Мифы Древней Греции: история Олимпийского Пантеона. Картины древнегреческих мифов

Всероссийский Конкурс ученических рефератов «Кругозор»

«СЮЖЕТЫ ДРЕВНЕГРЕЧЕСКИХ МИФОВ В ЖИВОПИСИ»

Реферат

учащейся 8 класса фортепианного отделения

МБОУ ДОД «Детская школа искусств» р.п.Ровное

Предмет «Беседы об искусстве»

Ермаковой Надежды Александровны

Руководитель Масленникова Ирина Ивановна

2013г.

Содержание

I. Введение……………………………………………………………………....3

II. Мифы Древней Греции и европейское изобразительное искусство……..5

2.1.Греческая мифология………………………………………………………5

2.2.Сюжеты древнегреческих мифов в живописи……………………………8

2.3.Роль древнегреческих мифов в жизни человека………………………....................................................................20

III.Заключение…………………………………………………………………22

IV.Список использованной литературы……………………………………..24

V. Приложение……………………………………………………………….25

I. ВВЕДЕНИЕ

Европейская культура, в том виде, в котором знакомы с ней современные люди, своим происхождением обязана Античности. Мы, порой, даже не подозреваем, насколько глубоко проникли герои и образы древних мифов в нашу жизнь.

Достижения древних греков удивительны во всех областях, и на них основана вся европейская цивилизация. Античность сопровождает европейское человечество на всем его пути. «Мы видим глазами греков и говорим их оборотами речи», – сказал Якоб Буркхардт, швейцарский историк и философ культуры.

Одним из самых ранних и существеннейших элементов античной культуры является миф. Миф (от греч. muthos - слово, сказание) - это повествование о происхождении мира, богов, героев, различных народов, событиях естественной и общественной истории, которые возникли в глубокой древности и в устной форме передавались из поколения в поколение. Миф исключительно важный шаг в познании и понимании окружающего мира, в самопознании человека. В мифе сочетаются реальное и вымышленное, рациональное и эмоциональное, природное и культурное. Миф - универсальное обобщение человеческой жизни, неотъемлемое свойство всей культуры.

Греческие мифы глубоко проникли в образ мыслей современного человека, и мы порой не замечаем, как говорим о паническом страхе, об олимпийском спокойствии, бесстрашного человека сравниваем с Гераклом, а решительную женщину – с амазонкой. А выражения «троянский конь», «яблоко раздора», «нить Ариадны» и многие другие понятны практически всем.

Мифы веками накапливали опыт народов, их представления о добре и зле, о достойном и недостойном поведении. Передаваясь из поколения в поколение, они учили людей тому, как следует жить.

В современной жизни мы очень часто сталкиваемся с названиями и именами из древнегреческой мифологии. Мифы Древней Греции много веков вдохновляют поэтов, художников, скульпторов и композиторов всего мира, а значит, без знания сюжетов невозможно понять многие произведения искусства.

Актуальность и значимость данной темы определяется и тем, что древнегреческая мифология и религия сыграли неоценимую роль в становлении европейской культуры и в ее последующем развитии.

Цель данной работы - осмысление духовного богатства древнегреческой мифологии, красоты мифологических сюжетов и образов, получивших своё воплощение в живописи.

Для реализации поставленной цели необходимо рассмотреть следующие задачи:

- дать общую характеристику древнегреческой мифологии;

- выявить особенности интерпретации мифологических сюжетов и образов в живописи;

- показать роль древнегреческих мифов в жизни людей.

Методологическую основу работы составляют труды Я. Бурхарда, Н.А. Куна, Э.И. Ларионовой, Г.И. Чугунова.

II. Мифы Древней Греции и европейское изобразительное искусство2.1. Греческая мифологияГреческая мифология или мифология Древней Греции возникла гораздо позже большинства античных представлений греческого народа о мире. Эллины, подобно другим народам древности, стремились каким-то образом разгадать грозные и часто непонятные природные явления, познать те таинственные неизвестные силы, которые управляют человеческой жизнью. Фантазия древних греков и породила древнегреческую мифологию, населила окружающий мир добрыми и злыми сказочными существами: в рощах и на деревьях поселились дриады, в реках – нимфы, в горах – ореады, в океанах и морях – океаниды. Облик природы, дикий и непокорный, олицетворяли кентавры и сатиры.

При исследовании греческой мифологии становится ясно, что миром в то время правили бессмертные боги, добрые и мудрые. Они обитали на вершине громадной горы Олимп и представлялись как прекрасные и совершенные существа, подобные по внешнему облику людям. Они представляли собой единую семью, главой которой был Зевс-Громовержец. Очеловечивание божественных существ являлось характерной особенностью греческой религии, что позволяло сделать греческую мифологию ближе обычным людям. В качестве высшей меры совершенства считалась внешняя красота. Итак, могучие силы природы, ранее неподвластные ни понимаю человеку, ни тем более его влиянию, становились понятными, более объяснимыми для воображения обычного человека.

Греческий народ стал творцом неповторимых в своей красочности мифов и легенд о жизни людей, богов и героев. В древнегреческой мифологии воспоминания о далеком, давно забытом прошлом и поэтический вымысел слились воедино. Греческая мифология представляет собой первобытную попытку осмыслить действительность, придать всей природной картине целесообразность и стройность, расширить жизненный опыт.

Трудно установить в точности, когда появились первые греческие мифы и легенды, в которых были явлены миру человекоподобные боги, и есть ли они наследие древней критской (3000-1200 годы до нашей эры) или микенской (до 1550 года до нашей эры) культур. Легенды, предания и сказания передавались из поколения в поколение певцами - аэдами и не были зафиксированы письменно. Аэд (от греч. — певец) — в Древней Греции профессиональный исполнитель эпических песен под аккомпанемент щипкового инструмента форминги (наподобие лиры). Аэды могли быть странствующими и на постоянной службе у царей и греческих общин, преимущественно до VII—VI века до нашей эры — позднее на смену аэдам пришли рапсоды. Песни аэдов имели импровизационный характер и оказали существенное влияние на развитие греческого эпоса.

Первыми записанными произведениями, донесшими до нас неповторимые образы и события, были гениальные поэмы Гомера «Илиада» и «Одиссея». Запись их датируется VI веком до нашей эры. По мнению историка Геродота, Гомер мог жить за три века до этого, то есть около IX-VIII веков до нашей эры. Но, будучи аэдом, он использовал творчество предшественников, еще более древних певцов, самый ранний из которых, Орфей, по ряду свидетельств, жил приблизительно во второй половине II тысячелетия до нашей эры. К этому времени относятся мифы о путешествии аргонавтов за золотым руном, среди которых находился и Орфей. Современная наука полагает, что великий эпос не может появиться неожиданно и случайно. Поэтому гомеровские поэмы рассматриваются как завершение длительного развития догомеровских, давно исчезнувших героических песен, следы которых, однако, можно найти в самих текстах «Илиады» и «Одиссеи».

Недосягаемый образец, которым доныне является гомеровский эпос, не только донес до потомков обширные знания об эллинской жизни, но и позволил составить представление о взглядах греков на мироздание. Все сущее образовалось из Хаоса, который являл собою борьбу стихий. Первыми появились Гея - земля, Тартар - ад и Эрос - любовь. От Геи родился Уран, и затем от Урана и Геи - Кронос, циклопы и титаны. Одолев титанов, Зевс воцаряется на Олимпе и становится правителем мира и гарантом вселенского порядка, который наконец наступает в мире после долгих потрясений. Древние греки были величайшими мифотворцами Европы. Именно они придумали слово "миф" (в переводе с греческого "предание", "сказание"), которым мы сегодня называем удивительные истории о богах, людях и фантастических существах. Мифы были положены в основу всех литературных памятников Древней Греции, включая поэмы Гомера, столь любимые в народе. И в нашем веке людей волнует старая как мир история Эдипа, убийцы отца; приключения Ясона, пересекшего Черное море в поисках волшебного золотого руна; судьба Елены, прекраснейшей из женщин, которая послужила причиной Троянской войны; странствия хитроумного Одиссея, одного из храбрейших греческих воинов; удивительные подвиги могучего Геракла, единственного из героев, кто заслужил бессмертие, а также истории великого множества других персонажей. Римляне, наследники культурных традиций Эгейского мира, многих италийских божеств приравняли к богам греческого пантеона[6].

Вообще, само создание мифов было первым шагом человека к творчеству и познанию самого себя. Древние греки были деятельным, энергичным народом, не боявшимся познавать реальный мир, хотя он и был населен враждебными человеку существами, вселявшими в него страх. Но безграничная жажда познания этого мира пересиливала страх перед неизвестной опасностью. Приключения Одиссея, поход аргонавтов за золотым руном - это запечатленные в поэтической форме все те же стремления узнать как можно больше о той земле, на которой обитает человек. В своих поисках защиты от страшных стихийных сил греки подобно всем древним народам, прошли через фетишизм - веру в одухотворенность мертвой природы (камней, дерева, металла), который потом сохранился в поклонении прекрасным статуям, изображавшим их многочисленных богов.

Древнегреческие боги были во всем подобны людям: добры, великодушны и милостивы, но в то же время зачастую жестоки, мстительны и коварны[7].

Человеческая жизнь неизбежно кончалась смертью, боги же были бессмертны и не знали границ в выполнении своих желаний, но выше богов была судьба - Мойра - предопределение, изменить которое не мог никто из них. Таким образом, греки, даже в участи бессмертных богов усматривали их сходство с судьбами смертных людей.

Боги и герои греческого мифотворчества были живыми и полнокровными существами, непосредственно общавшимися с простыми смертными, вступавшими с ними в любовные союзы, помогавшие своим любимцам и избранникам. И древние греки видели в богах существа, у которых все, свойственное человеку, проявлялось в более грандиозном и возвышенном виде. Безусловно, это помогало грекам через богов лучше понять себя, осмыслить собственные намерения и поступки, достойным образом оценить свои силы.

2.2. Сюжеты древнегреческих мифов в живописи.Сюжеты и герои древнегреческих мифов всегда интересовали художников разных эпох и направлений. Каждый из них находил свою интерпретацию мифологических образов.

Не остались в стороне и живописцы эпохи Возрождения, в частности Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli, 1445 —1510) — прозвище флорентийского художника Алесса́ндро ди Мариа́но ди Ва́нни Филипе́пи (итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi). Родился в семье зажиточного горожанина, получил хорошее образование. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую.

Одна из знаменитых картин Боттичелли – «Рождение Венеры» (1484-1486). В «Рождении Венеры» художник изобразил образ Афродиты Урании - небесной Венеры, дочери Урана, рожденной из моря без матери. Существуют разные сказания о происхождении Афродиты. Классическая Афродита возникла обнаженной из воздушной морской раковины вблизи Кипра — отсюда прозвище «Киприда» — и на раковине добралась до берега. Оры в золотых диадемах увенчали её золотым венцом, украсили золотым ожерельем и серьгами, а боги дивились её прелести и возгорались желанием взять её в жены[1].

Картина иллюстрирует миф рождения Венеры (греч. Афродиты). Обнажённая богиня плывет к берегу в раскрытой раковине, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды (рим. Флора) дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций.

На картине запечатлено не само рождение, а последовавший за тем момент, когда гонимая дыханием гениев воздуха, Венера достигает берега. Кроме Венеры на картине изображена нимфа Ора, являющаяся воплощением природы, она готова прикрыть Венеру плащом. Ора - одна из трех Гор, нимф времен года. Эта Гора, судя по покрывающим ее одежду цветам, покровительствует весне, тому времени года, когда могущество Венеры достигает вершины. Возможно, на эту картину художника вдохновил один из гомеровских гимнов, в котором описывается, как Зефир, бог западного ветра, принес на остров Кипр Венеру, где ее приняли Горы.

В позе Венеры можно отметить влияние классической греческой скульптуры (поза, опора фигуры на одну ногу, жест рукой). Судя по всему, пропорции тела основаны на каноне гармонии и красоты, разработанном ещё Поликлетом и Праксителем.

Композиция картины благодаря фронтальному изображению Венеры в центре, симметрично расположенным фигурам справа и слева можно определить как статичную. Такая композиция делает картину спокойной и величественной. А линии покрывала Оры и накидки Зефира, линии их тел, волос Венеры, падающие цветы и ритм волн, наполняют картину внутренним движением, движением воздуха. Колорит картины можно определить как мягкий, ласковый, даже для плаща Оры художником выбран приглушенный красный тон, позволяющий поставить акцент, но не вызывающий раздражения.

Среди новшеств Боттичелли важным было использование холста, а не доски, для произведения столь крупного размера. Он добавлял минимальное количество жира к пигментам, благодаря чему холст в течение долгого времени оставался прочным и эластичным, а краска не трескалась. Было также установлено, что Боттичелли нанёс на картину защитный слой из яичного желтка, благодаря чему «Рождение Венеры» хорошо сохранилось.

Сюжеты древнегреческих мифов затронули и творчество художника Северного Возрождения Питера Брейгеля Старшего (1525—1569)- фламандского живописца и графика, самого известного и значительного из носивших эту фамилию художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким. Из всех сохранившихся картин Брейгеля около трети находятся в Музее истории искусства в Вене[2].

Его картина «Пейзаж с падением Икара» (1555-1558, Музей изящных искусств, Брюссель) повествует о бесстрашном Икаре, сыне Дедала. Согласно древней легенде, строитель Дедал появился на острове Крит после того, как у себя на родине, в Аттике, убил своего племянника, которому завидовал. Последний был очень талантлив и сумел создать нужные человечеству инструменты: пилу, циркуль, гончарный круг. На Крите Дедал построил для царя Миноса огромный дворец с подземными лабиринтами. В лабиринте жило страшное чудовище - Минотавр. Жители Афин вынуждены были платить Миносу дань - посылать для прожорливого Минотавра юношей и девушек. Это длилось до тех пор, пока Тезей, попавший в лабиринт, не убил Минотавра. Благодаря Дедалу герой бежал с Крита. Разгневанный Минос повелел заточить Дедала, но тот сделал для себя и своего сына Икара крылья из перьев птиц. С помощью крыльев отец и сын покинули остров. Дедал предупреждал сына, чтобы он не взлетал слишком высоко, но Икар не послушался отца и взмыл вверх, к самому солнцу. От жара солнечных лучей воск, скреплявший перья, растаял, и юноша, лишенный крыльев, упал в море и утонул[3].

В XVI веке легенду об Икаре воспринимали как суровое предупреждение гордецам и недальновидным выскочкам, пренебрегающим своим предназначением. Конечно, Брейгель знал и античный источник сказания - "Метаморфозы" древнеримского поэта Овидия, где о пролетающих по небу Дедале и Икаре говорится следующее:

Каждый, увидевший их, рыбак ли с дрожащей удою, Или с дубиной пастух, иль пахарь, на плуг приналегший, - Все столбенели и их, проносящихся вольно по небу, За неземных принимали богов. Художник ввел в свою картину фигуры пастуха, пахаря и рыболова, но придал этим образам совсем иной смысл. Они Икара не видят или не хотят видеть: например, рыбак невозмутимо продолжает удить, хотя юноша и упал в воду прямо у него на глазах. А пастух смотрит в небо, хотя его овцы на краю обрыва, и пахарь, и рыболов – все они заняты своим делом. "Ни один плуг не остановится, когда кто-то умирает" - так говорит нидерландская пословица.

Картина полна покоя и умиротворения. Известный греческий миф Брейгель трактует весьма неожиданно. Человеческая нога, исчезающая в море, - вот и все, что осталось от бесстрашного героя. Смерти Икара не заметил никто: ни пастух, ни крестьянин на поле, ни рыбак на берегу. Автор картины сделал всё возможное, чтобы зрители в последнюю очередь увидели так называемое падение Икара. Две яркие точки притягивают наш взгляд- это рубаха крестьянина и жёлтое солнце над водной гладью. После этого мы начинаем обращать внимание на мелкие светлые детали - белых овец, белые горы, корабль с белыми парусами, и… барахтающегося человечка рядом с этим кораблём. Главный герой картины – солнце, а человек – песчинка, промелькнувшая в его лучах.

Ещё один из любимейших героев древнегреческой мифологии - Аполлон - сын Зевса и титаниды Лето, брат-близнец Артемиды, один из главнейших богов олимпийского пантеона. Ревнивая Гера - супруга Зевса запретила Лето вступать на твердую землю. Поэтому Аполлон и его сестра Артемида родились на плавучем острове Астерия, который после рождения близнецов стал называться Делосом.

Один из мифов повествует, что в наказание за убийство циклопов, ковавших отцу Аполлона Зевсу молнии, Зевс сделал своего сына пастухом. Аполлон должен был пасти стадо царя Адмета, но небрежно отнесся к порученному делу, и ловкий Меркурий (Гермес) украл у него стадо. Впрочем, Зевс приказал Меркурию вернуть похищенных коров, после чего позволил Аполлону вновь занять свое место среди богов[3].

Сюжет этого мифа изобразил в картине «Пейзаж с Аполлоном и Меркурием» Клод Лоррен (1600 – 1682). Лоррен родился в крестьянской семье, рано остался сиротой. Получив начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве во Фрайбурге, в Брайсгау, в 1613—14 гг. он отправился вместе с одним из своих родственников в Италию. Работая слугой в доме художника-пейзажиста Агостино Тасси, усвоил некоторые технические приёмы и навыки. Вначале он выполнял заказные декоративные работы, т. н. «пейзажные фрески», но позже ему удалось стать профессиональным «пейзажистом» и сосредоточиться на станковых работах. Кроме того, Лоррен был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись. С большим мастерством художник изображал игру солнечных лучей в различные часы дня, свежесть утра, полуденный зной, меланхолическое мерцание сумерек, прохладные тени теплых ночей, блеск спокойных или слегка колышущихся вод, прозрачность чистого воздуха и даль, застилаемую лёгким туманом. В его творчестве можно различать две манеры: картины, относящиеся к ранней поре его деятельности, писаны сильно, густо, в теплых тонах; позднейшие — более плавно, в холодноватом тоне[4].

Композиция картины «Пейзаж с Аполлоном и Меркурием» (ок. 1645) построена так, что увлекает взгляд зрителя вглубь картины. Для этого изогнутая линия берега уходит вдаль. На заднем плане в предрассветной дымке виден красивый идиллический пейзаж с римским акведуком. Колорит картины типичен для позднего Лоррена и заключается в преобладании холодных тонов. Расположение с обеих сторон картины на переднем плане деревьев создают эффект некоторой театральности происходящего, герои мифа предстают как действующие лица спектакля, где главное действующее лицо – природа, во всем ее великолепии. На эту мысль нас наводит масштаб изображенных фигур и ракурс их постановки (в пол оборота к зрителю).

Согласно записи, сделанной Лорреном в его "Книге истины", эта картина была написана для "Франческа Аберини". По всей видимости, это описка, и работу заказал художнику либо аристократ Франческа Алъберини, либо богатый римлянин Франческа Арберини. "Пейзаж с Аполлоном и Меркурием" с 1750 года хранится в Хоулкхэм Холле. Именно тогда ее купил владелец Хоулкхэм Холла Томас Коук, первый граф Лейстер.

Еще один герой древнегреческой мифологии – Леандр. Леандр — юноша из Абидоса в Троаде, который полюбил Геро, жрицу Афродиты, жившую в Сесте, расположенном на другом берегу пролива Геллеспонт. Каждую ночь Геро ждала, когда он переплывет пролив и, чтобы ему было светлее, зажигала огонь на башне. Леандр плыл на маяк и добирался до берега. Однажды огонь погас и Леандр не смог доплыть. Утром его тело прибило к ногам Геро. Увидев его, Геро в отчаянии бросилась в море с башни. «Башню Геро» позднее показывали в Сесте.

Сюжет этого мифа заинтересовал Этти Уильяма. Этти Уильям (William Etty) (1787-1849) - английский живописец периода романтизма, яркий представитель натурализма и исполнения обнаженной натуры Уильям Этти занимает достойное место среди английских художников. В чувстве и навыке колориста художнику не было равных в Англии в первой половине 19 века.

Родился в Йорке 10 марта 1787 года. Его отец был мельником и пекарем хлеба. Будущий живописец в возрасте одиннадцати с половиной лет был вынужден оставить отеческую крышу; по настоянию отца он был определен учеником в типографию. После семи лет ученических испытаний и унылой работы в типографии Этти уехал в Лондон.Помощь старшего брата и покровительство богатого дяди, помогли становлению Уильяма Этти, непосредственно как художника. Этти начал свое обучение, создавая наброски пейзажей, копируя различные изображения, рисунки печатных изданий и прочие иллюстрации; все это было первой художественной школой Уильяма Этти. В Смитфилде Этти сделал копию старинной картины «Купидон и Психея», которая стала известна и благодаря которой Этти был принят в 1807 году студентом академической школы в Сомерсет Хаус. Этти был одержим изображением обнаженной натуры, которую он штудировал и писал на протяжении всей своей творческой жизни. Его полотна часто вызывают в памяти чувственные модели и насыщенный колорит произведений Тициана и Питера Пауля Рубенса. Этти часто обращался за вдохновением к классической мифологии и аллегорическим сюжетам. Его работами восхищались Эжен Делакруа и другие живописцы-романтики[7].

В картине «Геро и Леандр» (1828 -1829) герои показаны в момент последнего трагического объятия, когда жизнь уже покинула их. На фоне темного моря и грозовых облаков выделяются обнаженные тела, написанные светящимися чувственными тонами. Черные волосы и одеяние Геро как бы сливаются с ночной тенью. Несмотря на трагичность сюжета композиция картины скорее динамична, об этом свидетельствует диагональное расположение фигур на первом плане, линия набегающих волн и взбудораженное небо. Сочетание в колорите картины красно- коричневых, светлых, темно-синих и черных тонов, усиливает трагическое ощущение произошедшего.

Этот сюжет нашел воплощение в работах других живописцев (П. Рубенс «Геро и Леандр», Д.Фетти «Геро и Леандр», И.К. Айвазовский «Вид Леандровой башни в Константинополе»), в литературе (Мусей «Геро и Леандр», Овидий «Послание Леандра Геро и её ответ», Ф. Шиллер «Геро и Леандр», К. Марло «Геро и Леандр», А. Фет «Геро и Леандр», А. Куприн «Геро, Леандр и пастух», М. Павич «Внутренняя сторона ветра», Й. Ван Ден Вондел «Геро и Леандр»), в музыке (кантаты Г.Ф. Генделя, А. Скарлатти, опера Д. Боттезини, симфоническая поэма А. Каталани, симфония №4 Д. Хесса).

Одним из часто изображаемых греческих мифологических персонажей является также Пандора. Пандора – (греч.) "всем одаренная". Она была первой женщиной, созданной по воле Зевса Гефестом в наказание за то, что Прометей похитил с неба огонь для людей. Пандора должна была стать орудием отмщения. Гефест вылепил Пандору из земли и воды, дал своему творению облик, подобный богине, человеческий голос и прелесть. Афродита одарила Пандору красотой, Гермес - коварством, хитростью, лживостью и красноречием. Афина соткала для Пандоры прекрасные одежды. Одарили Пандору и другие боги. Зевс отдал Пандору замуж за брата Прометея - Эпитемия, которому она родила дочь Пирру. Эпитемий, несмотря на предостережения Прометея, принял в дар от Зевса ящик, в котором были заключены все людские пороки, несчастья, болезни. Терзаемая любопытством, Пандора открыла его и выпустила на волю бедствия, от которых с тех пор страдает человечество. На дне осталась только надежда, так как Пандора успела захлопнуть крышку[3]. Иносказательно ящик Пандоры - вместилище бед; дар, чреватый бедами.

Картину «Пандора, открывающая ларец» (1896, частная коллекция) написал английский художник Джон Уильям Уотерхаус (1849 – 1917). Он родился в Риме, в семье художника. В 1850-х семья вернулась в Англию. Перед поступлением в Королевскию академическую школу в 1870 Уотерхаус помогал отцу в его студии.

Довольно часто его относят к прерафаэлитам (объединение английских живописцев и писателей середины XIX в., которые ориентировались на эстетические идеалы Средневековья, интернациональной готики и раннего Итальянского Возрождения периода кватроченто — искусства "до Рафаэля" и других художников "Высокого Возрождения"), хотя он формально не принадлежал к данному течению. Уотерхаус поддерживал идею прерафаэлитов в заимствовании сюжетов из поэзии и мифологии. Он с особой точностью передавал драматизм момента, а также демонстрировал блестящее владение композицией и живописной техникой. Своей популярностью художник обязан очарованию и шарму его задумчивых моделей.

Работы Уотерхауса хвалились критиками, его репутация была высока, и ему подражали молодые художники. За свою жизнь он написал примерно 200 полотен на мифологические, исторические и литературные темы[7].

На первом плане картины изображена девушка необыкновенной красоты. Ее полуобнаженная фигура расположена по центру картины, в статичной позе, что в совокупности с отсутствием диагональных линий и преобладанием линий вертикальных и горизонтальных создает статичную композицию, которая необходима здесь для создания настроения безъисходности и необратимости происшедшего – беды вылетели, и обратного пути нет.

Для усиления трагичности происходящего художником использован специфический колорит, (оттенки серого, коричневого, болотного) на фоне которого обнаженное тело Пандоры привлекает внимание и кажется трогательно незащищенным на фоне изломанных линий мрачного леса, на заднем плане. Мерцающие вдали четыре блика создают мистическое напряжение еще и тем, что дают простор для фантазии, это могут быть окна, а могут быть глаза чудовищ – лес вполне позволяет такое предположение.

Сама Пандора являясь, несомненно, сюжетно-композиционным центром, выделенным цветом, освещенностью, укрупнением изображения, изображена художником несколько отличной от мифа, ее поза говорит о том, что она сама удивлена происходящим и сделала это не по злому умыслу, ее лицо не может принадлежать женщине, которую Гермес наделил коварством, хитростью, лживостью.

Ларец, изображенный рядом с Пандорой, необыкновенно красив, исполненный в золоте он привлек бы внимание и не такой слабой (такое впечатление производит ее облик) женщины как Пандора. Кстати, его расположение в левой части картины, полностью соответствует особенностям нашего зрения – мы рассматриваем картину слева направо и он попадает в поле нашего зрения едва ли не раньше Пандоры.

Еще один элемент, изображенный на картине, требует осмысления – источник, который начинается где-то и протекает, занимая приблизительно половину пространства, справа от Пандоры. Только он движется на картине, по-видимому, символизируя быстротечность жизни, несмотря на которую, совершенный Пандорой замысел Зевса вечен.

Любимый сюжет в изобразительном искусстве - миф о похищении Европы. Европа была дочерью финикийского царя Агенора. Влюбившийся в нее Зевс явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами. Наконец, Европа решилась сесть на спину быка-Зевса - тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса и впоследствии родила ему трех сыновей-героев[3].

Одним из художников, которого вдохновил этот миф, был Валентин Александрович Серов (1865 – 1911) - русский художник (живописец и график), представитель русского импрессионизма и модерна. Родился в Петербурге 7 (19) января 1865 г. в семье композитора А.Н. Серова и пианистки В.С. Серовой (урожденной Бергман). В 1874-1875 - 1878-1882гг. брал частные уроки у И.Е. Репина, оказавшего на него особое влияние; посещал также занятия в петербургской Академии художеств (1880-1885). Серов чутко усвоил и опыт современного ему зарубежного искусства, и уроки мастеров Возрождения и барокко (в частности, Д. Веласкеса). Жил в Петербурге и Москве. Много путешествовал по России и Западной Европе, в 1907 г. посетил Грецию. Был членом «Товарищества передвижников» и объединения «Мир искусства»[9].

        Полотно "Похищение Европы" (1910, ГТГ, Москва) решено декоративно; оно написано большими цветовыми плоскостями, которые ритмически согласованы живой, гибкой линией, приводящей к гармонии объем и плоскость. Серов делает высокую линию горизонта, что позволяет ему трактовать пространство как плоскость. Безбрежное море написано условно, и в то же время мастер добивается ощущения толщи бесконечной глубины воды, которую разрезает по диагонали полотна мощная фигура быка - Зевса. По контрасту с Зевсом фигурка Европы кажется маленькой и беспомощной, она словно робко покорилась судьбе. Ее лицо напоминает лицо коры времен греческой архаики; оно словно маска с невидящим взглядом. В тоже время фигура Европы дана в сложном ракурсе и живом, выразительном движении, словно все ее силы направлены на то, чтобы удержаться на спине быка.

Неожиданно живой и осмысленный взгляд быка-Зевса подчеркивает застылость неподвижного лица-лика Европы - маски архаической коры, своего рода символа всего греческого искусства. Одно из значений, имени "Европа" - "широкоглазая", что удивительно созвучно тому изображению лица Европы, которое дает Серов.

Серов первый из художников, изображавших миф о похищении Европы, отступил от первоисточника, рассказывающего о белом быке с золотыми рогами - коричневый бык напоминает о росписях краснофигурных ваз.

Этот сюжет воплотили в своем творчестве В.Тициан, П. Веронезе, К. Лоррен, Ф.Буше и другие художники.

Таким образом, начиная с эпохи Возрождения, после столетий забвения, памятники и литературные произведения античной культуры, а вместе с ними и образы древнегреческой мифологии вновь привлекли внимание авторов всех жанров. Писатели, художники и музыканты различных европейских стран вновь стали брать сюжетами своих произведений эпизоды из древнегреческой мифологии. В XVII – XIX вв. заимствование сюжетов из древнегреческой мифологии деятелями европейского искусства также получило широкое распространение. Античность была и осталась вечной школой художников.

Всероссийский Конкурс ученических рефератов «Кругозор»

«СЮЖЕТЫ ДРЕВНЕГРЕЧЕСКИХ МИФОВ В ЖИВОПИСИ»

Реферат

учащейся 8 класса фортепианного отделения

МБОУ ДОД «Детская школа искусств» р.п.Ровное

Предмет «Беседы об искусстве»

Ермаковой Надежды Александровны

Руководитель Масленникова Ирина Ивановна

2013г.

Содержание

I. Введение……………………………………………………………………....3

II. Мифы Древней Греции и европейское изобразительное искусство……..5

2.1.Греческая мифология………………………………………………………5

2.2.Сюжеты древнегреческих мифов в живописи……………………………8

2.3.Роль древнегреческих мифов в жизни человека………………………....................................................................20

III.Заключение…………………………………………………………………22

IV.Список использованной литературы……………………………………..24

V. Приложение……………………………………………………………….25

I. ВВЕДЕНИЕ

Европейская культура, в том виде, в котором знакомы с ней современные люди, своим происхождением обязана Античности. Мы, порой, даже не подозреваем, насколько глубоко проникли герои и образы древних мифов в нашу жизнь.

Достижения древних греков удивительны во всех областях, и на них основана вся европейская цивилизация. Античность сопровождает европейское человечество на всем его пути. «Мы видим глазами греков и говорим их оборотами речи», – сказал Якоб Буркхардт, швейцарский историк и философ культуры.

Одним из самых ранних и существеннейших элементов античной культуры является миф. Миф (от греч. muthos - слово, сказание) - это повествование о происхождении мира, богов, героев, различных народов, событиях естественной и общественной истории, которые возникли в глубокой древности и в устной форме передавались из поколения в поколение. Миф исключительно важный шаг в познании и понимании окружающего мира, в самопознании человека. В мифе сочетаются реальное и вымышленное, рациональное и эмоциональное, природное и культурное. Миф - универсальное обобщение человеческой жизни, неотъемлемое свойство всей культуры.

Греческие мифы глубоко проникли в образ мыслей современного человека, и мы порой не замечаем, как говорим о паническом страхе, об олимпийском спокойствии, бесстрашного человека сравниваем с Гераклом, а решительную женщину – с амазонкой. А выражения «троянский конь», «яблоко раздора», «нить Ариадны» и многие другие понятны практически всем.

Мифы веками накапливали опыт народов, их представления о добре и зле, о достойном и недостойном поведении. Передаваясь из поколения в поколение, они учили людей тому, как следует жить.

В современной жизни мы очень часто сталкиваемся с названиями и именами из древнегреческой мифологии. Мифы Древней Греции много веков вдохновляют поэтов, художников, скульпторов и композиторов всего мира, а значит, без знания сюжетов невозможно понять многие произведения искусства.

Актуальность и значимость данной темы определяется и тем, что древнегреческая мифология и религия сыграли неоценимую роль в становлении европейской культуры и в ее последующем развитии.

Цель данной работы - осмысление духовного богатства древнегреческой мифологии, красоты мифологических сюжетов и образов, получивших своё воплощение в живописи.

Для реализации поставленной цели необходимо рассмотреть следующие задачи:

- дать общую характеристику древнегреческой мифологии;

- выявить особенности интерпретации мифологических сюжетов и образов в живописи;

- показать роль древнегреческих мифов в жизни людей.

Методологическую основу работы составляют труды Я. Бурхарда, Н.А. Куна, Э.И. Ларионовой, Г.И. Чугунова.

II. Мифы Древней Греции и европейское изобразительное искусство2.1. Греческая мифологияГреческая мифология или мифология Древней Греции возникла гораздо позже большинства античных представлений греческого народа о мире. Эллины, подобно другим народам древности, стремились каким-то образом разгадать грозные и часто непонятные природные явления, познать те таинственные неизвестные силы, которые управляют человеческой жизнью. Фантазия древних греков и породила древнегреческую мифологию, населила окружающий мир добрыми и злыми сказочными существами: в рощах и на деревьях поселились дриады, в реках – нимфы, в горах – ореады, в океанах и морях – океаниды. Облик природы, дикий и непокорный, олицетворяли кентавры и сатиры.

При исследовании греческой мифологии становится ясно, что миром в то время правили бессмертные боги, добрые и мудрые. Они обитали на вершине громадной горы Олимп и представлялись как прекрасные и совершенные существа, подобные по внешнему облику людям. Они представляли собой единую семью, главой которой был Зевс-Громовержец. Очеловечивание божественных существ являлось характерной особенностью греческой религии, что позволяло сделать греческую мифологию ближе обычным людям. В качестве высшей меры совершенства считалась внешняя красота. Итак, могучие силы природы, ранее неподвластные ни понимаю человеку, ни тем более его влиянию, становились понятными, более объяснимыми для воображения обычного человека.

Греческий народ стал творцом неповторимых в своей красочности мифов и легенд о жизни людей, богов и героев. В древнегреческой мифологии воспоминания о далеком, давно забытом прошлом и поэтический вымысел слились воедино. Греческая мифология представляет собой первобытную попытку осмыслить действительность, придать всей природной картине целесообразность и стройность, расширить жизненный опыт.

Трудно установить в точности, когда появились первые греческие мифы и легенды, в которых были явлены миру человекоподобные боги, и есть ли они наследие древней критской (3000-1200 годы до нашей эры) или микенской (до 1550 года до нашей эры) культур. Легенды, предания и сказания передавались из поколения в поколение певцами - аэдами и не были зафиксированы письменно. Аэд (от греч. — певец) — в Древней Греции профессиональный исполнитель эпических песен под аккомпанемент щипкового инструмента форминги (наподобие лиры). Аэды могли быть странствующими и на постоянной службе у царей и греческих общин, преимущественно до VII—VI века до нашей эры — позднее на смену аэдам пришли рапсоды. Песни аэдов имели импровизационный характер и оказали существенное влияние на развитие греческого эпоса.

Первыми записанными произведениями, донесшими до нас неповторимые образы и события, были гениальные поэмы Гомера «Илиада» и «Одиссея». Запись их датируется VI веком до нашей эры. По мнению историка Геродота, Гомер мог жить за три века до этого, то есть около IX-VIII веков до нашей эры. Но, будучи аэдом, он использовал творчество предшественников, еще более древних певцов, самый ранний из которых, Орфей, по ряду свидетельств, жил приблизительно во второй половине II тысячелетия до нашей эры. К этому времени относятся мифы о путешествии аргонавтов за золотым руном, среди которых находился и Орфей. Современная наука полагает, что великий эпос не может появиться неожиданно и случайно. Поэтому гомеровские поэмы рассматриваются как завершение длительного развития догомеровских, давно исчезнувших героических песен, следы которых, однако, можно найти в самих текстах «Илиады» и «Одиссеи».

Недосягаемый образец, которым доныне является гомеровский эпос, не только донес до потомков обширные знания об эллинской жизни, но и позволил составить представление о взглядах греков на мироздание. Все сущее образовалось из Хаоса, который являл собою борьбу стихий. Первыми появились Гея - земля, Тартар - ад и Эрос - любовь. От Геи родился Уран, и затем от Урана и Геи - Кронос, циклопы и титаны. Одолев титанов, Зевс воцаряется на Олимпе и становится правителем мира и гарантом вселенского порядка, который наконец наступает в мире после долгих потрясений. Древние греки были величайшими мифотворцами Европы. Именно они придумали слово "миф" (в переводе с греческого "предание", "сказание"), которым мы сегодня называем удивительные истории о богах, людях и фантастических существах. Мифы были положены в основу всех литературных памятников Древней Греции, включая поэмы Гомера, столь любимые в народе. И в нашем веке людей волнует старая как мир история Эдипа, убийцы отца; приключения Ясона, пересекшего Черное море в поисках волшебного золотого руна; судьба Елены, прекраснейшей из женщин, которая послужила причиной Троянской войны; странствия хитроумного Одиссея, одного из храбрейших греческих воинов; удивительные подвиги могучего Геракла, единственного из героев, кто заслужил бессмертие, а также истории великого множества других персонажей. Римляне, наследники культурных традиций Эгейского мира, многих италийских божеств приравняли к богам греческого пантеона[6].

Вообще, само создание мифов было первым шагом человека к творчеству и познанию самого себя. Древние греки были деятельным, энергичным народом, не боявшимся познавать реальный мир, хотя он и был населен враждебными человеку существами, вселявшими в него страх. Но безграничная жажда познания этого мира пересиливала страх перед неизвестной опасностью. Приключения Одиссея, поход аргонавтов за золотым руном - это запечатленные в поэтической форме все те же стремления узнать как можно больше о той земле, на которой обитает человек. В своих поисках защиты от страшных стихийных сил греки подобно всем древним народам, прошли через фетишизм - веру в одухотворенность мертвой природы (камней, дерева, металла), который потом сохранился в поклонении прекрасным статуям, изображавшим их многочисленных богов.

Древнегреческие боги были во всем подобны людям: добры, великодушны и милостивы, но в то же время зачастую жестоки, мстительны и коварны[7].

Человеческая жизнь неизбежно кончалась смертью, боги же были бессмертны и не знали границ в выполнении своих желаний, но выше богов была судьба - Мойра - предопределение, изменить которое не мог никто из них. Таким образом, греки, даже в участи бессмертных богов усматривали их сходство с судьбами смертных людей.

Боги и герои греческого мифотворчества были живыми и полнокровными существами, непосредственно общавшимися с простыми смертными, вступавшими с ними в любовные союзы, помогавшие своим любимцам и избранникам. И древние греки видели в богах существа, у которых все, свойственное человеку, проявлялось в более грандиозном и возвышенном виде. Безусловно, это помогало грекам через богов лучше понять себя, осмыслить собственные намерения и поступки, достойным образом оценить свои силы.

2.2. Сюжеты древнегреческих мифов в живописи.Сюжеты и герои древнегреческих мифов всегда интересовали художников разных эпох и направлений. Каждый из них находил свою интерпретацию мифологических образов.

Не остались в стороне и живописцы эпохи Возрождения, в частности Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli, 1445 —1510) — прозвище флорентийского художника Алесса́ндро ди Мариа́но ди Ва́нни Филипе́пи (итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi). Родился в семье зажиточного горожанина, получил хорошее образование. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую.

Одна из знаменитых картин Боттичелли – «Рождение Венеры» (1484-1486). В «Рождении Венеры» художник изобразил образ Афродиты Урании - небесной Венеры, дочери Урана, рожденной из моря без матери. Существуют разные сказания о происхождении Афродиты. Классическая Афродита возникла обнаженной из воздушной морской раковины вблизи Кипра — отсюда прозвище «Киприда» — и на раковине добралась до берега. Оры в золотых диадемах увенчали её золотым венцом, украсили золотым ожерельем и серьгами, а боги дивились её прелести и возгорались желанием взять её в жены[1].

Картина иллюстрирует миф рождения Венеры (греч. Афродиты). Обнажённая богиня плывет к берегу в раскрытой раковине, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды (рим. Флора) дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций.

На картине запечатлено не само рождение, а последовавший за тем момент, когда гонимая дыханием гениев воздуха, Венера достигает берега. Кроме Венеры на картине изображена нимфа Ора, являющаяся воплощением природы, она готова прикрыть Венеру плащом. Ора - одна из трех Гор, нимф времен года. Эта Гора, судя по покрывающим ее одежду цветам, покровительствует весне, тому времени года, когда могущество Венеры достигает вершины. Возможно, на эту картину художника вдохновил один из гомеровских гимнов, в котором описывается, как Зефир, бог западного ветра, принес на остров Кипр Венеру, где ее приняли Горы.

В позе Венеры можно отметить влияние классической греческой скульптуры (поза, опора фигуры на одну ногу, жест рукой). Судя по всему, пропорции тела основаны на каноне гармонии и красоты, разработанном ещё Поликлетом и Праксителем.

Композиция картины благодаря фронтальному изображению Венеры в центре, симметрично расположенным фигурам справа и слева можно определить как статичную. Такая композиция делает картину спокойной и величественной. А линии покрывала Оры и накидки Зефира, линии их тел, волос Венеры, падающие цветы и ритм волн, наполняют картину внутренним движением, движением воздуха. Колорит картины можно определить как мягкий, ласковый, даже для плаща Оры художником выбран приглушенный красный тон, позволяющий поставить акцент, но не вызывающий раздражения.

Среди новшеств Боттичелли важным было использование холста, а не доски, для произведения столь крупного размера. Он добавлял минимальное количество жира к пигментам, благодаря чему холст в течение долгого времени оставался прочным и эластичным, а краска не трескалась. Было также установлено, что Боттичелли нанёс на картину защитный слой из яичного желтка, благодаря чему «Рождение Венеры» хорошо сохранилось.

Сюжеты древнегреческих мифов затронули и творчество художника Северного Возрождения Питера Брейгеля Старшего (1525—1569)- фламандского живописца и графика, самого известного и значительного из носивших эту фамилию художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким. Из всех сохранившихся картин Брейгеля около трети находятся в Музее истории искусства в Вене[2].

Его картина «Пейзаж с падением Икара» (1555-1558, Музей изящных искусств, Брюссель) повествует о бесстрашном Икаре, сыне Дедала. Согласно древней легенде, строитель Дедал появился на острове Крит после того, как у себя на родине, в Аттике, убил своего племянника, которому завидовал. Последний был очень талантлив и сумел создать нужные человечеству инструменты: пилу, циркуль, гончарный круг. На Крите Дедал построил для царя Миноса огромный дворец с подземными лабиринтами. В лабиринте жило страшное чудовище - Минотавр. Жители Афин вынуждены были платить Миносу дань - посылать для прожорливого Минотавра юношей и девушек. Это длилось до тех пор, пока Тезей, попавший в лабиринт, не убил Минотавра. Благодаря Дедалу герой бежал с Крита. Разгневанный Минос повелел заточить Дедала, но тот сделал для себя и своего сына Икара крылья из перьев птиц. С помощью крыльев отец и сын покинули остров. Дедал предупреждал сына, чтобы он не взлетал слишком высоко, но Икар не послушался отца и взмыл вверх, к самому солнцу. От жара солнечных лучей воск, скреплявший перья, растаял, и юноша, лишенный крыльев, упал в море и утонул[3].

В XVI веке легенду об Икаре воспринимали как суровое предупреждение гордецам и недальновидным выскочкам, пренебрегающим своим предназначением. Конечно, Брейгель знал и античный источник сказания - "Метаморфозы" древнеримского поэта Овидия, где о пролетающих по небу Дедале и Икаре говорится следующее:

Каждый, увидевший их, рыбак ли с дрожащей удою, Или с дубиной пастух, иль пахарь, на плуг приналегший, - Все столбенели и их, проносящихся вольно по небу, За неземных принимали богов. Художник ввел в свою картину фигуры пастуха, пахаря и рыболова, но придал этим образам совсем иной смысл. Они Икара не видят или не хотят видеть: например, рыбак невозмутимо продолжает удить, хотя юноша и упал в воду прямо у него на глазах. А пастух смотрит в небо, хотя его овцы на краю обрыва, и пахарь, и рыболов – все они заняты своим делом. "Ни один плуг не остановится, когда кто-то умирает" - так говорит нидерландская пословица.

Картина полна покоя и умиротворения. Известный греческий миф Брейгель трактует весьма неожиданно. Человеческая нога, исчезающая в море, - вот и все, что осталось от бесстрашного героя. Смерти Икара не заметил никто: ни пастух, ни крестьянин на поле, ни рыбак на берегу. Автор картины сделал всё возможное, чтобы зрители в последнюю очередь увидели так называемое падение Икара. Две яркие точки притягивают наш взгляд- это рубаха крестьянина и жёлтое солнце над водной гладью. После этого мы начинаем обращать внимание на мелкие светлые детали - белых овец, белые горы, корабль с белыми парусами, и… барахтающегося человечка рядом с этим кораблём. Главный герой картины – солнце, а человек – песчинка, промелькнувшая в его лучах.

Ещё один из любимейших героев древнегреческой мифологии - Аполлон - сын Зевса и титаниды Лето, брат-близнец Артемиды, один из главнейших богов олимпийского пантеона. Ревнивая Гера - супруга Зевса запретила Лето вступать на твердую землю. Поэтому Аполлон и его сестра Артемида родились на плавучем острове Астерия, который после рождения близнецов стал называться Делосом.

Один из мифов повествует, что в наказание за убийство циклопов, ковавших отцу Аполлона Зевсу молнии, Зевс сделал своего сына пастухом. Аполлон должен был пасти стадо царя Адмета, но небрежно отнесся к порученному делу, и ловкий Меркурий (Гермес) украл у него стадо. Впрочем, Зевс приказал Меркурию вернуть похищенных коров, после чего позволил Аполлону вновь занять свое место среди богов[3].

Сюжет этого мифа изобразил в картине «Пейзаж с Аполлоном и Меркурием» Клод Лоррен (1600 – 1682). Лоррен родился в крестьянской семье, рано остался сиротой. Получив начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве во Фрайбурге, в Брайсгау, в 1613—14 гг. он отправился вместе с одним из своих родственников в Италию. Работая слугой в доме художника-пейзажиста Агостино Тасси, усвоил некоторые технические приёмы и навыки. Вначале он выполнял заказные декоративные работы, т. н. «пейзажные фрески», но позже ему удалось стать профессиональным «пейзажистом» и сосредоточиться на станковых работах. Кроме того, Лоррен был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись. С большим мастерством художник изображал игру солнечных лучей в различные часы дня, свежесть утра, полуденный зной, меланхолическое мерцание сумерек, прохладные тени теплых ночей, блеск спокойных или слегка колышущихся вод, прозрачность чистого воздуха и даль, застилаемую лёгким туманом. В его творчестве можно различать две манеры: картины, относящиеся к ранней поре его деятельности, писаны сильно, густо, в теплых тонах; позднейшие — более плавно, в холодноватом тоне[4].

Композиция картины «Пейзаж с Аполлоном и Меркурием» (ок. 1645) построена так, что увлекает взгляд зрителя вглубь картины. Для этого изогнутая линия берега уходит вдаль. На заднем плане в предрассветной дымке виден красивый идиллический пейзаж с римским акведуком. Колорит картины типичен для позднего Лоррена и заключается в преобладании холодных тонов. Расположение с обеих сторон картины на переднем плане деревьев создают эффект некоторой театральности происходящего, герои мифа предстают как действующие лица спектакля, где главное действующее лицо – природа, во всем ее великолепии. На эту мысль нас наводит масштаб изображенных фигур и ракурс их постановки (в пол оборота к зрителю).

Согласно записи, сделанной Лорреном в его "Книге истины", эта картина была написана для "Франческа Аберини". По всей видимости, это описка, и работу заказал художнику либо аристократ Франческа Алъберини, либо богатый римлянин Франческа Арберини. "Пейзаж с Аполлоном и Меркурием" с 1750 года хранится в Хоулкхэм Холле. Именно тогда ее купил владелец Хоулкхэм Холла Томас Коук, первый граф Лейстер.

Еще один герой древнегреческой мифологии – Леандр. Леандр — юноша из Абидоса в Троаде, который полюбил Геро, жрицу Афродиты, жившую в Сесте, расположенном на другом берегу пролива Геллеспонт. Каждую ночь Геро ждала, когда он переплывет пролив и, чтобы ему было светлее, зажигала огонь на башне. Леандр плыл на маяк и добирался до берега. Однажды огонь погас и Леандр не смог доплыть. Утром его тело прибило к ногам Геро. Увидев его, Геро в отчаянии бросилась в море с башни. «Башню Геро» позднее показывали в Сесте.

Сюжет этого мифа заинтересовал Этти Уильяма. Этти Уильям (William Etty) (1787-1849) - английский живописец периода романтизма, яркий представитель натурализма и исполнения обнаженной натуры Уильям Этти занимает достойное место среди английских художников. В чувстве и навыке колориста художнику не было равных в Англии в первой половине 19 века.

Родился в Йорке 10 марта 1787 года. Его отец был мельником и пекарем хлеба. Будущий живописец в возрасте одиннадцати с половиной лет был вынужден оставить отеческую крышу; по настоянию отца он был определен учеником в типографию. После семи лет ученических испытаний и унылой работы в типографии Этти уехал в Лондон.Помощь старшего брата и покровительство богатого дяди, помогли становлению Уильяма Этти, непосредственно как художника. Этти начал свое обучение, создавая наброски пейзажей, копируя различные изображения, рисунки печатных изданий и прочие иллюстрации; все это было первой художественной школой Уильяма Этти. В Смитфилде Этти сделал копию старинной картины «Купидон и Психея», которая стала известна и благодаря которой Этти был принят в 1807 году студентом академической школы в Сомерсет Хаус. Этти был одержим изображением обнаженной натуры, которую он штудировал и писал на протяжении всей своей творческой жизни. Его полотна часто вызывают в памяти чувственные модели и насыщенный колорит произведений Тициана и Питера Пауля Рубенса. Этти часто обращался за вдохновением к классической мифологии и аллегорическим сюжетам. Его работами восхищались Эжен Делакруа и другие живописцы-романтики[7].

В картине «Геро и Леандр» (1828 -1829) герои показаны в момент последнего трагического объятия, когда жизнь уже покинула их. На фоне темного моря и грозовых облаков выделяются обнаженные тела, написанные светящимися чувственными тонами. Черные волосы и одеяние Геро как бы сливаются с ночной тенью. Несмотря на трагичность сюжета композиция картины скорее динамична, об этом свидетельствует диагональное расположение фигур на первом плане, линия набегающих волн и взбудораженное небо. Сочетание в колорите картины красно- коричневых, светлых, темно-синих и черных тонов, усиливает трагическое ощущение произошедшего.

Этот сюжет нашел воплощение в работах других живописцев (П. Рубенс «Геро и Леандр», Д.Фетти «Геро и Леандр», И.К. Айвазовский «Вид Леандровой башни в Константинополе»), в литературе (Мусей «Геро и Леандр», Овидий «Послание Леандра Геро и её ответ», Ф. Шиллер «Геро и Леандр», К. Марло «Геро и Леандр», А. Фет «Геро и Леандр», А. Куприн «Геро, Леандр и пастух», М. Павич «Внутренняя сторона ветра», Й. Ван Ден Вондел «Геро и Леандр»), в музыке (кантаты Г.Ф. Генделя, А. Скарлатти, опера Д. Боттезини, симфоническая поэма А. Каталани, симфония №4 Д. Хесса).

Одним из часто изображаемых греческих мифологических персонажей является также Пандора. Пандора – (греч.) "всем одаренная". Она была первой женщиной, созданной по воле Зевса Гефестом в наказание за то, что Прометей похитил с неба огонь для людей. Пандора должна была стать орудием отмщения. Гефест вылепил Пандору из земли и воды, дал своему творению облик, подобный богине, человеческий голос и прелесть. Афродита одарила Пандору красотой, Гермес - коварством, хитростью, лживостью и красноречием. Афина соткала для Пандоры прекрасные одежды. Одарили Пандору и другие боги. Зевс отдал Пандору замуж за брата Прометея - Эпитемия, которому она родила дочь Пирру. Эпитемий, несмотря на предостережения Прометея, принял в дар от Зевса ящик, в котором были заключены все людские пороки, несчастья, болезни. Терзаемая любопытством, Пандора открыла его и выпустила на волю бедствия, от которых с тех пор страдает человечество. На дне осталась только надежда, так как Пандора успела захлопнуть крышку[3]. Иносказательно ящик Пандоры - вместилище бед; дар, чреватый бедами.

Картину «Пандора, открывающая ларец» (1896, частная коллекция) написал английский художник Джон Уильям Уотерхаус (1849 – 1917). Он родился в Риме, в семье художника. В 1850-х семья вернулась в Англию. Перед поступлением в Королевскию академическую школу в 1870 Уотерхаус помогал отцу в его студии.

Довольно часто его относят к прерафаэлитам (объединение английских живописцев и писателей середины XIX в., которые ориентировались на эстетические идеалы Средневековья, интернациональной готики и раннего Итальянского Возрождения периода кватроченто — искусства "до Рафаэля" и других художников "Высокого Возрождения"), хотя он формально не принадлежал к данному течению. Уотерхаус поддерживал идею прерафаэлитов в заимствовании сюжетов из поэзии и мифологии. Он с особой точностью передавал драматизм момента, а также демонстрировал блестящее владение композицией и живописной техникой. Своей популярностью художник обязан очарованию и шарму его задумчивых моделей.

Работы Уотерхауса хвалились критиками, его репутация была высока, и ему подражали молодые художники. За свою жизнь он написал примерно 200 полотен на мифологические, исторические и литературные темы[7].

На первом плане картины изображена девушка необыкновенной красоты. Ее полуобнаженная фигура расположена по центру картины, в статичной позе, что в совокупности с отсутствием диагональных линий и преобладанием линий вертикальных и горизонтальных создает статичную композицию, которая необходима здесь для создания настроения безъисходности и необратимости происшедшего – беды вылетели, и обратного пути нет.

Для усиления трагичности происходящего художником использован специфический колорит, (оттенки серого, коричневого, болотного) на фоне которого обнаженное тело Пандоры привлекает внимание и кажется трогательно незащищенным на фоне изломанных линий мрачного леса, на заднем плане. Мерцающие вдали четыре блика создают мистическое напряжение еще и тем, что дают простор для фантазии, это могут быть окна, а могут быть глаза чудовищ – лес вполне позволяет такое предположение.

Сама Пандора являясь, несомненно, сюжетно-композиционным центром, выделенным цветом, освещенностью, укрупнением изображения, изображена художником несколько отличной от мифа, ее поза говорит о том, что она сама удивлена происходящим и сделала это не по злому умыслу, ее лицо не может принадлежать женщине, которую Гермес наделил коварством, хитростью, лживостью.

Ларец, изображенный рядом с Пандорой, необыкновенно красив, исполненный в золоте он привлек бы внимание и не такой слабой (такое впечатление производит ее облик) женщины как Пандора. Кстати, его расположение в левой части картины, полностью соответствует особенностям нашего зрения – мы рассматриваем картину слева направо и он попадает в поле нашего зрения едва ли не раньше Пандоры.

Еще один элемент, изображенный на картине, требует осмысления – источник, который начинается где-то и протекает, занимая приблизительно половину пространства, справа от Пандоры. Только он движется на картине, по-видимому, символизируя быстротечность жизни, несмотря на которую, совершенный Пандорой замысел Зевса вечен.

Любимый сюжет в изобразительном искусстве - миф о похищении Европы. Европа была дочерью финикийского царя Агенора. Влюбившийся в нее Зевс явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами. Наконец, Европа решилась сесть на спину быка-Зевса - тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса и впоследствии родила ему трех сыновей-героев[3].

Одним из художников, которого вдохновил этот миф, был Валентин Александрович Серов (1865 – 1911) - русский художник (живописец и график), представитель русского импрессионизма и модерна. Родился в Петербурге 7 (19) января 1865 г. в семье композитора А.Н. Серова и пианистки В.С. Серовой (урожденной Бергман). В 1874-1875 - 1878-1882гг. брал частные уроки у И.Е. Репина, оказавшего на него особое влияние; посещал также занятия в петербургской Академии художеств (1880-1885). Серов чутко усвоил и опыт современного ему зарубежного искусства, и уроки мастеров Возрождения и барокко (в частности, Д. Веласкеса). Жил в Петербурге и Москве. Много путешествовал по России и Западной Европе, в 1907 г. посетил Грецию. Был членом «Товарищества передвижников» и объединения «Мир искусства»[9].

        Полотно "Похищение Европы" (1910, ГТГ, Москва) решено декоративно; оно написано большими цветовыми плоскостями, которые ритмически согласованы живой, гибкой линией, приводящей к гармонии объем и плоскость. Серов делает высокую линию горизонта, что позволяет ему трактовать пространство как плоскость. Безбрежное море написано условно, и в то же время мастер добивается ощущения толщи бесконечной глубины воды, которую разрезает по диагонали полотна мощная фигура быка - Зевса. По контрасту с Зевсом фигурка Европы кажется маленькой и беспомощной, она словно робко покорилась судьбе. Ее лицо напоминает лицо коры времен греческой архаики; оно словно маска с невидящим взглядом. В тоже время фигура Европы дана в сложном ракурсе и живом, выразительном движении, словно все ее силы направлены на то, чтобы удержаться на спине быка.

Неожиданно живой и осмысленный взгляд быка-Зевса подчеркивает застылость неподвижного лица-лика Европы - маски архаической коры, своего рода символа всего греческого искусства. Одно из значений, имени "Европа" - "широкоглазая", что удивительно созвучно тому изображению лица Европы, которое дает Серов.

Серов первый из художников, изображавших миф о похищении Европы, отступил от первоисточника, рассказывающего о белом быке с золотыми рогами - коричневый бык напоминает о росписях краснофигурных ваз.

Этот сюжет воплотили в своем творчестве В.Тициан, П. Веронезе, К. Лоррен, Ф.Буше и другие художники.

Таким образом, начиная с эпохи Возрождения, после столетий забвения, памятники и литературные произведения античной культуры, а вместе с ними и образы древнегреческой мифологии вновь привлекли внимание авторов всех жанров. Писатели, художники и музыканты различных европейских стран вновь стали брать сюжетами своих произведений эпизоды из древнегреческой мифологии. В XVII – XIX вв. заимствование сюжетов из древнегреческой мифологии деятелями европейского искусства также получило широкое распространение. Античность была и осталась вечной школой художников.