Музей ЧерномырдинаХудожественная школа "Живопись Маслом". Картины модерн
Художники-модернисты и их картины :: SYL.ru
Само понятие модерн, или, как его еще называют, ар-нуво, в буквальном смысле означает "новый", "новое искусство". В эпоху стремительно развивающейся промышленности художественное творчество тоже претерпевало изменения. Стремление к новому выражалось в бунте против вековых устоев в мире искусства, где не было места яркости и неординарности. Все подчинялось строгим законам стиля и композиции, которые оставили в наследство после себя старые мастера.
Возникновение стиля
Как правило, большинство художников работало в реалистичной манере. Они изображали сюжеты из повседневной жизни и окружающей действительности, тогда как художник-модернист стремился задействовать свое воображение. Он руководствовался прежде всего своим восприятием мира, вместо того чтобы просто копировать то, что видит. Он никак не мог выразить себя в рамках традиционного искусства. Поэтому создал свой стиль, который не опирался на опыт прошлого, был самобытен и менял само представление о красоте.
Мы привыкли воспринимать модерн исключительно как продукт 20-го века. Однако прочный фундамент для него заложили художники-модернисты 19 века, такие как Эдуард Мане, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Обри Бердслей, Эдвард Мунк, Поль Сезанн и другие. Именно их произведения дали модерну дорогу в жизнь.
Венский "Сецессион"
В разных уголках Европы модерн приобретал разные формы и по-разному себя выражал. Одного из самых известных и узнаваемых художников-модернистов 20 века миру подарила Австрия. Речь идет о Густаве Климте. Его орнаментальные, символические и яркие работы невозможно спутать ни с чьими другими. Они привлекают к себе внимание обилием золотого цвета и пышными узорами.
Но Климт был далеко не единственным художником-модернистом в Австрии. В 1897 году он объединил местных творцов-новаторов в сообщество под названием "Венский Сецессион". Оно выступало против консерватизма и академизма в творчестве. Помимо Густава Климта туда входили Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Макс Курцвайль, Йозеф Мария Ольбрих и другие художники и архитекторы.
Павильон для проведения выставок был спроектирован и построен участниками объединения. Проектом руководил Ольбрих, а интерьеры продумывал Мозер. Первая выставка там состоялась в 1898 году. Также благодаря "Сецессиону" Вена познакомилась с работами импрессионистов.
Еще один, почему-то малоизвестный, но не менее значимый для эпохи модерна австрийский художник, Йозеф Мария Аухенталлер. Его творческая деятельность была очень обширна. Он был живописцем, графиком, иллюстратором, гравером, ювелиром и фотографом, занимался дизайном текстиля. Он также вошел в состав "Венского Сецессиона".
Лозунгом австрийских художников-модернистов были слова критика Людвига Хевеси: "Эпохе - свое искусство, искусству - своя свобода".
Такой разный
Модерн в Великобритании проявился в книжной графике еще в конце 19-го столетия, когда художник Обри Бердслей проиллюстрировал роман "Смерть Артура" в своей неподражаемой манере. Его черно-белые иллюстрации отличались изяществом форм и утонченностью линий.
Заслуживает упоминания и Чарльз Макинтош, который внес свой вклад в развитие модерна в архитектуре Великобритании.
Германия и Скандинавия известна своим "югендштилем". В нем архитектура объединяет в себе живопись и декоративно-прикладное искусство в одно гармоничное целое. Ему присуща плавность и текучесть линий, витражи с цветочным орнаментом в виде лилий и ирисов, кованый металл, широкие окна, золотой цвет. Среди известных архитекторов-модернистов были Бруно Юлиус Флориан Таут, Петер Беренс, Август Эндель.
В США модерн выразил себя в витражном искусстве. Американский дизайнер и художник по стеклу Луис Комфорт Тиффани изготавливал вазы и лампы цветочных форм, которые украшал стеклом собственного изготовления. Материал отличался радужным отливом и приобрел огромную популярность. Витражи Тиффани не утратили славу и по сей день.
Альфонс Муха
Отдельное место в модерне и в сердцах многих ценителей занимает Альфонс Муха. Художник чешского происхождения завоевал мировую славу благодаря театральным афишам и рекламным плакатам в стиле модерн, или ар-нуво. Интересно, что молодой Муха посылал свои работы в художественное училище. Они были возвращены с пометкой о полном отсутствии в них таланта. Но позже, когда Альфонс занимался росписью стен в графском замке, его работу заметил профессор академии, и был ею восхищен. Его обучение взялся оплачивать граф Куэн. Так начался творческий путь художника.
Благодаря работам Альфонса Мухи стиль ар-нуво был возведен в разряд культа. Художник творил и выполнял заказы во Франции, Германии, США. Символом стиля стали лилии, цветы цикламена, ирисы. Стилизованные растительные и животные формы, с плавными и текучими линиями.
Любимым объектом Альфонса Мухи была грациозная фигура прекрасной женщины, окруженная цветами и орнаментом. Помимо плакатов и иллюстраций, художник-модернист Муха занимался дизайном интерьеров и ювелирных украшений, писал трактаты по искусству. В Париже, на Всемирной выставке декоративно-прикладного искусства, Альфонс Муха был объявлен самым выдающимся представителем модерна.
Модернисты Серебряного века
Появление ар-нуво в России примерно совпадает с началом Серебряного века в литературе. Первые русские художники-модернисты в конце 1880-х годов образовали кружок под названием "Мир искусства".
Поначалу общество состояло из Александра Бенуа, Льва Бакста, Евгения Лансере, Сергея Дягилева и Константина Сомова. Постепенно к ним присоединяется все больше участников.
Руководителем стал Сергей Дягилев. Он занимался организацией выставок и продвижением художников-модернистов Серебряного века на европейский рынок. Постепенно кружок перерастает в творческое объединение. Туда входит весь цвет русской живописи. Список имен художников-модернистов Серебряного века слишком велик. Среди них особое место занимали Михаил Врубель, Валентин Серов, Исаак Левитан, Михаил Нестеров, Николай Рерих.
Мастера русского модерна
Отдельного упоминания заслуживает Михаил Александрович Врубель. Он был не только живописцем, но и декоратором, книжным иллюстратором. Также расписывал стены и витражи. Одним из известнейших мотивов его творчества является образ Демона, навеянный поэзией Лермонтова.
Врубелевский персонаж выступает скорее в роли страдающего лирического героя, чем грозной разрушительной силы. На картине "Демон сидящий" об этом отчетливо говорит его поза и полные тоски глаза.
Также в творчестве Врубеля был заметен уклон в сторону народного стиля. К нему относятся картины на тему русских былин и сказок: "Пан", "Микула Селянинович", "Царевна-Лебедь", а также религиозные и иконописные сюжеты. Александр Бенуа считал, что именно Врубель выразил все самые прекрасные и печальные стороны Серебряного века.
Наряду с Михаилом Александровичем значимой фигурой русского модерна был Михаил Васильевич Нестеров. В его творчестве звучат религиозные мотивы с пейзажами северной природы. Более всего он известен церковной живописью. Например, мозаичные работы на фасаде петербургского храма Воскресения Христова выполнены по его эскизам.
Еще один известный представитель художников-модернистов России - Николай Константинович Рерих. Он работал с невероятной плодотворностью. Его наследие живописных работ насчитывает более семи тысяч. Еще при жизни он приобрел мировую известность.
Свои картины на мифологические сюжеты, преимущественно славянские, Рерих писал чистыми интенсивными цветами. Одна из самых известных его работ - "Заморские гости". Она написана крупными, энергичными мазками и выразительным цветом. В ней отчетливо передано течение воды и движение паруса.
Эволюция модернизма
На сегодняшний момент под понятием "модернизм" объединяют несколько художественных направлений. К ним относятся: кубизм, абстракционизм, импрессионизм, экспрессионизм, символизм, дадаизм, фовизм, футуризм, сюрреализм, постмодернизм. В каждом из этих направлений есть свои яркие представители.
Некоторые связывают зарождение модернизма с появлением в 1863 году во Франции "Салона отверженных". Тут выставляли свои картины импрессионисты. Их идеи отвергались официальной художественной критикой, однако это лишь способствовало возрастанию их популярности. Импрессионизм дословно переводится как "впечатление". Художники старались запечатлеть подвижность и переменчивость мира, передать свое мнение о нем.
Среди самых ярких представителей можно выделить Эдуарда Мане, Клода Моне, Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Поля Сезанна.
Основная фигура в кубизме - это Пабло Пикассо. Для кубизма характерно разбиение изображения на условные формы и примитивные фигуры.
Абстракционизм тесно связан с Василием Кандинским. Особенность этого стиля заключается в гармоничном сочетании геометрических форм и цветовых пятен. При этом каждый оттенок был символичен и нес определенную смысловую нагрузку.
Кандинский отождествлял абстракционизм с музыкой. В одном из своих трактатов он писал: "Художник - рука, которая с помощью той или иной клавиши заставляет человеческую душу вибрировать".
Поздний модернизм
Сюрреализм - более позднее проявление модернизма - возник в 20-х годах прошлого столетия и стал широко известен благодаря эксцентричным работам Сальвадора Дали. Данный жанр представляет собой неограниченный полет воображения. Столкновение реального и нереального.
Символизм, пожалуй, самое раннее проявление модерна. Стиль возник еще в 1870-х годах. Символизм - широкое понятие, которое относится не только к живописи, но и к музыке и литературе. Символисты активно экспериментировали с художественными средствами и темами. Этот стиль был популярен и среди российских живописцев. Его ярким представителем был Виктор Борисов-Мусатов.
Фовизм принадлежит французской живописи. Яркость цветов, динамичность мазков, обобщенные формы - вот основные характеристики фовизма. Главной фигурой в этом стиле считается Анри Матисс. Хотя термин "фовизм" и переводится с французского как "дикий", сами приверженцы стиля не признавали это определение.
Футуризм позиционировался как искусство будущего. Был широко распространен в Италии и России. Он отталкивался от технологического и урбанистического развития мира, стремился выразить его красоту и динамику. Художественные приемы футуризма схожи с фовизмом и абстракционизмом. Но основной упор делается на передачу ритма и движения современной жизни. У русского футуризма судьба весьма трагична. Некоторые его представители, например Игорь Терентьев, были расстреляны, некоторые - отправлены в ссылку, остальные - преданы забвению.
Дадаизм представлял собой коллажи из газетных и журнальных вырезок. Как самостоятельный стиль просуществовал недолго и слился с сюрреализмом и экспрессионизмом.
Экспрессионизм и абстрактный экспрессионизм призваны передать эмоциональное состояние художника или его впечатление от той или иной вещи, человека и события. И хотя этот термин широко распространен, определенного художественного движения под этим названием не существовало.
Самый поздний виток развития модернизма - это постмодернизм. Это был окончательный эстетический переворот в Европе в середине 20-го века. Главной чертой его стало соединение элементов различных культур - Востока, Африки, Индии, Западной Америки, европейской культуры. Постмодернизм состоял из студенческих групп, которые стремились привнести в потребительское общество новую сверхидею. Но по сути это была своеобразная форма эстетического бунтарства. Наиболее яркие представители стиля - Йозеф Бойс и Сандро Киа.
Самые значимые картины
Среди всего творческого многообразия можно выделить наиболее значимые картины известных художников-модернистов, которые стали примером зарождающегося стиля и ветвями его развития.
Первой, пожалуй, будет картина "Завтрак на траве" Эдуарда Мане. Она была настолько нетипичной для своего времени, настолько не вписывалась ни в какие рамки традиционной живописи, что была не принята на официальную выставку в Парижском салоне и осмеяна критиками. Тем не менее Мане выставил ее в "Салоне отверженных". Там она ознаменовала собой новую эру в искусстве, лишенную страха самовыражения.
Вторым, более поздним примером переворота в творчестве, стала картина Пабло Пикассо "Авиньонские девицы". Впоследствии ей был присвоен статус иконы модернизма. Сам Пикассо о своей живописи писал, что изображает не объект, а свое отношение к нему.
И третья по счету, но не по значимости, - картина русского художника-модерниста Казимира Малевича "Черный квадрат". Она настолько известна, что не нуждается в представлении. Это своеобразная икона русских художников-модернистов 20 века. В то время стиль дробился и принимал причудливые формы.
Для самого Малевича картина стала отправной точкой, переходом на новый уровень беспредметного творчества, которое он назвал "супрематизм". Этот новый стиль являл собой сочетание упорядоченных простых геометрических форм. Казимир Малевич называл свой "Черный квадрат" первым шагом чистого творчества.
Заключение
Если бы пришлось составлять полный список художников-модернистов, тех, кто так или иначе связан с развитием стиля, то рамок данной статьи было бы явно недостаточно. Ибо он столь велик, что хватит на целую книгу.
Трудно переоценить поистине глобальный переворот в искусстве, который произвели художники-модернисты и их картины. Они заставили общество посмотреть на мир по-новому. Увидеть в нем другие краски, формы и содержание.
В начале 20-го века все ценности культурного наследия прошлых лет были пересмотрены, некоторые оставлены позади в прошедшем столетии. Мир захлестнули перемены. Этому способствовали и изящный венский модерн, и утонченный французский ар-нуво, и постмодернистские идеи в творческом самовыражении.
Благодаря творцам мир изобразительного искусства навсегда изменился, стал более открытым, свободным, новым. Теперь поклонники живописи столетиями могут наблюдать за художественным развитием прошлого.
www.syl.ru
История живописи: Модерн, модернизм и постмодернизм
Эти созвучные стили живописи часто путают между собой. Чтобы начинающий художник и любой другой человек, интересующийся искусством, мог свободно ориентироваться в направлениях, а так же уметь отличать их друг от друга, наша художественная школа предлагает Вам ознакомиться с данной статьей, а так же посетить увлекательные мастер-классы «Живопись Маслом». Вместе мы сможем не только рассмотреть разные стили живописи с их особенностями, но и самостоятельно реализовать свой потенциал в тех или иных течениях с применением специальных художественных техник.
Виктор Васнецов. После побоища Игоря Святославовича с половцами. 1848-1926.
Итак, начнем с модерна, который сегодня остается популярным и востребованным в мире за счет своей оригинальной эстетики.
МОДЕРН
Модерн в живописи – это сюжеты, наполненные характерными для символизма образами. Их сложный ритм сочетают в линейной композиции с оригинальными декоративными элементами.
Первым и главным признаком данного стиля является специфическая плавность форм. Мы видим вытянутые, растущие в высоту фигуры, с четкими выделенными контурами на одноцветной поверхности. Рассматривая работы известных художников модерна, стоит приглядеться, и вы заметите, что на них нет привычного эффекта глубины. Изображения выглядят плоскими, словно это настенные аппликации.
Изначально, когда модерн в живописи только набирал обороты, его представители использовали экзотические растительные мотивы, причудливые орнаменты и узоры. Не редко в их сплетении на холстах возникали женские фигуры или мистические существа. Это символ, некая аллегория на главную тему картины, например любви, греха, смерти или войны. Важно отметить, что язык стиля формировался долгие годы, во многом не без идей символистов из Франции и России. В каждой стране он именовался по-разному. Это вам и ар нуво, и югендстиль, и сецессион.
Модерн в живописи представлен работами таких культовых личностей как П. Гоген и П. Боннар, Г. Климт и Э. Мунк, М. Врубель и В. Васнецов.
Поль Гоген. Две таитянки
Михаил Врубель. Шестикрылый Серафим. 1904.
Не путайте живописцев модерна и художников-модернистов.
МОДЕРНИЗМ
Модернизм – это некая совокупность разных стилей, которые основаны на индивидуальности взгляда автора, на свободе его мысли и внутренних эмоций. В целом, модернизм в живописи позиционирует себя как отдельное крупное течение, которое отказалось от привычных классических традиций. Художники перечеркнули свой исторический опыт. Они пытались найти новое начало в искусстве, обновить восприятие и понимание живописи в социуме.
К наиболее известным модернистским течениям относятся такие стили, как авангардизм, примитивизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм и абстракционизм. Каждый из них преследует свою цель, имея в основе оригинальную философскую идею или мысль.
Авангардизм возник на почте модернизма в Европе в 1905-1930 годах. Цель этого течения — приобретения свободы по средствам художественных приемов. Работы авангардистов отличаются вызывающими, откровенными идеями и сценами.
Казимир Малевич. Супрематизм.
Примитивизм в живописи – это намеренное искажение образов, методом упрощения. В некотором смысле данный стиль подражает первичным, примитивным этапам развития живописи. Детская интерпретация человеческой сущности, обрисованная мелкими деталями, сделала этот стиль популярным среди художников самоучек. Однако наивное, легкое искусство без четких рамок и классических приемов серьезно повлияло на творчество маститых творцов. Примитивизм в живописи, в формах и образах отнюдь не связан с примитивностью содержания картины. Какие-то невзначай брошенные мелочи в сюжетах могут рассказать об очень важных внутренних эмоциях героя на холсте.
Нико Пиросмани. Актриса Маргарита. 1909.
Кубизм основывается на сдвиге форм образов, их деформации и разложении на геометрические элементы. Концепция картин стала доминировать над художественной ценностью. Именно это течение определило развитие искусства на ближайшие десятилетия.
Л. Попова. Портрет философа. 1915.
Сюрреализм в живописи возник в результате литературных трудов, посвященных формированию сознания человека. Мысль о существование разума и души за пределами реального мира, изучение бессознательного, а так же феномена сна и абсурдных явлений дало художникам новые темы для работ. Главный смысл этого стиля – отстранение от привычного осознанного творчества. Сюрреализм в живописи – это образы и сюжеты, взятые из глубин собственного подсознания. Посему картины этого плана полны причудливыми галлюцинациями.
Сальвадор Дали. Постоянство памяти. 1931.
Как и сюрреализм, футуризм в живописи берет свои идеи из литературы. Разрушение стереотипов и демонстрация урбанистического будущего – вот главная идея этого стиля. Стремительное движение в будущее, желание избавиться от старых норм, вырваться из пережитков прошлых столетий и попасть в мир более организованный и последовательный, видно в каждой работе художников данного течения. Футуризм в живописи русских авторов несколько отличается от картин европейских последователей этого направления. Главным образом слиянием с принципами кубизма.
Умберто Боччони. Состояния души II: Те, кто ушли. 1911.
Экспрессионизм в живописи – это протест против мира. Это внутреннее острое восприятие окружения, отчуждение человека, его духовное крушение. Стиль возник в преддверии войны, поэтому не удивительно, что холсты насыщенны деформацией, особым колоритом и резкими диссонансами. Экспрессионизм в живописи не что иное, как передача конкретной эмоции, драматизм понимания своих переживаний.
Эдвард Мун. Крик. 1893.
Абстракционизм в живописи – полный отказ от действительной передачи образов направлен на создание своеобразных ассоциаций у зрителя, путем сочетания на холсте разных геометрических фигур конкретных оттенков. Абстракционизм в живописи нацелен на гармонию композиции, ведь любой предмет под разным углом может иметь разные формы и оттенки. Это течение — последняя стадия проявления модернизма, так называемое нефигуративное искусство.
Тео ван Дусбург. Контркомпозиция V. 1924.
ПОСТМОДЕРНИЗМ
Уже из названия понятно, что постмодернизм пришел на смену модернизму, непонятному широким кругам и попавшему под руку скептических критиков. Он имеет уникальные типологические признаки. Во-первых, постмодернизм в живописи – это наличие готовой формы. Художники заимствуют образы из классических традиций, но дают им новую интерпретацию, свой эксклюзивный контекст. Не редко постмодернисты комбинируют формы из разных стилей, иронизируя над миром, а так же оправдывая тем самым свою вторичность.
Следующим важным отличием является отсутствие каких-либо правил. Данное течение не диктует автору критерии для самовыражения. Творец вправе выбрать любую форму и манеру исполнения своей работы. Обратите внимание, что такая свобода стала основой для свежих творческих идей и направлений в искусстве. Именно постмодернизм в живописи является предпосылкой к возникновению художественных инсталляций и перформансов. Данное течение не имеет четких особенностей в технике, и сегодня является наиболее крупным и популярным на мировой арене.
Paul Salvator Goldengreen. The Painter Prince.
Художественная школа «Живопись Маслом» активно содействует в поиске своего стиля начинающим художникам и любителям.
jivopismaslom.ru
Стиль модерн в живописи: черты, представители, художники
В конце XIX в. в искусстве появляется новый стиль, приверженцы которого пытаются отойти от историзма и эклектизма современного искусства. Этот стиль получил название модерн (от латинского modernus — новейший, современный).
Ярче всего модерн проявился в архитектуре, книжном оформлении, искусстве плаката. Затронул он также скульптуру и живопись.
Впервые новый стиль заявил о себе в Англии. В других западноевропейских странах модерн сформировался в 1880-х гг. Во Франции он носил название «ар нуво», в Германии — «югендстиль», в Австрии — «сецессион», в Италии — «либерти», в Испании — «модернисмо», в Польше — «сецесия».
Появление подобного искусства во многом предопределило творчество У. Морриса, Дж. Рёскина, прерафаэлитов и английских графиков У. Блейка и У. Крейна.
Живопись модерна характеризуется внешней декоративностью, стилизацией, плоскостной орнаментальностью. Нередко художники в своих произведениях использовали растительные мотивы. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетались в причудливый узор, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ. Плавные контурные линии, вытянутые фигуры, соединяющиеся цветовые плоскости (нередко монохромные) делали изображение очень эффектным. Благодаря таким качествам живописный язык модерна нередко использовали символисты для воплощения своих идей и образов.
С искусством модерна связаны имена таких известных художников, как П. Гоген, П. Боннар, М. Дени, Э. Вюйар, П. Серюзье во Франции, Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, Г. Климт в Австрии, Ф. фон Штук в Германии.Ярким представителем модерна в книжной графике был О. Бёрдсли.
Обри Бёрдсли
Обри Винсент Бёрдсли родился в 1872 г. в состоятельной английской семье. В 1891 г. он поступил в Вестминстерскую художественную школу Ф. Броуна. В свободное от занятий время молодой художник отправлялся в лондонские музеи и галереи. Большое впечатление на него произвело искусство А. Дюрера, Микеланджело, С. Боттичелли. Особое восхищение Бёрдсли вызывали гравюры А. Мантеньи, с которых он делал копии.
Значительное влияние на формирование художественного стиля Бёрдсли оказало искусство японской гравюры, творчество французских живописцев XVIII в. и произведения прерафаэлита Э. Бёрн-Джонса. Немного позднее его внимание привлекло творчество К. Лоррена, А. Ватто, П. Прюдона, Ж. Калло и Г. Моро.
В конце 1891 г. к Бёрдсли пришла настоящая известность. Самой крупной работой этого периода стала серия иллюстраций к «Сказаниям о короле Артуре» Джона Дента. В том же году художник познакомился с Э. Бёрн-Джонсом, искусством которого всегда восхищался.
С 1893 г. Бёрдсли работает над иллюстрациями для журналов, часть которых издается под его руководством («Желтая книга», 1894-1895, совместно с Х. Харлендом; «Савой», 1896, совместно с А. Саймонсом), а также создает рисунки для книг (иллюстрации к «Смерти Артура» Т. Мэлори, 1893-1894; к «Саломее» О. Уайльда, 1894; к рассказам Э. По; к «Похищению локона» А. Пуопа, 1896; эскиз для обложки и заставка к роману «Сцены парижской жизни» О. Бальзака, 1897; иллюстрации к «Вольпоне» Б. Джонсона, 1897). В этих немного легкомысленных и изящных работах заметно влияние французской гравюры XVIII в.
Вместе с популярностью к Бёрдсли приходит материальное благополучие. Но это не спасает его от тяжелой болезни — туберкулеза, который с детства мучает художника. Отсюда и глубокий трагизм, пронизывающий иллюстрации Бёрдсли к «Падению дома Эшер» Эдгара По.
Эротические рисунки Бёрдсли к «Правдивой истории Лукиана» вызывают негодование со стороны официальных кругов. Эти иллюстрации в 1895 г. и стали причиной ухода художника из «Желтой книги».
В 1896 г. Бёрдсли едет лечиться на курорт в Ипсом. В этом же году он создает очень остроумные и эротичные иллюстрации к «Лисистрате» Аристофана, а также к сатире Ювенала. Через два года умирающий художник будет умолять издателя уничтожить фривольные рисунки, но, к счастью, последний не выполнил просьбы и сохранил для нас замечательные творения английского графика.
О. Бёрдсли. Обложка к журналу «Савой». 1896 г.О. Бёрдсли. Туалет. Иллюстрация к поэме А. Пуопа «Похищение локона». 1896 г.
В ряде произведений Бёрдсли заметен интерес к религиозным и мистическим сюжетам. Увлечение оккультными науками отразилось в рисунке, названном автором «О Неофите, или Как он был посвящен в черную магию демоном Асомуэлем» (1893). Имя демону, олицетворяющему бессонницу, придумал сам Бёрдсли.
Не менее загадочным кажется рисунок «Поцелуй Иуды» (1893), свидетельствующий об интересе художника к духовному, внутреннему миру человека. Эти же мотивы присутствуют и в других произведениях Бёрдсли.
Обри Бёрдсли, проживший очень короткую жизнь (он умер в 1898 г.), оставил глубокий след в европейском искусстве. Утонченные и хрупкие, но в то же время ироничные и живые рисунки английского графика оказали большое влияние на мастеров последующих поколений.
Густав Климт
Густав Климт, австрийский живописец, график и декоратор, крупный представитель венского модерна, родился в 1862 г. в Вене.
В 1876-1883 гг. Климт учился в венской Школе художественных ремесел у живописца Ф. Лауфбергера. Первые его картины — это исторические композиции, отразившие влияние академического искусства.
Вместе с Х. Макартом Климт занимался монументальными декорациями. Среди подобных работ — живописное панно лестницы Музея истории искусства в Вене (1891). Эта работа, как и аллегорические композиции 1890-х гг. («Любовь», 1895), напоминает живопись художников-символистов Я. Тооропа и Ф. Кнопфа.
Большую роль в развитии венского модерна (югендстиля) сыграл «Сецессион» — объединение художников и архитекторов, отвергавших традиции академического искусства. В 1897 г. Климт стал президентом «Сецессиона». В начале 1900-х гг. художник, исполняя заказ Министерства культуры, создал три монументальных панно для актового зала Венского университета («Философия», 1900; «Медицина», 1901; «Юриспруденция», 1903). К сожалению, в годы Второй мировой войны все три панно были уничтожены. В этих произведениях ярко проявились черты модерна: ассиметричное композиционное построение, причудливые, напоминающие сложный орнамент переплетения обнаженных человеческих тел. Явная эротичность этих работ Климта, а также пессимистический дух, пронизывающий их, стали причиной отказа от панно профессуры университета.
Зрелым художником со сложившейся манерой письма Климт предстает в «Бетховенском фризе» (1902) , вошедшем в монументальный ансамбль здания «Сецессиона». В этом произведении выразилась попытка мастера с помощью живописно-аллегорических образов интерпретировать Девятую симфонию Бетховена. Ритм вытянутых фигур «Бетховенского фриза» напоминает изменяющийся темп музыкального произведения. Одежду людей, изображенных в росписях, а также фон покрывают причудливые орнаментальные линии и сверкающие золотом и серебром краски. В таком же стиле выполнена и мозаика обеденного зала во дворце Стокле в Брюсселе, созданная Климтом в 1911 г.
Картинам, написанным Климтом в 1900-х гг., свойственно сочетание объемной моделировки фигур людей с плоскостной орнаментальностью. Художник покрывает части обнаженного человеческого тела яркой мозаикой и золотыми узорами. Лица и тела как будто проступают сквозь спирали, геометрические фигуры, причудливые цветы и стебли экзотических растений. В такой манере исполнены картины «Юдифь» (1901), «Поцелуй» (1907-1908), «Три возраста» (1908), «Саломея» (1909) .
Г. Климт. Юдифь. 1901 г.Г. Климт. Три возраста. 1908 г.
В 1910-х гг. живопись Климта несколько меняется: исчезает обилие золота, в образах появляется экспрессия. Таковы символические композиции «Девушка» (1913), «Невеста» (1917-1918).
В стиле модерн исполнены и пейзажи Климта («Поле маков», 1907; «Дворец у воды», 1908; «Аллея в парке», 1912) .Умер Густав Климт в 1918 г. в Вене.
В стиле модерн работал также немецкий художник М. Клингер.
Макс Клингер
Немецкий живописец, график, скульптор Макс Клингер родился в Лейпциге в 1857 г. Учился в лейпцигской Школе искусств у известного мастера Ф. Брауэра. В 1874-1875 гг. он продолжил обучение в Карлсруэ в Академии художеств у К. Гуссова, а в 1876 г. начал посещать берлинскую Академию. Жил и работал в Лейпциге в Берлине. В 1879 г. посетил Карлсбад, Мюнхен, Брюссель, где занимался в мастерской Э. Х. Ваутерса.
С 1881 г. художник жил в Берлине, а с 1883 г. — в окрестностях немецкой столицы на вилле «Альберс». В 1867 г. Клингер вместе с А. Бёклином посетил Париж, а в 1886-1889 гг. — Италию. В 1892 г. он стал одним из основателей «Общества берлинских художников», а позднее вошел в мюнхенский «Сецессион». С 1897 г. Клингер — профессор графики лейпцигской Академии художеств.
Ранние работы художника отмечены влиянием академической живописи. В эти годы (конец 1870-х) он пишет картины на античные и исторические сюжеты («Падение у стены», 1878; «Смерть Цезаря», 1879).
В 1880-е гг. Клингер начал создавать произведения с символическим содержанием. С этого времени в его живописи преобладают аллегорические или фантастические образы («Морской бог в волне прибоя», 1884-1885). Его картины напоминают полотна Г. фон Маре, А. Бёклина, А. Фейербаха. О близости с искусством Фейербаха говорит, например, такая картина Клингера, как «Миссия», вытолненная в 1880 г. Художник натуралистично и несколько театрально изобразил на своем полотне сидящую у моря обнаженную женщину, рядом с которой стоят ворон и цапля.
В форме удлиненного панно (что очень характерно для живописи символистов) выполнены пейзажи Клингера «Вечер» (1882), «Горное ущелье» (1884), «Летний пейзаж» (1884-1885).
Живописца всегда интересовала тема скоротечности земной жизни и неотвратимости смерти. Подобные мотивы нередко увлекали не только современных ему художников, но и мастеров прошлых эпох. В духе искусства Возрождения написаны картины «Надгробный плач» (1890), «Распятие» (1890). Легенда о золотом веке — времени, когда все люди были счастливы и жили в гармонии с природой, — нашла свое отражение в таких работах Клингера, как «Голубой час» (1890), «Источник» (1891-1892), триптих «Воспоминание о Париже» (1908). Эти полотна показывают зрителю фигуры прекрасных юношей и девушек, олицетворяющих давно ушедшие времена. Нижнюю часть триптиха «Воспоминание о Париже» художник украсил скульптурным орнаментом, выразив таким образом свойственную эстетике символизма идею объединения раз-личный видов искусств.
Большой интерес представляет еще один триптих Клингера — «Христос на Олимпе» (1897). Художник помешает героев христианской истории в античную эпоху, ставя во главу угла Божественное начало. Это произведение свидетельствует об изменении живописных приемов автора: теперь главную роль в создании картины играет контур и цветовые пятна, с помощью которых Клингер моделирует объемы.
Искания в области новых художественных средств отразились и в скульптурных работах Клингера, в которых мастер сочетает разные породы мрамора с золотом, слоновой костью; покрывает скульптуры краской («Саломея», 1893; «Бетховен», 1902).
М. Клингер. Суд Париса. 1887 г.
Значительное место в творчестве Клингера занимают графические работы: афиши для выставок «Сецессиона» и прекрасные гравюры (серия «Перчатка», 1881).
Умер художник в 1920 г. Его творчество сыграло большую роль в развитии искусства модерна.
Как уже говорилось выше, модерн быт тесно связан с символизмом. Многие художники, работавшие в стиле модерн, на разных этапах своего творчества увлекались идеями символизма.
istoriya-iskusstva.ru
фото и варианты дизайна » Интер-ер.ру
Особенность картины в стиле модерн заключается в том, что она в первую очередь пробуждает эмоции. Также она сразу приковывает внимание и завораживает. Такое произведение может стать изюминкой и ярким дополнением любого современного помещения. Тем не менее важно уметь правильно подобрать подходящую картину, а также умело включить ее в интерьер комнаты.
Основные черты модерна в интерьере и живописи
Модерн представляет собой одно из направлений искусства, которое широко представлено в архитектуре, живописи, дизайне и т.д. Он был создан в конце 19 века в соответствии с правилами и нормами того времени. Само слово «модерн» в переводе с французского значит «современный», но сегодня он уже не отвечает самым последним тенденциям.
Модерн воссоздает в интерьере атмосферу прошлых веков и делает помещение изысканным и комфортным. Он может успешно применяться как в больших особняках, так и в обычных квартирах. От прочих стилей модерн отличается благодаря таким чертам:
- использование мебели, отделки и декора из природных материалов;
- доминирование плавности и естественных изгибов, а также отсутствие симметрии, прямых и отчетливых линий;
- наличие природных элементов в различных изображениях;
- преобладание пастельных и теплых оттенков.
Модерну в живописи характерна эмоциональность и яркая декоративность. Также эти картины отличаются орнаментальным фоном и выразительностью, которая достигается благодаря различным изысканным нюансам. Общими для полотен в данном стиле являются такие черты:
- динамичность;
- символизм формы, цвета и линий;
- заметная асимметрия;
- акцент на контуры;
- сложные рисунки;
- естественность каждой линии.
Популярные направления модерна
Существует несколько направлений модерна, которые приобрели значительную популярность. Так, одними из самых ярких и эффектных считаются полотна в стиле арт нуво. Они гармонично сочетают в себе разнообразие текстур, материалов и способов декорирования. При этом их особенность заключается в постоянном обращении к растительным мотивам.
Довольно известным является такое модернистское направление как кубизм. В его основе лежит концентрация внимания и восхваление гармонии геометрических фигур.
Меньшую известность приобрело течение фовистов, работы которых поражают абстрактным примитивизмом. Эти художники отрицали принятые всеми каноны и создавали свои творения под влиянием сиюминутного озарения. В целом, картины в стиле модерн часто отличаются гротескным отражением реальности, которое передается через всевозможные символы.
Роль картины в стиле модерн
Владельцы квартир или домов зачастую покупают полотна в этом стиле для того, чтобы создать неординарный интерьер. С помощью модерной живописи добиться поставленной цели достаточно легко, ведь она таит в себе мощную энергетику, идущую от особого ритма орнаментальных деталей.
На картинах в стиле модерн отсутствуют отчетливые жанровые зарисовки, но именно по этой причине они становятся объектом пристального изучения и философских размышлений. Рассматривая такое полотно и углубившись в него, можно угадать в расплывчатом изображении следующие мотивы:
- закат у моря;
- цветущий луг или ветку дерева;
- бесконечную синеву космоса;
- красочную весну или осень;
- языки огня и т.д.
Кроме того модерная живопись позволяет оторваться от повседневной суеты и погрузиться в воспоминания и мечты. Благодаря такому эффекту картина обеспечивает комнате уникальную атмосферу.
Внимание! Чтобы придать гостиной экстравагантности, следует использовать работы по мотивам японских гравюр. Однако они не согласуются с небрежностью и хаосом в интерьере, а потому требуют аккуратного расположения всех предметов и вещей.
Правила расположения картины в гостиной
Подбор места
Картины могут не только украшать комнату, но и скрывать ее недостатки. Так, чтобы слишком затемненная стена казалась светлее, нужно повесить интересное полотно в светлых тонах. Однообразная гостиная станет значительно ярче, если ее украсить оригинальной картиной. Правильно развешанные полотна визуально разделят большое помещение на отдельные зоны (например, натюрморт – в обеденной части, пейзаж – в зоне отдыха).
Картины позволяют сделать эффектным любой, даже самый невыгодный дизайн. При этом лучшее место для полотна в гостиной находится над тумбой или диваном. Интересным и актуальным может быть размещение большого количества картин на одной стене, благодаря чему образуется art-wall.
Сочетание цветов
При подборе картины для гостиной нужно исходить из цветового оформления стен, мебели, штор, потолка и т.д. Фоном для полотна будет стена, на которую его повесят хозяева дома. Модерные произведения искусства выглядят безупречно на фоне светлых однотонных стен, создавая яркий акцент. В то же время можно выбрать картину, которая будет одного или близкого цвета с фоном. Багет обычно подбирается в тон деревянных деталей мебели, находящейся в комнате.
Внимание! Не стоит помещать картину в гостиную, стены которой имеют насыщенный цвет. В таком случае полотно затеряется в общем оформлении и не сможет продемонстрировать всю свою красоту.
Не рекомендуется подбирать картину лишь с целью найти подходящее по цвету пятно для интерьера комнаты. Следует изучить большое количество фото, разобраться в специфике модерна, и лишь потом выбрать те работы, которые соответствуют взглядам и предпочтениям обитателей дома.
Создание композиции
Если несколько самостоятельных картин объединить в одну группу, тогда образуется целая композиция. Лучше всего развешивать рядом полотна одного мастера. Можно совместить несколько картин с помощью оформления каждой из них багетом одного формата. Также гармонично смотрятся картины одного размера и аналогичной цветовой гаммы. Кроме того, полотна успешно сочетаются на основе общей сюжетной линии.
Несколько полотен, модульных картин или фотографий следует вешать асимметрично и на некотором расстоянии друг от друга. Чтобы привнести в интерьер гармонию, лучше всего повесить произведение искусства в центре комнаты. В то же время, чтобы гостиная не казалась пустой, можно расположить в один ряд три полотна одинакового размера.
Следовательно, картины в стиле модерн – это превосходное решение для декорирования квартиры. Они могут стать как ярким акцентом, так и хорошим дополнением интерьера. Создавая в комнате атмосферу новизны и нестандартности, такие полотна всегда будут радовать обитателей дома, и приковывать внимание гостей.
Картины в стиле модерн: видео
inter-er.ru
Картины в стиле модерн — Идеи для дома
Современное искусство — сколько споров оно порождает не только среди искусствоведов и ценителей! Но совсем необязательно принадлежать к тем или другим, чтобы обзавестись прекрасной картиной в стиле модерн: она, несомненно, станет ярким акцентом в интерьере.
Вам кажется, что это ничего не значащая «мазня»? Набор пятен, не связанных никаким лексическим обоснованием? Надеемся, что к концу просмотра этой подборки вам уже не будет так казаться. Давайте посмотрим вместе.
Картина в стиле модерн вполне может стать органичной единицей оформления интерьера. Как, например, здесь.
Любителям четких геометрических форм несложно будет подобрать произведение по душе. Как вам, например, вот этот градиентный натюрморт?
Хочется чего-то попривычнее? Вот, пожалуйста. Морской закатный пейзаж:
Вересковая пустошь:
Цветущий луг:
Цветущая ветвь какого-то дерева — может, это абрикос у вас за окном весной?
Космос:
А такая картина изображает, несомненно, пламя, и ей — самое место над камином:
Убедились, что не все так сложно?
Любители «Матрицы» обязательно оценят по достоинству вот эту картину модерн:
Предпочитаете выдерживать интерьер в цветах конкретного времени года? Вполне может статься, что картина в стиле модерн станет идеальным дополнением к такой обстановке. Как вам вот это, поочередно весна, осень и лето:
Приятного просмотра! Еще несколько оригинальных идей дизайна интерьера с использованием картин модерн.
Евгения Пломбир специально для сайта Идеи для дома
© 2014, Идеи для дома. Все права защищены. Без письменного согласия автора или активной, прямой и открытой к индексации ссылки на источник перепубликация материалов полностью или частично запрещена!
www.ideas-for-house.ru
Модерн — стиль в живописи и архитектуре и его отличительные черты | DesigNonstop
Модерн — стиль в живописи и архитектуре и его отличительные черты
7
Стиль модерн, он же Ар Нуво, однозначно является моим самым любимым стилем. Более того, дизайн моего сайта по всем признакам выполнен именно в стиле Ар Нуво, как оказалось. Это и синий цвет, и растительные орнаменты, и насыщенность композиции, и обилие плавных линий. Модерн очень интересный стиль в плане прикладного применения в живописи, архитектуре, декоре интерьеров. Именно благодаря этой своей практичной особенности распространяться на смежные сферы искусства, модерн обрел сегодня второе рождение. По крайней мере, очень удобно оформлять среду проживания в одном стиле, начиная с ограды у входа и заканчивая обложкой книги.
Модерн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в искусстве. Представителей модерна объединяло антиэклектическое движение — стремление противопоставить свое творчество эклектизму предыдущего периода. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), элементам прикладного искусства.
В разных странах стиль модерн назывался по-разному: в США — тиффани (по имени Л. К. Тиффани), во Франции — Ар Нуво (фр. art nouveau, новое искусство), в Германии — югендстиль (нем. Jugendstil, молодой стиль), в Австрии — стиль Сецессион (Secessionsstil), в Англии — модерн стайл (modern style, современный стиль), в Италии — стиль либерти, в Испании — модернизмо, в Нидерландах — Nieuwe Kunst, в Швейцарии — еловый стиль (style sapin).
Период Модерна относительно короток, имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х и до 1914 года, начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило стремительное переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. Главным содержанием периода модерна стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, синтезу различных источников.
Художники модерна использовали в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусства этрусков и французского Рококо. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент. Стремление к целостности, пластичности внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции, динамика и текучесть форм и есть отличительные особенности стиля Модерна.
Представители стиля модерн стремились к рациональному стилистическому единству, чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве. В модерне присутствует декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры. И было не важно, предназначался ли такой декор для книжной обложки или же для фасада здания.
У истоков французского модерна стояли Поль Гоген и художники его круга. Также наиболее известным мастером Ар Нуво во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Важную роль в развитии Ар Нуво во Франции сыграли архитектор Эктор Гимар, ювелир Рене и художник по стеклу и мебели Эмиль Галле. Значительное место в искусстве Ар Нуво принадлежит известным бельгийским архитекторам Анри ван де Велде и Виктору Орта. В Испании архитектор Антонио Гауди отличался наиболее индивидуальным и оригинальным вариантом Ар Нуво.
В Великобритании черты, характерные для нового стиля, появились в оформлении книг уже с начала 1880-х. Одним из наиболее известных художников-графиков Ар Нуво был Обри Бёрдсли, его эксцентричные рисунки иллюстрировали литературные произведения. Одним из ведущих представителей модерна в Великобритании был Ч.Р.Макинтош, шотландский архитектор и дизайнер, выполнявший самые разные художественные работы – от архитектурных проектов до эскизов обоев и изделий из серебра. Творчество Макинтоша оказало огромное влияние на развитие европейской архитектуры и искусства.
В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.
Также представителями модерна можно назвать следующих художников – Густав Климт, Альфонс Муха, Михаил Врубель, Амедео Модильяни, Анри Руссо, Фердинанд Ходлер, Ян Тороп, Андерс Цорн, Константин Коровин, Михаил Нестеров, Франц фон Штук, Валентин Серов, Макс Курцвайль, Константин Сомов, Александр Бенуа, Мстислав Добужинский, Борис Кустодиев.
Стиль модерн достиг высшей точки своего развития на рубеже 19–20 веков, но вскоре был забыт – ведущие архитекторы стремились теперь к простоте и ясности форм и проявляли больше интереса к машинным технологиям, чем к ручной работе. Богатый декор 1890-х годов уступил место геометрическим, ничем не украшенным поверхностям зданий начала 20 века. Ар Нуво вышел из моды и был открыт заново только пятьдесят лет спустя.
www.designonstop.com
Модерн | История искусства
В конце XIX века в разных концах Европы почти одновременно возникло желание освободиться от смешения стилей, которые почти в течение полувека царило в архитектуре и прикладном искусстве. В противовес этой эклектике (смешение стилей) были предприняты попытки создать новый самобытный стиль. Эти попытки наиболее успешны были в области архитектуры, внутренней отделки помещений, в прикладном искусстве, в оформлении книги и искусстве плаката, в меньшей мере - в живописи и скульптуре. Первые шаги в создании нового стиля были сделаны в Англии. В разных странах этот стиль назывался по-разному, в русском он назывался "модерн", что значит "современный"
Для стиля модерн характерно стремление к внешней декоративности. Как украшения использовались растительные мотивы, однако, очень преобразованные так, что трудно их узнать. Главная роль отводилась красивым плавным линиям, которые поодиночке и целыми пучками покрывали поверхности. Изогнутые стебли, извивающиеся водоросли, ирисы и всевозможные экзотические тропические цветы изображены словно бы увядающими. Иногда среди растительных мотивов помещены грациозные женские фигуры, крылатые феи и другие существа.
Стиль модерн в архитектуре стремился отвечать практическим потребностям, хотя нередко этому препятствовало нагромождение характерных для модерна украшений. Если, скажем, архитекторы классицизма, проектируя здание, думали прежде всего о внешнем облике здания и лишь затем приступали к распространению внутренних помещений, то в эпоху модерна действовали противоположным образом - здание словно складывали из помещений различной формы и различного назначения. Например, в театральных зданиях пространство над сценой должно быть самым высоким, за ним следует по высоте пространство зрительного зала, а затем уже - прочие помещения. Поэтому театральные здания выглядели, как семейство грибов, столпившихся вокруг главного гриба - сценической коробки. Это сходство еще более увеличивали крыши - выпуклые, мягких очертаний, с их извилистыми краями. В оформлении внутренних помещений царили вытянутые, изящные формы, плавные переходы.
В живописи признаками стиля модерн считаются особая плавность форм, вытянутые фигуры, подчеркнутые контуры, четкие одноцветные поверхности. В живописи модерна эффект глубины имел второстепенное значение, все изображение выглядело плоским, а в иных случаях казалось украшенным аппликациями стенным ковром.
Мягкость и плавность форм модерна повлияли и на скульптуру. Однако, тут особых достижений не было. Зато гораздо более существенным было влияние принципов стиля модерн на графику. Это понятно: ведь и у графики, и у стиля модерн есть общее свойство - плавные линии. Особенно характерные образцы можно найти в оформлении книги и в плакате. Одним из интереснейших мастеров модерна был рано умерший англичанин Обри Бёрдслей (1872 - 1898)
Графика Обри Бёрдслея
Символизм
Разновидностью модерна является символизм. Художник изображает в своих произведениях два рода вещей: реально существующие и видимые глазом предметы, пейзажи, людей и т.п., а также всевозможные необычные, вымышленные существа, предметы. Эти вымышленные сюжеты художник черпает из литературных сказок, мифов, из истории, а больше всего - из собственной фантазии. Как раз в последние два десятилетия XIX века на рубеже веков такое искусство нашло особенно много сторонников. В этих произведениях много неопределенного, неуловимого, едва угадываемого, в них полно неясных намеков, иносказаний и символов - отсюда и название направления - символизм.
Одни символисты создавали печальные, тоскливые или поэтические картины, напоминающие сновидения, другие предпочитали писать мрачные и ужасающие сцены. Символисты обратились к теневым сторонам человеческой души; в их творчестве встречаются персонажи в странных позах, перекошенные маски, застывшие взоры черных глаз на смертельно бледных лицах, знаки роковых предчувствий, жуткие фантастические существа, скелеты, черепа и тому подобные мотивы.
Очень интересным художником-символистом был француз Пьер Пюви де Шаванн.
Модернизм
Начало искусству "модернизм" положили еще постимпрессионисты. Это искусство не стремится к верной передаче природы, но ставит своей целью самовыражение художника, выражение его чувств и настроений. Современное искусство (искусство XXвека) состоит из ряда течений, которые отличаются по своим целям и выразительным средствам и оказываются нередко прямо противоположны друг другу. Искусству модернизма свойственно одновременное существование различных течений и объединение в группировки художников с общими программами. В то же время встречались художники, которые на протяжении своей жизни принадлежали группировкам или создавали произведения в духе различных течений.
Искусство модернизма отбросило старые привычные традиции и тем самым породило многие проблемы и вызвало горячие споры. У этих новых течений были и пламенные защитники, и ожесточенные противники.
Одно из главных стремлений художников модернизма сводится к подчеркнутому выражению своей индивидуальности.
Наибольшие изменения на протяжении Xx века пережила живопись.
Направления модернизма сменяются с необычайной быстротой.
Фовизм
Первым в нашем столетии течением модернистского искусства считают фовизм. Группа молодых художников во главе с Анри Матиссом стала употреблять чистые, звучные цвета, сильные и размашистые мазки. Это было так чуждо и непривычно для зрителей, что таких художников стали называть "фовистами" (от французского слова "хищник"). Фовисты не ставили перед собой цель точно изображать природу. Они хотели сделать видимыми для глаза такие вещи, которых на самом деле увидеть нельзя, например, те чувства и настроения, которые возникают у художника при созерцании природы. Главным средством выражения они изобрели цвет. Вождем группировки фовистов был Анри Матисс.
Экспрессионизм
Экспрессионизмом называют искусство, которое ставит своей целью подчеркнутое выражение душевных состояний художника, его чувств и настроений. Хотя слово "экспрессион" французское и означает "выражение", впервые название этого течения было употреблено в Германии, где экспрессионизм получил наиболее чистое воплощение.
Немецкий экспрессионизм зародился в начале XX века, т.е. тогда, когда во Франции начинался фовизм. Но в отличие от фовистов немецкие экспрессионисты не стремились к красоте и на некоторых зрителей их творчество оказывало угнетающее впечатление. Экспрессионисты хотели поразить зрителя, пробудить его чувства, научить и направить его. Но в то же время их самих не удовлетворяли существующие в Германии порядки, поэтому у них было постоянное состояние удрученности, разочарования и досады, недовольство всем сущим, неспособности увидеть в мире ничего, кроме зла и уродства. Это, конечно, нашло отражение в их искусстве.
Для выражения своих чувств экспрессионисты использовали либо кричаще яркие краски, либо, наоборот, мрачные, грязноватые тона, резкие и упрощенные формы, сознательное их искажение.
После первой мировой войны художники критиковали в картинах ужасы войны, напуганных людей, раненых, калек, нищих.
Иногда, однако, складывалось впечатление, что экспрессионисты буквально ненавидят людей - такими уродливыми, опустившимися, даже ублюдочными, изображают они своих персонажей.
Наиболее известны немецкие художники-экспрессионисты - Эрнст Людвиг Кирхнер (1880 - 1938), Эмиль Нольде (1867 - 1956), Отто Дикс (1891 - 1969).
С экспрессионизмом, как художественным течением, покончили пришедшие к власти в Германии в 1933 году нацисты.
Кубизм
В первом десятилетии XX века зародился кубизм - одно из самобытных течений модернизма. Создателями течения были испанец Пабло Пикассо (1881 - 1973) и француз Жорж Брак (1882 - 1963).
Отчасти примером для них послужила привезенная тогда в Европу негритянская скульптура, важное значение имело также творчество постимпрессиониста Поля Сезанна, у которого они заимствовали идею упрощения предметов до геометрических форм - шара, куба, цилиндра, призмы. Поэтому их творчество в насмешку называли "искусством кубиков". Мир, который они создавали в своих картинах, был граненым и угловатым.
Главным принципом Пикассо и Брака было то, что художник не должен следовать видимой реальности, но должен сам творить новую реальность, которая подчиняется законам красоты, а не жизни. Они как бы расчленяли реальные предметы и существа на части и затем укладывали эти части по-другому. Они пробовали изображать один и тот же предмет с разных сторон одновременно. Например, человек на портрете мог быть представлен сразу в анфас и в профиль.
Кубисты предпочитали бледные коричневые и серые тона, к которым добавлялись кое-где зеленоватые и тускло-голубые.
Главным выразительным средством для кубистов были линии и плоскости - часто треугольные. Круг изображаемых предметов был весьма узок: портреты, здания, натюрморты. Если напрячь фантазию, то в изломах линий и пересекающихся плоскостей можно разглядеть столы, вазы, музыкальные инструменты, чаще всего - скрипки и гитары, а также другие предметы четкой геометрической формы.
В поисках новых изобразительных средств кубисты наклеивали на свои картины куски газет, обоев, тканей и т.п. Такие произведения получили название "коллаж", что по-французски означает "наклеивание".
Футуризм
В Италии у кубизма появилось родственное направление - "футуризм" (от итальянского "будущее"). Группа молодых художников, которым надоело бесконечное преклонение в их стране перед искусством прошлого, попытались создать новое, "искусство будущего", как они говорили. Они призывали отвергнуть достижения прошлого и возвеличивать технику и промышленный дух нового времени. Их восхищали железные дороги, опутывающие земной шар, океанские пароходы, удивительные "летательные аппараты", стальные мосты, огромные города, кишащие автомобилями. Однако во всем этом их привлекали илшь внешний облик.
Футуристы хотели передать в своих произведениях примету нового времени - возросший темп жизни, - располагая на длинном холсте рядом друг с другом, наподобие киноленты, последовательные моменты движения. Футуристы также пытались "изобразить" на картине всевозможные звуки, уличные шумы: для этого они окружали источник звука ярко окрашенными дугами и кругами, которые должны были олицетворять колебания звуковых волн.
Известными художниками-футуристами были Джакоммо Белла (1871-1958) и Джино Северини (1883-1966).
Футуризм был явлением кратковременным, он просуществовал лишь несколько лет, предшествовавших первой мировой войне.
Сюрреализм
Более долгая жизнь была суждена сюрреализму (от французского "сверхреальное", "сверхестественное"). Это течение неопределенное и оставляющее впечатление болезненного. Реальные существа и предметы выступают здесь в необычных сочетаниях, и поэтому возникают образы, напоминающие фантастические видения или сны. В сюрреализме нет никакого порядка и разумного смысла - все подчиняется случайности сновидения. Появление такого искусства в большой мере было связано с распространенной в начале XX века в медицине точкой зрения, согласно которой в человеческой душе, в подсознании гнездятся первобытные темные силы, которые стремятся подчинить себе сознание и поступки человека. Поэтому некоторые художники пробовали дать выход этим тайным силам, позволить им управлять рукой художника - так, чтобы произведение возникло как бы само собой, без контроля разума. Предшественницей сюрреализма была группировка "Дада" из Швейцарии. Художники, входившие в эту группировку, решительно отвергали старое классическое искусство и пытались сокрушить все, существовавшие до сих пор, законы живописи. Дадаисты, подобно кубистам, пользовались техникой коллажа, т.е. склеиванием разных материалов, и включали в картины случайные предметы.
С сюрреализмом был связан известный художник, который начал писать фантастические картины еще до появления дадаизма. Это живший во Франции, выходец из Беларуси Марк Шагал (1887 - 1985).
Окончательно сюрреализм сложился к началу 1920-х годов. Многие художники продолжали сочинять дадаистские нелепицы, они выставляли всевозможные готовые предметы, склеивая свои произведения из самых неожиданных материалов, например, из тряпок, окурков и т.п.
Одним из самых известных сюрреалистов был каталонец Сальвадор Дали (1904 - 1989), а также другой выходец из Каталонии - Хоан Миро (р.в 1893 - ).
Сюрреализм с его склонностью к абсурду был отражением некоторых сторон своей эпохи с ее противоречиями, кризисами, войнами.
Абстракционизм
Одним из самых сложных, самых спорных направлений в свременном искусстве был и остается до сих пор абстракционизм. У широких масс абстракционизм никогда не пользовался признанием. Абстрактная живопись не пытается передать существующее - людей, предметы, пейзажи, события, хотя для ее создания используются привычные средства живописи: точки, линии, плоскости, цвет. Сочетаниям пятен, линий, цветов они пытаются придать особое значение, отвечающее настроениям и чувствам художника, передающее его отношение к миру. Абстракционисты использовали также одно явление, замеченное еще в эпоху Возрождения, - что по-разному проведенные линии и цветовые созвучия могут вызывать у зрителя определнные настроения. О таком воздействии говорит и то, что мы считаем одни цвета, например, теплыми, а другие - холодными, одни - радостными, другие - мрачными, одни - нежными, другие - грубыми и т.д.
Существует много разновидностей абстрактного искусства под разными названиями. Предшественниками абстракционизма были кубизм, футуризм и дадаизм. Все эти направления уходили от природы, но все же сохраняли с нею хоть слабую связь. А бстракционизм порвал связь с природой окончательно. К абстракционизму почти одновременно пришли художники в Мюнхене, Амстердаме и Москве, это произошло уже в 1910-х годах. Широкое распространение это направление получило в 1930-х годах в Париже, Нью-Йорке, куда эмигрировали, спасаясь от фашизма, многие европейские художники.
Отцом абстракционизма считают русского художника Василия Кандинского (1866-1944). К некоторым ответвлениям абстракционизма относится творчество русского художника Казимира Малевича (1878-1935). К числу основателей абстракционизма принадлежит также голландец Пит Мондриан (1872-1944).
Абстрактное искусство всегда было непонятно большинству зрителей, поэтому ему на смену пришли направления, которые стремились к большей доступности.
Поп - арт
Одним из сравнительно новых направлений в современном искусстве является поп-арт. Он возник еще в 1950-х годах, но расцет его произошел лет на десять позднее. Возникло новое направление в Соединенных Штатах Америки. Художники стремились сделать искусство понятным широкому зрителю, сделать его популярным - отсюда сокращение "поп" в названии. Однако картины отпугивали публику и критиков своей пошлостью и безысходностью. Поп-художники часто используют фотоснимки, коллажи, готовые предметы, необычные материалы. Картины изображают консервные банкия, бутылки "Кока-колы", рекламные плакаты, увеличенные картинки и т.п.
"Классики" поп-арта - сплошь американцы, самые известные из них - Роберт Раушенберг и Энди Уорхол (1930-1987).
Наивное искусство
В XX веке все большее внимание стало привлекать одно явление, которое раньше не считали искусством вообще. Это творчество художников-любителей, которое называют наивным или примитивным. Первый наивист, принятый всерьез, был француз Анри Руссо. Большая часть наивистов - это люди, живущие в захолустных городках, деревнях, лишенные возможности учиться живописи, но полные желания творить. Они просто сердечно изображают свои повседневные труды, народные праздники, семейные события, свой родной край, природу, зверей. Даже в технике беспомощных работ наивистов сохранена та свежесть, к которой стремится и высокое искусство.
cvetamira.ru
