Музей ЧерномырдинаПикассо в Париже 1900-1907. Время течет картина пикассо
Портреты Пабло Пикасссо - Калейдоскоп
Руис Пабло Пикàссо (Picasso), (1881-1973), французский живописец. По происхождению испанец. Пикассо — изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Он создал более чем 20 тысяч работ.
Пабло Пикассо — не просто один из самых известных художников XX столетия. В его творчестве, как в зеркале, отразились почти все тенденции искусства новейшего времени.Пикассо родился 25 октября 1881 года на юге Испании, в Малаге. Его отец, Хосе Руис, происходил из старинного, но обедневшего рода, был учителем рисования и одновременно исполнял декоративные росписи интерьеров. Пикассо — фамилия матери, которая происходила из Италии, возможно, у нее были цыганские или иудейские корни.Первым, кто начал учить Пабло рисовать, был отец. Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он похож на Дон Кихота. С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков). Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев — Гойи, Хемингуэя.Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика; это было задание, на которое отводился месяц). Пикассо совершил три поездки в Париж и обосновался там в 1904 году.Стили французских художников-импрессионистов, особенно Дега и Тулуз-Лотрека оказали влияние на формирование творческой манеры Пикассо в этот период. «Синяя Комната» Пикассо отражает влияние этих художников и показывает эволюцию творчества Пикассо в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение нескольких лет. Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен». Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона.После произведений «голубого периода», картины «розового периода» представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»). В «розовых» работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами.Кубизм. В 1907 году Пикассо создает большое панно «Авиньонские девицы», персонажи которого, девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон, предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам. Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века.В 1907-1914 годах Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, он уделяет внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве. Перспектива исчезает, картины Пикассо зачастую сводятся к ребусам. Появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Художник использует кубистические приемы до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу»). «Портрет Амбруаза Воллара» (владельца галереи, коллекционера) выполнен в формах аналитического кубизма. Портрет был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара.Женитьба Пикассо на балерине Ольге Хохловой, успех художника в обществе — все это объясняет этот возврат к фигуративности, при этом Пикассо продолжает писать и кубистические натюрморты.Наряду с циклом великанш и купальщиц, многочисленные портреты жены и сына Поля являют собой одни из самых пленительных произведений, написанных художником.Контакты с сюрреализмом. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Мы попадаем в атмосферу конвульсий и истерии, в ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, создавало монстров, неких разорванных на части существ, раздутых до абсурда и бесформенных или воплощающих агрессивно-эротические образы.
Другие картины Пабло Пикассо:
Летом 1912 года Пикассо создает серию изображений музыкальных инструментов. В его творчестве происходят значительные перемены, которые приведут художника к следующему этапу кубизма — синтетическому кубизму. В музыкальных натюрмортах Пикассо заметно влияние Поля Сезанна. Художник разлагает музыкальные инструменты на отдельные составляющие элементы, показывает их зрителю одновременно с разных точек зрения. По замыслу автора, зритель сам должен проделать определенную аналитическую работу по воссозданию образа музыкального инструмента.Среди самых красивых ранних натюрмортов художника — небольшая овальная картина «Музыкальные инструменты». Ее декоративная форма, популярная во французском искусстве XVII и XVIII веков, обладает внутренней гармонией, которая придает ей еще большее изящество. В натюрморте Пикассо использует музыкальную метафору, согласно которой струнные инструменты являлись символом совершенства искусства. Кубистические формы натюрморта напоминают мандолину, лютню или гитару. Несомненно, что это живописная игра пародирует скучный диспут итальянских академиков о том, какое из искусств самое лучшее. Пикассо словно расширяет параметры этого спора. Живопись Пикассо как будто приобретает качества музыки.Художник стремится и к передаче фактуры дерева, из которого сделаны эти музыкальные инструменты. Отсюда пролегал прямой путь к искусству коллажа, широко используемого Пикассо в последующие периоды творчества.
Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем. Именно кровная связь со своей родиной — Испанией — дала ему возможность так остро почувствовать и так убедительно, яростно передать на полотне весь ужас трагедии 26 апреля 1937 года, когда в одну ночь фашисты уничтожили город Гернику в Стране Басков.В 1936 году Народный фронт дал Стране Басков автономию. Пришедший к власти Франко отменил ее. Город, в котором сохранились уникальные памятники старины, истории, город с двумя тысячами жителей в одну ночь был превращен в руины...Именно трагедия Герники стала темой грандиозного панно для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, которое заказало Пикассо республиканское правительство. Панно размером 3,5 метра в высоту и около 8 метров в длину художник исполнил за невероятно короткий срок — меньше чем за месяц. В начале июня панно, выставленное в Париже, получило мировую славу.«Герника» — это Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник. Это не только констатация страшной трагедии, но и предчувствие новых, которые принесет Вторая мировая война. Панно вытянуто в длину и построено как триптих. В центре его треугольник, вершиной которого является светильник. Композиция точна по архитектонике, которая на наших глазах рушится, превращается в ничто, в хаос. Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. А полнозвучие земных красок заменил строгой гаммой черного, серого и белого. Образы «Герники» напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Это сгусток боли и страданий. Пикассо, который досконально знал принципы изобразительных систем, использовал в «Гернике» и элементы линейной перспективы, и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей, и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты.«Герника» — пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры. Глядя на это панно, вспоминаются слова Поля Элюара: «Отчаяние раздувает огонь надежды».
Портрет Амбруаза Валлора, 1910, ГМИИ, Москва/ (Амбруаз Воллар — владелец галереи, коллекционер, знаток искусства,друг художников. Портрет выполнен в формах аналитического кубизма и был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара.)
alindomik.livejournal.com
Творчество Пикассо в послевоенный период. Поздние годы
С окончанием Второй мировой войны настроения мира и радости осветили жизнь художника и поселились на его картинах.
В 1946 году Пикассо получает заказ от княжеской семьи Гримальди на создание серии картин и панно для их замка в курортном городе Антибе. Вдохновленный Природой Средиземноморского побережья Франции, художник создает 27 прекрасных полотен, олицетворявших гармонию мира, где обитают обнаженные прекрасные нимфы и мифические сказочные создания – фавны и кентавры.
Вскоре Пабло Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило, которая впоследствии подарит художнику сына Клода и дочь Палому. Вместе с ней он уезжает из Парижа и поселяется на юге Франции, наслаждаясь солнцем, морем и пляжем и подлинной радостью жизни. Новой музе Пикассо посвящает свои произведения, наполненные настоящим средиземноморским духом и любовью к античности, пишет ее портреты («Портрет Франсуазы» (1946), «Женщина-цветок» (1946). Но Франсуаза не стала последней женщиной художника. В 1953 году сложный испанский характер Пабло, его постоянные измены заставили ее уйти от Пикассо. К расставанию художник отнесся болезненно, что не замедлило сказаться на его творчестве – частым гостем его картин становится старый седой карлик, комично смотрящийся рядом с молодой прекрасной девушкой.
Увлечение керамикой, вопросами ремесла и ручного труда в 1947 году приводят Пикассо на фабрику «Мадура», располагающуюся в небольшом городке Валлорисе на юге Франции. Здесь он пробует себя в качестве скульптора – создает декоративные тарелки и блюда, антропоморфные кувшины и анималистические статуэтки («Кентавр», 1958; «Коза», 1950; «Обезьяна с малышом», 1952). В Валлорисе и в настоящее время можно найти керамические мастерские, изготавливающие скульптуру в стиле великого мастера.
В 1949 году Пикассо создает произведение, принесшее художнику мировую славу. Знаменитый «Голубь мира» был написан для плаката Всемирного конгресса сторонников мира в Париже. Эта светлая птица должна была стать знаком надежды и веры в мирное будущее, стать символом света и добра, в противовес Минотавру, олицетворявшему в работах Пикассо зло и разрушительное начало.
Гуманистические воззрения художника, присущий им пацифизм нашел отражение в политической картине «Резня в Корее» (1951). Эта работа стала откликом художника на развязанные военные действия против мирных граждан во время столкновений между Северной и Южной Кореей в 1950-1953 гг.
Продолжением идей пацифизма стала роспись старой капеллы в Валлорисе, впоследствии названной им «Храмом мира». На стенах капеллы Пикассо с присущим ему мастерством изобразил аллегорические сюжеты на тему войны и мира.
В 1957 году художник, получивший к этому времени мировую известность и признание критиков, получает предложение на масштабную роспись стены в штаб-квартире ЮНЕСКО в Париже. Совместно с еще десятью именитыми живописцами, Пикассо приступил к работе, которая была завершена уже в январе 1958 года. Росписью были покрыты 40 деревянных панелей, общая площадь которых составила порядка 100 кв.м. Сюжет фрески, как и многих других своих произведений, Пикассо не раскрыл, была ясна лишь общая концепция – борьба сил добра и зла.
В 50-е года Пабло Пикассо вновь обращает внимание к наследию мастеров живописи ушедших эпох. Подражая в выборе сюжета таким признанным гениям, как Мане, Гойя, Веласкес, художник помещает персонажей их картин в мир кубизма, и уже по его законам создает свое творение. «Девушки на берегу Сены. По Курбе» (1950), «Алжирские женщины. По Делакруа» (1955), «Менины. По Веласкесу» (1957), «Завтрак на траве. По Мане» (1960).
Пережив расставание с Франсуазой Жило, в середине 50-х художник знакомится со второй своей будущей женой – Жаклин Рок. На момент их свадьбы в 1961 году Пикассо был уже пожилым 79-летним человеком, а Жаклин – молодой женщиной 27 лет. Для нее Пабло был божеством и обращалась она к нему не иначе, как «мой господин». Художник же в ответ посвятил ей больше своих картин, чем всем остальным своим любимым музам. Жаклин преданно ухаживала за Пикассо, когда он уже почти потерял слух и зрение, и оставалась рядом с ним до самого конца.
Великий, невероятно талантливый мастер ушел из жизни в возрасте 92 лет и по собственному распоряжению был похоронен у стен принадлежащего ему замка Вовенарг.
В отличие от многих своих коллег, уже при жизни Пикассо стал очень богатым человеком. Не всегда однозначный, но неизменно ошеломительный интерес к его работам, высокий спрос на них в рядах коллекционеров, позволили художнику не задумываться о деньгах, т.к. его состояние было огромным – на момент смерти оно оценивалось в 1 млрд. долларов.
Создавая картины, художник трудился самозабвенно, не жалея времени и сил, отдавая себя всецело лишь одной музе – искусству. И часа не могло пройти без создания хотя бы небольшой зарисовки или карандашного наброска. Результатом такой плодотворной работы стало неоценимое наследие мастера, которое бережно хранится в крупнейших музея мира – в Париже и Барселоне, в Малаге. За свою долгую творческую жизнь художник создал более 14 тысяч картин, 100 тысяч гравюр, порядка 34 тысяч иллюстраций к книгам, большое количество скульптурных композиций и бессчетное число карандашных рисунков.
На сегодняшний день интерес к творчеству Пикассо не угасает, напротив, в настоящее время ему принадлежит звание самого дорогого художника. Рекорд стоимости его картины «Сон», проданной в 2013 году за 155 млн. долларов, в 2015 был побит его же работой «Алжирские женщины. Версия О» — 179,4 млн. долларов.
Не просто художник, не только великий художник. Человек-легенда – лишь так можно в полной мере выразить значимость его творчества для развития искусства и культуры XX века и последующих столетий.
Картины Пикассо. Послевоенный период
Картины Пикассо. Поздние годы
picasso-picasso.ru
Пикассо в Париже 1900-1907: imic
| С 18 февраля по 29 мая 2011 в амстердамском музее Ван Гога проходила выставка «Пикассо в Париже». Она рассказывала о Пикассо с 1900 по 1907, о его приезде в Париж 19-летним юношей, о влиянии на него Гогена, Ван Гога, Тулуз-Лотрека, о богемной жизни Пикассо, его "Голубом" и "Розовом" периодах, вплоть до появления первых эскизов «Авиньонских девиц», когда он стал признанным лидером парижского авангарда. На выставке были собраны около 70 его ранних работ в основном из музея Пикассо в Барселоне, Метрополитен-музея и музея Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке, из центра Помпиду в Париже и из частных коллекций. Выставка отражает 4 периода пребывания Пикассо в Париже: 1. Открытие Парижа. Пикассо знакомится с работами Гогена, Ван Гога, Тулуз-Лотрека и Т.-А.Стейнлена. Кафе и кабаре Парижа и ночная жизнь Монмартра также производят огромное впечатление на Пикассо. |
Waiting (Margot), 1901. Museu Picasso, Barselona
| Картина "Ожидание (Марго)" написана в первый год пребывания Пикассо в Париже. Он использовал короткие штрихи и точки в стиле французских поинтилистов. |
Le Moulin de la Galette, 1900. Solomon R. Guggenheim Museum, New York
| «Мулен де ла Галет» (фр. Moulin de la Galette) — ветряная мельница, расположенная в верхней части района Монмартр в Париже. Одноимённый ресторан расположен немного ниже на холме.Пикассо наверняка знал картину Ренуара, написанную на 14 лет раньше. Но Пикассо хотел отразить волнующую и таинственную атмосферу этого кафе. У Пикассо люди на картине одеты более модно: женщины в меховых пальто, ярких платьях, с накрашенными губами, мужчины - в цилиндрах и смокингах, по контрасту с простой одеждой на картине Ренуара. Из-за этого атмосфера на картине Пикассо более вуайеристская, опасная и возбуждающая. Семейное кафе Ренуара превращается у Пикассо почти в «Мулен Руж» с проститутками и их партнерами-богачами. Таким образом, подход двух художников совершенно противоположный, и поэтому картину Пикассо считают антитезисом импрессионизма.Кстати, Тулуз-Лотрек чуть раньше Пикассо написал свою версию примерно в том же ракурсе, как у Ренуара. Только, в то время как картина Ренуара кажется "постановочным кадром", версия Тулуз-Лотрека выглядит более достоверной: |
| Но мне особенно понравилась картина Т.-А.Стейнлена «Поцелуй», которая тоже оказала влияние на Пикассо: |
На выставке также была и эта замечательная картина:
Pastel of Sadayakko, 1902. Collection Pieter C.W.M. Dreesman
А вот еще одна моя любимая картина Пикассо, "Синяя Комната".
The Blue room (Le tub), 1901. The Phillips Collection Washington DC
| На картине изображена комната Пикассо в доме на бульваре Клиши (de Clichy) и одна из позирующих ему моделей в процессе купания. На стене в "Синей Комнате" висит известный постер Тулуз-Лотрека с изображением танцовщицы кабаре Мэй Милтон (May Milton). Это говорит о том, какой тип искусства, и какие развлечения интересовали Пикассо в то время. На картине преобладают оттенки голубого и синего, что говорит об эволюции творчества Пикассо в "голубой период", во время которого эти цвета доминировали, а темы были связаны с нищетой и человеческими страданиями, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. 2. Пикассо - символист.Под влиянием Гогена и других символистов Пикассо меняет свой стиль. Меняется настроение картин, он пишет в это время заключенных женской тюрьмы Сент-Лазар. |
Picasso. Femme au bonnet.1901.
| Заключенные женщины, больные венерическими заболеваниями, обязаны были носить такие чепчики. |
Picasso. Homme et femme dans un cafe. 1903
| На картине "Печальная женщина", тоже, возможно, проститутка из тюрьмы Сент-Лазар изображена с монументальной серьёзностью и уважением, что напоминает демократические мотивы Ван Гога в портрете жены почтальона Мадам Рулин: |
| Начало "Голубого" периода обычно связывают с самоубийством друга Пикассо, Карлосом Касахемасом (Carlos Casagemas) - они вместе приехали в Париж, но Касахемас в феврале 1901 застрелился из-за несчастной любви к французской девушке. |
La mort de Casagemas (Casagemas dans son cercueil). 1901.
| "Касахемас в гробу" – дань памяти близкому другу, смерть которого глубоко потрясла Пикассо. Вместе приехав в Париж, они поселились с парой моделей в доме на Монмартре. Пикассо писал: "мы посвящали себя живописи, а они делали всю женскую работу: шили, убирали, целовали нас и позволяли себя ласкать. Да, это был, своего рода, Эдем или мифическая Аркадия". Темы "Голубого" периода во многом продиктованы влиянием на Пикассо художников-импрессионистов, особенно Дега и Тулуз-Лотрека.Кстати, я нашел очень интересную статью о параллелях в творчестве Дега и Пикассо, их манере живописи, а также темах и настроениях.Пикассо действительно как губка впитывал темы и приемы парижских художников того времени, и тут же реализовывал эти идеи в своих картинах. Он работал невероятно интенсивно, создавая по 3 картины в день! Успевая вести богемную жизнь, ходить на выставки, в кафе, в кабаре. 3. Богемная жизнь. В 1904 Пикассо переехал в студию в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар. (Кстати, в это время Пикассо подружился с Ван Донгеном, и в 1906 они жили в этом общежитии вместе.) Пикассо меняет темы и использует различные цвета. Благодаря общению с поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером, Пикассо заинтересовался темой цирка и бродячих артистов. |
| Hurdy-gurdy man and young harlequin, 1905. Kunsthaus Zurich
увеличить | The Family of Saltimbanques. 1905. Oil on canvas. The National Gallery of Art, Washington, DC, USA
увеличить |
| По заказу организаторов выставки танцевальная группа Dansgroep Amsterdam каждую пятницу показывала 20-минутное представление Nomade (Бродяга). Хореограф Krisztina de Châtel была вдохновлена "Розовым периодом" Пикассо, а именно его картинами о бродячих цирковых артистах. Но, как пишут критики, её хореография - практически буквальный и поэтому не очень интересный перевод работ Пикассо на язык танца. Я нашёл запись этого танцевально-акробатического номера на одном из голландских телеканалов. (Не знаю, как долго ролик там пролежит.) |
| 4. Новый стиль Пикассо. Студия Пикассо становится местом встреч артистов, писателей, коллекционеров и дилеров. Всех привлекает его яркая индивидуальность. На их глазах рождается новый стиль, изменивший направление развития искусства 20 века. |
Self-portret with a palette, 1906. Philadelphia. Museum of Art
| "Автопортрет с палитрой" - ключевая работа Пикассо, в которой он отбросил иллюзии реальности ради концентрации на чистой форме. С этого момента он вступает на путь неожиданных ракурсов: расчленения на части и последующей сборки человеческой фигуры, как, например, в картине "Обнаженная, расчесывающая волосы": |
Nude combing her hair, 1906. Kimbell Art Museum Fort Worth, Texas
| А сложный подготовительный эскиз «Авиньонских девиц» изображает фигуры и композицию сезанновских "Купальщиц" намеренно искаженными. Кстати, позже Пикассо отказался от мужчин на картине, чтобы акцентировать женские тела и позы. |
Пикассо - на пороге создания своего шедевра - «Авиньонских девиц»:
| Хотя, после этого, даже многие поклонники Пикассо отвернулись от него. Когда коллекционер Сергей Щукин, обладатель жемчужины "голубого" периода "Любительницы абсента", побывал в студии Пикассо, он сказал Матиссу: "Какая потеря для французского искусства!". Интересные ссылки: |
imic.livejournal.com
