Музей ЧерномырдинаОбнаружена утерянная картина Ван Гога. Картина ван
Обнаружена утерянная картина Ван Гога
Культура Картина кисти голландского художника-постимпрессиониста Винсента Ван Гога была недавно обнаружена после того, как долгие годы провела на заброшенном чердаке из-за того, что считалась подделкой.
Пару дней назад Музей Ван Гога в Амстердаме сообщил о том, что экспертиза подтвердила подлинность этого утерянного произведения искусства после тщательного анализа стиля, техники, краски, холста и темы работы, которая соответствует периоду расцвета карьеры художника.
Живой шедевр: картину Ван Гога воссоздали из растений
Это большая редкость, когда находят малоизвестные или неизвестные работы знаменитых художников.
"Новая" картина Ван Гога – промежуточная работа в его творчестве, произведение периода, который можно расценивать, как кульминацию достижений художника, периода, который он провел в городе Арль на юге Франции.
Ван Гог скончался в 1890 году в возрасте 37 лет, оставив после себя сотни картин. Обнаруженная картина под названием "Рассвет в Монмажур" датируется 1888 годом. Примерно в то же самое время художник пишет такие знаменитые свои картины, как "Подсолнухи", "Спальня", "Желтый дом".
Эксперты опровергают версию о самоубийстве Ван Гога
Найденная картина имеет размеры 93 на 73 сантиметра. Первоначально она входила в коллекцию Тео Ван Гога, брата художника, и была продала в 1901 году. Вскоре после этого она осела в руках норвежского коллекционера, который спрятал картину на чердаке после того, как ее посчитали подделкой, о чем рассказали служители музея на церемонии, посвященной открытию картины в Амстердаме.
В 1990-х годах картина была проверена, и ее подлинность не подтвердилась, но новая экспертиза и проверка исторических записей и материала картины позволили все же доказать, что работа принадлежит кисти Ван Гога. Существует множество стилистических и технических параллелей с другими работами художника, которые он написал летом 1888 года.
Ученым удалось найти реальные места, которые изображены на картине - это пейзаж с юга Франции недалеко от Арля с развалинами аббатства Монмажур на дальнем плане.
Новая картина также демонстрирует признаки изменения цветов, что характеризует работы Ван Гога последних лет. Яркие цвета многих его поздних картин, например, "Подсолнухов", становились грязно коричневыми. Недавние исследования показали, что потемнение красок связано с химическими реакциями, которые имеет место при попадании на желтую краску ультрафиолетовых лучей.
Ученые: Ван Гог не воспринимал цвета
Также в письмах Ван Гога были обнаружены два указания на эту работу, где он критически отзывался о картине и посчитал ее неудачной. Эта работа, по мнению самого художника, не имела большой ценности и принадлежала к серии экспериментальных картин, промежуточных его работ.
Картина появится в коллекции постоянной экспозиции в Музее Ван Гога, начиная с 24 сентября.
Картины Ван Гога: интересные факты
В прошлом году новые исследования позволили установить подлинность еще одной спорной картины - "Натюрморта с полевыми цветами", которая была нарисована поверх другой работы, изображающей двух полуодетых борцов.
Сразу две неизвестные картины Ван Гога найдены в Голландии
При жизни Ван Гог не особенно ценился современниками и сумел продать всего одну картину - "Красные виноградники в Арле". Ее он написал также, когда жил в Арле с февраля 1888 по май 1889 годы.
Самые знаменитые похищения картин
"Подсолнухи" – натюрморты с цветами, излюбленная тема Ван Гога. Натюрморты делятся на две группы: парижскую серию и серию из Арля. Первая включает несколько картин, изображающие лежащие подсолнухи. Во вторую серию включены целых семь однотипных картин, изображающих подсолнухи в вазе.
Подсолнухи, Парижская серия. Музей Креллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
Одна из них, пожалуй, самая необычная, была уничтожена во время Второй Мировой войны, остальные дошли до наших дней и хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру: в Амстердаме, Токио, Лондоне, Мюнхене и так далее.
Подсолнухи, серия из Арля. Уничтожена пожаром 6 августа 1945 года
"Портрет доктора Гаше" – одна из последних знаменитых работ Ван Гога, портрет лечащего врача художника. Картина была написана в июне 1890 года, примерно за месяц до смерти. Через 100 лет, в мае 1990 года она была продана на аукционе "Кристис" за 82,5 миллиона долларов японскому магнату, считаясь в последующие 15 лет самой дорогой картиной в мире. В 2011 году картина стоила уже 100 миллионов.
Самые абсурдные картины, проданные за миллионы долларов
Магнат сообщил том, что хотел бы, чтобы полотно было кремировано вместе с ним после смерти, чем вызвал немалый скандал. К счастью, этого не произошло. После смерти японца картина попала в международный инвестиционный форд, а затем в частную коллекцию.
Портрет доктора Гаше, 1890 год. Частная коллекция
Ван Гог оставил множество автопортретов, которые были написаны в основном в период с 1887 по 1889 годы. Первые портреты он начал рисовать еще 1886 году. Посчитано, что он нарисовал 37 своих портретов.
Автопортрет с обритой головой. Посвящается Полю Гогену. 1888 год, Фогг Арт Музеум, Кембридж
Портреты рисовались им обычно сериями по несколько штук сразу. Иногда он изображал себя перед мольбертом, иногда без него. Грустный, немного усталый взгляд всегда направлен на зрителя. Все картины отличаются по цветовой гамме и стилю. Иногда художник изображает себя без бороды, но чаще небритый.
На нескольких портретах он появляется с перевязанным ухом, а на одном с курительной трубкой во рту. Этот автопортрет был сделан после ссоры с Гогеном, когда художник в порыве безумия отрезал себе мочку уха.
Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой, 1889 год. Частная коллекция Ниархоса, Чикаго
Перевод: Денисова Н. Ю.
www.infoniac.ru
Творчество Ван Гога
Автопортрет Винсент Ван Гог (Van Gogh, 1853—1890) — голландский живописец. Родился в селе Зюндерт. Отец — сельский священник. Винсент работал продавцом в Лондоне, был проповедником в Бельгии, потом начал овладевать живописью. Очень недолго учился в антверпенской Академии художеств, в Гааге у Мауве, в Париже у Корлюна. Винсент Ван Гог считается постимпрессионистом. Некоторое время писал в манере Сера, Писсарро и Гогена. Винсент Ван Гог работал в Голландии, Париже, Арле, Сен-Реми и Овере. Наиболее известные картины: «Едоки картофеля», «Ботинки», «Арлезианка», «Красные виноградники в Арле», «Автопортрет с отрезанным ухом», «Ночное кафе», «Папаша Танги», «Стул Гогена», серия «Подсолнухи». Искусству Ван Гога присущие страстная эмоциональность, остродраматическое восприятие жизни, социальный протест ( 1-й пол. 80-х гг.). С 1888 года Винсент Ван Гог создавал трагические образы в болезненно-напряженной, предельно экспрессивной манере, построенной на контрастах цвета, порывистого ритма, на свободной динамике пастозного мазка ("Пейзаж в Овере после дождя", 1890, "Ночное кафе", 1888). Ван Гог
Почвой искусства Винсента Ван Гога была его родная Голландия, но только во Франции, в атмосфере революционных преобразований французской живописи конца прошлого века он стал одним из великих наряду с Полем Сезанном и Полем Гогеном мастеров постимпрессионизма. Уроженец северо-брабантской деревни Гроот Зюндерт, Винсент Ван Гога начал свою жизнь в искусстве в 16 лет продавцом картин в салонах фирмы Гупиль. Спустя семь лет он решает стать, подобно отцу, проповедником Библии. Мечта Винсента Ван Гога послужить самым обездоленным приводит его в расположенный на юге Бельгии шахтерский поселок Боринаж. Однако, столкнувшись здесь с безысходной нищетой и страданиями шахтеров (этих, по его словам, "людей из бездны") и с бездушием церковных властей, Винсент Ван Гог охладевает к миссионерской деятельности и навсегда порывает с официальной религией. Именно в Боринаже 27-летний Винсент Ван Гог окончательно осознает свое призвание художника, видя теперь свою миссию в том, чтобы служить народу с помощью искусства, отражающего его жизнь. С этого времени начинаются десять лет творчества, отпущенных ему судьбой. Годы, полные страданий (он вел полуголодное существование на деньги, присылаемые братом Тео, продолжавшем торговлю картинами в парижском отделении фирмы Гупиль, и почти единственной его моральной опорой была поддержка того же Тео) — но также радости, которую давало служение искусству. За исключением занятий в течение некоторого времени у голландского художника Мауве, Винсент Ван Гог не прошел академической выучки и сделал себя сам, стремясь к адекватному выражению своего чувства с помощью "непрестанного изучения натуры и сражения с ней". Темы его рисунков и картин голландского периода — образы природы, но прежде всего человек. Винсент пишет почти призрачных ткачей в их станках-клетках, главные же его герои — крестьяне. "Фигура крестьянина за работой — только она и есть подлинно современная фигура, душа современного мира, душа современного искусства" — в этих словах из письма к Тео — тогдашнее кредо Винсента Ван Гога, от которого он не отречется и впоследствии. Итогом голландского периода стала написанная в Нюэнене картина "Едоки картофеля" (1885, Амстердам, В. Ван Гога). Ван Гог выступил продолжателем своего кумира Милле, но, в отличие от произведений последнего, в полотне голландца есть "нечто грубое и дерзкое" — это подлинно "крестьянская картина". Как все картины голландского периода, "Едоки" написаны в темной гамме, как бы "той самой землей, которую крестьяне засевают". В то время художник, по его словам, больше, чем цветом, интересовался проблемами формы. Однако за приглушенными сероватыми и охристыми тонами была скрыта насыщенная цветовая основа, которой вскоре будет суждено вырваться наружу. Уже в этот период Винсент Ван Гог ощущает в себе "пробуждение нового, более острого чувства цвета и необходимость переворота в методе". Вместе с тем он чувствовал и невозможность оставаться в конце века, неуклонно разрушающего патриархальные устои, исключительно крестьянским живописцем. Эта жажда нового и побудила его отправиться в 1886 году в Париж, где он сближается с импрессионистами, углубленно изучает теорию цвета Делакруа, увлекается плоскостной японской гравюрой и фактурной живописью Монтичелли. Он пишет в это время по преимуществу полные света импрессионистические картины (букеты, виды Монмартра и окрестностей Парижа, портреты) с раздельными мазками или пятнами чистого, интенсивного цвета. Как и полотна других импрессионистов, они являли в основном зрительное "впечатление" от действительности, но их отличала большая эмоциональность, цветовая и пластическая энергия — пока еще как бы растекающаяся по холсту... В феврале 1868 года Винсент Ван Гог уезжает в Арль. Его побудило к этому стремление вернуться к земле и к тем, кто трудится на ней, вновь ощутить бесконечность природы, а также выразить в живописи ту полноту жизненных сил, которая присуща именно югу. В Арле Винсент Ван Гог, не порывая связей с предыдущим творчеством, полностью реализует себя и находит свой законченный и неповторимый стиль. В то время как Сезанн, его главный антипод в постимпрессионизме, медленно и углубленно постигал натуру, Винсент проникал в нее в едином порыве вдохновения и на предельном накале чувств, контролируемых разумом. Этим объясняется, в частности, необычайно большое количество живописных и графических работ, созданных им на протяжении короткой творческой жизни. После переезда в Прованс он передает не "впечатление" от реальности, но ее квинтэссенцию и переживание художником. Оставаясь всегда в пределах конкретного мотива, выражает через частное общее и через внешние черты сущность явления. Достигалось это с помощью открытых в парижский период выразительных возможностей автономного от натуры живописного языка. Прежде всего языка цвета, эмоциональное и символическое звучание которого Винсент осознал еще в Голландии (он писал тогда, что "в красках заложены скрытые созвучия и контрасты, которые... иначе, чем для выражения настроения, нельзя использовать"), но также волевых, упрощающих форму контуров, динамичных мазков, подчиненных единому ритму, пастозной фактуры, являющей вещественность мира. Увлеченный красотой Прованса, художник пишет его весну, лето и осень, находя для каждого времени года свою цветопластическую формулу. Примером осеннего пейзажа могут служить знаменитые "Красные виноградники" 1888 года из собрания ГМИИ им. А.С.Пушкина (одна из двух картин, проданных при жизни художника). Как всегда, Ван Гог строит колорит на контрасте дополнительных цветов, обогащая их гаммой теплых и холодных красок; резкие черные контуры фигур образуют как бы каркас композиции. Сцена уборки урожая трактована как целостный образ мира, в котором есть страсть и внутреннее напряжение, но также гармония и чувство счастья бытия. Солнце — главный "герой" арльских пейзажей, изблюбленный цвет Винсента Ван Гога в этот период — желтый, цвет солнца, зрелых хлебов и подсолнечников, ставших неотделимыми от самого имени художника. В свои пейзажи он постоянно включал фигурки крестьян, но в основном тема крестьянского труда воплощалась в возникших еще в Голландии под влиянием Милле образах сеятелей, которые теперь приобретают откровенно символический характер, олицетворяя созидание и веру в будущее. В многочисленных портретах конца 1880-х годов Ван Гога интересует духовная жизнь и индивидуальность человека, помещаемого им, независимо от конкретного антуража, как бы на фоне вечности. Таковы его автопортреты, полные порой исступленной духовности, воплощающие творческую волю и противостояние судьбе; образы простых людей, друзей художника ("Арлезианка", "Почтальон Рулен", "Зуав", "Колыбельная" и т. д.). Как и во всем творчестве Ван Гога, печаль, порой драматизм слиты здесь с чувством радости и красоты жизни, переданным с помощью ослепительных, зачастую почти лубочных, красочных сочетаний и орнаментальных узоров. В той же мере, в какой Ван Гог очеловечивал природу, он наделял человеческими чувствами и предметный мир. Стулья оказывались способными представительствовать за их владельцев; прославленное "Ночное кафе в Арле" написано, как "место, где можно сойти с ума, совершить преступление", как "жерло ада", в то время как "Спальня художника" с ее мажорными и гармоничными красками "наводит на мысль об отдыхе". В Арле Ван Гог попытался осуществить давнюю свою мечту об ассоциации художников, противостоящей хаосу индивидуалистической цивилизации. Однако попытка реализации этой мечты с помощью совместной работы с Гогеном кончилась трагично. Она привела к обострению подспудно развивавшейся психической болезни художника, обусловленной наследственностью и постоянным перенапряжением физических и духовных сил. Болезнь вынудила Ван Гога поступить в мае 1889 года в лечебницу Сен-Реми, где в промежутках между кризисами он сохранял всю присущую ему ясность ума и творческую активность. Из-за отсутствия моделей "натурой" ему нередко служили репродукции произведений известных художников, которые он "переводил" на собственный язык. Такова, например, "Прогулка заключенных" (1889, ГМИИ), сделанная по рисунку Доре. Хотя Ван Гог находился в Сен-Реми не на положении заключенного, созданный им образ во многом отражает его тогдашнее настроение. Фигурки бредущих по кругу людей напоминают автоматы и полны обреченной покорности; стены, замыкающие тюремный двор, закрывают небо, символизируя безысходность. Вместе с тем именно в Сен-Реми достигает высшей точки космичность видения художника и его любовь не только к земле, но и к небу. Наряду с оливами и кипарисами он пишет в это время ночные пейзажи, примером которых может служить "Звездная ночь" (1889, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Земля с устремленными к небу, подобно языкам пламени, кипарисами воспринимается здесь как планета. В небе же разыгрывается мистерия рождения миров из закрученных спиралями потоков космической энергии. Шары звезд кажутся ночными солнцами; в них как бы находит завершение сквозной для Ван Гога мотив "источника света", который начинался еще с керосиновой лампы "Едоков картофеля"... Последние два месяца своей полной странствий жизни Ван Гог провел в расположенной под Парижем деревушке Овер. "Пейзаж в Овере после дождя" (1890, ГМИИ) кажется промытым в своей чистоте и свежести. Там же художник пишет трагичный портрет доктора Гаше и "Стаю ворон над хлебным полем", где черные птицы выглядят вестниками смерти. В том же месяце, в котором была написана эта картина, Ван Гон во время приступа депрессии кончает жизнь самоубийством. "Будущая жизнь художника в его произведениях", — писал Ван Гог, как бы предчувствуя свою неслыханную посмертную славу и влияние на искусство 20 века. При этом он продолжает говорить с последующими поколениями не только своим творчеством, но и своим словом — уникальным по объему и богатству мыслей и чувств собранием писем, адресованных в основном к Тео. Н.Апчинская Статья из книги "Сто памятных дат. Художественный календарь на 1990 год". Галерея картин Винсента Ван Гога |
www.artcontext.info
Ван Гог * описания картин
Миндаль цветет очень ранней весной, и это нашло свое отражение в колорите этой пронзительной картины Ван Гога — краски проникнуты ветреной сыростью, но она спрятана за окном. Описание картины Ветка цветущего миндаля Винсента Ван Гога →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Нет, не то, — словно бы говорил себе Ван Гог. Эмоция — это фактура, краска, цвет, толщина мазка. Мир наступает, мир нападает. Экспансия мира — повсюду, она захватывает человека, который не может сопротивляться подавляющему влиянию окружающего. Повсюду страсти, кругом ужас: нечто бесчеловечное (или слишком человеческое?!) доминирует, гнетёт, одолевает. Если вы посещаете ночное кафе – это значит, что вы посещаете «место, где можно разориться, сойти с ума и совершить преступление». Так писал Ван Гог, так он думал, так он изображал. Описание картины Ночное кафе Винсента Ван Гога →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Картина Винсента Ван Гога из цикла натюрмортов с подсолнухами — яркая, жизнерадостная, насыщенная цветом и очень «плотно» скомпонованная — а вот когда мы поместим на сайт портрет Винсента работы Гогена, вы поймете, что здесь нет никакой надуманности, но художник просто сидел перед огромным букетом и пытался уместить его на холсте :) Описание картины Три подсолнуха в вазе Винсента Ван Гога →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Серо-зеленые деревья в левой стороне, люди и повозки среди красных-красных рядов виноградных лоз, залитая светом не то река, не то дорога справа — и Солнце. Узнаете? Красные виноградники в Арле, Винсент Ван Гог. Описание картины Красные виноградники в Арле Винсента Ван Гога →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
1001kartina.su
Картины Ван Гога
Говорят, что гений и безумство - это две стороны одной медали.
К сожалению, это утверждение напрямую связано с жизнью и творчеством великого
фламандского художника Винсента Ван Гога. До того как серьезно заняться живописью Ван Гогу пришлось
пройти сложный жизненный путь от комиссионера в художественно-торговой фирме в
Гааге, до проповедника в Бельгии, где защищая интересы шахтеров, он пришел к
конфликту с церковными властями.
Только к тридцати годам (1880 год) он начинает серьезно заниматься живописью и создаёт обширную серию картин и этюдов, выполненных в тёмных, сумрачных тонах, обрисовывающих тяжелую жизнь простых людей, уже и тогда болезненно - чутко воспринимая их страдания и подавленность.
В 1886-88 годах, проживая в Париже, Ван Гог оказывается покоренным живописью импрессионистов и одновременно увлекается четким рисунком японской графики. В этот период тёмная палитра красок уступает место сверканию чистых ярких тонов - голубых, золотисто-жёлтых и красных, а его мазок становится всё свободнее и динамичнее.
В следующий период своего творчества Ван Гог хочет соединить
в своих картинах острые и четкие линии японских гравюр и ясность импрессиониста
Сезанна, которым он восхищен. Кстати, последний не заметил художественного
таланта у великого фламандца. Постепенно художник отходит от
импрессионистической манеры своих парижских картин, а его палитра становится
все интенсивнее, формы упрощаются, цвет становится основой в его картинах и полотна
рождаются из клубков дрожащих, агрессивных линий. Он болезненно пытается
научиться цветом передавать и вызывать определенные эмоции. Может из одной
картины, которая понравилась ему вчера, сегодня создавать другую, п
рямо на этом
же полотне.
Так случилось и с его знаменитой «Лужайкой» (1887 год), где недавно заинтересовавшись картиной, группа ученых с помощью химического анализа обнаружила под его красками отлично написанный женский портрет неизвестной. Может быть это портрет дамы, ставшей причиной страшной ссоры его с великим французским импрессионистом Гогеном, которого он обожал и восхищался им. В порыве гнева и беспричинной ревности он набросился на Гогена с бритвой, желая отомстить ему, но в последний момент дружба взяла вверх. После этого он отрезал себе той же бритвой одно ухо и отправил его в письме своей возлюбленной. Вскоре Гоген в отчаянии покинул друга, побоявшись новых вспышек его помутившегося рассудка.
Ван Гогу очень нравилось работать ночью, поскольку он считал что ночь «более оживленна и более богата красками, чем день». В это время суток, он пишет такие шедевры, как «Терраса кафе ночью» (1888 год),) и написанную в последние месяцы его жизни «Звездную ночь» (1890 год), которая является ныне одной из самых любимых картин голливудской дивы Элизабет Тейлор.
Эта картина была куплена ею на аукционе Sotheby's более 40 лет назад почти за 260 тысяч долларов, а за время прошедшее с тех пор, стоимость произведения искусства выросла почти в 40 раз и ныне составляет примерно 10 миллионов долларов. В настоящий момент полотно украшает дом актрисы в Лос-Анджелесе.
Трагическим для Ван Гога стал май 1889 года, когда в Арль по его приглашению прибыл его друг Гоген. Попытка поработать вместе обернулась непониманием, перерастающим в яростные ссоры, в которых нездоровье Ван Гога стало очевидно, а далее его жизнь превратилась только в живопись и в лечение. В 37 лет Ван Гог покончил жизнь самоубийством.
При жизни, так много страдавший художник не был знаменит и
сумел продать всего одну картину, зато сейчас он стал одним из самых
востребованных художников, чьи полотна пользуются огромным спросом на мировых
а
укционах. Стоимость его картин растет день ото дня, поэтому инвестиции в
покупку его полотен стали очень выгодным делом.
Так картина Ван Гога «Мадам Жино», изображающая хозяйку парижского кафе, где художник проводил много времени, была продана на аукционе Christie`s израильскому миллионеру Сами Оферу за 40,3 миллиона долларов.
Судьба картин фламандского художника так же непредсказуема, как и вся его жизнь. Так произошло и с полотном «Пшеничные поля», которую он написал за две недели до того, как покончил жизнь самоубийством. Многие искусствоведы полагают, что это и есть самая последняя работа художника. Поэтому организаторы аукциона Sotheby`s ожидали повышенного интереса к этому лоту со стороны покупателей.
Однако устроителей торгов ждало горькое разочарование: при стартовой цене 20 миллионов долларов «Пшеничные поля» были проданы за 25 миллионов, хотя эксперты предсказывали, что они уйдут с молотка за 35 миллионов долларов минимум.
Картины великого художника имеют мистическую судьбу. Самое дорогое произведение Ван Гога «Портрет доктора Гаше» был куплен японским коллекционером за 82,5 миллиона долларов.
Картина стала настолько близка этому поклоннику Ван Гога, что по его завещанию после смерти коллекционера, портрет был погребен вместе с ним.
Все творчество Ван Гога отмечено экстатической одержимостью, предельно обострённой экспрессией цветовых сочетаний, ритма и фактуры, резкими сменами настроений от исступленного отчаяния до трепетного чувства просветления и умиротворённости. Может поэтому особая творческая одержимость Ван Гога. в искусстве постимпрессионизма мало кого может оставить равнодушными.
Лана Плотникова
Статьи по теме
www.luxemag.ru
Портрет четы Арнольфини (картина, ван Эйк, 1434)
«Портрет четы Арнольфини» (нидерл. Portret van Giovanni Arnolfini en zijn vrouw) — картина Яна ван Эйка.
Портрет был создан в Брюгге в 1434 году и с 1843 года находится в Лондонской национальной галерее. На нём изображены Джованни ди Николао Арнольфини и его жена, предположительно в их доме в Брюгге. Портрет является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи эпохи средневековья.
История портрета
Изначально название картины было неизвестно, только через сто лет оно всплыло из инвентарной книги: «Большой портрет Hernoult le Fin в комнате со своей женой».
Hernoult le Fin является французской формой итальянской фамилии Арнольфини. Арнольфини были большой купеческой и банкирской семьёй, имевшей в то время отделение в Брюгге.
Портрет Джованни Арнольфини работы ван Эйка, ок. 1435
Итальянец из Брюгге
Долгое время считалось, что на картине изображены Джованни ди Арриджо Арнольфини со своей женой Джованной Ченами, но в 1997 году было установлено, что они заключили брак в 1447 году, на 13 лет позже появления картины и спустя 6 лет после смерти ван Эйка. Сейчас считается, что на картине изображены двоюродный брат Джованни ди Арриджо — Джованни ди Николао Арнольфини со своей женой, имя которой неизвестно[1]. Джованни ди Николао Арнольфини был итальянским купцом из Лукки, жившим в Брюгге с 1419 года. Существует его портрет работы ван Эйка, позволяющий предположить, что он являлся другом художника.
Также некоторыми исследователями, в том числе и М.Андронниковой, было высказано предположение, что это автопортрет художника и его жены Маргрэт ван Эйк.
Описание картины
Полотно написано в 1434 году в Брюгге, в ту пору бывшим крупным торговом центром Северной Европы. Из России и Скандинавии привозились в него лес и меха, с Востока через Геную и Венецию шелк, ковры и пряности, из Испании и Португалии лимоны, инжир и апельсины. Брюгге был богатым местом,
 | известнейший город в мире, прославленный своими товарами и купцами в нем живущими |  |
Так писал о нём Филипп III Добрый, с 1419 по 1467 герцог Бургундии. Брюгге был главным портовым городом его герцогства.
Соединение рук и слова клятвы — свидетельство брачной церемонии
Супружеская пара, изображённая на полотне ван Эйка, богата. Это особенно заметно по одежде. Она — в платье, отороченном мехом горностая, с длинным шлейфом, который при ходьбе должен был кто-нибудь нести. Передвигаться в таком платье можно было лишь при соответствующем навыке, который был возможен только в аристократических кругах. Он — в мантии, отороченной, может быть, даже подбитой, норкой или соболем, по бокам с разрезом, что позволяло ему свободно двигаться, действовать. То, что этот человек не принадлежит к аристократии, видно по его деревянным башмакам. Господа, чтобы не испачкаться в уличной грязи, ездили верхом или в носилках.
Этот иностранный купец жил в Брюгге в аристократической роскоши, у него были восточные ковры, люстра, зеркало, верхняя часть окна его дома была остеклена, и на столе у него лежали дорогие апельсины. Однако комната по-городскому узка. Кровать доминирует в обстановке, как и обычно в городских покоях. Днём занавес на ней поднимался, и в комнате принимали гостей, сидя на кровати. Ночью занавес опускался, и возникало закрытое пространство, комната в комнате.
Мужчины носили цилиндрические шляпы чудовищных размеров
Её округлый живот, возможно, не является признаком беременности
Женщина бережно кладёт свою правую руку в левую руку мужчины. Это соприкосновение выглядит очень церемониально, художник изобразил его почти в центре картины, придавая, таким образом, ему особое значение. Оба стоят очень торжественно в окружающей их обыденной обстановке, шлейф платья у женщины аккуратно расправлен, а мужчина поднял правую руку для клятвы. Соединение рук и слова клятвы были во времена ван Эйка явным свидетельством происходящей брачной церемонии.
В XV веке ещё не нужно было присутствие священника и свидетелей, чтобы сочетаться законным браком. Это можно было сделать в любом месте, например, как здесь — в спальне. Обычно на следующий день супруги вместе шли в церковь, что являлось доказательством того, что они стали мужем и женой. Свидетели, которых мы видим в зеркале, нужны были, что было обычным явлением для хорошо обеспеченных людей, для заверения письменного брачного контракта.
Невеста на картине одета в роскошное праздничное платье. Белое подвенечное платье вошло в моду только с середины XIX века. По мнению некоторых исследователей, её округлый живот не является признаком беременности, а вместе с высоко перетянутой маленькой грудью отвечает представлениям об эталоне красоты в эпоху поздней готики[2]. Также количество материи, которое ей приходится носить, соответствует моде того времени.
В то же время положение руки женщины всё же допускает возможность того, что она беременна.
В то время в Европе господстовала бургундская мода, что связано с сильным политическим и культурным влиянием Бургундского герцогства. При бургундском дворе не только женская, но и мужская мода была экстравагантной. Мужчины носили тюрбаны и цилиндрические шляпы чудовищных размеров. Руки у жениха, так же как и у его невесты, белы и ухожены. Его узкие плечи указывают на то, что он не должен был своей физической силой добиваться высокого положения в обществе.
Символика
В зеркале видны потолочные балки, второе окно и две фигуры входящие в комнату
Зеркало
На оси симметрии картины находится зеркало, которое висит на задней стене комнаты. Десять медальонов с изображением страданий Христа украшают его раму. Зеркало в городском интерьере было необычным явлением во времена ван Эйка, обычно вместо него использовался полированный металл. Плоские зеркала были по карману только высшей аристократии и считались драгоценностью. Выпуклые зеркала были более доступны. По-французски они назывались «колдуньями», поскольку мистическим образом увеличивали угол обзора у наблюдателя. В зеркале, изображённом на картине, можно увидеть потолочные балки, второе окно и две фигуры людей, входящих в комнату. Особенно интересно расположение миниатюр, поскольку со стороны мужчины страсти христовы связаны с живыми людьми, а со стороны женщины — с мертвецами.
Пламя свечи означало всевидящего Христа — свидетеля брачного союза
Свеча
Люстра, висящая над головами жениха и невесты, сделана из металла — типично для Фландрии того времени. В ней горит только свеча над мужчиной, а над женщиной свеча погасла. Этот факт некоторые исследователи объясняют тем, что портрет супруги Арнольфини посмертен и она умерла в результате родов. Ещё один вариант символики: в средневековье во время брачных процессий впереди неслась одна большая горящая свеча, либо свеча торжественно предавалась женихом невесте. Пламя горящей свечи означало всевидящего Христа — свидетеля брачного союза. По этой причине присутствие свидетелей было необязательно.
 |  |
| Для современников ван Эйка сандалии и деревянные башмаки содержали указание на Ветхий Завет | |
Святая Маргарита
Под люстрой с правой стороны находится деревянная фигура святой Маргариты, поражающая дракона. Она считается покровительницей рожениц. Фигурка закреплена на спинке стула, стоящего у супружеского ложа. Возможно, это ещё одно доказательство беременности женщины. В то же время, возможно, это фигурка святой Марфы, покровительницы домохозяек — рядом с ней висит метёлочка.
Сандалии и деревянные башмаки
Для современников ван Эйка сандалии и деревянные башмаки содержали указание на Ветхий Завет:
| И сказал Бог: не подходи сюда; сними обувь твою с ног твоих, ибо место, на котором ты стоишь, есть земля святая | |
Когда жених и невеста совершали обряд бракосочетания, для них и простой пол комнаты был «святой землёй».
Собачка — символ благосостояния и супружеской верности
Собачка
Собачка считалась признаком благосостояния, а также символом верности[3]. На могилах того времени часто встречается лев, символ мужества и силы, в ногах у мужчин и собачка в ногах у женщин. Только от женщины, очевидно, ожидалась супружеская верность.
(лат. Johannes de eyck fuit hic 1434) — Ян ван Эйк был здесь Подпись художника
Особое значение для полотна имеет подпись художника, она стоит не как обычно — внизу, а на хорошо видном месте между люстрой и зеркалом. Также сама формулировка необычна. Вместо — «Ян ван Эйк сделал» (лат. Johannes de eyck fecit), то есть написал этот портрет, стоит — «Ян ван Эйк был здесь» (лат. Johannes de eyck fuit hic 1434). Эта формулировка как бы ставит печать на картину, превращая её в документ. Живописец подписывает свою работу не как автор, а как свидетель. Возможно, он изобразил в зеркале самого себя, в виде фигуры в тюрбане и синем одеянии, переступающим порог комнаты.
Апельсины
Апельсины, находящиеся на подоконнике и на табурете у окна, могут рассматриваться как знак плодовитости. Поскольку на языке многих народов Северной Европы апельсин буквально означает «яблоко из Китая» (напр. нидерл. Sinaasappel), то они символизируют чистоту и невинность, которая существовала в Эдемском саду до грехопадения человека[3]. в то же время, критики Пановски отмечают, что, возможно, апельсины просто свидетельствую о зажиточности супругов.
Апельсины символизируют чистоту и невинность
Расположение фигур
Расположение фигур предполагает предопределённые роли в супружестве — женщина стоит около постели, в глубине комнаты, символизируя тем самым роль хранительницы очага, в то время как мужчина стоит около открытого окна, символизируя принадлежность к внешнему миру. Джованни смотрит прямо на наблюдателя, а его жена смиренно склонила голову в его сторону.
Техника
Ян ван Эйк создал своё полотно с почти рефлектирующей поверхностью, используя тонкие прозрачные слои краски, положенные один поверх другого. Это фламандская манера многослойного письма, позволяющая достигнуть глубины и богатства цвета. Насыщенные сверкающие краски помогли художнику подчеркнуть реализм происходящего и показать богатство и материальное изобилие мира Арнольфини. Ван Эйк использовал преимущество того, что масло сохнет значительно дольше темперы, применив технику мокрого по мокрому. Он наносил новые слои краски на ещё не высохшую поверхность, чтобы достичь игры света и тени, создающей иллюзию трехмерного пространства на картине. Он также передал эффект прямого и рассеянного света, показав падающий из окна и рефлектирующий от различных поверхностей свет. Предполагается, что он использовал увеличительное стекло, для того чтобы изобразить мельчайшие детали, такие как блики на янтарных чётках, висящих рядом с зеркалом.
Интересные факты
Лето за окном
Жених и невеста облачены в тёплые одежды, несмотря на лето за окном — это видно по вишне, которая усыпана плодами.
Брак левой руки
Может быть, что брачный контракт был просто необходим в этом случае, так как очевидно, что речь идёт о «браке левой руки». Жених держит левой рукой руку своей невесты, а не правой, как того требует обычай. Такие браки заключались между неравными по социальному положению в обществе супругами и практиковались вплоть до середины XIX века. Обычно это была женщина, происходившая из низшего сословия. Она должна была отказаться от всех прав на наследство для себя и своих будущих детей, а взамен получала определённую сумму после смерти мужа. Как правило, брачный контракт выдавался на следующее утро после свадьбы, отсюда пошло название брака — морганатический от слова морген (нем. morgen - утро).
Собачка
Маленькая собачка на переднем плане — это предок брюссельского гриффона. Тогда нос гриффона ещё не имел современного укороченного вида.
Ниже приведена история владения этим полотном, его происхождение[1]:
- 1434 — этим годом сам ван Эйк датировал полотно.
- до 1516 — владельцем картины был Дон Диего де Гевара, испанский придворный. Он прожил большую часть жизни в Нидерландах и мог быть знаком с Арнольфини. В 1516 г. он подарил портрет Маргарите Австрийской, штатгальтеру Испанских Нидерландов.
- 1516 — запись о полотне появляется в инвентарной книге картин, принадлежащих Маргарите в бытность её в Мехелене.
- 1523—1524 — повторная запись в инвентарной книге.
- 1530 — полотно унаследовала племянница Маргариты Мария Австрийская, которая в 1556 году переехала в Испанию.
- 1558 — запись в инвентарной книге. Филипп II унаследовал полотно после смерти Марии Венгерской. Картина, изображающая двух его дочерей, копирует позы фигур на портрете ван Эйка.
- 1599 — Якоб Келвиц из Лейпцига видел картину во дворце Альказар в Мадриде. На раме была надпись из Овидия (лат. Promittas facito, quid enim promittere laedit? Pollicitis diues quilibet esse potest). Вероятно, Веласкесу было известно это полотно, оно могло повлиять на его картину «Менины».
- 1700 — запись в инвентарной книге после смерти Карла II: картина была всё ещё во дворце, со ставнями и версами из Овидия.
- 1794 — картина в Палацио Нуэво в Мадриде.
- 1816 — полотно в Лондоне, владелец полковник Джеймс Гей. По его утверждениям он был ранен в битве при Ватерлоо, а в Брюсселе, где он поправлялся после ранения, полотно висело в его комнате. Он буквально влюбился в него и упросил владельца продать ему картину.
- 1828 — Джеймс Гей отдал полотно другу, после чего не видел ни картину, ни друга в течение 13 лет, до тех пор пока полотно не было включено с его разрешения в экспозицию.
- 1841 — полотно вновь включено в экспозицию.
- 1842 — картина куплена только что основанной Лондонской национальной галереей за 600 фунтов.
Примечания
Ссылки
Wikimedia Foundation. 2010.
dic.academic.ru
