Музей ЧерномырдинаХудожник-модернист - представитель современного стиля. Модерн картины
Модерн. Творчество, живопись художников символизма, футуризма, фовизма
Модерн (франц. moderne – новейший, современный), стиль в европейском и американском искусстве конца 19 столетия – 1910-х годов. В стремлении преодолеть эклектизм художественной культуры девятнадцатого века мастера модерна использовали новые технические и конструктивные средства, свободную планировку для создания подчеркнуто индивидуализированных, необычных по облику зданий, все элементы которых подчинялись единому образно-символическому замыслу.
Фасады построек модерна обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих природные органические явления. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент характерных криволинейных очертаний, пронизанный экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композиционную структуру произведения. Для живописи модерна характерны сочетание "ковровых" орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или тонко нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью форм отличается скульптура модерна, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов – графика. Значительная часть художественных открытий и достижений модерна принадлежит искусству 20 века. В конце 19 столетия с зарождающимся стилем в той или иной мере были связаны архитектор Антонио Гауди в Испании, бельгийский архитектор В. Орта, живописцы и графики А. де Тулуз-Лотрек, П. Гоген, художники группы "Наби" во Франции, Э. Мунк в Норвегии, О. Бёрдсли в Великобритании, Ф. Валлоттон в Швейцарии.
Символизм (франц. symbolisme, от греч. symbolon – знак, символ), направление в художественной культуре Европы и США конца 19 – начала 20 века. В символизме, эстетические принципы которого восходили к идеям романтизма, к философии А. Шопегауэра, Э. Гартмана, Ф. Ницше, к творчеству композитора Р. Вагнера, универсальным инструментом познания тайн бытия и сознания полагался символ, порожденный поэтическим прозрением и выражающий эзотерический, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Не обладая собственной ярко выраженной стилистикой, символизм стал своего рода "идейным" движением, привлекавшим самых разных по манере мастеров. Воссоздание и толкование основных символических мотивов, таких как: "любовь", "смерть", "страдание", "ожидание" и т.п., с различных стилистических позиций воплощались в произведениях таких художников, как П. Пюви де Шаванн, Г. Моро, О. Редон во Франции, Ф. Ходлер и А. Бёклин в Швейцарии, Дж. Энсор и Ф. Ропс в Бельгии, Э. Мунк в Норвегии, М. Клингер и Ф. фон Штук в Германии; близко к символизму творчество П. Гогена и мастеров группы "Наби" во Франции, графика О. Бёрдсли в Великобритании, работы многих мастеров стиля модерн.
Модернистические течения 20 века. Значительное распространение в первое десятилетие 20 века получил ряд направлений, связанных с отходом буржуазной культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности, которая все более вызывала у многих художников страх и ненависть. Многочисленные калейдоскопически сменявшиеся течения объединяются понятиями «модернизм», «модернистические направления». Выступления художников-модернистов принимали форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов искусства. Однако в действительности в их лихорадочных исканиях чаще преобладали ошеломляющие зрителя узкоформальные «открытия», приводившие к всевластию субъективного, случайного или отвлечённо-рационалистического начала. По существу, деятельность этих художников представляла собой уход от основного реалистического и гуманистического пути развития мирового искусства. В этом была суть дела, а не в том временном конфликте с буржуазным потребителем искусства, который некоторые представители прогрессивной интеллигенции принимали за проявление революционности. Однако творчество таких больших мастеров, как, например, Матисс, Пикассо, Марке и другие, по существу, выходило за пределы программы этих направлений, иногда, как в случае с Марке, порывало с модернизмом. Стремление найти связь с жизнью, решить большие социальные проблемы порождало в их творчестве мучительные противоречия. Элементы реализма то в скрытом, то в явном виде пробивались в их искусстве сквозь различные деформирующие приемы передачи действительности.
Фовизм. Первым художественным течением в 20 веке, начавшим отход от принципов реализма, был фовизм (от французского слова «fauves», обозначающего зверей хищной породы. Это слово неточно было переведено термином «дикие», который привился в нашей литературе). Название «фовисты» дано художникам, выступившим в 1905 году против живописных методов и приемов импрессионизма, против ограниченности мещанских вкусов и натуралистического правдоподобия салопного искусства. Однако эти живописцы критиковали натурализм не с реалистических, а с формалистических позиций. Фовисты не имели общей эстетической программы, их объединяли декоративный характер живописных исканий, утверждение права художника на субъективное видение мира (исключение составляет Марке), уход от решения общественных проблем. Протест художников выразился в нарочитой остроте композиционных решений, в примитивизме форм, их пластической деформации, в отрицании линейной перспективы и иллюзорности, в цветовой экспрессии. В группу входили различные по своему творческому лицу художники: исполненный вечной мечты о гармонии мира Матисс, последовательный реалист поэт природы Марке, ставший после распада группы холодным рационалистом Дерен, отличающиеся повышенно экспрессивным восприятием мира Вламинк, острой гротескностью и трагизмом образов Руо. Фовизм лишь краткое время объединял художников. Каждый из участников группы пошел собственным путем, изменив творческие принципы и приемы.
Футуризм. Формой, откровенно далекой от реализма, был также возникший в 1909 году футуризм (от слова «футурум» — «будущее»), существовавший до 1930-х годов, эволюционируя частично к абстракционизму. В футуризме искажение и деформация образа реального мира носили характер субъективного произвола. Группировка художников - футуристов, выступивших в 1910 году, провозгласила своей целью разрушение старой культуры и воплощение в современном искусстве динамизма индустриальной эпохи и современных капиталистических больших городов. Футуристы фетишизировали машинную технику, противопоставляли машину человеку. Они стремились передать в живописи внутреннюю динамику предмета и перенасыщенность сознания современного человека множеством теснящих друг друга впечатлений. Главным фактором выражения современности они провозгласили время (четвертое измерение), ощущение которого пытались передать в картине с помощью раздробления и искажения зрительного образа реального мира в хаотической динамике ритмов, путем многократной фиксации повторных этапов движения тел в пространстве. Футуристы предвещали крах современного искусства, видели новое не в социальном переустройстве жизни общества, а в торжестве современного техницизма, подавляющего человека. Наиболее яркое выражение футуризм нашел в Италии в творчестве У. Боччони, Д. Северини, Д. Балла, К. Карра - авторов беспокойно-хаотичных композиций.
Справочные и биографические данные "Галереи живописи Планеты Small Bay" подготовлены на основе материалов "Истории зарубежного искусства" (ред. М.Т.Кузьминой, Н.Л.Мальцевой), "Художественной энциклопедии зарубежного классического искусства", "Большой Российской энциклопедии".
smallbay.ru
МОДЕРН (часть 1). Формирование стиля модерн в европейском искусстве
ФОРМИРОВАНИЕ СТИЛЯ МОДЕРН В ЕВРОПЕЙСКОМ ИСКУССТВЕИ ЕГО ХАРАКТЕРНЫЕ ОСОБЕННОСТИ(МОДЕРН. Часть 1)
В конце XIX века в Европе зародился новый художественный стиль - модерн (лат. modernus, франц. moderne - новый, современный). Знаменательной вехой в истории этого стиля, зародившегося в Бельгии, стало открытие в Париже - тогдашней столице изящных искусств и законодательнице моды, в 1895 году магазина-салона современного искусства с символическим названием "L`Art Nouveau" ("новое искусство"). Действительно, это оказалось новое искусство, существенным образом отличавшееся от всех предшествующих художественных стилей. С одной стороны, модерн стремился вобрать в себя все то, что уже было накоплено человечеством в сфере художественного творчества, а с другой - сказать совершенно новое слово в искусстве, выработать новые формы и образы, создать единый интернациональный стиль. С поставленными задачами модерн справился прекрасно. Он действительно обладал общностью художественного языка, единой системой выразительных средств и приемов.В основе нового художественного языка лежала линия - декоративная и динамичная, гибкая и подвижная, передающая энергию жизни. S-образная линия, заимствованная у колышущихся морских волн и водорослей, порхающих бабочек и стрекоз, тянущихся к свету стеблей и цветов лилии и ириса, развевающихся на ветру девичьих волос, определила одну из главных отличительных особенностей стиля модерн - его орнаментальность.
Дом и ателье Виктора Орта(Брюссель, 1902 г.):Текучая, плавная, непрерывная линия, напоминающая серпантин, заполняла фасады архитектурных сооружений, музыкальные формы, пространство картин или театральной сцены. Орнаментальное начало модерна объединило практически все виды искусства.
Одним из ярких представителей флорального модерна стал французский архитектор Эктор Гимар (1867 - 1942), создавший свой особый, так называемый стиль Гимара, или "стиль метро", в архитектуре. Его отличали изысканность вьющихся и изогнутых форм, сложная узорность, асимметрия, нарушение естественных пропорций. Линия в его произведениях превращалась в своеобразный элемент организации пространства, лишенного параллельности и симметрии.
В 1898 году Гимар получил заказ на возведение трех станций парижского метрополитена. Главную цель своего проекта он видел в оформлении наземных павильонов. Впервые достоянием архитектуры стал цветочный декор, ранее использовавшийся лишь для оформления интерьеров. Столбы из железа, раскрашенные темно-зеленым цветом, напоминавшим старую бронзу, служили опорой для входа в метро. Неожиданно возникшие из асфальта металлические сплетения тропических цветов, пучки водяных растений, фонарей в виде ярко-красных тюльпанов поражали воображение зрителей.
На рубеже XIX - XX веков стиль модерн охватил почти все европейские страны. Он перешагнул и на Американский континент, где получил довольно широкое распространение. В каждой из стран он приобрел свое название: "Ар нуво" - во Франции и в Бельгии, "югендстиль" в Германии; "сецессион" - в Австрии, "либерти" - в Италии, "модерн стайл" - в Англии, "модерниссимо" - в Испании, "тиффани" - в США, "модерн" - в России.
В каждой национальной культуре он оставил яркий и заметный след. Вобрав дух своего бурного времени, модерн просуществовал до начала Первой мировой войны, оказав огромное влияние на дальнейшее развитие искусства. До середины ХХ века о нем забыли или говорили как о нелепой безвкусице. Но с 1950-х годов оценки были пересмотрены и наступило вторичное открытие модерна.
Следующая часть будет посвящена модерну в архитектуре и творчеству Виктора Орта.
Так что, продолжение следует.
Благодарю за внимание. Сергей Воробьев.
sergeyurich.livejournal.com
Картины в стиле модерн для интерьера кухни
Рожденный во времена великих перемен и свершений на стыке 19 и 20 веков стиль модерн привнес в живописное искусство дивные пересечения красок, выплеснув на холсты эмоциональные переживания, воплощенные в абстрактных образах. Включаемые как часть оформления современных интерьеров кухонь картины, выполненные в жизнерадостной технике, на которую значительное влияние оказал рушащий традиционные формы символизм, мгновенно становятся центром притяжения внимания.
Отличительные черты живописи модерн
Помимо эмоциональной окраски картинам, выполненным в свободном стиле, присуща сочная и выразительная декоративность, делающая их украшением интерьера кухни. Известно немало знаменитых художников, подаривших миру великолепные живописные творения. У каждого отмечается собственный неповторимый почерк, обусловливая интеграцию своеобразных отличительных особенностей живописных полотен модерн:
- декоративная условность наряду с орнаментальным фоном;
- выразительность, благодаря невероятно изысканным и тонким нюансам;
- символика цвета, формы, линий;
- динамичность;
- асимметрия;
- сложный ритмический рисунок;
- подчеркнутые контуры;
- естественность плавных линий.
Направления стиля модерн
Есть несколько направлений стиля модерн, которые быстро нашли своих почитателей. Одними из наиболее ярких являются произведения искусства в стиле арт нуво, органично сочетающие многообразие материалов, текстур, а также способов декорирования. Особенностью орнаментальных решений является непременное обращение к растительным мотивам, которые преображаются, приобретая порой фантастические формы, прорисованные изящными причудливо изгибающимися линиями.
Еще одно модернистское направление – кубизм воспевал гармонию геометрических фигур. Абстрактным примитивизмом отмечено мало известное течение фовистов, отрицающих практически все общепринятые каноны в живописи, творящие на грани сиюминутного озарения. Современное арт модернистское искусство часто использует приемы нарочито гротескного изображения действительности определенными символами.
Картины модерн в интерьере
Изучая фото интерьеров, включающих картины модерн, можно отметить их сильную энергетику, благодаря необычному ритму орнаментальных элементов. Основным мотивом к приобретению живописных работ, выполненных в технике стиля модерн, становится стремление создать неповторимый интерьер, свежий и изысканный.
Отсутствие жанровых зарисовок неожиданным образом превращает яркую декоративную картину на стене в объект внимательного созерцания, философских размышлений. Каждый человек уловит отголоски собственных воспоминаний, погрузится в мир мечты, забыв на некоторое время о суетности окружающей реальности. Становится понятным, что арт модерн – это действительно серьезное искусство, отвечающее духу современности и особенно востребованное во времена глобальных перемен.
Представленные на фото невероятно выразительные картины способны наполнить даже самое обычное помещение фейерверком радужных красок. Особенно элегантно смотрятся современные живописные произведения из серии арт модернистских зарисовок на однотонных нейтрального цвета стенах. Обладая художественным вкусом, при удачном подборе колористических сочетаний можно создать композицию из нескольких работ, которые сразу создадут совершенно нестандартную, одухотворенную обстановку.
При тяготении к экстравагантности можно обратиться к работам, сделанным в стиле подражания японским утонченным гравюрам. Такие картины смотрятся загадочно. Как видно на фото, самые мелкие детали по лучшим канонам арт модерна выписаны тонко и очень изящно. Подобные работы придают помещению ощущение аристократичности. Они не терпят хаотичности, поэтому и все остальное пространство нужно будет привести в гармоничный вид.
По своей наполненности жизнеутверждающей энергии любая работа в арт модернистском стиле заявляет о себе мощно и уверенно. Подбирать их следует, сверяясь с собственными душевными переживаниями.
Нельзя полагаться только на функциональность и желание найти определенное цветовое пятно для интерьера. Полезно внимательно изучить многочисленные фото, чтобы понять необычность живописных полотен, выполненных в стиле модерн, олицетворяющем целую эпоху и вдохновляющем многих гениальных художников.
kuhniclub.ru
16. Русский модерн конца XIX – начала XX века
Во второй половине XIX века сначала в Европе, а затем и в России возникло художественное направление в искусстве - модерн (от фр. moderne - современный). Отличительными особенностями этого стиля является замена прямых линий и углов более естественными, «природными» линиями, расцвет прикладного искусства с преобладанием криволинейных растительных орнаментов, образующий композиционную структуру произведения.
Для живописи модерна характерны сочетание орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или нюансной монохромности. Скульптура модерна отличается динамикой и текучестью форм, графика - игрой изысканных хрупких линий и силуэтов.
В России в конце 1890-х годов было основано художественное объединение «Мир искусства», утверждавшее приоритет эстетического начала в искусстве в противовес остросоциальной направленности передвижников и стремившееся к модерну и символизму.
В состав объединения в разные годы входили художники А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов и другие. К «Миру искусства» были близки И. Я. Билибин, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, В. А. Серов, М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, К. Ф. Юон и другие.
|
М. А. Врубель. Автопортрет |
Врубель Михаил Александрович (годы жизни 1856–1910) - русский художник, яркий представитель модерна и символизма. Врубель достиг высот практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Наследие Врубеля включает многочисленные живописные полотна, декоративные панно, фрески и книжные иллюстрации.
|
М. А. Врубель Богоматерь с Младенцем. 1884-85 гг. |
|
М. А. Врубель. Царевна-Лебедь. 1900 г. |
Во многих картинах Врубеля раннего периода царит атмосфера волшебной сказки. «Царевна-Лебедь» - картина Врубеля, написанная на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане».
Царевна с печальным лицом на полотне Врубеля таинственна и загадочна. На фоне спускающихся над морем сумерек выделяются светлым пятном крылья Царевны, написанные в особой «врубелевской» манере, подобные огранённым драгоценным камням.
М. А. Врубель. Демон сидящий. 1890 г.
Одним из центральных образов в творчестве Врубеля можно назвать образ Демона, как образ силы человеческого духа, внутренней борьбы и сомнений. В начале 1890-х годов Врубель пишет иллюстрации к поэме М. Ю. Лермонтова «Демон», тогда же начинает работу над «Демоном сидящим», позднее пишет «Демона летящего» и «Демона поверженного».
В первой картине этого цикла Врубель трактует образ демона, как духа не столько злобного, сколько страдающего и скорбного, при всём этом духа властного и величавого. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении фантастических цветов на фоне гор в алом закате. Огромные глаза Демона печальны, взгляд устремлён вдаль. Фигура Демона словно зажата между верхней и нижней рамой картины, что визуально приближает к зрителю и усиливает драматичность образа.
В продолжение этой темы, в «Демоне летящем» Врубель изображает Демона, как могучего властелина мира, а в «Демоне поверженном» Демон написан на краю гибели, фигура его изломана, но выражение его лица поражает экспрессией, дух Демона не сломлен.
Во всех этих картинах ярко проявляется индивидуальный стиль Врубеля, всё написано с эффектом мерцающих кристаллических граней, что делает эти картины похожими на драгоценные витражи или панно. Такого эффекта Врубель добивался, используя вместо кисти мастихин, мазки краски получались в этом случае плоскими и густыми.
М. А. Врубель. Демон поверженный. 1902 г.
В 1902-м году Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, одной из причин которого была смерть маленького сына Врубеля. В поздний период творчества, проведённый в основном в частных клиниках Москвы и Санкт-Петербурга, Врубель создаёт ряд работ, переходных от модерна к авангарду.
|
М. А. Врубель. Шестикрылый серафим. 1904 г. |
В этом произведении художник наделил Серафима гипнотизирующим взглядом самой судьбы, а меч и светильник в его руках выглядят как символы жизни и смерти: сталь источает ледяной холод, споря с живым и горячим светом лампады. Изумительный по красоте колорит картины напоминает византийские мозаики и витражи.
Картину «Шестикрылый серафим» можно назвать многозначным финалом всего творческого пути Врубеля в поисках образов Демонов и Ангелов.
| Другие известные произведения М. А. Врубеля: | «Пан», «Принцесса Грёза», «Полет Фауста и Мефистофеля», «Портрет Саввы Мамонтова», «Портрет Забелы-Врубель», «Портрет сына», «Гадалка», «Жемчужина». |
|
В. А. Серов. Автопортрет. 1880-е гг. |
В ранний период творчества Серов был близок к русскому импрессионизму, в работах этого периода художник видел свою главную задачу в непосредственности восприятия модели и природы и их правдивом пластическом решении. В солнечной разработке света и цвета, в передаче сложной гармонии рефлексов, воздушной среды Серов воспевает юность и красоту своих моделей.
|
В. А. Серов. Девочка с персиками. 1887 г. |
За картину «Девочка с персиками» Серов получил премию Московского общества любителей художеств.
В. А. Серов. Похищение Европы. 1910 г.
Со временем импрессионистическая манера Серова становится более сдержанной, приближаясь к одноцветной живописи и приобретая черты нового стиля модерн, наиболее ярко проявившихся в таких работах, как «Портрет Иды Рубинштейн» и «Похищение Европы».
Картина «Похищение Европы» решена Серовым в манере монументального декоративного панно. Сюжетом художнику послужил древнегреческий миф о похищении обернувшимся быком Зевсом Европы, дочери царя Агенора.
Композиция полотна с высоким горизонтом построена Серовым на ритмичном диагональном движении форм. Активное движение плывущего быка останавливается поворотом его головы, равновесием двух волн, между которыми в центре оказываются головы Европы и Зевса. Условно написанные волны создают ощущение мерного движения, фигуры дельфинов повторяют движение волн и плывущего Зевса, усиливая динамику всей композиции.
Колористическое решение картины построено на гармонии синего и оранжевого цвета: ярко-рыжее пятно фигуры быка на сине-фиолетовом море смотрится красиво и выразительно. Разбросанные по поверхности воды густые «пятна» синего цвета, изображающие водную рябь, передают движение волн и организуют картинную плоскость, как и чёткие контуры всех фигур.
В. А. Серов. Портрет Иды Рубинштейн. 1910 г.
Вершиной стиля модерн в творчестве Серова стал портрет Иды Рубинштейн, знаменитой танцовщицы и актрисы того времени. В этом портрете Серов не стремился воссоздать её реальный образ, главной задачей художника здесь стала стилизация натуры и передача сложности характера модели. Сохраняя конкретные индивидуальные черты модели, её внешний облик, характер, пластику, Серов соединяет в композиции реальное и условное, что являлось отличительными стилистическими особенностями модерна.
Серов изобразил Иду Рубинштейн на портрете вызывающей, великолепной, но, одновременно, облик актрисы тонок и лиричен. Художник воспроизводит фигуру модели в сложном повороте гнутыми линиями, предельно заостряя ее контур. Сама композиция, отвечающая требованиям модерна, не выявляет пространство, в котором изображена актриса, фон портрета плоский и условный, что создаёт ощущение, что Ида Рубинштейн не сидит, а распластана, прижата к стене.
При первом же показе на Международной художественной выставке в Риме в 1911-м году картина произвела скандальное впечатление: публику шокировало и то, что знаменитая танцовщица, которую принимали в обществе, позировала обнаженной, и то, что Серов использовал совершенно новые композиционные и живописные приёмы, отличающие стиль модерн.
|
В. А. Серов. Портрет княгини О. К. Орловой. 1911 г. |
Образцом такого парадного портрета с чертами модерна можно назвать «Портрет княгини О. К. Орловой», в котором утончённая живописная техника соединяется с иронией и лёгкой насмешкой. Серов писал этот портрет по заказу самой княгини, но многие современники отмечали бескомпромиссность взгляда художника на заказчицу и подозревали его в сарказме.
Ольга Орлова изображена в претенциозной позе: огромная шляпа, соболий палантин, откинутый назад и обнажающий плечи, сжимающие жемчужное ожерелье руки, выставленный напоказ кончик лакированной туфельки – всё это придаёт образу княгини вычурное изящество. В стилистике модерна Серов использует нервные, угловатые контуры силуэта фигуры, совмещённые с реалистичностью и материальностью детальной проработки.
| Другие известные произведения В. А. Серова: | «Мика Морозов», «Георгий Победоносец», «Выезд императора Петра II и цесаревны Елизаветы Петровны на охоту», «Выезд Екатерины II на соколиную охоту», «Анна Павлова в балете Сильфиды», «Одиссей и Навзикая», «Портрет С. М. Драгомировой-Лукомской», «Портрет художника И. И. Левитана», «Портрет художника К. А. Коровина», «Портрет художника М. А. Врубеля», «Портрет княгини З. Н. Юсуповой» «Портрет И. Ю. Грюнберг». |
|
В. М. Васнецов. Автопортрет. 1873 г. |
Главным направлением творчества Васнецова становится былинно-историческая живопись, где художник преобразовывает русский исторический жанр, соединяя в нём мотивы средневековья с поэтической атмосферой русских сказок.
Многие из произведений Васнецова по своей стилистике приближаются к типичным для модерна декоративным картинам-панно, переносящим зрителя в мир грёз.
В. М. Васнецов. Витязь на распутье. 1882 г.
Под впечатлением от русских былин в конце 19-го столетия Васнецов пишет монументальные полотна «Богатыри», «Витязь на распутье».
Сюжет картины «Витязь на распутье» основан на мотивах былины «Илья Муромец и разбойники». В начальных эскизах к этой картине Васнецов разворачивал витязя лицом к зрителю. Но для большей выразительности и эмоциональности образа в окончательной версии художник увеличил размер холста, стала монументальней фигура витязя, глубина композиции уменьшилась и стала более плоской, приближенной к панно. Исчезла в последнем варианте и дорога, чтобы у витязя не осталось другого выхода, кроме как указанного на камне.
|
В. М. Васнецов. Алёнушка. 1881 г. |
Толчком к написанию этой картины послужила случайная встреча художника с одной простоволосой крестьянской девушкой. В её милом лице Васнецов увидел особенную русскую душу, с её тоской, одиночеством и чисто русской печалью в глазах.
Для поиска пейзажного мотива к этой картине Васнецов выполнил множества этюдов с берега реки Ворь в Абрамцеве, у пруда в Ахтырке.
Впервые «Алёнушка» была выставлена на выставке передвижников в 1881-м году и по отзывам известного критика того времени И. Э. Грабаря была названа одной из лучших картин русской школы.
|
В. М. Васнецов. Крещение Руси. 1890 г. |
Вершиной творчества Васнецова можно назвать росписи киевского Свято-Владимирского собора, в них художник в какой-то степени обновил византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало и особый «русский» психологизм.
В основе всех сюжетов росписей собора было положено осмысление религиозной истории России, как наследницы Византии, и места России в мировой культуре и истории.
Фреска «Крещение Руси» стало одной из центральных композиций Свято-Владимирского собора над входом на хоры. Сюжетом самой фрески Васнецов избрал момент крещения киевлян в водах Днепра. В композиции фрески художник совмещает торжественность и некоторую пафосность, соответствующие изображённому моменту, с ярко выраженным индивидуализированным центральным образом князя Владимира Святославовича, внося романтическое начало в канонический сюжет.
В. М. Васнецов. Бог Саваоф.
Фреска Свято-Владимирского собора. 1885-1896 гг.
| Другие известные произведения В. М. Васнецова: | «Гамаюн», «Сирин и Алконост», «Три царевны темного царства», «После побоища Игоря Святославича с половцами», «Иван-Царевич на Сером Волке», «Царь Иван Васильевич Грозный», «Слово Божие», «Распятый Иисус Христос», «Богоматерь с младенцем». |
studfiles.net
модернист - представитель современного стиля
Направление в искусстве, ставшее популярным в последнем десятилетии XIX века и начале XX столетия, объединившее в себе такие течения, как экспрессионизм, абстракционизм, кубизм, дадаизм, футуризм, сюрреализм, называется модернизмом. Это совокупность стилевых направлений в живописи на грани веков.
Что такое стиль модерн?
Стало быть, художник-модернист мог принадлежать к любому из этих направлений, которые вытекали одно из другого, являясь чем-то новым по отношению к предыдущему. С французского языка moderne переводится как «современный». Модерн охватил все страны Европы и Америки. Во многих из них он имел свои названия: югендстиль, ар-нуво, «конец века», либерти и другие. Все они олицетворяли собой новое направление в искусстве, суть которого заключалась не в реальном отображении мира, а в передаче на полотне собственного субъективного мира творческой личности. В некоторых статьях указывается, что художник-модернист отрицает культурное наследие, в других сообщается, что он отказался от прямых линий и углов. А как же тогда кубизм? На стыке веков было столько различных течений, направлений, кружков и обществ, несших новое талантливое, а порой гениальное слово, и новое направление объединило их всех общей идеей переустройства мира под своим знаменем, как объединил всех русских поэтов того же времени Серебряный век.
Молодость всегда требует обновлений
Как правило, новаторы были людьми молодыми, талантливыми, оригинальными, им было все интересно, они ненавидели устои, хотели добиться максимального самовыражения, создавали свои миры в рамках одной картины. Безусловно, модернизм – особый стиль художественного мышления. Как уже отмечалось выше, стиль модерн в живописи и архитектуре носил такое название именно в России и, конечно же, имел свои национальные черты. Существует мнение, что у нас он был как-то размыт, не было четкого ярко выраженного характера. Может быть, это происходило потому, что в России всего много – много гениальных художников, много школ и направлений, и любая идея, приходящая извне, приобретает национальный колорит.
Школа модерна в России
Художники русского модерна, такие как Билибин и Борисов-Мусатов, Васнецов и Врубель, Головин, Малютин и Нестеров, женщины-модернистки Голубкина, Поленова, Якунчикова в своем творчестве перекликались с общеевропейским направлением, но привнесли в модерн национальные и социальные черты. Прослеживается этот стиль в отдельных работах Кандинского и Коровина, Левитана и Петрова-Водкина, Рериха и Серова. На грани веков в России появились издания, пропагандирующие идеи стиля модерн – ежемесячник «Весы», журналы «Искусство и художественная промышленность» и «Мир искусства», ведущие деятели которых тоже представляли своим творчеством русский модерн. Самые яркие из них Бакст и Бенуа, Добужинский и Сомов. Благодаря перечисленным фамилиям можно представить себе этот мощный пласт разных, но объединенных общим направлением творчества талантов.
Ярчайшие представители стиля
Художник-модернист Иван Яковлевич Билибин (1876-1942 гг.), знаменитый книжный иллюстратор и театральный оформитель, был участником объединения «Мир искусства». Его портрет работы Б. Кустодиева 1901 года прекрасно передает образ представителя столичной богемы и стиля модерн. Отдельных слов заслуживает Михаил Врубель (1856-1910 гг.). Художник-модернист, предшественник символизма с оригинальной неповторимой манерой письма, он не очень почитался современниками, а Стасов так и вовсе его осуждал. 
О творчестве этого художника с трагической судьбой спорят до сих пор. Его иллюстрации к произведениям М. Ю. Лермонтова изумительны, Блок называл рисунки Врубеля причудливыми чертежами, похищенными у вечности. Художника считают основоположником русского модерна, он находился у его истоков.
Концентрация талантов в России на рубеже эпох
Еще одной мощной фигурой, представляющей русский модерн в живописи, является Николай Рерих (1874-1947 гг.), который возглавлял объединение «Мир искусства». Он был разносторонней личностью. За всю жизнь и в России, и за рубежом, куда эмигрировал в 1917 году, он написал более 7000 полотен. Но Рерих был еще писателем, археологом, философом-мистиком, путешественником и общественным деятелем. Одна из самых знаменитых его картин, написанных в это время, – «Заморские гости» 1901 года.
Русский модерн был мощным явлением, захватившим изобразительное искусство, архитектуру, литературу, промышленность и быт. Необычайное количество талантов, сконцентрировавшихся в обеих столицах, рассматривающих модерн как построение нового мира, закончилось быстро. Революцию многие модернисты не приняли – они эмигрировали, а доминирующим направлением в творчестве советских художников стал социалистический реализм.
Непродолжительное, но очень яркое направление
Лучшие картины модернистов, нынешних классиков украшают все музеи мира. Полотна являются жемчужинами отечественных музеев. Работы Врубеля, Васнецова, Рериха, Кустодиева и других узнаваемы и любимы. Кто не знает васнецовских богатырей или врубелевскую Царевну-Лебедь, его же Демона или Пана? Прекрасные, загадочные, мистические, утонченные и неповторимые, они достойно представляют пусть и непродолжительный по времени, но очень значимый пласт в русском искусстве.
Подводя итог, можно сказать, что самые типичные представители, самые яркие модернисты, художники 20 века – это Альфонс Муха, Эдвард Мунк, Поль Гоген и наши соотечественники - Иван Билибин, Михаил Врубель и Николай Рерих.
fb.ru
отделка и элементы декора (45 фото)
модерн — это одно из направлений искусства, которое воплощается в живописи, архитектуре, дизайне. Описание модерна как стиля, появилось и начало использоваться в конце XIX века. Переводится слово «модерн» как «современный», но современность давно шагнула вперёд, и теперь стиль не имеет с ней общих тенденций. Он строго придерживается норм и правил тех годов, когда был создан, но, в то же время даёт волю творчеству и фантазии.
Стиль модерн в интерьере не только сможет сделать пространство квартиры функциональным, но и воссоздаст атмосферу быта прошлых веков, цвета добавят тепла, уюта, а смотреться комнаты будут изысканно и элегантно.
Он отлично вписывается как в городские квартиры, так и в комнаты дома и особняка, располагает к себе в помещении ресторана.
Основными чертами, которые отличают модерн от других стилей искусства, являются:
- отсутствие чётких линий, предпочтение отдаётся природным изгибам и плавности;
- натуральные материалы для отделки, декора и мебели;
- присутствие природы не только в материалах, но и в изображениях;
- тёплые цвета и пастельные тона.
Выбирая стиль модерн для интерьера комнаты, забудьте о симметрии и откажитесь от прямолинейности.
Материалы присущие стилю модерн
Модерн допускает использование материалов искусственного происхождения. Но они лишь должны дополнять другие составляющие интерьера квартиры.
Дерево
Основным материалом стиля модерн считается дерево. Его используют и как материал для пола и двери квартиры, и в качестве отделки стен, и для выполнения декорирующих функций. Использоваться могут любые породы, разной степени обработки.
Тёмное дерево отлично сочетается с обоями белого цвета, со светлыми тонами, в которых выполнены предметы комнаты. Светлый деревянный материал добавляет уюта и лучше всего дополняет крупные предметы комнаты, например, изголовье кровати спальни, рама крупной картины или перила лестницы дома, ведущей в зал.
Одни только двери могут скатать многое о помещении дома, квартиры или ресторана. Они могут быть разных форм и цветов. А иногда владельцы и вовсе заменяют двери полукруглыми арками.
Если двери ресторана радуют глаз витражными вставками, деревянной отделкой или изумительными рисунками причудливых форм, то вы уже на входе прочувствуете атмосферу модерна.
Чтобы дизайн интерьера смотрелся гармонично, желательно отдавать предпочтение одному вида дерева, который будет использоваться для оформления всех составляющих пространства.
Металл
Металлические элементы и изделия являются обязательным штрихом в стиле модерн. Но их не должно быть в избытке, чтобы не перенасытить стиль. Благодаря различным элементам в виде кованых ручек на двери и окнах, ножек и спинок у диванов и кресел, металлическим завиткам люстры, стальным обрамлениям картин, зеркал и другой мебели квартиры, стиль модерн сморится целостным и завершённым. А как роскошно смотрятся двери ресторана или дома, в которых сочетаются кованые переплетения и стекло.
Кованые детали не должны быть строгими и чёткими, они скорее должны напоминать плавные изгибы, переходы и переплетения, добавляя тяжёлому металлу нотки изящества и невесомости.
В ванных комнатах это могут ненавязчивые полочки, подставочки, держатели. Очень благородно смотрятся ванны, стоящие на кованых ножках.
Дизайн спальни не стоит перегружать металлическими деталями. Хотя иногда выкованное изголовье и каркас кровати придаёт дизайну спальни особую роскошь. Полностью металлические двери в стиль модерн не впишутся.
Стекло
Стекло, как материал для декорирования дизайна интерьера, начало широко использоваться именно в стиле модерн. Разнообразные витражные окна и цветные узорчатые потолки из стекла были неотъемлемым атрибутом, украшающим пышный зал и спальни прошлых веков.
Они не только смотрятся загадочно и по-старинному, вписываясь в современный интерьер, но и играют на контрасте со светлыми стенами. Современный мир отлично вписывает в интерьер гостиной в стиле модерн стеклянные перегородки, картины, столики, люстры, в ванной стилистические светильники и двери.
Если витражное окно вам не по вкусу, вы вполне можете выбрать альтернативный вариант, в виде стеклянной картины в стиле модерн.
Текстиль
Роль текстиля и тканей в стиле модерн минимальна. Разнообразные тканевые элементы должны присутствовать, например, шторы, портьеры, обивка мягкой мебели, диванные подушки, но основного внимания приковывать к себе не должны.
Ткани на шторы и обивку подбираются в тон обоям, дополняют цвета мебели и сглаживают контрастные переходы. Лишь в том случае, если в интерьере недостаточно изгибов и плавности, можно выбирать ткани с нежными неброскими рисунками или волнообразным орнаментом. Возможно использование кожи для отделки мебели.
Интерьер спальни может подчеркнуть шёлковое покрывало или ламбрекен.
Зал ресторана в стиле модерн отличают тяжёлые портьеры и шторы со сложными рисунками, тканевые чехлами на стульях, ажурные скатерти на столах.
Отделка поверхностей
Интерьер в стиле модерн подразумевает использование стен в основном лишь как фона. Их можно оформить в спокойных приятных тонах, сделать белого цвета, украсить изогнутым орнаментом или рисунками, напоминающими единение с природой. Зал с другим вариантом отделки стен допускает использование деревянного полотна в качестве панелей, которые можно комбинировать как с обоями, так и с текстильными материалами.
Классическим вариантом оформления пола остаётся паркет-ёлочка и мрамор.
Но чтобы придать интерьеру оригинальности, дизайнеры предлагают массу других вариантов:
- художественное оформление паркета;
- керамическая мозаика;
- выкладка камня с нанесением орнамента.
Последние варианты отлично подходят и для ванных комнат дома.
Что касается потолка, то эффектнее всего выглядит многоуровневый, сочетающий волны, плавные переходы и перекрытия. Углубления можно декорировать деревянными балками, выступы — лепниной.
Популярным считается натяжной потолок с комбинированием белого цвета и изображений неба или природы. Он отлично подойдёт для спальни или ванной комнаты. От люстры на таком потолке следует отказаться. Дорогим стилистическим удовольствием остаётся витражное стекло в качестве украшения потолка. Оно отлично смотрится на высоких потолках дома, украшает зал дорогого ресторана.
В силу высокой ценности натуральных материалов и дизайнерских решений стиль модерн — это не только недешевый выбор для оформления дизайна интерьера. Он гораздо более трудоёмкий и сложный в своём исполнении, чем другие стили.
Освещение в интерьере
Подход к созданию освещения в дизайне стиля модерн принципиально отличается от нынешних идей. Основной акцент делается на мягкий, тёплый, приглушённый свет, который не могут дать люстры. Предпочтение отдаётся разного рода светильникам, торшерам, бра, настольным лампам и другим вариантам.
А вот люстры в таком интерьере нежелательны. Их использование сводится к минимуму. Зато разнообразие абажуров из тканей, витражных стёкол и других текстурных материалов приветствуется. Иногда ткань на них идёт та же, что и на шторы. Именно такое освещение даёт приглушённый свет, который наполняет атмосферу, например, ресторана домашним уютом.
Если вы не представляете свой зал без люстры, то выбирайте такую, которая будет соответствовать стилю модерн, а именно с округлыми чертами, плавными линиями и чёткостью тонов.
Стилистическая мебель
Мебель в интерьере модерн рассматривается с практической стороны её использования. При этом внешний вид её тоже имеет большое значение. Мебель в основном выбирается из деревянного материала, может сочетать в себе рисунки, декоративные элементы из дерева, например, резьбу, вставки из стекла и камней с нанесением орнамента.
Мягкая мебель необычных форм, с закруглениями и пастельными тонами идеально впишется в гостиную, зал, а интерьер кухни в стиле модерн украсят стеклянный стол и стулья с витиеватыми ножками и кожаной обивкой. Шторы, гармонирующие по цвету с мягкой мебелью можно подбирать не только для зала, но и для спальни.
Существует множество интересных дизайнерских решений в самом исполнении предметов мебели. Такие варианты оформления стульев, как, например, современный дизайн бутона цветка, полка в виде ветви или деревянный стеллаж, отлично впишутся даже в ванной комнате в дизайне прошлой эпохи.
Для стиля модерн подходит как действительно старинная мебель, так и искусственно состаренная.
Элементы декора и аксессуары
Создавая для квартиры или дома дизайн стиля модерн, не стоит забывать и про аксессуары. Именно они порой способны внести недостающие акценты для полноты картины. Для гостиной и спальни открывается самое большое разнообразие всевозможных фантазий, которые с лёгкостью можно уместить и в зал ресторана.
Это могут быть:
- различные статуэтки из стекла, дерева, металла, хрусталя с инкрустацией, гравировкой и узорами;
- старинные вазы, посуда, светильники, люстры;
- картины и зеркала в тяжёлых витиеватых рамах;
- книжные стеллажи необычных форм;
- панно с природными изображениями;
- аксессуары для шторы, например, ламбрекены, подхваты. Органично вписываются кисточки для шторы;
- шкатулки, часы, канделябры, рамки для фото.
Камины в стиле модерн стали очень популярными в дизайне загородного дома. Их декорируют мрамором, камнем, деревом разного цвета, что как нельзя лучше соответствует стилю.
В ванной комнате можно разместить необычной формы зеркало, а также добавить в интерьер морских деталей в виде раковин с жемчужиной, кораллов, звёзд, украсить стену или пол мозаикой. Причём выбирать для ванной комнаты можно не только морские цвета.
Для кухни будет достаточно нескольких расписных блюд, уместны также картины, панно, иногда шторы, состаренные люстры, подставки для кухонного инвентаря.
Видеогалерея
Фотогалерея
dekormyhome.ru
Ар Нуво, стиль модерн - История искусства
Начиная с 1880 года вплоть до Первой Мировой Войны, Западная Европа и США становятся свидетелями развития стиля модерн ("Новое Искусство"). Черпая вдохновение из непослушных аспектов естественной природы, Ар Нуво оказывает влияние на искусство и архитектуру, особенно прикладное искусство, художественную графику и книжную иллюстрацию. Извилистые кривые - характерная особенность стиля - были получены, в частности, из ботанических исследований и исследований глубоководных форм жизни таких ученых, как немецкий биолог Эрнст Генрих Геккель (1834-1919), написавшего в 1899 году труд "Kunstformen der Natur" ("Художественные формы в Природе"). Другие публикации, в том числе "Флористический Орнамент" (1849) Готического Возрождения Августуса Уэлби Нортмор Паджин (1812-1852) и "Грамматика Орнамента" (1856) британского архитектора и теоретика Оуэна Джонса (1809-1874), предвосхищали Природу как основной источник вдохновения для целого поколения художников, стремящихся вырваться из оков "старых" стилей. В такой интерпретации стиль модерн с его переплетающимися ажурными линиями может быть понят как метафора свободы и освобождения.
Ар Нуво, стиль модерн, был следствием нескольких происходивших в 19-м веке культурных событий, Дизайн-реформы, как реакция на засилие классического художественного образования и развитие массового производства, стали лейтмотивом "Эстетического Движения", пропагандирующего возвращение к ручному труду и традиционным технологиям. Отсюда выработалось кредо последователей Ар Нуво: "искусство ради искусства". Это кредо послужило основой неповествовательных картин, например, "Ноктюрнов" Вислера. Стиль модерн обратился также к элементам традиционного японского искусства ("японизмы"), которые заполонили западные рынки, в основном в виде ксилографических оттисков. Японизмы оказались ценным подспорьем для европейского художника в двух аспектах: двухмерная перспектива японской графики и минималистская концепция декоративно прикладного искусства в сочетании с богатой декорацией. Действительно, спектр художественных тенденций перед началом первой Мировой Войны, в том числе в живописи и раннем дизайне, могут быть отнесены к легкой руке Ар Нуво.
Термин "модерн", впервые упомянут в 1880-х годах в бельгийском журнале L'Art Moderne, описывающем работы Les Vingt - двадцати художников и скульпторов, стремившихся к реформам через искусство. Les Vingt, как и большинство художественных сообществ по всей Европе и Америке, отметили ведущие теоретики 19-го, такие, как французский неоготический архитектор Эжен-эммануэль Виоллет-ле-Дюк (1814-1879) и британский арт-критик Джон Рескин (1819-1900). Они выступали за единство всех искусств, возражая против сегрегации между изобразительным искусством, живописью и скульптурой и декоративно-прикладным искусством. Под мощным влиянием социальных реалий, дизайнеры стремились достичь синтеза искусств и ремесел. Успешное объединение изобразительного и прикладного искусства было достигнуто такими известными дизайнерами, как Виктор Орта и Генри Ван де Вельде, Чарльз Ренни Макинтош и Маргарет Макдональд, Йозеф Хоффманн и Густав Климт.
Стили живописи, такие, как постимпрессионизм и символизм, имели общие тесные связи с направлениями модерна. Каждый практикующий дизайнер считал свои долгом адаптировать их для прикладного искусства, архитектуры, дизайна интерьеров, мебели и архитектуры.
В декабре 1895 года, уроженец Германии, парижский арт-дилер Зигфрид Бинг, открыл галерею под названием L'Art Nouveau. Хотя галерее приписывают популяризацию движения и связывают его с именем Бинга, стиль модерн достиг международной аудитории главным образом и посредством тиражной графики (издания "Савой", La Plume, Jugend, Dekorative Kunst, "Желтые страницы" и "The Studio"). Например "The Studio" впервые публикует линеарные символические рисунки Обри Бердслея (1872-1898), созданные как иллюстрации к произведению Оскара Уайльда "Саломея" (1894). Эти ллюстрации, выполненные с блестящим заимствованием чисто японский двухмерной пространственной композиции, могут рассматриваться как изюминка "Эстетического движения" и первого проявление вкусов Ар Нуво в Англии. Работы других влиятельных художников-графиков, включая Альфонса Муху, Жюля Чере, и Анри де Тулуз-Лотрека, чье яркое искусство плаката часто превозносит роль женщины, согласно принципу сообщества Бель-Эпок (belle époque society) - "femme nouvelle" ("новая женщина", отвергающая традиционные идеалы женственности, семьи и подчинения). Женские фигуры часто включаются в художественные композиции в качестве фей или сирен, как, например, в ювелирном искусстве Рене Лалик, Жоржа Фуке, и Филиппа Уолферса.
Стиль Ар Нуво исторически связан с Францией. Здесь его называли по-разному: "стиль Жюля верна", "Le Style Métro" (после того, как Гектор Гимара сделал из железа и стекла входы в метро), "Art belle Epoque", и "Искусство fin de siècle" (конца века). Однако Ар Нуво захватил воображение публики всего мира на экспозиции Всемирной Выставки в Париже в 1900, организуемой каждые одиннадцать лет начиная с 1798 года. Различные мануфактуры и предприятия продемонстрировали образцы инновационного направления. Впервые демонстрируются уникальные проекты, включая Porte Monumentale entrance - продуманная инженерная конструкция полихромного купола с электрической подсветкой, спроектированная Рене Бине (1866-1911). Также Pavillon Bleu - ресторан рядом с Pont d'Iena у подножия Эйфелевой Башни работы Гюстава Бови (1858-1910). Арт Нуво Бинг представил серию из шести интерьеров, вдохновленных искусством символистов. Павильон Union Centrale des Arts Décoratifs (Объединения декоративно-пригладного искусства) отражал стремления к возрождению и модернизации декоративного искусства в качестве экономического стимула и выражения национальной самобытности. Широкое заимствование декоративных элементов французского рококо в сочетании со стилизованными природными мотивами, фантазия и японское искусство, нашли художественное выражение в образцах мебели, представленных на выставке, как произведения нового вкуса и увековечивавших традиции французских мастеров. Роскошная мебель с инкрустацией позолоченными литыми вставками представлена ведущими краснодеревщиками Жорж-де-Фье (1868-1943), Луи Мажорелем (1859-1926), Эдуардом Колонна (1862-1948) и Эженом Гайар (1862-1933).
После Всемирной Выставки последовали еще две экспозиции, где были представлены работы многих корифеев Европейского модерна. Это были Международная Выставка в Глазго в 1901 году, где среди всего прочего экспонировались проекты павильонов российского инженера Федора Шехтеля (1859-1926), и экспозиция Международной Выставки декоративно-прикладного и современного искусства в Турине в 1902 году.
Подобно Франции, "новое искусство" по-разному именуется в разных странах и культурных центрах Европы. В Бельгии он назывался "Стиль Нуиль" или "Стиль куп де фйе". В Германии это был "Югендштиль" ("молодежный стиль" с легкой руки популярного журнала Die Jugend). В Испании он был "Модерниста" в честь модернистского движения в Барселоне и его главного сторонника архитектора Антонио Гауди (1852-1926). В Италии - Arte nuova, Stile floreale, или La Stile Liberty в честь лондонской фирмы Liberty & Co. Фирма поставляла восточную керамику и текстиль эстетствующей лондонской знати в 1870 году и производила в английской версии модерна серебряные изделия на основе так называемого Кельтского Возрождения "Кимрик" и "Тутрик" (серебро Арчибальда Нокса, 1864-1933). Еще один крупный центр дислоцировался в Австрии и Венгрии, где назывался Сезессионстил. В России он назывался "Стиль модерн". В США - "Стиль Тиффани" в честь легендарного "Favrile glass" художника Луиса Комфорта Тиффани.
Хотя в отношении международного размаха век Ар Нуво был недолгим, его накал был предвестником модернизма, который полностью отверг "лишние" украшательства, предпочитал функциональность изяществу, а на использования орнаментации просто наложил табу. Хотя реакция на пересмотр исторических стилей была негативна, модернизм положил конец викторианским излишествам. Вместе с тем влияние Ар Нуво распространилось на многие годы вперед, что особенно заметно в дизайне мебели Ар Деко, где совершенно гладкие поверхности обогащены шпоном экзотических пород дерева и декоративными вставками. Драматизм стиля модерн снова обрел силу в искусстве художественной графики, ставшей популярной в социальных и политических кругах 1960-х годов среди нового поколения, ставящего под сомнение традиционные вкусы и идей.
Ваза. Оливье де Сорра. Керамика. 1885.
Арт Нуво Поттер Оливье де Сорра известно тонкостенной керамикой и кристаллической глазурью. Ваза, формованная в виде стилизованных листьев, покрытая глазурью в оттенках синего неба, представляет технические достижения девятнадцатого века в керамике.
Кувшин. Едуард Колонна. Серебро и железо. 1889.
Это металлический кувшин с витиеватой серебряной ручкой. Изначально глазурирован, что заметно по остаткам синего фона внизу изделия.
Стул. Едуард Колонна. Полиссандр и дамасская обивка. 1889.
Крик. Эдвард Мунк. Литография. 1895.
Знакомство с работами Мунка немного шокирует и их непросто понять. Созданные немногим более 100 лет назад, работы Мунка представляют эмоциональный ряд, в основном негативный: страх, одиночество. Литография "Крик" олицетворяет экзистенциальный ужас, что подкрепляется подписью к работе самого художника:
"Я прогуливался с двумя друзьями. Солнце утонуло за горизонтом. Внезапно небо стало красным, как кровь. Мои друзья ушли далеко вперед, и я остался стоять на мосту один. Я почувствовал, будто вся природа была наполнена одним бесконечным визгом".
Брошь. Производитель Жорж Фуке по дизайну Альфонса Мухи. Золото, эмаль, перламутр, опал, изумруд, цветные камни, золото краска. 1900.
Брошь является отличительной чертой трехлетнего партнерства французского ювелира Жоржа Фуке и чешского художника Альфонса Мухи, чьи работы лучше всего отражают дух декоративных излишеств стиля модерн. Упор сделан на обилие драгоценных камней, но подчеркивается, что красота драгоценного камня зависит от его художественной концепции.
Декоративная панель. Гектор Гимара. Шелк и роспись по шелку. 1900.
Проекты Гектора Гимара представляют собой уникальное видение в стиле модерн, который сложился в Европе как реакция противодействия механистическому миру, порожденному промышленной революцией. Ар Нуво возвращал к естественным органическим формам, включающим чувственные кривые линии. Гимара проектирует интерьеры и декорации к ним как совокупность, в рамках которой внутреннее пространство, включая декор и мебель, соответствует внешней структуре здания.
Кулон. Рене Жюль Лалик. Золото, эмаль, опал, жемчуг, бриллианты. 1901.
Французский Ар Нуво ювелир Рене Жюль Лалик, представлял, возможно, наиболее новаторские и тонкие комбинации эмали и драгоценных камней. Кулон выполнен в форме двух павлинов, стоящих клюв к клюву на треугольном кабошоне опала. Формы павлинов формируются тонкой перегородчатой эмалью в оттенках темно-синего и белого. Перья и хвосты "закручены" ажурными линиями и стилизованы вкраплениями алмазов и синей эмали.
Мэда Примавеси. Густав Климт. Холст, масло. 1912.
Мэда Примавеси - дочь банкира и промышленника Отто Примавеси.
Чайный сервиз. Йозеф Хоффманн. Серебро, эбеновое дерево, аметисты, сердолик. 1910.
До 1900 года Йозеф Хоффманн, как и другие яркие представители модерна, экспериментировал с криволинейными органическими мотивами. Однако, начиная с 1900 года, он внезапно бросает свои эксперименты и обращается к новому революционному течению, основанному на геометрии. И этот чайный сервиз является самым выдающимся примером геометрического направления. Сервиз почти ручной работы, однако, бескомпромиссная экономия Хоффманна наделила изделие совершенно прямыми гранями, выпуклыми крышечками и квадратными ручками. Единственное украшение, за исключением врезных драгоценностей, - тонкая горизонтальная линия выпуклых точек в нижней части каждого предмета.
Тэг:
zen-designer.ru
