Музей ЧерномырдинаТриумф Вакха (картина Веласкеса). Триумф картина
Триумф Галатеи. Описание картины Рафаэля Санти
Фреска «Триумф Галатеи» — одна из малочисленных росписей великого Рафаэля Санти на мифологическую тему, выполненная целиком лично самим живописцем. Ею украшен вход на римскую виллу одного из богатейших банкиров Италии в эпоху Ренессанса.
Согласно древнегреческому мифу, Галатея была прелестнейшей морской нимфой, влюбленной в сына лесного бога Пана – Акида-Ациса. Ее любовь была взаимной и влюбленный было очень счастливы, но вскоре их радость омрачилась тем, что страшный сицилийский циклоп Полифем влюбился в Галатею.
Полифем признался в любви и стал требовать от нимфы ответных чувств. Галатея отвергла его притязания и тогда разозленный ревнивый циклоп подстерег неосторожного Акида и убил его огромным камнем. Убитая горем Галатея была безутешна, но затем придумала необычный способ, чтобы оставить возлюбленного в мире живых подле себя.
Она превратила своего возлюбленного в прекрасную речку. Так двое влюбленных смогли остаться навсегда вместе и именно этот момент избрал великий Рафаэль для своей фрески.
Златоволосая нимфа одета в легкую пурпурную ткань, укутывающую ее тело. Она управляет скользящей по речной глади колесницей, запряженной двумя дельфинами, что больше напоминают двух хищных морских существ из царства Посейдона.
Колесницей для Галатеи послужила огромная раковина-колесница, подобная той, из которой входит на берег богиня красоты и любви Венера на картине другого итальянца – Сандро Ботичелли. Однако у Рафаэля это своеобразная повозка снабжена маленькими колесиками с лопастями, что должно способствовать более быстрому передвижению по воде.
Слева на полотне располагается могучий тритон – наполовину человек, а наполовину морское существо с хвостом и рыбьей чешуей. Это морское творение из мира морского бога сжимает в объятьях кокетливую морскую нимфу.
Позади них еще один тритон сидит на гиппокампе и трубит в огромную морскую раковину, возвещая о победе Галатеи над смертью. В правой части композиции расположены еще три фигуры, в которых воедино соединены черты человека, лошади и рыбы. Они также трубят в трубы, громко ликуют и прославляют победу нимфы.
Перед Галатеей, едва касаясь поверхности воды пролетает Амур. У него нет ни лука, ни стрел, но он указывает на двух хищных дельфинов. А в голубом небе, среди редких облаков, порхают еще три амура с луками и стрелами. Из-за туч выглядывает еще один крылатый бог. Они – как символы вечной неумирающей любви Галатеи и Алкида, любви несущей в мир счастье.
Окруженная морскими существами, Галатея смело правит колесницей, а выражение ее лица говорит о том, что она торжествует.
Автор сочинения: Ирина Шастова
Похожие записи
design-kmv.ru
ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ. "ТРИУМФ СМЕРТИ"
Это абсурд,вранье:Череп,скелет,коса."Смерть придет, у нееБудут твои глаза"
Нидерланды|Питер Брейгель Старший|(1525-1569)|"Триумф смерти"|(1562)|дерево,масло 117х162|Музей Прадо,Мадрид
Знаменитая картина Питера Брейгеля «Триумф смерти». Картина очень мрачная, может быть, самая мрачная из брейгелевских работ. Но, если вдуматься, то здесь запечатлены безусловно, недобрые символы, злые силы, всеобщее торжество смерти, некое ощущение глобального конца человечества – но здесь нет дьявольщины, которую мы можем увидеть в более ранних работах мастера.Скелеты правят бал. Вдруг как будто прервались какие-то законы, прорвалась какая-то ненадежная граница, отделяющая царство смерти от царства живых. Поднимается крышка огромного гроба, который сам по себе как бы является входом в потустороннее царство, и оттуда двигаются нескончаемые миллионы скелетов, с которыми пытаются вступить в сражение лишь отдельные люди, но исход уже предрешен заранее.Брейгель не придумывает этот сюжет. Еще готическое средневековье разработало довольно тщательно дифференцированную иконографию плясок смерти, триумфов смерти, искусства умирать. Это разные иконографические мотивы. «Пляски смерти» представляли собой обычно серии сюжетов, изображающих хоровод, где скелеты, судорожно подпрыгивая, увлекают в танце людей из самых разных слоев общества: императоров, кардиналов, купцов. «Триумфы смерти» – это именно картины, в которых чаще всего скелеты или смерть с косой в виде истлевшего трупа завладевает миром. Брейгель, используя многие иконографические мотивы, существовавшие в разрозненном виде, объединяет их в некое новое, чисто брейгелевское по пониманию сюжета, единство. У него смерть косит всех без разбора. Пожалуй, Брейгель первым внес в эти мотивы новый эмоциональный оттенок: смерть не только косит людей, но и издевается над ними – издевается своей внешней, кажущейся милосердностью. Человек убит или смертельно ранен, а она помогает ему поудобней умереть, улечься на землю. Вот король в короне, в алой мантии на горностаевом меху, в латах, которого смерть-скелет как-то бережно опускает на землю. Вот кардинал в широкополой шляпе, изображенный со спины. А рядом - простая горожанка, упавшая ниц; рядом с ней грудной ребенок, которого нюхает пес-скелет. Орудиями смерти являются не только скелеты людей, но и животных – скелет клячи, кое-где обтянутый кожей, везет черепа, а человеческий скелет выступает за возницу. Брейгель, как это часто бывает в его композициях, дает некий панорамный взгляд сверху, с высоты птичьего полета.Художник изображает и несколько попыток оказать сопротивление Смерти. Решительнее всех выступает высокий стройный человек в одежде ландскнехта, но его минуты сочтены. А в правом нижнем углу – компания, до которой эта волна гибели только-только докатывается. Здесь изображена музицирующая пара влюбленных, не чувствующая, что должно произойти в следующую минуту. На столе – разбросаны кости, шут лезет под стол, пытаясь спрятаться, один из игроков хватается за меч, но совершенно ясно, что весь этот наивный героизм обречен на провал. Когда рассматриваешь детали, то поражаешься одному обстоятельству: здесь сотни скелетов, сотни черепов. Ну что можно «выжать», так сказать, в художественном, образном отношении из черепа? Ведь все абсолютно однообразны. Но Брейгель изображает их в таких разворотах, в таких положениях, что эти черепа как бы приобретают мимику. Они кажутся то подмигивающими, то скалящимися, то улыбающимися какой-то дьявольской ухмылкой, то, наоборот, угрожающе смотрящими провалами своих глаз. Эти детали замечательно выполнены художником и свидетельствуют о его высочайшем мастерстве.Земля бесплодна и пуста. Вернее, здесь есть своего рода растительность, - земля «прорастает» виселицами, шестами с колесами наверху для колесования. Существовали разные формы колесования. Святую Екатерину Александрийскую, например, палачи распяли на двух зубчатых колесах, а потом начали их вращать. При такого рода колесовании зубцы впивались в человеческое тело, а вращение двух колес раздирало человека, кости ломались, суставы выходили из суставов. Другой тип колесования представляли своеобразные шесты с тележными колесами наверху, которые и изображает Брейгель. Приговоренных к казни распинали на этих больших колесах и, перебивая ему суставы, оставляли умирать. Подобная смерть растягивалась надолго и человеческие останки потом месяцами гнили на этих колесах.В «Триумфе Смерти» не может не привлечь внимания еще один момент: мертвецы собрали свое судилище, свой ареопаг. На высоком парапете, рядом с круглым зданием классической архитектуры, скелеты, облаченные в некое подобие белых тог, сгруппировавшись вокруг креста, предстают неким трибуналом. Для современного зрителя это просто еще один жутковатый момент. Но современники Брейгеля, тем более во Фландрии, которая была накануне религиозного взрыва, прекрасно узнавали в этой сцене намек на трибунал Святейшей инквизиции. Здесь нет черных ряс, здесь заседают мертвецы, но эта метафора более чем прозрачна. Но испанским религиозным цензорам было не к чему придраться: мотив, дозволенный в христианском мире, и, к тому же, довольно распространенный. Брейгель иногда умел создавать очень откровенные произведения с очень актуальным смыслом, скрытым под традиционными сюжетными мотивами.
В. Клеваев. «Лекции по истории искусства.Северное Возрождение.Питер Брейгель Старший».
manon-gabrielle.livejournal.com
Картина Веласкеса Триумф Вакха
ВЕЛАСКЕС
Веласкес. Триумф Вакха – «Пьяницы».
Картина написана, или, во всяком случае, закончена Веласкесом в 1629 году. В этой картине обнаруживается яркая творческая самостоятельность художника. Его замысел смел и необычен. Картина, написанная на мифологический сюжет совсем не похожа ни на произведения Рубенса с их бурной, чувственной стихией, ни на овеянные светлой поэзией вакханалии Николя Пуссена.
Веласкес изображает на фоне горного ландшафта пирушку испанских бродяг в компании античного бога Вакха. Бог вина и веселья здесь изображен как друг и помощник бедняков. Вакх венчает венком вставшего на колени солдата, который, вероятно, заслужил такую награду за такое пристрастие к выпивке. Полуобнаженный, как и его спутник сатир, бог сидит на бочке с вином скрестив ноги. Один из участников пирушкиподносит к губам волынку, чтобы ознаменовать музыкой этот шутливо-торжественный момент. Но даже хмель не может прогнать из их сознания мысль о тяжелых трудах и заботах. Но особенно обаятельно открытое и прямодушное лицо крестьянина в черной шляпе с чашей в руках. Его улыбка передана необычно живо и естественно. Она горит в глазах, озаряет все лицо, делает неподвижным его черты.
Обнаженные фигуры Вакха и сатира, написаны как и все прочие, с натуры, с крепких деревенских парней. Веласкес запечатлел здесь представителей социальных низов, передав правдиво и ярко и хвыразительный облик, огрубевшие под знойным солнцем лица, полные простодушного веселья, но в то же время отмеченные печатью сурового жизненного опыта. Но это же не просто пьяная пирушка: в картине есть ощущение вакхической стихии. Художника интересует не собственно мифологическая сторона домысла, а возникающая благодаря введению мифологических пресонажей атмосфера общей приподнятости образов, как бы приобщение к силам природы.
Художник находит такие формы характеристики, которые не разделяют «возвышенное» и «низменное». В его изображении Вакх – плотный юноша, с мирным простодушным лицом – приобрел чисто человеческие качества. В то же время, окружающие его бродяги, в облике которых он не скрывает черт низменности, лишены вульгарности. В их образах, исполненных удали, душевного размаха, грубоватого веселья, есть что-то крупное и значительное.
Колорит отличается теплыми тонами, стремление передать единство красочного многообразия мира. Переход (слева направо) от античности к реальности. Условный пейзажный фон, не связанный с фигурами первого плана.
mirznanii.com
Триумф Вакха (картина Веласкеса) — WiKi
«Триумф Вакха» — картина Диего Веласкеса, известная также под названием «Пьяницы». Считается одной из вершин его раннего периода[3]. Ныне хранится в музее Прадо.
Картина, изображающая попойку Вакха в окружении пьянчуг, была написана Веласкесом во время пребывания в Мадриде перед первым путешествием в Италию по заказу Филиппа IV, заплатившего автору за работу 100 дукатов[4]. На создание картины несомненно повлияло изучение Веласкесом королевской коллекции итальянской живописи, в частности, обильное использование в ней обнажённой натуры и мифологических сюжетов.
На картине Вакх изображён в человеческом обличье, восседающим в центре небольшой пирушки и выделяющимся среди собутыльников более светлой кожей. Примечательно, что кроме полуобнажённой фигуры слева от Вакха, прочие участники показаны в обычной одежде испанских бедняков XVII века. Вакх, считавшийся в барочной литературе аллегорией освобождения человека от рабства повседневной жизни, представлен божеством, вознаграждающим людей вином за их тяготы.
Композиция картины делится на две части. Слева доминирует светлая фигура Вакха, чья расслабленная поза вызывает реминисценции с Христом в сценах Страшного суда, также обычно изображавшимся сидящим и обнажённым до пояса. Вакх с персонажем слева показаны в традиционных свободных одеждах, типичных для картин на мифологические темы. Идеализация образа божества подчёркивается освещением его лица, выполненным в стиле классицизма[5]. Собутыльники Вакха справа, представленные обычными бродягами, приглашающими зрителя присоединиться к весёлой попойке, выполнены с испанским колоритом, живо напоминающим работы Хосе де Риберы. Их простые, потрёпанные жизнью лица показаны без всякой идеализации, и во всей группе выделяется лишь коленопреклонённый перед божеством юноша с мечом и в более приличной одежде. Свет Вакха не переходит на вторую половину картины, и его темнокожие спутники изображены с использованием светотени.
Реалистическая обработка мифологического сюжета, применённая Веласкесом в этой работе, впоследствии использовалась им неоднократно. На картине присутствует ряд элементов реализма, например бутылка и кувшин у ног божества, контрастирующие на фоне его яркого тела, что придаёт им рельефность и текстуру, создавая подобие натюрморта. Эта предметы имеют заметную схожесть с посудой на картинах севильского периода Веласкеса, и сочетание элементов натюрморта с жанровой живописью неоднократно появляется в его севильских бодегонах.
Тема триумфа Вакха часто встречается в живописи Возрождения. Самый известный вариант данной иконографии — «Вакх и Ариадна» Тициана (также из коллекции испанского короля). Обычно Вакх изображался на колеснице, запряженной леопардами, сопровождаемый свитой сатиров и гуляк, а также своим верным спутником Силеном, поэтому оригинальная трактовка темы Веласкесом может придавать названию картины ироничный характер.
Несомненным вдохновением для Веласкеса послужили работы Караваджо на религиозные темы, в которых центральная фигура в традиционном иконографическом одеянии комбинировалась со вспомогательными персонажами в современной художнику одежде, а также натуралистичные портреты персонажей из античности Хосе де Риберы, иногда изображаемые в образе бродяг[6]. Британский художник Марк Уоллингер считает, что «Триумф Вакха» предвосхитил «Менины», благодаря оригинальному использованию прямого взгляда персонажей на зрителя, делающего того соучастником происходящего действа.
ru-wiki.org
Триумф Вакха (картина Веласкеса) — Википедия РУ
«Триумф Вакха» — картина Диего Веласкеса, известная также под названием «Пьяницы». Считается одной из вершин его раннего периода[3]. Ныне хранится в музее Прадо.
Картина, изображающая попойку Вакха в окружении пьянчуг, была написана Веласкесом во время пребывания в Мадриде перед первым путешествием в Италию по заказу Филиппа IV, заплатившего автору за работу 100 дукатов[4]. На создание картины несомненно повлияло изучение Веласкесом королевской коллекции итальянской живописи, в частности, обильное использование в ней обнажённой натуры и мифологических сюжетов.
На картине Вакх изображён в человеческом обличье, восседающим в центре небольшой пирушки и выделяющимся среди собутыльников более светлой кожей. Примечательно, что кроме полуобнажённой фигуры слева от Вакха, прочие участники показаны в обычной одежде испанских бедняков XVII века. Вакх, считавшийся в барочной литературе аллегорией освобождения человека от рабства повседневной жизни, представлен божеством, вознаграждающим людей вином за их тяготы.
Композиция картины делится на две части. Слева доминирует светлая фигура Вакха, чья расслабленная поза вызывает реминисценции с Христом в сценах Страшного суда, также обычно изображавшимся сидящим и обнажённым до пояса. Вакх с персонажем слева показаны в традиционных свободных одеждах, типичных для картин на мифологические темы. Идеализация образа божества подчёркивается освещением его лица, выполненным в стиле классицизма[5]. Собутыльники Вакха справа, представленные обычными бродягами, приглашающими зрителя присоединиться к весёлой попойке, выполнены с испанским колоритом, живо напоминающим работы Хосе де Риберы. Их простые, потрёпанные жизнью лица показаны без всякой идеализации, и во всей группе выделяется лишь коленопреклонённый перед божеством юноша с мечом и в более приличной одежде. Свет Вакха не переходит на вторую половину картины, и его темнокожие спутники изображены с использованием светотени.
Реалистическая обработка мифологического сюжета, применённая Веласкесом в этой работе, впоследствии использовалась им неоднократно. На картине присутствует ряд элементов реализма, например бутылка и кувшин у ног божества, контрастирующие на фоне его яркого тела, что придаёт им рельефность и текстуру, создавая подобие натюрморта. Эта предметы имеют заметную схожесть с посудой на картинах севильского периода Веласкеса, и сочетание элементов натюрморта с жанровой живописью неоднократно появляется в его севильских бодегонах.
Тема триумфа Вакха часто встречается в живописи Возрождения. Самый известный вариант данной иконографии — «Вакх и Ариадна» Тициана (также из коллекции испанского короля). Обычно Вакх изображался на колеснице, запряженной леопардами, сопровождаемый свитой сатиров и гуляк, а также своим верным спутником Силеном, поэтому оригинальная трактовка темы Веласкесом может придавать названию картины ироничный характер.
Несомненным вдохновением для Веласкеса послужили работы Караваджо на религиозные темы, в которых центральная фигура в традиционном иконографическом одеянии комбинировалась со вспомогательными персонажами в современной художнику одежде, а также натуралистичные портреты персонажей из античности Хосе де Риберы, иногда изображаемые в образе бродяг[6]. Британский художник Марк Уоллингер считает, что «Триумф Вакха» предвосхитил «Менины», благодаря оригинальному использованию прямого взгляда персонажей на зрителя, делающего того соучастником происходящего действа.
http-wikipediya.ru
Описание картины Рафаэля Санти «Триумф Галатеи»
Рафаэль Санти – это один из самых известных живописцев Рима, который прославился на весь мир росписью ватиканских станиц. Эклектичный подход художника к работе, а также его критический склад ума привлекали горожан, и, поэтому, он никогда не сидел без работы. Не остался равнодушным к работам Рафаэля и страстный поклонник живописи, некий Агостино Чиги, который и заказал одну из самых знаменательных работ – «Триумф Галатеи». Агостино Чиги в 1510 году затеял строительство великолепного дворца Вилла Фарнезина, который оформляет с великолепной роскошью. Будучи знакомым с творчеством Рафаэля, Чиги просит живописца расписать стены внутри одного зала. Бытует мнение, что вдохновение для картины художник позаимствовал в поэме «Триумф Галатеи» греческого поэта и философа Феокрита. Известно, что Рафаэль был ярым поклонником античной эпохи. Некоторые детали картины явно имеют схожесть с работой Сандро Боттичелли «Рождение Венеры». Что касается техники моделирования работы, то она была одолжена у Микеланджело. Правда, дополненная собственными штрихами Рафаэля, которые не замечал авто техники. Сюжет картины одновременно прост и понятен: Полифем, потеряв рассудок от ревности и любви к Галатее, которая не разделяет его чувств, убивает ее возлюбленного, похоронив его тело под скалами. Обезумевшая от горя девушка превратила кровь своего любимого в быструю и прозрачную реку. И с тех самых пор Галатея считается покровительницей рек, морей, океанов и всех тех, кто как-то связан с водой. На картине Галатея изображена колеснице в виде раковины, запряженной дельфинами. Именно так Рафаэль увидел морскую богиню. Для дополнения композиции девушка была окружена мифическими существами, которые и задают настроение общего ликования и счастья. Обнаженные тела идеально подчеркнуты златистыми тонами, нежно голубым небом и синим морем.
opisanie-kartin.com
Триумф смерти (картина) — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
К:Картины 1562 года«Триумф смерти» – картина Питера Брейгеля Старшего, написанная около 1562 года.
Картина представляет собой панораму выжженной бесплодной земли, на которой армия скелетов сеет ужас, хаос и смерть, подвергая мирных жителей всевозможным пыткам. Обречённые в страхе разбегаются, кто-то пытается дать отпор, а кто-то просто играет на лютне, предпочитая не замечать происходящее. Скелет в центре картины верхом на коне яростно косит людей огромной косой, и обезумевший люд беспорядочной толпой стремится в убежище, которое оказывается огромной ловушкой в форме гроба. Все без разбора — от крестьянина до короля — становятся жертвами торжествующей смерти[1]. Мир гибнет под похоронный бой колоколов, раскачиваемых скелетами в верхнем левом углу картины.
Изобилие элементов на картине отражает многие аспекты повседневной жизни XVI столетия — от деталей одежды до популярных развлечений, таких как игральные карты и нарды. Брейгель изобразил различные музыкальные инструменты, старинные механические часы, сцену охоты и похоронный обряд, а также разнообразные казни — колесование, повешение, обезглавливание, и даже утопление с привязанным к шее жёрновом.
В «Триумфе смерти» Брейгель соединил две разные изобразительные традиции — привычную для него гравюру Северного Возрождения на тему Пляски смерти и итальянскую концепцию Триумфа смерти, которую он мог видеть на фресках Палаццо Склафани в Палермо и кладбище Кампо-Санто в Пизе[2].
Большинство искусствоведов сходятся во мнении, что в «Триумфе смерти», как и в других работах схожей тематики — «Безумной Грете» и «Падении мятежных ангелов» Брейгель выразил общественные настроения тревоги и неопределённости, царившие в суровой атмосфере Испанских Нидерландов накануне Нидерландской революции.
История картины прослеживается до 1614 года, когда она впервые достоверно упоминается в описи имущества Филипса ван Валкениссе из Антверпена. К 1745 году, сменив нескольких владельцев, картина оказывается в собственности Изабеллы Фарнезе. До 1827 года она остаётся во дворце Ла-Гранха, после чего передаётся в музей Прадо, где и хранится по сей день.
Примечания
- ↑ Woodward, Richard B.. Death Takes No Holiday (February 14, 2009). Проверено 22 декабря 2011.
- ↑ P. Thon, "Bruegel's Triumph of Death Reconsidered", Renaissance Quarterly Vol. 21, No. 3, Autumn, 1968.
wikipedia.green
