Музей ЧерномырдинаОткрытка (плейкаст) «Первое причастие». Картина первое причастие пикассо
Пабло Пикассо (Pablo Picasso) – шедевральный великий художник Испании
Голубой, розовый, африканский, кубизм, неоклассицизм, сюрреализм…
Пабло Пикассо (Pablo Picasso) – шедевральный великий и значимый художник Испании, основоположник кубизма, который оставил необъятное творческое наследие, да такое, что всех его работ не знает никто, даже его профессиональные биографы. Работоспособности Пикассо, можно только позавидовать: примерно, 80 тысяч работ, а по другим подсчетам (не включая рисунков, эскизов, керамических произведений и незавершенных работ) – около 20 000 экземпляров. По сей день на разных аукционах «всплывают» неизвестные, преимущественно небольшие работы Пикассо.
Его картины традиционно являются одними из самых дорогих на художественных аукционах. Напомним, что в 2008 году объем только официальных продаж его картин составил 262 млн. долларов. Так, картина Пабло Пикассо «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев», которую художник написал 8 марта 1932 года, продали 4 мая 2010 на аукционе «Кристис» в Нью-Йорке за 106 миллионов 482 тысячи 500 долларов США. Этот лот стал самым дорогим, из когда-либо проданных произведений искусства.
История жизни Пикассо – это великолепная сага, полная романтических переживаний, попыток и экспериментов, страхов и побед. Он познал тяготы бедности и соблазн богатства, выдержал испытание безызвестности и мировой славы, пережил ужасы войны и смог насладиться мирной жизнью в средиземноморской Франции. Прекрасные женщины вдохновляли его своей любовью, а он дарил им бессмертие на своих полотнах и в скульптурах. Пабло Пикассо – художник, который во многом предвосхитил будущее, на век вперед задал направление развития художественного мировоззрения.
Самые известные работы живописи Пикассо:
«Первое причастие» (La Primera Comunión) (1896)Полотно написано в реалистической манере – это влияние учителей юного мастера. Поражает детальное изображение фактуры ткани, незначительные детали, которые точно примечает художник, его недетское восприятие этого мира.Картина изображает сестру Пабло – Лолу, его отца и мать. Первое причастие – очень важный этап в жизни ребенка. К нему готовятся целый год. Весь трепет, волнение, важность происходящего выражается на лицах всех присутствующих.Таинство момента, его серьезность и важность – все это присутствует в сюжете картины. Перед зрителем – чистая душа, которая разговаривает с Богом, преклонив колени перед алтарем.
«Любительница абсента» (La buveuse d’absinthe) (1901)«Любительница абсента» – это одинокая посетительница кафе, пьющая напиток, который погружает человека в мир своеобразных фантазий и галлюцинаций, ведь на рубеже веков абсент стал своеобразным фетишем Парижа. Ему приписывались даже некоторые мистические и магические свойства, побуждающие к творчеству и новому восприятию мира.
«Арлекин и его подружка» (Arlequin et son compagnon) (1901)На картине развивается типичный для раннего Пикассо сюжет парижского кафе, в которых собирались циркачи и актеры и где их нанимали на работу. Полотно является одним из тех первых примеров обращения художника к ключевой для него теме судьбы творческой личности. Трагический образ бродячих артистов становится символом того нелегкого бремени, которое принимает человек, посвящая себя искусству и встречая в результате волну непонимания и насмешек.
«Две сестры» (Les deux soeurs) (1902)«Две сестры» – одно из первых полотен этого периода. В картине прослеживаются некие традиции средневекового искусства. Стилистика готики, ее строгость, пластика, одухотворенная выразительность форм присутствуют во многих картинах «голубого» периода. Пикассо ориентируется на Моралеси и Эль Греко – он созвучен с ними в искании психологической выразительности, острой экспрессии форм, символичности цвета, возвышенности образов.
«Жизнь» (La Vie) (1903)На одном из предваряющих «Жизнь» рисунков (цв. каранд., 1902 год), а их было именно четыре, первоначально изображается сам Пикассо, он стоит между голой женщиной и холстом, покоившемся на мольберте. Этот рисунок также называется «Адам и Ева». Некоторые эскизы показывают еще и художника, вошедшего в студию – две версии подготовительных рисунков 1903 года (перо, черн.). Пикассо и здесь опять действующее лицо, в первой версии (быстрый набросок) обнаженные мужчина и женщина находятся в мастерской живописца, рядом – мольберт и едва намеченная фигура художника. Мужчина легким предостерегающим жестом одной руки как бы зовет художника прислушаться, указывая другой рукой на небо. Своеобразное memento mori в память об умершем Касагемасе. Экспериментируя, Пикассо наделял героя будущей картины сходством то с умершим другом, то с самим собой. Во второй версии рисунка – сходство еще более подчеркнуто. Фигура художника позже будет заменена на женщину в темном одеянии с ребенком.
«Трагедия» (La Tragédie) (1903)«Трагедия» была написана в Барселоне в 1903 году. Пикассо убирает из композиции все лишнее и оставляет только то, что способствует раскрытию авторского замысла, передаче эмоционального состояния. В этой работе художник показывает сопереживание трагической жизни низших слоев общества. На картине изображены изнеможенные скорбью и страданием люди. Их движения замедлены, словно дают возможность вслушаться в себя. Они изгои, стоят на краю моря, олицетворяют потерю, тоску и одиночество. Синий цвет в этой картине создает своеобразное настроение.
«Семья комедиантов» (La famille de saltimbanques) (1905)Картина «Семья комедиантов» 1905 года, символизирующая перемещение Пикассо от одной фазы творчества к следующему. Значительные размеры полотна свидетельствуют о немалых инвестициях художника и это объясняет, почему он многократно использовал материал. Пикассо изменял ее 4 раза – добавлял персонажей, варьировал состав, внося некоторые дополнения, в том числе плечи женщины и ее шляпка, цвет балетных тапочек ребенка, появились как призрачные очертания только на финальной стадии работы. Обычно Пикассо датировал свои работы, но редко их называл. «Семья комедиантов» первоначально являлась безымянной, а уже потом название было дано исходя из содержания.
«Девочка на шаре» (Acrobate a la boule) (1905)«Девочка на шаре» – шедевр, основным посылом которого является противопоставление легкости, гибкости и устойчивости, массивности, констатация двух разных форм, непохожесть, «крайности» бытия. Это грация девочки-акробатки, и монолитность атлета, подвижность шара и устойчивость куба.
«Обнаженная, зеленые листья и бюст» (Nu au Plateau de Sculpteur) (1932)«Обнаженная, зеленые листья и бюст» считается важнейшим произведением искусства Пикассо в период между двумя мировыми войнами и бесспорно является одной из лучших картин 1932 года. Она была завершена к 8 марта во время пребывания любовников в Буажелу под Парижем, а в июне того же года была выставлена в галерее Жоржа Пети. Эта картина очень детальна, при этом объединяет и согласовывает затронутые Пикассо живописные идеи и эмоциональные темы. «Обнаженная, зеленые листья и бюст» несомненно является наиболее сложной и таинственной в серии работ с Марией-Терезой.
Работа как будто отражает напряженный и деликатный человеческий треугольник, который он создал в своей личной жизни. Можно возвращаться вновь и вновь к этой увлекательной картине, чтобы обдумать ее скрытое значения и отношения между многими ее частями. Образ мифической Дафны характеризует ее спокойную личность и естественную красоту. Кожа натурщицы внеземного лавандового оттенка, а руки положены под голову, зеркально отражая растения над ней. Пикассо представляет Марию-Терезу в роли благотворной и лелеянной музы, как богиню секса и желания, что возлежит перед ним в глубоком восторженном сне; ее тело доступно и покорно к прикосновениям, в то время как внутренний поток мыслей остается неуловимым и таинственным.
Он наблюдает за своей возлюбленной и защищает ее, одновременно подвергая необходимым жертвенным обрядам живописца – стремлению обладать и преобразовывать ее в искусство. Второй элемент полотна – изваяние Марии-Терезы в виде каменистого греческого бюста на стенде. В отличие от гладкости тела разоблаченной любовницы, бюст окрашен толстым слоем краски, имитируя текстуру штукатурки, и выглядит в качестве трехмерной статуи. Третий элемент – растение филодендрона. Оно расположено на заднем плане. но создается впечатление, что оно произрастает из плодородного и созревшего тела Марии-Терезы. Эта спящая женщина словно расширяется и раскрывается, как растущий цветок, в пределах упругого кокона ее кожи, а листья филодендрона растут из ее груди, словно она богиня королевства растений.
Складки занавеса на заднем фоне ограждают спящую от света нового дня – солнца в левом верхнем углу. Кроме того, занавес может демонстрировать предосторожности Пикассо, к которым он прибегал, чтобы скрыть Марию-Терезу от Ольги и от любопытства большинства, за исключением нескольких ближайших друзей. Темно-синий тон создает ночное окружение, в котором бюст набирает волшебных качеств парящего яркого лунного шара, а Мария-Тереза возникает словно дремлющая лунная дева. Возле локтя своей любовницы Пикассо изобразил тарелку с яблоками – символ искушения и первородного греха. На картине есть фигура, которая не очевидна с первого взгляда, но вскоре обнаруживается в виде темного профиля, между бюстом и листьями растения – выражает присутствие самого Пикассо рядом с возлюбленной.
Он наблюдает и охраняет свою спутницу, подчеркивая важность таинства их незаконных отношений. Фантомное присутствие художника символизирует то, что он держит под контролем свой объект любви. Энигма этой тени привязана к другому аспекту картины – к двум вертикальным черным полосам, которые проходят в области шеи и талии Марии-Терезы, то скрываясь, то выходя на первый план. Правая лента бежит вверх по обнаженному телу и затем закручивается вокруг бюста, объединяя таким аллегорическим образом жизнь и искусство в единое целое. Каждая полоса следует по своему курсу – та что справа формирует большую английскую «P», поскольку она создает петлю вокруг каменного изваяния; левая полоса кружится у закинутых рук и головы Марии-Терезы, создавая вторую «P».
Следовательно, в картине инвертируются оба инициала художника. Пальцы рук обнаженной модели размещены под головой, в них можно проследить курсив буквы «M», а «W» виднеется в половой расселине. Таким образом Пикассо наносит свои инициалы на ее тело, изображает господство над своей пассией и провозглашает о ее влиянии на искусство художника. Это подтверждают слова, которые произнес ей Пикассо в момент их первого столкновения 1927 года: «Вдвоем мы совершим великие дела!».
«Дора Маар с кошкой» (Dora Maar au chat) (1941)Портрет «Доры Маар с кошкой» – одним из самых необычных изображений возлюбленной Пикассо Доры Маар, которая в течение почти десяти лет была его музой, моделью и любовницей. Портрет написан в 1941 году в мастерской Пикассо на улице Великих Августинцев (Rue des Grands Augustins) в оккупированном немцами Париже, когда отношения между любовниками уже дали основательную трещину. Пикассо использовал этот исполненный в абстрактных формах портрет как средство выражения своих внутренних переживаний. Позже художник признался, что в период написания картины Дора стала для него «персонификацией войны».
Пикассо в своих многочисленных полотнах изображал Маар в основном враждебно – как меланхоличную и даже безумную женщину с искаженным лицом, неестественными глазами и дикими позами, – но портрет «Доры Маар с кошкой» считается наименее агрессивным ее представлением, в котором открывается самая загадочная и непростая любовница великого испанского гения.
«Автопортрет, 30 июня 1972» (Autoportrait, June 30, 1972) (1972)Эту работу также именуют «Лицом к смерти». Действительно, если бы не огромные полыхающие глаза, то из-за кожи, плотно обтягивающей лысую голову, художник был бы похож на существо, которое вот-вот поглотит смерть. Над портретом художник работал несколько месяцев. Когда Пикассо впервые показал его своему другу Пьеру Дэксу, тот был потрясен и не смог вымолвить ни слова. Во время следующего приезда Дэкс (где-то через три месяца) заметил изменения – черты лица Пикассо еще больше помрачнели, в глазах проступили отблески встречи со смертью.
Безусловно автопортрет изображает того же темноглазого Пикассо, которого мы видели в бесчисленном множестве других работ и фотографий, но на этот раз имеются значительные отличия. Уже нет дерзкой самоуверенности и даже всех намеков на то, что мы – зрители – находимся лицом к лицу с величайшим гением. Осталось лишь представление очень уязвимого и попросту смертного человека, полностью осведомленного в краткости человеческой – но больше всего в своей – жизни. Но здесь не найдется даже намека на страх, раболепие или элементарное желание уклониться от истины – как всегда Пикассо точно знал кем он был и что противопоставлено ему.
Пабло Пикассо был одновременно и «Создателем», и «Сокрушителем», своим искусством он намеревался «уничтожить Бога», но этот портрет показывает, что все закончилось уничтожением его самого.
www.spainhomes.es
 Выберите друга из социальной сети
| |||||||||||
www.playcast.ru
Сочинение-описание картины Пикассо «Первое причастие»
Пабло Пикассо никогда не считался набожным человеком или принимал излишне религиозную позицию, но несмотря на это, после поступления заказа на написание нескольких картин для женского монастыря, он выполнил их так, будто всю жизнь жил в монастыре, передавая всю энергетику на полотно. Для того чтобы написать картину «Первое причастие», мастеру понадобилось собрать у себя в мастерской большое количество церковных предметов интерьера, одежды и прочего инвентаря.
В итоге получилась картина, по своей сути, обладающей невероятной техникой и удивительно реалистичными красками. Причем стоит отметить, что именно с этой картины, мастер продолжил большую серию картин, на которую было потрачено большое количество лет из его жизни. Полотно очень одухотворено, а молодая девушка в белом кажется единственным чистым существом на картине.
Благодаря использованию теплых красок, картина кажется очень чистой и приятной. Картина потрясает своим качеством исполнения, белое одеяние девушки, кажется невесомым, оно полупрозрачно, что свидетельствует о легкости этой ткани, удивительно, как мастер сумел передать это. Все мельчайшие нюансы и подробности переданы идеально точно и четко, а ведь художнику на момент написания картины было всего лишь 15 лет.
Девушка, стоя на коленях, на стуле, читает молитву, позади нее можно наблюдать образы еще двух людей, по всей видимости, тот, что стоит ближе, ее родственник, скорее всего отец. Его взгляд сосредоточен и очень серьезен, поэтому можно судить, насколько для него сие действие является важным, даже в какой-то мере важнее, чем девушке. На картине виден и священник, судя по его возрасту, это скорей всего младший помощник, который расставляет свежие цветы, подсвечники, зажигает свечи.
Рекомендуем посмотреть:
- < Назад
- Вперёд >
www.shollklass.ru
