), ориентация на сериалы и сравнительная малобюджетность (особенно заметная во многих классических проектах) автоматически зачисляются в существенные недостатки и признаки вторичности. Чтобы заметить, насколько даже действительно детские японские сериалы вроде «Покемона» /Pokemon/ (1998-2002) отличаются от их западных аналогов, нужны внимание, незашоренность и время, которых критикам часто не хватает.
Совершенно игнорировать японскую анимацию стало невозможно лишь после того, как фильм Хаяо Миядзаки «Унесенные призраками» /Sen to Chihiro no kamikakushi/ (2001) сперва получил «Золотого медведя» на фестивале в Берлине, а затем заработал «Оскар» в номинации «Лучшая полнометражная анимация». Попутно он удостоился ряда немногим менее престижных наград и стал первым в истории кино проектом, который заработал более 200 миллионов долларов до выхода в американский прокат.
Кадр из аниме
Этот неоспоримый успех, а также привычка некоторых экспертов именовать режиссера «японским Диснеем» заставили многих считать, что Хаяо Миядзаки – «альфа и омега» японской анимации, единственное и неповторимое воплощение всего лучшего, что в ней есть.
Но так ли это? Чтобы разобраться, нужно поместить творчество, безусловно, великого режиссера в исторический контекст и посмотреть, чем занимались другие японские аниматоры в то время, когда Миядзаки творил свои шедевры.
Хаяо Миядзаки родился в Токио 5 января 1941 года. В то время японская анимация представляла собой если не печальное, то уж точно не величественное зрелище. Первые экспериментальные мультфильмы начали появляться в Японии в конце 1910-х, но вплоть до конца 1930-х их основными производителями являлись крошечные студии с одним-двумя ведущими художниками. Соответственно, такая анимация была графически и технологически примитивной, малобюджетной и малометражной. Основными источниками вдохновения для аниматоров были японские сказки и заметно более совершенные западные мультфильмы. Впрочем, уже тогда создавались фильмики для взрослых, базирующиеся на анекдотах и карикатурах.
В предвоенные годы власть в стране захватили милитаристы, которые с радостью финансировали всевозможную пропаганду. Перепал кусок бюджетного пирога и аниматорам, начавшим рисовать короткометражки о том, что кругом враги, и что Японская Империя нуждается в масштабных завоеваниях. Интересно, что противниками героев этих мультиков нередко были хорошо знакомые японцам американские анимационные персонажи вроде Микки Мауса и Морячка Попая.
Вершиной японской мультпропаганды – а заодно и высшим достижением всей довоенной и военной анимации – стали 37-минутный «Момотаро – морской орел» /Momotaro no umiwashi/ (1942) и 74-минутный «Момотаро – божественный моряк» /Momotaro umi no sninpei/ (1945). Оба фильма были поставлены признанным экспертом по детской пропаганде Мицуэ Сэо, и для их создания были собраны лучшие аниматоры. В этих картинах героические зверьки под командованием популярного сказочного героя Момотаро атаковали Перл-Харбор и штурмом брали Юго-Восточную Азию. Конечно, в то время на фронт ушли все мировые анимации, но показательно, что японские мультипликаторы смогли сделать нечто масштабное и выдающееся только под контролем правительства милитаристов.
Маленький Миядзаки к этим фильмам отношения не имел, но он тоже неплохо жил на государственные деньги. Его семья владела крупным заводом, который производил детали для боевых самолетов. Бизнес настолько процветал, что Миядзаки могли позволить себе частный автомобиль. Это была запредельная роскошь в воюющей стране, которая задыхалась от отсутствия нефти.
Первые годы жизни художника оказали огромное влияние на его творчество. Во-первых, он раз и навсегда полюбил полеты и летающую технику. Во-вторых, он раз и навсегда возненавидел войну – авианалеты, сирены, эвакуации, пожары, гибель знакомых… Наконец, Миядзаки рано понял, что такое социальная несправедливость. Это когда ваша семья может быстро и с комфортом уехать из горящего города, а соседи должны спасаться пешком, не имея возможности взять с собой даже самое необходимое.
Когда японских милитаристов сменили американские оккупанты, анимация в стране практически кончилось. Как и все остальное – Япония лежала в руинах. Процветали только кинотеатры, где шли американские фильмы, и торговцы комиксами. Страна остро нуждалась в дешевых развлечениях, и ее заполонили черно-белые «книжки с картинками», именуемые «манга». В XIX веке это слово придумал великий художник Хокусай, и изначально оно значило «смешные картинки, гротески». Со временем оно стало обозначать «комиксы». Манга была популярна и до войны, но именно в первые послевоенные годы ее издание стало набирать колоссальные обороты.
Одним из первых классиков новой манги стал молодой художник Осаму Тэдзука. Во время войны он мечтал о карьере аниматора, и когда стало ясно, что в разгромленной стране аниматоры не нужны, Тэдзука начал рисовать мангу с использованием киноприемов – крупных планов, разных точек зрения и так далее. Это, а также жанровое новаторство Тэдзуки (он рисовал сказки, научную фантастику, приключенческие вещи) сделало художника не только кумиром читателей, но и примером для подражания. Многие его ученики вскоре стали значимыми фигурами в мире манги.
Кроме американских фильмов, оккупационные власти крутили в кино диснеевские полнометражки, ранее до японцев не доходившие. Когда ситуация в стране немного улучшилась, стало ясно – для конкуренции с Диснеем нужно создавать крупные анимационные студии. Первую из них попытались учредить в 1946-м, но лишь десять лет спустя возникла по-настоящему значимая японская мультстудия – Toei Douga, подразделение ведущей кинокомпании Toei.
В 1958 году Toei Douga выпустила свой дебютный полнометражник – первый в истории страны полнометражный цветной мультфильм «Легенда о Белой Змее» /Hakuja den/. Картина режиссера Тайдзи Ябуситы была сделана в точности по диснеевским лекалам. Берем классическую сказку (в данном случае китайскую), дополняем традиционных персонажей забавными животными, вставляем приятную музыку, придумываем приключения… И вот вам семейный хит.
Одним из зрителей «Легенды» был 17-летний Хаяо Миядзаки. Фильм сразил его наповал. Он понял, что перед ним – его будущая профессия. Правда, было две загвоздки. Во-первых, Миядзаки в то время умел рисовать только самолеты и корабли. Именно поэтому он не пробовал свои силы в манге. Во-вторых, семья настаивала, чтобы юноша получил серьезную профессию, а не занимался ерундой. В результате Миядзаки сперва окончил престижный университет по специальностям «экономист» и «политолог», а затем поссорился с семьей и поступил на трехмесячные курсы студии Toei Douga.
Два воина
На дворе был 1963 год, и анимационная индустрия находилась на пороге бума. Продолжая свои опыты с мангой, Осаму Тэдзука начал пробовать силы в анимации. Сперва он сотрудничал с Toei Douga, а затем создал собственную студию Mushi. Ему нравилось делать полнометражные фильмы, но они его не устраивали. В них не вмещались сложные, многофигурные сюжеты из его комиксов. К тому же, кинотеатры были забиты американскими фильмами, с которыми было очень трудно конкурировать.
Поэтому Тэдзука решил сосредоточиться на ТВ-анимации. Пусть и сравнительно дешевой и простой, но зато позволяющей рассказывать длинные истории, которые уже тогда были типичны для манги (в отличие от более склонных к эпизодичности американских комиксов). В 1963 году студия Mushi начала выпускать сериал «Могучий Атом» /Tetsuwan Atom/ (1963-1964), основанный на одноименной «долгоиграющей» манге Тэдзуки. Эта манга представляла собой любопытную смесь «Пиноккио», роботехники Айзека Азимова и американских супергероических комиксов. Хотя составляющие сериала были вторичны, проект в целом в то время не имел аналогов ни в Японии, ни в США, ни, тем более, в СССР. Главным его достоинством были неоднозначные персонажи, духовно развивающиеся по ходу действия.
Пока Mushi и другие студии бурно осваивали телеэфир, Миядзаки трудился на низших анимационных должностях. Творчества там было мало, рутины – много, и художник начал подумывать об уходе из профессии. Но затем он увидел советскую «Снежную Королеву» (1957) Льва Атаманова, понял, какой красивой, серьезной и «недиснеевской» может быть анимация, и решил прорываться в студийные лидеры, чтобы продвигать «новый курс».
Поскольку в начальство Миядзаки пробиться не мог, он стал профсоюзным вожаком. Его заместителем и лучшим другом был Исао Такахата. Будучи на 6 лет старше Миядзаки, Такахата раньше пришел в Toei, и, из-за полного неумения рисовать, быстро продвинулся в режиссеры. В отличие от более восторженного Миядзаки, обожающего витать в облаках, Такахата был приземленным поклонником итальянских неореалистов. Но он также презирал несправедливость, и вместе они были достойными вождями студийного профсоюза, который добивался от боссов повышения зарплаты и большего участия молодых художников в принятии творческих решений.
Кадр из аниме
Руководству Toei не нужен был под боком рассадник социалистов (в университете Миядзаки подковался в марксизме), и молодым аниматорам бросили кость в виде полнометражного проекта «Принц Cевера» /Taiyo no oji: Horusu no daiboken/ (1968). «Юнцам» было предложено все сделать так, как они считают нужным. Такахата был назначен режиссером фильма, а Миядзаки стал одним из ведущих аниматоров. К тому времени у него уже была слава мастера интересных графических решений.
Работа над «Принцем» затянулась на три года. Фильм выбился из бюджета и графика, окончательно поссорил с начальством Такахату и его команду, но зато история о противостоянии простых людей и могучего Зла получилась совершенно не диснеевской, повествовательно сложной и вполне социалистической. И, для тогдашней японской анимации, технологически прорывной.
Чтобы добить «диссидентов», боссы студии выпустили «Принца» в прокат всего на 10 дней, обвинили Такахату в «провальных сборах» (хотя даже за этот срок фильм неплохо заработал) и понизили всех создателей ленты в должности. Миядзаки поучаствовал в создании еще нескольких картин Toei – в том числе известных в России фильмов «Кот в сапогах» /Nagagutsu o haita neko/ (1969) и «Летающий корабль-призрак» /Sora tobu yureisen/ (1969) – но ему было ясно, что карьеру на студии он не сделает. Поскольку у него уже была семья (в 1965-м он женился на художнице Акэми Ота), Миядзаки решил присоединиться к Такахате, который ушел из Toei и создал студию A Pro. Что же касается «Принца», то он стал первым в истории Японии культовом анимационным фильмом. Лента на ура шла в студенческих общежитиях бунтующей молодежи конца 1960-х.
Сплошное телевидение
Если в 1960-е полнометражное кино и телевидение в Японии ухитрялись сосуществовать, то 1970-е стали эпохой полной победы ТВ. По режиссерам вроде Акиры Куросавы это ударило очень больно, а вот аниматоры почти не пострадали. У них было очень много интересной работы над телепроектами.
Если полнометражное аниме, по заветам Диснея, ориентировалась на усредненную семейную публику, то сериалы нужно было делать в расчете на четко сегментированную аудиторию. Скажем, для мальчиков 10-14 лет, любящих научную фантастику. Или для девочек 8-12 лет, обожающих исторические романтические сюжеты. Эта сегментация сложилась в манге и легко перекочевала в анимацию, которую в те годы в Японии начали называть «аниме» (сокращение английского «animation»). Ранее господствовал термин «манга-эйга», то есть «кинокомиксы».
На нужды сегментации работало наличие большого числа художниц, занимающихся мангой. Когда Осаму Тэдзука начинал, он занимался и фантастикой, и мелодрамами, но, когда авторов стало много, мужчины сосредоточились на комиксах для мальчиков, а женщины – на комиксах для девочек. Японской культуре издавна свойственно четкое разделение женского и мужского (есть даже «мужской» и «женский» японский язык), так что в этом отношении манга и аниме следовали заветам старины.
Различия между мужским и женским масскультом не исчерпывались сюжетами. Для них были характерны разные графические стили, разные пропагандируемые ценности… И так далее, и тому подобное. В настоящее время, правда, многие вещи тяготеют к стилю «унисекс», но в 1970-е разделение на аниме для малышей, аниме для мальчиков и аниме для девочек прослеживалось достаточно четко.
Это жанровое и стилевое разнообразие позволяло творцам создавать более сложные и глубокие сюжеты, чем это было возможно в рамках семейной анимации. Так, уже в 1970-м режиссер Осаму Дэдзаки создал на студии Mushi сериал «Завтрашний Джо» /Ashita no Joe/ (1970-1971), рассказывающий драматичную историю парня из трущоб, который шаг за шагом движется к титулу чемпиона мира по боксу.
Кадр из аниме
Неизбежная для спортивного сюжета духоподъемная сказочность («Если будешь трудиться, успех придет!») сочеталась с реалистичным изображением японского дна и отнюдь не диснеевскими сценарными поворотами. Несколько важных персонажей по ходу действия погибали, а в финале умирал и сам Джо, одержавший свою главную победу, но несколько секунд не доживший до объявления решения судей. Когда пять лет спустя вышел голливудский «Рокки» /Rocky/ (1976), на японцев он большого впечатления не произвел, потому что у них уже было более драматичное аниме на ту же тему.
Наиболее типичными для мужских и женских аниме 1970-х были, соответственно, фантастические сериалы об огромных боевых роботах и сказочные сериалы о девочках-волшебницах. Родоначальником первых традиционно считается «Мазингер Зет» /Mazinger Z/ (1972-1974), вторых – «Ведьма Салли» /Mahoutsukai Sally/ (1966-1968). В первых речь шла о команде друзей, которые с помощью боевых машин сражаются с какими-либо злодеями. Вторые рассказывали о двойной жизни, которую ведет главная героиня – девочка, наделенная сверхъестественными способностями, но вынужденная их прятать. Первые учили мужеству, доблести, умению работать в команде. Вторые аллегорически осмысляли нарождающийся японский феминизм. Первые финансировали компании, производящие механические игрушки. Вторые – фирмы, делающие кукол.
Также в те годы были весьма популярны космические саги вроде «Космического крейсера Ямато» /Uchu senkan Yamato/ (1974-1975) и исторические мелодрамы. Например, «Кэнди-Кэнди» /Candy-Candy/ (1976-1979). Естественно, появлялись и комедийные, и спортивные, и мистические, и приключенческие аниме.
К числу последних относился популярный сериал «Люпен III» /Lupin III/ (1971-1972) студии Tokyo Movie Shinsha, в создании которого принимали участие Миядзаки и Такахата. Со студией A Pro у них ничего не вышло, и горе-бизнесмены продолжили работать «на дядю». Заодно они переквалифицировались в телевизионных аниматоров.
Работа над «Люпеном» оказалась для Миядзаки и Такахатой не слишком удачной. Исходный комикс, являющийся вольным продолжением книг Мориса Леблана о воре-джентльмене Арсене Люпене, уделял немало места сексуальному юмору. Японская цензура его вполне допускала и в манге, и в аниме (в определенных пределах, конечно), но Миядзаки считал, что детская анимация в таком юморе не нуждается. Поэтому он смягчал исходные приколы и делал упор на приключения внука Арсена Люпена, а не на его общение с женщинами.
Долго такая война с материалом продолжаться не могла, и партнеры переключились на более подходящий для них проект – цикл сериальных экранизаций европейской и американской детской литературной классики. Проект вела студия Zuiyo (позднее Nippon Animation), и в его рамках Миядзаки удалось за счет компании съездить в Швейцарию, Италию и Аргентину, чтобы позднее со знанием дела рисовать эти страны. К тому времени в биографии художника уже была экскурсия в Швецию – студия A Pro создавалась, чтобы экранизировать «Пеппи Длинныйчулок» Астрид Линдгрен. Переговоры с агентами писательницы провалились, но набросков Стокгольма Миядзаки сделал немало.
Кадр из аниме
Как правило, Миядзаки не брал на себя обязанности режиссера. Общее руководство он оставлял Такахате, а сам занимался сценариями и графикой. Поэтому первый проект Миядзаки-режиссера появился лишь в 1978 году. Это был сериал «Конан – мальчик из будущего» /Mirai shonen Conan/ (1978), формально основанный на книге американского фантаста Александра Кея, но фактически почти полностью придуманный Миядзаки. У Кея аниматор взял лишь несколько базовых идей.
В «Конане» впервые сошлись все темы, которые позднее воплотились в главных шедеврах Миядзаки. Экология, войны, политика, роботы, летательные аппараты, дети со сверхспособностями, удивительные приключения, необычные миры… Весь этот «ералаш» был столь удачно увязан и выстроен, что сериал стал первым аниме, которое показала национальная общественная телекомпания NHK. Единственной проблемой проекта была графика – фантазия Миядзаки уже не помещалась в прокрустово ложе бюджетной телеанимации.
Видео для отаку
1980-е для аниме начались с опережением хронологии – в 1979 году. Тогда произошло два события, истинное значение которых стало ясно лишь несколько лет спустя. Во-первых, Миядзаки выпустил свой первый режиссерский полнометражник «Люпен III: Замок Калиостро» /Lupin III: The Castle of Cagliostro/ (1979). Во-вторых, студия Sunrise и ученик Тэдзуки режиссер Ёсиюки Томино начали выпуск сериала «Мобильный воин ГАНДАМ» /Kido senshi Gundam/ (1979-1980).
Чем было примечательно возвращение Миядзаки к сериалу о Люпене III? Тем, что постановка «Замка Калиостро» вывела режиссера из тени. Ранее его имя было известно лишь профессионалам и зрителям, внимательно читающим титры. Но кинопродолжение ТВ-сериала оказалось столь удачным и популярным, что Миядзаки превратился в одного из тех творцов, чьи новые работы с нетерпением ждут. Режиссеру нужно было соответствовать ожиданиям и принимать принципиальное решение – продолжать ли карьеру ТВ-режиссера или возвращаться к созданию аниме для кинотеатров.
Выбор был непростым. Стайерский бег с меньшим бюджетом, но большим пространством для развития сюжета – или спринт с упрощенным сюжетом, но заметно большими затратами на каждый кадр. В итоге Миядзаки выбрал стометровку – ему надоело постоянно срезать углы и штамповать «дешевку». Аниматор победил рассказчика, хотя последний в накладе не остался. До сих пор Миядзаки не сделал ни одной картины с по-настоящему простым сюжетом. Каждую из его лент можно развернуть в эпос.
Кадр из аниме
Выход «ГАНДАМа» был более значительным событием. Томино объединил космическую сагу с эпопеей о гигантских роботах и проработал мельчайшие детали получившегося футуристического мира. В предшествующих сериалах о роботах боевые машины были уникальными экземплярами, подчас наделенными мистическими способностями. В «ГАНДАМе» чудес не было. На поле боя сражались серийные модели, и за каждым из главных героев стояла не полуабстрактная сила Зла или Добра, а космическая держава со всеми достоинствами и недостатками обычного государства. Соответственно, война в сериале была не борьбой всего хорошего против всего плохого, а масштабным политическим конфликтом, в котором у каждой стороны была своя правда.
Предшествующие сериалы о гигантских роботах можно было любить или не любить. «ГАНДАМ» дал новую степень духовной свободы. В его мире можно было жить – как живут поклонники Толкиена в мире «Властелина Колец». Можно было выбирать сторону конфликта, придумывать политические интриги и военные операции, зубрить вымышленные законы физики, обеспечивающие существование вселенной «ГАНДАМа»… И если вам не нравился главный герой сериала, можно было влюбиться в его противника – ничуть не менее обаятельного.
«ГАНДАМ» не случайно появился именно в 1979 году. В Японии выросло поколение старшеклассников и студентов, вся жизнь которых прошла под знаком аниме. Они не хотели расставаться с любимым хобби, но детские вещи их уже не устраивали. Аниме и манга должны были осваивать взрослую аудиторию, и они этим всерьез занялись. «ГАНДАМ» стал первой ласточкой. За ним последовал родственный по сути и духу сериал «Гиперпространственная крепость Макросс» /Cho jiku yosai Macross/ (1982-1983), в России известный по названию американского перевода – «Роботек».
Справедливости ради надо сказать, что «Макросс» был проще, чем «ГАНДАМ», поскольку изначально он проектировался как пародия на старшего товарища и лишь по ходу создания превратился в самостоятельное и сравнительно серьезное произведение. Его принципиально важной особенностью стало включение в мир аниме-индустрии новой японской «попсы» (j-pop) 1980-х. Именно поэтому одной из героинь сериала была певица.
Первые послевоенные десятилетия прошли для японской молодежи под знаком американопоклонства. Это касалось всего – от еды до одежды, от книг до фильмов. И, естественно, слушали молодые японцы преимущественно американскую музыку, обычно не понимая ее слов. Японская музыка, конечно, существовала, и в том же аниме она была широко представлена, но она считалась «некрутой», годной лишь для детей или слушателей в возрасте.
Однако в 1980-х начало распространяться караоке, где трудно петь песни на иностранном языке. У японской поп-музыки появился шанс. Она быстро освоила западные ритмы и породила систему «идолов» – смазливых юных исполнителей, которые хорошо смотрелись на концертах и в клипах, и от которых не требовалось большое вокальное мастерство. Ведь, чем сложнее песня, тем труднее ее повторить в караоке-баре. Героиня «Макросса» была вымышленным «идолом», но ее песни, записанные исполнительницей ее роли Мари Идзимой, занимали почетные места в хит-парадах. Так продажа саундтреков аниме стала неотъемлемой частью индустрии.
Популярность «Замка Калиостро», «ГАНДАМа», «Макросса» и других аниме начала 1980-х привела к тому, что из ранее существовавших клубов любителей научной фантастики стали выделяться объединения поклонников аниме и манги. Ребята шутливо называли друг друга «отаку» (это очень вежливое японское обращение, что-то вроде «ваша милость»), и вскоре слово получило новое значение – «фанат чего-либо». За пределами Японии слово «отаку» стало обозначать поклонников японского масскульта.
Среди прочих занятий отаку (от коллекционирования манги до шитья костюмов любимых героев) наибольшее значение имело создание «додзинси» – любительской манги, часто основанной на популярных произведениях, а потому непригодной для серьезной публикации из-за проблем с копирайтом. Для кого-то додзинси было всего лишь хобби, а кто-то с его помощью осваивал профессию художника комиксов и переходил в профессионалы. Ряды создателей манги начали расти как на дрожжах.
Кадр из аниме
Одним из них, как ни странно, стал Миядзаки. Как мы помним, в молодости он побоялся заниматься комиксами из-за неопытности в рисовании. В 1960-е и 1970-е у него были кое-какие манга-эксперименты, но серьезными их было назвать трудно. И вот Миядзаки решился. Прежде чем выпускать свой новый фильм, он счел нужным отработать его идеи на манге, в которую не надо было вкладывать миллионы иен.
В 1982-м в журнале «Animage» появилась первая часть комикса «Навсикая из Долины Ветров», а уже в 1983-м одноименный полнометражник был запущен в производство. Миядзаки был его сценаристом и режиссером, а Такахата – продюсером. Спонсировало проект издательство Tokuma Shoten, печатающее «Animage», а в качестве создателей анимации была выбрана компания Topcraft, ранее работавшая по заказам американцев. Она приглянулась Миядзаки тем, что трудилась над полнометражными лентами, а потому не привыкла экономить на анимации.
Когда год спустя «Навсикая из Долины Ветров» /Kaze no Tani no Nausicaa/ (1984) была завершена, режиссер был ей не слишком доволен. Он смог включить в сюжет лишь четверть задуманной манги, и от того финал был не столь логичен, как хотелось Миядзаки. Но даже в таком виде «Навсикая» стала повествовательным и художественным аниме-событием. Эпическая повесть о постапокалиптическом мире, сражающемся с ядовитыми растениями и животными-мутантами, вновь собрала все любимые темы Миядзаки (мы их уже перечисляли), но в куда более привлекательной упаковке, чем это было в «Конане».
Воодушевленные успехом фильма, Миядзаки, Такахата, Tokuma Shoten и Topcraft создали новую студию, которая получила название Ghibli. Это африканское слово означает «горячий ветер, дующий в пустыне Сахара». По замыслу основателей, Studio Ghibli должна была стать свежим ветром в мире японской анимации. Студия обязана была сосредоточиться на выпуске дорогостоящих полнометражников, режиссировать которые должны были попеременно Миядзаки и Такахата.
Впрочем, свежего ветра в аниме середины 1980-х хватало и без Studio Ghibli. Японию начала покорять видеотехника, и вместе с видеомагнитофонами в стране появилось аниме, созданное исключительно для продажи на кассетах и дисках (OVA – Original Video Animation). Теперь можно было выделять гораздо более узкие сегменты аудитории, чем при телевизионном программировании, и бить точно в цель. Например, в ярых поклонников фэнтези в европейском стиле, которое как раз вошло в моду благодаря голливудским лентам. В видеоанимации были возможны любые жанры – вплоть до порнографии и спорных графических экспериментов.
Пока видеоаниматоры осваивали киберпанк, фэнтези и порно с помощью, в частности, таких минисериалов, как «Кризис каждый день» /Bubblegum Crisis/ (1987-1991), «Летопись войн острова Лодосс» /Lodoss to senki/ (1990) и «Уроцукидодзи: легенда о Сверхдьяволе» / Chojin densetsu Urotsukidoji/ (1987-1989), создатели ТВ-аниме не сидели сложа руки. Они продолжали делать вещи в уже устоявшихся жанрах и совершенствовались в новых направлениях – вроде реалистичной студенческой мыльной оперы «Доходный дом Иккоку» /Maison Ikkoku/ (1986-1988).
Кадр из аниме
Первой работой Studio Ghibli стал «Небесный замок Лапута» /Tenkuu no Shiro Laputa/ (1986). В нем Миядзаки вновь собрал все свои любимые темы, но на сей раз сюжет был лучше продуман, а действие из будущего перенесено в вымышленный мир, напоминающий Землю 1920-х. Также сценарий «Лапуты» был менее эпическим, чем в «Навсикае», а потому лента получилась более душевной. А заодно более дорогой и красивой.
Через два года после «Лапуты» оба режиссера студии выпустили по фильму. Миядзаки сделал картину «Наш сосед Тоторо» /Tonari no Totoro/ (1988) – поэтичную сказку о знакомстве двух девочек с лесным духом. Заглавный герой получился столь обаятельным, что стал символом Ghibli. Такахата же создал ленту «Могила светлячков» /Hotaru no haka/ (1988) – поразительно грустную и пугающе реалистичную историю о попытке двух сирот выжить в послевоенной Японии. Фильмы были завершены одновременно, чтобы продаваться в комплекте. «Могила светлячков» была частью школьной программы, а «Тоторо» шел в нагрузку. В итоге он стал более популярным, потому что редкий критик (не говоря уже о простом зрителе) выдержит второй просмотр «Могилы».
Еще через год Миядзаки выпустил «Ведьмину службу доставки» /Majo no Takkyubin/ (1989) – свою версию аниме жанра «девочка-волшебница». Это был первый фильм Ghibli, который окупился непосредственно в прокате. Ранее ленты Миядзаки и Такахаты «отбивались» за счет продажи прав и выпуска разных сопутствующих товаров. Теперь же имя Миядзаки окончательно стало брендом, привлекающим публику, которая мечтает о качественном семейном аниме-развлечении.
Киноуспехи Миядзаки подвигли других аниматоров на создание полнометражных лент, но уже не для семейного просмотра. Так, Кацухиро Отомо прославился на весь мир, когда экранизировал свою киберпанковскую мангу «Акира» /Akira/ (1987). Лента производила впечатление своим техническим совершенством и трудно понимаемым сюжетом – режиссер впихнул в два часа многотомный комикс, отрезав по ходу сокращения несколько очень существенных фрагментов.
Еще одним знаковым полнометражным аниме конца 1980-х стали «Королевские космические силы – Крылья Хоннеамиз» /Oritsu uchugun – Honneamise no tsubasa/ (1987). Специально для ленты авторы до мелочей проработали вымышленный мир, в котором первый космонавт готовится к своему первому старту. Это была философская научная фантастика высокого повествовательного и технического полета. Тем неожиданней было то, что создателями проекта выступили вчерашние студенты и заядлые отаку из студии Gainax, начинавшие как продавцы товаров для фанатов аниме и создатели любительских анимационных короткометражек.
Психоанализ заказывали?
В начале 1990-х Япония была на пике экономического подъема. В конце предыдущего десятилетия в Голливуде снимали панические фильмы о том, как японцы скупают Америку и превращают ее в свой филиал. Но пузырь вскоре лопнул, и пострадала не только биржа, но и анимация, полностью зависящая от доходов зрителей и рекламодателей.
Некоторые популярные сериалы пришлось закрыть, кое-кто разорился, отдельные творцы переключились на поднимающийся рынок видеоигр, но в целом индустрия выдержала удар. Ведь это уже был не конгломерат «кустарей-одиночек с мотором» довоенных времен, а мощный синдикат из студий, вещательных компаний, издательских домов, продавцов видео, производителей сопутствующих товаров, организаторов концертов музыкантов, озвучивающих аниме… И так далее.
Кадр из аниме
Если в первую пятилетку истории Studio Ghibli основной творческий воз тащил Миядзаки, то за вторые пять лет он снял всего одну ленту – «Порко Россо» /Porco Rosso/ (1992), очаровательную фантастико-приключенческую историю о пилотах 1930-х. Напротив, Такахата отметился двумя лентами – ностальгической поэмой о детских грезах «Сочащиеся воспоминания» /Omohide poro-poro/ (1991) и, пожалуй, своим главным шедевром – «Войной тануки в эпоху Хэйсэй и Помпоко» /Heisei tanuki gassen pompoko/ (1994).
В «Войне» речь шла о енотовидных собаках (по-японски «тануки»), которые с помощью магии и всяческих хитростей пытались отстоять холмы, застраиваемые под новые кварталы Токио. Картина получилась исключительно многослойной. Тут и обычная для Ghibli экологическая мораль, и целая энциклопедия мифов и легенд, связанных с тануки, и явная пародия на социалистическое и националистическое движения послевоенной Японии. К сожалению, лента не так известна, как постановки Миядзаки и «Могила светлячков», поскольку многие сцены «Войны» требуют подробного комментария.
Нетипично для Ghibli углубленной в древность получилась и картина Миядзаки «Принцесса Мононоке» /Mononoke-hime/ (1997) – повесть о войне в средневековой Японии между лесными духами («мононоке» – это «злобный дух») и людьми-сталеварами. Как и в «Войне» и некогда в «Принце Севера», в «Принцессе» был заметный социалистический подтекст, хотя на сей раз объединившиеся люди были представлены отнюдь не как безупречные герои.
Режиссер надеялся, что «Принцесса» станет его финальным опусом перед уходом на пенсию. Но лента побила все кассовые рекорды в японском прокате, и Миядзаки пришлось остаться в профессии. К тому же, воспитать надежную, творческую смену у него не вышло. Слишком уж деспотичные из них с Такахатой получились начальники.
Что касается творчества других японских аниматоров в последнем десятилетии XX века, то из всех многообразия любопытнейших проектов стоит выделить три сериала и два полнометражника. Прежде всего, это «Сейлор Мун – Луна в матроске» /Bishojo senshi Sailor Moon/ (1992-1993), интересный уже тем, что для многих зрителей на Западе и в России этот сериал стал первым знакомством с традицией женского аниме. Поэтому он не вполне обоснованно занял большое место в сознании неяпонской публики. Хотя и его популярность в Японии, и новаторство в рамках жанра «девочки-волшебницы» трудно отрицать.
Во-вторых, нужно указать на почти что парные сериалы – «Евангелион» /Shin Seiki Evangelion/ (1995) для юношей и «Юная революционерка Утена» /Shoujo kakumei Utena/ (1997) для девушек. Оба смешали шаблоны нескольких популярных жанров и приправили винегрет лошадиными дозами психоанализа – попытками разобраться в подсознательных мотивациях персонажей. Получилось это настолько необычно и оригинально, что «Евангелион» породил целый жанр «психоаналитической фантастики».
Кадр из аниме
Из полнометражных фильмов отметим картину Мамору Осии «Призрак в доспехах» /Ghost in the Shell/ (1995) и ленту Сатоси Кона «Идеальная синева» /Perfect Blue/ (1997). Первый – шедевр киберпанка, ощутимо повлиявший на «Матрицу» /Matrix, The/ (1999). Второй – сочетание уже упомянутой психоаналитической аниме-традиции с триллером в стиле Хичкока. Разумеется, оба фильма – целиком и полностью взрослая анимация, которая детям попросту непонятна. Да и взрослым придется поломать голову над многими нюансами.
Трехмерный мир
Поскольку первое десятилетие нового века еще не завершилось, его пока рано анализировать. Однако уже очевидны некоторые аниме-тренды. Это интерес к компьютерной 3D-графике, расширение стилевого арсенала художников (за счет, например, американских хип-хоп дизайнов), продолжающееся расползание жанрового диапазона – преимущественно в направлении взрослого зрителя.
Итак, что мы сейчас имеем в Японии? Очень мощную, тесно взаимосвязанную аниме-индустрию с колоссальным разнообразием жанров и направлений – и красивую, но отгороженную от остального мира забором вселенную Миядзаки и Такахаты. Показательно, что Миядзаки не любит слова «аниме» (предпочитая старое «манга-эйга»), редко обсуждает творчество коллег, не задействует популярных актеров озвучания и продолжает работать над старой доброй семейной анимацией. Пусть и сделанной на принципиально ином уровне, чем то, что он рисовал в середине 1960-х.
К тому же, в двух его последних больших фильмах – «Унесенные призраками» /Sen to Chihiro no kamikakushi/ (2001) и «Ходячий замок» /Hauru no ugoku shiro/ (2004) – чувствуется творческая усталость. Обе картины сделаны на высочайшем техническом уровне, в обеих есть интересные идеи и сцены, но обеим недостает внятного финала. Впрочем, ничего удивительного – оба фильма сделаны как последняя работа перед пенсией, на которую режиссер никак не решается уйти.
Кадр из аниме
Такахата, в свою очередь, ничего не рисовал cо времен экспериментальной постановки «Наши соседи – семья Ямада» /Hohokekyo tonari no Yamada-kun/ (1999), хотя он и обещает, что в будущем может поставить еще пару лент. Но 72 года – не лучшее время для такого физически тяжелого труда, как режиссура аниме.
Кто же может их заменить у руля такого мощного творческого механизма, как Studio Ghibli? Сейчас на это, кажется, претендует сын режиссера Горо Миядзаки, который до последнего времени вовсе не занимался анимацией (если не считать руководства музеем Ghibli), но в прошлом году поставил «Сказания Земноморья» /Gedo senki/ (2006). Однако картина получилась, в лучшем случае, спорной.
В любом случае, хотелось бы, чтобы студия перешла к людям, которые поднимут ее еще на ступеньку вверх. А не будут просто эксплуатировать наследие двух режиссеров, которые вместе пережили столько эпох истории аниме.
www.film.ru
