Музей ЧерномырдинаЗапад и Восток Валерия и Ларисы Блохиных. Картины блохина
Parshin Gallery
«Китай. Принцесса.» холст,масло 100Х90 2007г 
“Бирма. Ловля рыбы” холст,масло 90Х140, 2011г. 
«Ночное» холст,масло 100х90 2009г. 
«На скаку» холст,масло 90Х100, 2006 
“Кочевники II” холст,масло 100Х90, 2011г. 
“Аравия. Поход” холст,масло 150Х130, 2011г.
Валерий Маратович Блохин – краснодарский художник
Биография
Родился 30 декабря 1964 года в Новороссийске.В 1984 году окончил Краснодарское художественное училище.
С 1987 года принимает участие в городских, краевых, республиканских, всесоюзных имеждународных выставках.С 1990 года – член Союза художников России.
В 1990 году – первая персональная выставка, причем сразу зарубежная (она прошла в Германии). После этого художника стали приглашать в другие европейские, а также азиатские страны.
C 1999 года – почетный член Академии Искусств Чехии им. Масарика. Награждензолотой медалью этой академии.В 2006 году награжден серебряной медалью Российской академии художеств.С 2007 года – член Творческого союза художников России. В 2011 году за серию выставок «Шелковый путь» удостоен золотой медали (высшей награды) Российской академии художеств. Награду вручил президент РАХ Зураб Церетели на заседании президиума академии. С 23 декабря 2011 по 14 февраля 2012 года в нашей галерее проходила персональная выставка Валерия Блохина «Шелковый путь». Художник также дал у нас мастер-класс, в ходе которого на глазах присутствующих создал законченное произведение. Увидеть его можно в нашей постоянной экспозиции.
Работы приобретены:Министерством культуры, МоскваКраснодарским художественным музеем им. КоваленкоКрасноярским художественным музеем“Галерея современного искусства”, Карлсруэ (Германия)Художественным музеем г. СочиСтавропольским музеем изобразительных искусствВологодской государственной картинной галереейМузейным объединением г. ЧереповецМузеем Мимара, Загреб (Хорватия)Академией искусств Чехии им. Масарика, Прага (Чехия)Коллекцией банка ”Зираат”, Стамбул (Турция)
“Montcastle Gallery”, Коломбо (Шри-Ланка),“UNIFEgallery”, Лима, (Перу)Костромским государственным музеем-заповедникомХудожественным музеем г. Владикавказ (Северная Осетия)Московским музеем современного искусстваХудожественным музеем г. Самары
О творчестве
Главная тема живописи и графики Блохина – Восток (художник говорит, там все иначе: другие краски, другое понятие жизненных ценностей, другой воздух, и реальность фантастичнее вымысла). Во время многочисленных путешествий по странам Азии, Африки и Ближнего Востока он изучал быт и культуры проживающих там народов. Так и появилась Тибетская, Индийская, Арабская, Вьетнамская, Египетская, Японская серии. А начал свой «Шелковый путь» художник в далеком 1994 году. Тогда совершенно случайно у него родилась картина «Тибет. Выход императора». Художник воспринял это как знак, и начал развивать эту тему в своей живописи и графике, хотя поначалу не был уверен, что его работы будут интересны зрителю. Сейчас у Валерия Блохина накопилось уже около двухсот полотен, посвященных Востоку, причем от взора художника не ускользает ни его фантастическая красота, ни его суровая реальность. Он удивительным образом передает движения, вихри, ветер, бег времени. Так же неожиданно останавливает время, чтобы выплеснуть свои эмоции на огромные холсты.
Посредством силуэтов и яркой цветовой палитры Блохину удается очень точно передать настроение и суть изображаемого. Незамысловатые сюжеты на полотнах Блохина щедро обыгрываются необузданным цветом. Точность деталей сочетается в них с условностью пространства. Направление его работ, признается мастер, определить непросто. Свои картины он относит к субъективному реализму. Сюжеты своих картин Блохин не придумывает заранее – они рождаются на ходу. Вот уже много лет автор начинает работу с абстрактных цветовых пятен, а уже потом находит в них реальность, какой-то рисунок. Вот что рассказывал сам мастер о своей необычной технике: «После училища я был неплохим рисовальщиком. Когда уровень, на который я вышел, был уже изучен вдоль и поперек, я находился в прострации, не знал куда идти. Но познакомился с Алексеем Паршковым, и тот посоветовал мне поэкспериментировать с цветом. «Пиши так, чтоб не жалеть работу. Самое страшное – это жалеть работу», — сказал он. И тогда я стал выливать краску на холст и учиться мыслить абстрактно. А так как я работал не от фигуры, а от пятна, появилось понимание цвета. Так и сложилась моя технология: начинаю с абстрактных цветовых пятен, которые мне интересны, а потом нахожу в них рисунок. Другими словами, я отталкиваюсь не от карандашного наброска, рисунка, как это принято в русской школе живописи. Подход к холсту, я до определенного момента не знаю, что там появится».
Художник признает, что некоторое время пренебрегал точностью рисунка ради композиции, но сейчас старается сочетать и то, и другое. По словам мастера, для художника очень важно уловить ту грань, за которой любое вмешательство будет только во вред картине. В ней должна оставаться некоторая незавершенность. Добиться этого не так не так легко, как кажется на первый взгляд. Неотъемлемой составляющей творческого процесса для Валерия Блохина является музыка. Только под звуки любимых мелодий (например, композиции «Моцарт в Египте» в исполнении лондонского симфонического оркестра) он полностью отдается настроению и начинает мысленно путешествовать. При создании картин художник использует не только кисти. Иногда пишет при помощи пальцев (по его словам, так лучше чувствуется фактура материала, толщина слоя краски), но по большей части орудует мастихином и валиком. Блохин наносит мазки один за другим, и постепенно на картине вырисовываются какие-то образы, например бедуины с верблюдами или мчащиеся куда-то вдаль всадники. В последние годы Валерий Блохин отдает предпочтение жанровым композициям, хотя пишет так же портреты, пейзажи и натюрморты.Выставки
1989“Молодость России”, Центральный Дом художника, Москва1990“Золотая кисть”, выставка-конкурс в Центральном Доме художника, Москва“Современное искусство Кубани”, музей “Мимара”, Загреб (Хорватия)Персональная выставка в Карлсруэ, Дурлах, зал им. Кете Кольвиц (Германия)1992“Белый дракон”, групповая выставка в Центральном выставочном зале, КраснодарГалерея “Нео-Шаг” в Москве, Санкт-Петербурге (Россия), Мальме (Швеция)1993“Баба Яга”, групповая выставка, Хайдельберг (Германия)Групповая выставка, “ Галерея современного искусства”, Карлсруэ (Германия)1994Персональная выставка в ратуше г. Шермбек (Германия)“Солнечный квадрат — I”, ЦДХ, Москва,Персональная выставка, Medien Haus, Stadt Karlsruhe, Карлсруэ (Германия)Фестиваль современного изобразительного искусства, Сочи1995“Современное искусство Краснодара”, Городская галерея Карлсруэ (Германия)“Солнечный квадрат — II”, ЦДХ, Москва“Транзит”, Государственная картинная галерея г. Вологда — Исторический музей г. Минска (Белоруссия) — Центральный дом художника в МосквеФестиваль современного изобразительного искусства, СочиПерсональная выставка, Центральный выставочный зал, Краснодар1996«Арт — Манеж”, Москва“Транзит ‘96”, Центральный выставочный зал, Минск (Белоруссия)Персональная выставка, Музей изобразительных искусств, СтавропольПерсональная выставка, Художественный музей, СочиПерсональная выставка, Городской выставочный зал, Нортхайм (Германия)1997“Транзит -97”, Череповец — Вологда — Москва -Бельгия — Люксембург — Париж“Славянский базар”, Музей Шагала, Витебск (Белоруссия)Персональная выставка, Центр Русской Культуры, Сайгон (Вьетнам)“850 лет Москве”, Центр русской культуры, Калькутта (Индия)Групповая выставка, Музей изобразительных искусств, Претория (ЮАР)1998Персональная выставка “Genko — Gallery”, Йоханнесбург (ЮАР)Всемирная выставка современного искусства, Convention Hall, Лос-Анджелес (США)1999Персональная выставка, Центр русской культуры, Дели, Бомбей (Индия)Персональная выставка, Центр Русской Культуры, Люксембург“Солнечный квадрат”, ЦДХ, МоскваПерсональная выставка, Русский культурный центр, Прага (Чехия)Персональная выставка, Художественный музей им. Коваленко, Краснодар2000Персональная выставка, Montcastle Gallery, Коломбо (Шри-Ланка)
Персональная выставка, “International Center of India”, Нью-Дели (Индия)Персональная выставка, Русский культурный центр, Катманду (Непал)Персональная выставка, “X-Gallery”, Амстердам (Нидерланды)
“ART FAIR HOLLAND”, Гаага (Нидерланды)
Персональная выставка, Ziraat Bankasi Gallery, Стамбул (Турция)Персональная выставка, Русский культурный центр, Никосия (Кипр)2001Персональная выставка, Центр русской культуры, Сантьяго (Чили)Персональная выставка “UNIFEgallery” , Лима (Перу_Солнечный Квадрат ЦДХ, МоскваСолнечный Квадрат Манеж, Москва2003Арт-Манеж, персональный бокс, галерея “Юг”, МоскваРегиональная выставка «ЮГ России» ЦДХ, Москва, ЦВЗ КраснодарПерсональная выставка галерея «Лестница», Краснодар2004Персональная выставка. Центр русской культуры, Валетта (Мальта)Всероссийская выставка «Зелёный шум», Художественные музеи г. Плёс, КраснодарПерсональная выставка, Российская академия художеств, Галерея Церетели, Москва2006Арт-Манеж», Манеж, Москва
«Арт-салон», ЦДХ, Москва2007Выставка «Шалва Бедоев, Валерий Блохин», галерея «Альянс-Арт», ЦДХ, Москва«Арт-Манеж», Манеж, Москва2008Выставка РАХ «Графические произведения старых и новых мастеров» Костромской государственный музей-заповедникПерсональная выставка, Художественный музей, Самара
2009Персональная выставка «Шелковый Путь», Краснодарский художественный музей им. Коваленко.
2011
Персональная выставка «Шелковый Путь», арт-галерея «Паршин», Ставрополь
parshin.com
Николай Блохин. Пейзажная живопись. - Журнал обо всём
. Это цитата
Николай Блохин. Пейзажная живопись. 
Вечер
Николай Блохин не ограничивается портретной живописью. Интересно художник раскрывается в пейзажах, в первую очередь при изображении родного Петербурга. В его полотнах передается состояние вечно дождливой погоды, атмосфера постоянной сырости и промозглости, типичной для города на Неве. Но серые тоскливые краски приобретают роскошь переливов старинного серебра («Новый мост. Санкт-Петербург», 2006), а смазанность силуэтов и отсутствие деталей, как ни странно, раскрывает грандиозность пространства идеально спланированного города, выстроенного с имперским размахом и величием ("Летний сад«,2006).
Из статьи: http://nikolay-blokhin.com/publications/articles/
"Venice" triptych. Fireworks (left part)
"Venice" triptych. Reflection (right part)
Cliff at Pebble Beach
Вечер
Луна. Венеция.
Залив. Gulf of Finland.
Новый мост.
Старый причал.
"River "Neva"
Golden Gate in the evening
Golden Gate in the fog
Аллеры
Ангиари
Городок в Италии.
Летний сад.
Театральный разъезд.
Тригорское.
Этюд. Тоскана.
«Пионеттоле.»
Улочка в Ангиари.
Вся жизнь Николая Блохина тесно связана с Санкт-Петербургским академическим институтом живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина, в котором он сразу после окончания остался преподавателем кафедры рисунка. Блохин много выставляется в Европе (Финляндия, Голландия) и, особенно активно, в США. Участие в международных конкурсах — Американской ассоциации художников-портретистов и Общества художников-портретистов Америки принесло ему Гран при (Нью-Йорк, 2002), приз Best of the Show (Бостон, 2004) и широкую известность, прежде всего в США. Особо важной в выставочной биографии для самого Николая Блохина явилась персональная выставка в доме и студии великого русского мастера Николая Фешина (2007, Taos Art Museum& Fechin House) в небольшом городке Таос, штат Нью-Мексико, США. В последнее время художник значительно чаще выставляется в России, что делает его имя известным и на родине.
"Николай Блохин - единственный в мире художник, завоевавший высшие награды в двух самых престижных, конкурирующих между собой, художественных конкурсах США - PSA и ASOPA.Неофициальное название последнего - «Премия Форбса». Причем, до Блохина ни одному российскому художнику не удавалось пройти даже предварительный отбор на эту престижную награду. Выставки мастера неоднократно проходили в Нью-Йорке, Бостоне, Сан-Франциско, Лос-Анжелосе, Лас-Вегасе и других крупных городах Америки. Его полотна представлены в собрании Русского музея и личной коллекции директора Эрмитажа - Михаила Пиотровского. Художник создает работы самых разных жанров - от портрета, натюрморта и пейзажа до больших сюжетных картин." Источник
Николай Дмитриевич Блохин, 1968 г.р., Ленинград
Образование1982-1985 — Ленинградская Средняя художественная школа при Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина1989-1995 — Санкт-Петербургский академический институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина1995-2000 — творческая мастерская профессора В.И.Рейхета, Санкт-Петербургский академический институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина
С 1996 — член Союза художников Российской Федерации
С 1995- преподаватель кафедры рисунка Санкт-Петербургского академическикого института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина
Награды:2002 — Гран При Международного конкурса Американской ассоциации художников-портретистов (Portrait Competition of the American Society of Portrait Artists" (ASOPA))2004- Приз «Best of the Show» Международного конкурса Общества художников-портретистов Америки (International Portrait Competition of the Portrait Society of America (PSA)).
Книга о художнике Николай Блохин (Kликнуть на изображение книги для просмотра и прочтения.)
Статья к новому каталогу живописи Николая Блохина: http://nikolay-blokhin.com/publications/articles/
Книга с графикой Блохина: http://issuu.com/4-art.org/docs/blohin_drawings/26
http://www.nikolai-blokhin.com/index.php
http://www.classicartgallery.com/blokhin/index.html
http://nikolay-blokhin.com/
kolybanov.livejournal.com
Parshin Gallery
Лариса Блохина – краснодарская художница, график
Биография
Родилась в 1960 году. В 1984 году окончила художественно-графическое отделение Кубанского Государственного Университета. С 1985 года участвует в выставках. С 1990 года - член Союза художников России. С 1999 года почетный член Чешской Академии Искусств им. Масарика. Награждена почетным знаком Рудольфа II. В 2006 году отмечена диплом Российской Академии Художеств.
С 18 ноября по 23 декабря 2011 года в нашей галерее проходила персональная выставка художницы «Линия горизонта». В 2012 году за творческие успехи живописца и активное подвижничество в популяризации искусства отмечена золотой медалью Российской академии художеств. Эту высокую награду художница получила на выставке Южного отделения РАХ из рук вице-президента академии Андрея Бобыкина.
Работы приобретены:Министерством Культуры России,Художественным музеем им.Коваленко, Краснодар,Художественным музеем Сочи,Музеем Изобразительных искусств Ставрополя,Вологодской Картинной Галереей,Modem Art Gallery, Karlsruhe, Германия,Академией Искусств Чехии им.Масарика, Прага,Коллекцией Zirraat Bankasi, Istambul, Turkey,Государственным музеем-заповедником г. Кострома.
Некоторые работы Ларисы Блохиной можно увидеть в нашей галерее.
О творчестве
На полотнах художницы запечатлена «уходящая натура». Многие из ее работ созданы под впечатлением от путешествий по городам Европы. Путешествия – главная страсть художницы. Она объездила полмира, и каждый уголок, который затронул ее душу, она воспроизвела на своих полотнах.
По признанию художницы, она практически никогда не пишет с натуры, не использует фотографии, да и зарисовки делает нечасто. «Все, что вы видите, — это мои впечатления, теплые воспоминания», — отмечает автор.Вдохновить ее может все что угодно, даже, казалось бы, обычная прогулка по городу, его старым, тихим улочкам. Она не ищет красоту, а просто видит ее.
Искусствоведы отмечают, что художнице найти свой неповторимый образный код, в котором органичное соединение элементов разных стран и эпох оставляет у зрителя ощущение гармонии и единства.
В работах художницы удивительным образом гармонично сочетаются отражение разных состояний природы с глубокими переживаниями человека, насыщенность цветом – с утонченностью линий, экспрессию красок – с виртуозной техникой.
Палитра Лариса весьма разнообразна. Каждый сюжет, каждый пейзаж, каждый город художница видит в своей неповторимой цветовой гамме. Так, Венеция для нее красная и голубая.
Объектом изображения становится, в первую очередь, неуловимо меняющееся состояние природы и переживание этого состояния человеком. Реальность в картинах Ларисы преобразована. Время и пространство в них зыбко и напоминает, скорее, сон о местах, с которыми связаны светлые и ностальгические воспоминания.
«Это как глоток свежего воздуха. Ощущение от ее работ такое, будто только что прошел дождь и смыл все пыльное. И она как живет, общается с друзьями, так и пишет. Как пишет, так и дышит. Прекрасно, что мы имеем возможность увидеть работы этой художницы. Она удивительно точно передает настроение — создает на своих полотнах ощущения зимы, солнечного дня, ночного города», — так отозвался о художнице председатель краевого отделения Союза художников России Сергей Паршин.
А вот какую оценку творчеству Блохиной дал ставропольский художник Евгений Кузнецов: «Я знаю Ларису уже больше 20 лет, — рассказывает. — Наблюдать за ее творческим развитием крайне интересно. Она умеет соединять прямо противоположные вещи: экспрессивную энергию и виртуозную проработку деталей. То же касается и цветовой структуры: картины очень мощные, сильные, яркие, но в них есть что-то воздушное, легкое».
Выставки
1985«Художники Кубани», Бургас, Болгария.1987«Художники Кубани», Белград, Югославия.
1989«Молодость России», ЦДХ, Москва, Россия.1992«Белый Дракон», групповая выставка, ЦВЗ, Краснодар, Россия.1993Галерея «Нео-Шаг», ЦДХ, Москва, Россия.Групповая выставка, St. David’s Hall, Кардифф, Великобритания.Групповая выставка, Theatre Clwyd, Молд, Великобритания.Групповая выставка, Dartington Hall, Тотнес, Великобритания.Благотворительный аукцион, bank Sparkasse, Карлсруэ, Германия.1994Персональная выставка, Megien House, Карлсруэ, Германия.Фестиваль современного изобразительного искусства — I, Сочи, Россия.«Солнечный Квадрат — I», ЦДХ, Москва, Россия.«Художники Кубани», Никосия, Лимасол, Пафос, Кипр.1995«Современное искусство Краснодара», Городская галерея Карлсруэ, Германия.Персональная выставка, Центральный Выставочный зал, Краснодар, Россия.
1996Персональная выставка, Сочи, Россия.Фестиваль современного изобразительного искусства, Сочи, Россия.Персональная выставка, Нортхайм, Германия.«Арт — Манеж», Международная выставка-ярмарка, Москва, Россия.«Русское искусство», Фонд русской культуры, Женева, Швейцария.Персональная выставка, Художественный Музей, Сочи, Россия.
1997Групповая выставка, Музей изобразительных искусств, Претория, ЮАР.«Солнечный Квадрат», Центр Русской Культуры, Брюссель, Бельгия.«Солнечный Квадрат», Центр Русской Культуры, Люксембург.
1998Персональная выставка «Genko — Gallery», Йоханесбург, ЮАР.Всемирная выставка современного искусства, Convention Hall, Лос-Анджелес, США.Персональная выставка, Художественный музей им. Коваленко, Краснодар, Россия.1999Персональная выставка, Русский Культурный Центр, Прага, Чехия.Персональная выставка, Русский Культурный Центр, Люксембург.2000Персональная выставка, “X-Gallery”, Amsterdam, Holland.“ART FAIR HOLLAND”, Den Haag, Holland.Персональная выставка, Ziraat Bankasi Gallery, Istanbul, Turkey.Персональная выставка, Русский Культурный Центр, Nicosia, Cyprus.
2001«Солнечный Квадрат», ЦДХ, Москва, Россия.«Арт-Манеж», Москва, Россия.
2003Арт Манеж ЦДХ МоскваГрупповая выставка «Солнечный квадрат» Люксембург.Региональная выставка «Юг России», ЦДХ, Москва, ЦВЗ, Краснодар.
2004Персональная выставка. Центр Русской Культуры. Валетта, Мальта.2005Благотворительная рождественская выставка. Художественный музей им. Коваленко, Краснодар, Россия.Галерея «Лестница», «Уходящая натура» г.Краснодар, Россия.Проект «Игра в классики» Художественный Музей им. Коваленко, Краснодар, Россия.«Арт Манеж 2005» Москва, Россия.2006«Ночь музеев». Художественный музей им. Коваленко, Краснодар, Россия.Галерея «Арт союз» персональная выставка «Сезон 0», Краснодар, Россия.«Арт Манеж», Москва, Россия.«Арт Салон», Москва, Россия.2007«Арт Манеж», Москва, Россия.Выставка графики «Худграф». Малый манеж, Москва, Россия.«Ночь музеев». Художественный музей им. Коваленко, Краснодар, Россия.«Арт Салон», ЦДХ. Москва, Россия.2008«Худграф», Малый манеж, Москва, Россия.«Артсалон», ЦДХ, AG-gallery, Москва, Россия.Выставка РАХ «Графические произведения старых и новых мастеров» Государственный Музей-заповедник, Кострома, Россия.Групповая выставка, Центр Русской Культуры, Брюссель, Бельгия.«Арт-Манеж», Москва, Россия.Персональная выставка, Художественный Музей, Самара, Россия
2010
Персональная выставка «Линия горизонта », Краснодарский краевой художественный музей им. Ф. А. Коваленко
Выставка «Южный экспресс», Центральный дом художника, Москва
2011
Персональная выставка «Линия горизонта», арт-галерея «Паршин», Ставрополь
2012
Персональная выставка «Другие времена», галерея «Арт-Союз».
parshin.com
МИРАЖИ — картина маслом | Valeriy Blohin
Эти работы трудно назвать завершенными. Художник умеет вовремя остановиться, уловив момент, после которого любой мазок будет лишним…Таковы работы краснодарского художника Валерия Блохина.
Валерий родился в 1964 в г. Новороссийске. В юности увлекался дзюдо и рисованием. Когда пришло время выбирать, то предпочел рисование.В 20 лет он закончил художественное училище в Краснодаре. Первые годы своего творчества он, как и другие художники,поступал по классике. Продумывал композицию, делал карандашный набросок и только после этого начинал работать красками.
С 23 лет начал активно участвовать в выставках. Эта деятельность позволила Валерию посетить многие страны. Самое неизгладимое впечатление на художника произвели Вьетнам, Шри-Ланка и Индия. Именно после посещения этих стран в работах художника появились восточные мотивы.
Это повлекло за собой эксперименты с цветом, попытки уйти от объекта к цветовому пятну, попытки мыслить абстрактно…Так появилась уникальная авторская техника. На начальном этапе Валерий не думает, что будет изображать на холсте. Он ищет внутри себя эмоциональное вдохновение, начинает наносить на холст абстрактные пятна,а только после этого добавляются реальные “детали”.
В переводе Ильхам – “вдохновение», а фамилия Мирзоев произошла от азербайджанского слова “мирзя” – “писарь”. Возможно, именно это сочетание слов стало судьбоносным в биографии азербайджанского мальчика, родившегося в 1965 году в далеком приграничном городе Нахичивань на границе с Турцией…О творчестве Ильхама Мирзоева — ЗДЕСЬ
actualartist.ru
Запад и Восток Валерия и Ларисы Блохиных — СамКульт. Область культуры
В Арт-Центре завершила работу интереснейшая выставка двух мастеров из Краснодара. Галерея «Арт-холл» Татьяны Саркисян представила проект «Дороги» супружеской пары – Ларисы и Валерия Блохиных.
Они отмечены множеством наград, в том числе золотой медалью Российской академии искусств. В 2012 году Валерий стал почетным членом Российской академии художеств, и данный выставочный проект состоялся также благодаря поддержке Академии художеств. Лариса – почетный член Чешской академии искусств имени Томаша Масарика, получила престижную премию Рудольфа II.
У Валерия Блохина недавно состоялся полувековой юбилей со дня рождения, и потому выставка носит характер ретроспективы. Своеобразный творческий отчет за 25 лет творчества.
Для Самары это третья выставка Блохиных (уже были экспозиции в галерее «Вавилон» и в СОХМ), она интересна своей ретроспективой и своим ошеломляющим лицом, ориентированным, как двуглавый орел, на две стороны – Запад и Восток. Я ходила на эту выставку три раза.
В истории русской живописи есть интересное явление – русские мастера в Европе. Ведь не секрет: европейское наследие напитало многих классиков отечественной живописи. Исторический пример: русские меценаты в начале XX века привозили из Парижа работы французских импрессионистов, постимпрессионистов, фовистов и прочих новых мастеров. Наши художники вначале удивлялись, смотрели, а потом как начинали зажигать… Потом ходишь по европейским музеям и ищешь реминисценции иностранной живописи в творчестве наших мастеров. И это интересная тема – вопрос интерпретаций в искусстве.
***
Лариса Блохина – наша современница, потому так интересен ее взгляд на старушку Европу. Лариса страстно любит путешествовать, внутри городов предпочитает не экскурсии, а длительные неспешные прогулки, которые способствуют зарождению новых образов. Она не пишет этюды с натуры, создает картины по впечатлениям. Зачастую творит под музыку.
Имея графическое образование, знает, что графика – это не только линия, но и пятно. Важны силуэт пятна, масса пятна, его плотность или прозрачность, освещение. Мастер использует смешанную технику с добавлением коллажа из текстурированной бумаги. Пятно как художественная форма выражено в силуэте аккуратно подстриженных деревьев, в плотных массах ровных кустарников, в прямолинейности лент европейских дорог и в строгих объемах зданий – домиков, вилл.
Широкие полосы света также превращают кипарисы, пинии, ступени, балюстрады, дождевые лужи и стожки на поле в пятна, высветленные необычным образом. Особый ритм объектов бытия, запечатленных либо ночью, либо под дождем, либо под ветром, содержит в себе элемент музыкальной импровизации. Лариса Блохина владеет чувством стиля, органично вплетая в живопись реминисценции европейской школы живописи.
Все произведения Ларисы Блохиной можно разделить на две части. Одна – серебристо-буро-зеленая, сумеречная, полная таинственных теней, тонких переливов света, изысканной колеровки поверхности. Другая – яркая, экспрессивная. К первой категории можно отнести множество пейзажей с видами Франции, Германии, Голландии. Вторая, буквально клокочущая живописной экспрессией красочного теста, посвящена Венеции, Риму. Венецию можно увидеть ярко-синей, бирюзовой и кроваво-красной; Рим – розовый, фонтаны, словно из кондитерского зеленого крема, написаны свободно и раскованно, а собор святого Петра сияет всполохами солнечного света и золотом. И это все сновидения и воспоминания на холстах, там нет места конкретным реалиям.
Безусловно, абсолютно свободная манера письма Ларисы Блохиной, высочайший уровень мастерства художника импонируют зрителю, знатокам искусства и заставляют снова и снова всматриваться в полотна.
***
Валерий Блохин – легендарная личность, художник-виртуоз, обласкан любовью зрителей, галеристов, знатоков искусства. Прежде всего, он художник-ориенталист. Он представил живопись, наполненную изысканной восточной и азиатской тематикой – Индия, Монголия, юго-восток Китая, Аравийский полуостров.
Идея ориентализма была близка многим русским художникам. Все живописали Азию, ведь она была под боком, достаточно вспомнить произведения В. Верещагина, П. Кузнецова, Н. Рериха. Ориентализм – отдельная тема в русской и советской культуре, и корни этого явления простираются вглубь веков, достаточно вспомнить собор Василия Блаженного. Когда-то в начале XX века К. Петров-Водкин назвал Самарканд «землей бирюзового откровения». Сейчас толпы иммигрантов на улицах городов России лишили в наших глазах Среднюю Азию прежней загадочности, красоты и высокой эстетики.
Вероятно, потому Валерия Блохина так манит жизнь бедуинов и феллахов Аравии. Вот они ослепительно красочным караваном спешат через пески на белых дромадерах. Оказывается, значение слова «верблюд» для жителей Аравии соотносится с понятием «красота». И как же хороши эти странные животные на картинах Блохина! Головы верблюдов в различных ракурсах написаны анатомически так верно, как будто мастер с рождения только и писал их. Кстати, он, так же, как и Лариса Блохина, не пишет этюды с натуры. Просто делает графические наброски, зарисовки.
Неспешны и загадочны горбатые быки зебу под пальмами. Они или отдыхают, подняв свои головы, увенчанные лирообразными рогами, или стоят запряженные в двухколесные высокие повозки – арбы, поразительные существа, которых раньше можно было увидеть только на страницах географических журналов.
Отдельную сюжетную группу составляют охотники на великолепных арабских скакунах. Охотники грациозно взбираются по скалистым тропинкам или скачут небольшим отрядом в желтых песках. Считается, что лошадь – привилегия состоятельных людей. Меня пленила всадница в красном на белой лошади. Лошадь стоит по самое брюхо в воде на фоне низких густых деревьев. Здесь художник мастерски написал красочное отражение в реке, поверхность воды живая и такая зыбкая, как волнистое зеркало.
Лучшая сторона ориенталистики в живописи Блохина состоит в том, что он работает в русле русской ориентальной традиции XIX и XX веков. В его ориентализме превалирует этнографический характер: пейзажи, бытовые сцены. У него нет томного эротизма, как у Энгра и Делакруа. Валерий Блохин просто пишет по вдохновению, под музыку, и в его аравийских полотнах выразилась полная свобода самовыражения.
Так же, как и сцены аравийского быта, интересны полотна, посвященные Китаю, Вьетнаму. Здесь можно видеть и вьетнамские лодки, до краев полные рыбой, и веерообразные паруса китайских джонок, и девушек на берегу Ганга, ополаскивающих из кружки длинные темные массы волос. Внимание привлекла двухчастная композиция с изображением реки, китайского мостика и прихотливого силуэта трех деревьев, все в золотистой гамме. Когда-то в Японии были широко известны золотые ширмы Огаты Корина. Реминисценции этого наследия чувствуются сразу.
Надо помнить, что у каждого мастера существует своя излюбленная цветовая гамма. В большинстве полотен Валерия Блохина превалирует торжество симфонии желтого цвета. То огромные плоскости шафранового песка перекрывают лица людей в сюжете с песчаной бурей, то желтеющие поля риса и вода Желтой реки выплеснулись на холсты. Налицо присутствие декоративного начала с использованием открытого форсированного цвета.
В отдельном маленьком зале Валерий Блохин представил свои наброски всадников, верблюдов, женских фигур, закутанных в хиджаб, сделанные кистью, чернилами, тушью. Сама культура этих рисунков обращена не к традиции рафинированного мирискуснического стилевого направления, а к традиции советской школы середины ХХ века: А. Ефанов, О. Верейский. В набросках присутствует дух репортажности, свободы, остановленного времени. Не было бы их, думалось бы, что художник использует фотографии. Но это не в укор. Просто у Блохина даже рисунки – отдельный вид станковой графики. Одним словом, Маэстро.
Вообще в России мало говорят об ориентализме. Многие искусствоведы изо всех сил боятся произносить, что русское искусство, как и русская жизнь, имеет крепкие азиатские корни. Порой мы забываем, что такие понятия, как «базар», «башмак», «кафтан», – это восточные понятия. И купола наших церквей, не похожие на шпили европейских соборов, скорее близки куполам Самарканда времен Тимура. Мы же Евразия. Кстати, на Западе востоковедение для историков начинается за Вислой в Польше. Наверное, потому произведения этого мастера интересны многим странам Европы. В каких только странах Европы не проходили его выставки. В общем, ориентализм – дело тонкое.
Валентина Чернова
Член Международной ассоциации искусствоведов, член Союза художников России.
Опубликовано в издании «Свежая газета. Культура» в № 12 (79) за 2015 год
samcult.ru
Интервью с дизайнерами и архитекторами
18 ноября 2011 г.
В Екатеринбурге с большим успехом проходит выставка петербургского художника Николая Блохина. Мастер мирового уровня, блестящий представитель русской классической художественной школы, художник больше известен за рубежом. Он много выставлялся в Европе, а особенно активно – в США, где проводил по две выставки в год. В последнее время это имя стало известным и у нас, поскольку Николай Блохин стал чаще выставляться в России. Выпускник, а сегодня уже и преподаватель кафедры рисунка Санкт-Петербургского академического института им. И.Е.Репина, Николай Блохин рассказал о своем становлении как художника, но не благодаря Академии, а скорее – вопреки. В этом парадоксе и заключена, наверное, магнетическая сила его произведений.
В Екатеринбурге с большим успехом проходит выставка петербургского художника Николая Блохина. Мастер мирового уровня, блестящий представитель русской классической художественной школы, художник больше известен за рубежом. Он много выставлялся в Европе, а особенно активно – в США, где проводил по две выставки в год. В последнее время это имя стало известным и у нас, поскольку Николай Блохин стал чаще выставляться в России. Выпускник, а сегодня уже и преподаватель кафедры рисунка Санкт-Петербургского академического института им. И.Е.Репина, Николай Блохин рассказал о своем становлении как художника, но не благодаря Академии, а скорее – вопреки. В этом парадоксе и заключена, наверное, магнетическая сила его произведений.
Как вы пришли в искусство? Что определило ваш выбор – семья, школа, случай?
– Мои родители инженеры. Я жил в Купчино, учился в обычной школе. У меня брат играл на скрипке, а жили мы в одной комнате. И я вот это изо дня в день слушал… Меня тоже хотели в музыку запихнуть – должен же ребенок чем-то заниматься. Я твердо сказал, что туда точно не пойду. Тогда куда? Я договорился с родителями, что неделю похожу в художественную школу, и если понравится – останусь. Я пришел в художку – там запах краски, особые отношения между людьми, как-то весело, смешно, душевно. Мне просто понравилось. Потом поступил в СХШ при Академии.
Ваша живописная манера академична и неакадемична одновременно и вместе с тем очень артистична. Что повлияло на ее формирование?
– Я специально ничего не искал, все как-то так само сложилось. Еще в детстве начал писать какие-то цветовые композиции, потом в СХШ учился. А эти мои цветовые «подачки», как ни странно, пошли после армии. Я не поступил в Академию с первого раза и пошел в армию. Служил в Москве, ходил в «самоволку» – ЦДХ, музей рядом, было что посмотреть. Тогда как раз появилось много интересного: Филонов, реалисты, Корнелиу Баба увидел. Возможности писать не было, но впитывал все, да и возраст оказался такой подходящий…Словом, это такой стресс был для организма, что-то такое произошло со мной, что я пришел и стал готовиться к поступлению. А в Академии меня не любили – я не вписывался, и сейчас это понимаю, потому что сам преподаю. Академия в принципе консервативна. Это ни плохо, ни хорошо – это так и есть. Начинают тройки-четверки с минусом ставить, по углам вешать, говорить, что это вообще не «академия», и надо хоть раз в жизни «честную голову написать». Кого-то она ломает, кто-то поворачивается.
Как вам удалось не сломаться?
– Я упертый, и боролся с тройками. Во-первых, старшекурсники приходят и говорят, что хорошо. А во-вторых, я был уже не маленький мальчик. На старших курсах я учился в мастерской профессора Угарова: он однажды поправил мою работу, а я аккуратненько сошкрябал – и после этого он года полтора ко мне вообще не подходил. Так получилось, что на 1-2 курсе у меня учителя были какие-то вялые. Когда на 5-й пришел – ну, думаю, тут меня научат. И снова разочаровался – постановки дебильные, ничего не умеют. И я начал «зарубаться». Пока одна девочка в курилке не сказала, что без набросков вообще ничего не получится. Она сказала банальную вещь, но вовремя. И я услышал. Начал рисовать, сначала рисунков по десять в день, потом до ста доходило. И так в течение примерно двух лет. Устроил себе такой тренинг. Горы бумаги изводил, что получше – оставлял, похуже – в помойку. Через год я уже вышел за академические рамки и мне было все равно, 4 или 5 мне поставят. Я уже почувствовал, что называется, «вкус крови», как тигр-людоед. Понял, что во мне что-то есть. И оно есть – не благодаря, а вопреки академической школе.
Как вы начинаете работу над картиной? Есть ли у вас какие-то особые секреты письма, технологические приемы?
– Я сразу начинаю работать краской. Сначала углем пытался рисовать, потом плюнул. Двумя цветами начал сразу раскрывать картину. Нет у меня какой-то отрисованности. Я стараюсь холст сразу закрыть, в первый сеанс, потому что глубины нет, когда просвечивает белый грунт. Или цветной грунт делать. Особых наработок, которых я безоглядно придерживаюсь, у меня нет. Где-то гладко, где-то убираешь краску. Начиная писать, я смотрю на холст: какого размера, гладкий или зернистый, светлое пишу более корпусно, подскабливаю, снова пишу. Рембрандт тоже так делал, это тогда называлось «под нож». Идет вплавление красочных слоев. Лицо пишу гладко, ровно, а вокруг можно уже по-другому – возникает разность фактуры. Я люблю красочку фактурить.
Сколько времени у вас уходит на создание картины, если такой вопрос вообще уместен? В каком темпе вы обычно работаете?
– У меня в мастерской одновременно 15-20 холстов в работе, что-то сохнет, что-то пишу. Портреты делаю за 10 подходов, могу работать два дня подряд, потом месяц перерыва. А иногда и год и два, если просто не хочется писать. Вот сейчас с выставкой в Екатеринбурге – говорили, будет через полгода, потом – нет, через месяц! Я был в панике. Потом сказали, что через два месяца, и я вздохнул с облегчением, что есть еще время поработать. В этой экспозиции у меня семь работ, которые я не успел дописать – «Соловей», «Поющий». В мастерской не всегда это видишь, а на выставке становится хорошо заметно.
Тематика ваших работ далека от современности. Что навеяло вам тему для картин?
– «Масленицу» я придумал, когда делал диплом, и сейчас развиваю эту тему. Почитал Лихачева. Я россиянин, мне это близко. Хотя очень сильно закапываться в этнографию я не хочу. Архаичная тема.
Как возникает переход к «литературной», сюжетной работе? От вашей внутренней потребности? Или есть заказчик?
– В Академии, понятно, это были учебные задания, хотя я пытался их выполнять творчески. «Вяжущую» писал на 5 курсе. Потом с ней победил на конкурсе в Нью-Йорке. Потом, так получилось, возникла русская тема – «Балаган», «Бойцы». Картина – это самая верхушка процесса, это самое интересное и самое сложное. Насчет заказчика – это тоже вечная история, отношения художника и заказчика. Когда есть хорошая картина – покупатель найдется. С другой стороны, если даже картина хорошая – есть круг, в который нужно суметь войти. У меня это как-то получилось.
Откуда берутся образы в сюжетных картинах? Это ваша фантазия или натурщики?
– Раньше я что-то придумывал, а сейчас понял, что с натуры я напишу лучше. Зачем придумывать? Вокруг народу-то много. Пошел кофе пить – увидел типаж. О, классный дядька! Я чуть-чуть, бывает, подыскиваю, потом оказывается, что есть такие люди. В том же институте увидел парнишку, беленький, волосики редкие, такой типично русский, как Левша, наверное, в «Очарованном страннике». Пригласил позировать. Особо и выискивать не надо.
Вы сам себе менеджер или есть человек, который вас продвигает?
– В 2000 году появился человек, русский американец, который предложил контракт, и как-то все само собой получилось. Когда я начал делать такие работы, нашелся покупатель, и не один, а несколько из Америки, которые приобретали мою живопись. С1999 по 2009-й я там по две выставки в год делал.
Ваше искусство больше востребовано в Америке, чем в России и Европе. Не хотелось бы пожить и поработать там?
– Я не чувствую себя американским художником. Я россиянин. Грин-карта и все дела …скорее нет. Востребованность есть, и Америка в этом плане более здоровая страна, чем Европа. В Европе, если нет какой-нибудь «расчлененки» – это не искусство. И Европа, думаю, переболеет этим.
Отношения художника и заказчика – вечная история, как вы уже заметили. Были у вас какие-то особые или курьезные случаи таких отношений?
– Однажды был депутат, этакий околокриминальный персонаж. Зубом цыкает, конкретный такой, все как положено. Купил несколько картин. Со мной он вел себя корректно. Но как анекдот – нет, скорее, как страшный сон – вспоминается такая ситуация. Захожу в Союз художников, в Голубую гостиную, там мой знакомый художник сидит на корточках, тут у него палитра, к стеночке картина приставлена. На картине – бред какой-то…там и орел летит, и фонтан, и голая девушка. Ну все! А парень он такой, без особых амбиций, сидит и красит. А за ним – этот депутат стоит и руководит процессом: «Так…там, в правом углу – звезду! Нет, выше-выше.. И от нее чтоб дорожка. Во-во, классно!». Ну и у девушки чего-то там побольше-поменьше. И так минут пять. Потом увидел меня, поздоровался и говорит: «Вот видишь, как с вашим братом можно. Уже дело, а сначала вообще ерунда была!». Для меня это такой выдающийся случай был. Но, опять же, кто «ведется» на это, а кто – нет.
Странная ситуация, ведь раньше тоже был заказчик. В эпоху Возрождения, например, все было четко прописано: и сюжет, и цвета и где какая птичка. Почему же был хороший результат?
– Остался хороший. А плохой просто исчез, скололи, закрасили. Конечно, сегодня можно говорить: «19 век, Серебряный век, Репин, Серов!». Да, они писали царей. Однако был такой художник Бодаревский, который даже тогда был притчей во языцех, как Никас сегодня. Была даже пословица «чего-то там», как Бодаревский. Или «бодаревщина». И он стоил в 5-10 раз дороже, чем Репин с Серовым. А картины в разы хуже, а ведь он тоже царей-королей писал. Александр III, Николай II – эти портреты висят в Эрмитаже, где Тронный зал, в глубине: к ним не подойти, они даже без таблички, просто как деталь интерьера. Их как-то выставляли в Мраморном, я видел – сделано очевидно плохо. Почему? Уж цари-то вроде должны понимать. Это было всегда.
Как возникла мысль сделать такую выставку и привезти в Екатеринбург?
– Я работал, писал и понял, что хочу продолжать русскую тему. И что если это сейчас не сделаю, то через пять лет уже точно не сделаю. А под картины подвернулась и выставка. Есть человек, который видел мои работы на выставке в Москве, ему понравилось, и он купил несколько картин. Мы познакомились, поговорили-выпили-перешли на ты, и он предложил за несколько моих работ помочь организовать выставку. Я написал портреты его дочерей – он мне помог с выставкой, оплатил перевозку, фильм. Потом это все распалось. Выставка побывала в трех городах, а половину я делал уже другим путем. Ваш Музей пошел мне навстречу, предоставили зал без арендной платы, плакаты напечатали.
Покупают ли музеи, в которых проходила выставка, ваши работы?
– Купили только в Саратове. Точнее, богатый человек купил и подарил музею. В Екатеринбурге я подарил музею литографии.
А повторы своих произведений создаете?
– Случается. Но сейчас я уже зарекся. Когда начинаешь делать повтор, тратишь в несколько раз больше времени. Я «зарубаюсь» по поводу этой работы, что не могу сделать ее хуже, а должен сделать лучше. А в одну воду дважды никому не удавалось. И получается новая работа «по поводу» старой работы. Один в один – нет. Даже по ощущениям. Бывает, продаешь, и жалко. Но сейчас думаю, ушла – и ушла, лучше делать новое.
Как вам удается совмещать преподавание и собственное творчество? Почему вы остались в Академии?
– Во-первых, мне нравится преподавать. Интересно делать что-то кроме живописи. И приятно, что при моем участии люди могут творить. Приятно, когда говорят, что у меня учились. Это так стимулирует. В каникулы летом – походишь, чаю попьешь, компьютер включишь… А когда туда-сюда бегаешь, от мастерской до Академии и обратно, всегда живешь в тонусе.
Ваши студенты пытаются вашему стилю подражать?
– Бывает. И не только студенты. Людям кажется , что я поймал синюю птицу, схватил бога за бороду. И вот он – секрет! Гарри Поттер и философский камень. У кого-то это во что-то свое перерастает. Здесь все от человека зависит. Все равно внутри себя каждый отдает отчет, что манеру схватить – это одно, а лицо или руку нарисовать – это другое дело. Манеру вообще нельзя скопировать и не надо к этому стремиться. Я говорю студентам, что споры о том, может или не может так быть, правильно или неправильно – это пустой разговор. Мы создаем иллюзию трехмерного пространства в двухмерном. Это может быть убедительно или неубедительно. А как это сделано – пятнами или не пятнами – неважно. Манера – это просто технический подход.
Как ваш педагогический подход уживается с академической системой?
– Наши академические профессора – это своего рода «игра в бисер», они этим манипулируют, отсюда столько запутов. А еще начнут «лечить» студента, говорить «это нечестно, это неакадемическая коленка». Я часто говорю, что Рембрандт не потому так писал, что анализировал, а потому что по-другому не мог. Он очень любил искусство, пахал и жал на одну клавишу. И дожал в конце концов. Сделал так, что лучше него никто не делал. Мое убеждение, что ближе всего лежит – это и есть твое. Так же с темой картины. То, что не можешь не написать, надо делать. Что само напрашивается – получится у человека лучше. И окружающие ценить будут за это, именно за твое. Оригинальное.
Как изменились студенты сегодняшние?
– Всегда есть свои сложности. Какие-то внешние атрибуты, конечно, да. Но Академия – это Академия. И раз уж ты туда поступил – соответствовать этому надо.
Есть ли у вас кумиры? Какие художники близки вам?
– Рембрандт, Серов, Малявин, Фешин. Из современных – что-то из советской классики, мой друг Хамит Савкуев, во Франции живет Заборов, мне очень нравится.
Современное искусство использует актуальные темы, любит названия острые, с «перчиком». Как вы к таким темам относитесь?
– А что это может быть за тема? «Приезд Путина в Екатеринбург»? Остренькое с перчиком – это скорее из области литературы. В том, чем я занимаюсь, есть четкие ограничения. Для реалистического искусства недопустимы порнография, педофилия. Это нельзя – потому что нельзя. По определению. Актуальное искусство использует это остренькое и зачастую выстраивает на этом свою стратегию. Но я не уверен, что это долгоиграющее явление. А главное – что это созидательно. Они заняли свою нишу каким-то образом. Грантами или еще чем-то. Это вопрос нравственности, а не уровня мастерства. Существуют некие табуированные темы в изобразительном искусстве. Всегда были. «Звездное небо над головой и нравственный закон в душе» – этого никто не отменял. И не надо ничего тут выдумывать. Всю дорогу и придумывали, но это все отсеялось, исчезло.
Как, на ваш взгляд, в целом меняется искусство и мир? В каких отношениях сегодня состоят классика и современное искусство?
– Сегодня не стоит отделять современное и несовременное. Это все утрясается, срастается, проходит резкое противопоставление актуального – неактуального. Ситуация противостояния уходит. Как это все у нас получилось? Советский Союз, «железный занавес», андеграунд. Пришла перестройка – и Боровский, Гельман с их идеологией – уже оказались наверху, на руководящих постах. Но они оказались большими консерваторами, по-моему, быстрее загнили и забронзовели. Потому что живопись, изобразительное искусство достаточно традиционны само по себе. Одна из моих глубоких мыслей, что картина состоит из трех частей – композиционный момент, цветовой и рисуночный, то есть пластический . Это все переплетается, и если один исчезает, то два как минимум всегда есть. Это велосипед, который всегда есть, всегда под рукой. Ничего нового быть не может.
От редакции: благодарим за помощь в организации интервью руководителей мастерской «Диптих» художников Кристину Косьянковскую и Илью Юсупова.www.berlogos.ru
Николай Блохин »
Творчество Николая Блохина представляет ту линию российского современного искусства, которая связана с новым уровнем развития академических и реалистических традиций. Преемственность с европейской и русской художественной школой реализуется в выборе тем и сюжетов, пластического языка, в самом отношении к искусству и жизни.
Николая Блохина отличает виртуозное мастерство рисунка в его классическом понимании. Рисуночные портреты Блохина сочетают острый психологизм и свободное владение всеми возможностями профессиональных приемов. Нередко он создает большеформатные рисунки, которые формально являются подготовительным этапом при создании живописной композиции, в действительности они изначально являются равнозначными, самостоятельными произведениями.
Блестящая живопись — в портретах, пейзажах, натюрмортах, сюжетных композициях,— не просто технична, но и эмоциональна. Пастозный, свободный мазок насыщает живописную поверхность внутренней динамикой, создавая ощущение «витальности» красочного теста.
Сайт Художника
Николай Блохин художник, который всем — образованием, мировоззрением, художественным языком, — связан с русской академической школой.
Фундаментальные принципы академического образования, заложенные еще в эпоху классицизма, включающие опору на художественный лексикон, сложившийся со времен греческой и римской античности; повышенные требования к точному и грамотному рисунку; изучению логичных и универсальных законов композиции; ориентацию на высшие достижения мирового искусства, в первую очередь западной традиции, — остаются базовыми с момента открытия Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге вот уже более 250 лет. На протяжении своей истории академическая система не оставалась неизменной. Свежие импульсы во второй половине ХIX века внесли реалисты «передвижники» во главе с Ильей Репиным, которые расширили круг тем и сюжетов, перенесли акцент с антиков на изучение натуры. Краткий период авангардистских экспериментов в стенах Академии в 1920-х годах, связанных с революцией 1917 года, сменился возвратом к реалистическим традициям (реализм, правда, был «социалистическим») в советское время. Железный занавес почти на семьдесят лет вырвал Россию из контекста мирового художественного процесса. Однако любое явление обладает диалектическим единством плюсов и минусов. Благодаря изоляции и консерватизму в России сохранилась классическая художественная школа, в большинстве других стран утраченная.
Академическое образование слишком долго в определенных художественных кругах было принято считать рутинным, многие радикалы до сих пор уверены, что нормативы и правила засушивают личность, ограничивают свободу самовыражения. Однако ругать Академию можно лишь при условии, что она существует, служит камертоном и ориентиром, дает ясность критериев и задает планку. Ибо академическая система художественного образования — это отработанный веками коллективный опыт. Слабую личность эта система может поглотить и нивелировать, сильной индивидуальности дает старт для мощного взлета и раскрытия своего дарования. Когда эта система отсутствует, то все начинает дробиться, мельчать, критерии расшатываются и все стремится в неизбежное ничто. Каким оригинальным и сложным не был бы внутренний мир личности, выражение внутреннего «я» средствами визуального искусства требует знания ремесла — умения держать кисть в руках, смешивать краски на палитре, рисовать, работать цветом и компоновать. Освоив эту систему можно либо развиваться в ее лоне, либо отказываться от нее совсем, но без нее дойти до понимания глубинных, сущностных основ формообразования практически невозможно.
Можно вспомнить, что нормативность и консервативность Академии часто приводила к ощущению исчерпанности ее возможностей, но каждый раз появлялись мощные творческие индивидуальности, сформированные именно Академией и доказывавшие жизнеспособность академической системы. В девятнадцатом веке это были великие русские художники Карл Брюллов, Александр Иванов, вдохнувшие новую жизнь в классицистические каноны, передвижники, изменившие тематический репертуар, но сохранившие основы художественного языка — Илья Репин, Василий Суриков. Академический фундамент читается в работах Михаила Врубеля, Валентина Серова и художников начала ХХ века Зинаиды Серебряковой, Бориса Кустодиева, Филиппа Малявина, Николая Фешина, Александра Яковлева, Василия Шухаева. В советский период новая интерпретация академического искусства проявилась в работах Евсея Моисеенко, Андрея Мыльникова и многих других.
В Академии художеств на протяжении большей части ее истории не просто учат профессиональной технике, здесь прививают ту идеологию, которая отличает русских художников: сочувствие жизни простых людей, важность гуманистических ценностей и вера в великую миссию искусства. Поэтому для художников с академическим образованием характерен поиск больших тем и большой формы. Нравственные вопросы социума, смысл человеческой жизни и смерти, вечный поиск ответа на вопрос «что есть Красота» находят воплощение в традиционной форме станковой картины, нередко тяготеющей к монументальной значительности художественного языка.
Сегодня, когда пройден кризис очередной смены социальных ориентиров, в отечественную художественную жизнь уверенно вошло поколение сорокалетних, к которым принадлежит и Николай Блохин, с новым осмыслением академических традиций, которое дает основание говорить о рождении «новой Академии».
Николай Блохин оказался связан с Академии художеств еще до своего поступления в нее. Он родился в 1968 году в Ленинграде, занимался сначала в районной детской художественной школе, затем был принят в ленинградскую Среднюю художественную школу при Институте И.Е. Репина. Следующим этапом закономерно становится поступление в «репинку», где Блохин выбрал мастерскую профессора В. И. Рейхета, отличавшуюся особым вниманием к основам живописной культуры. Первый итог полученных знаний и первая декларация собственной художественной программы, как правило, реализуется в выпускной, дипломной работе. В качестве сюжета своего диплома (1995 год) Николай Блохин выбрал масленицу. Масленица — это самый веселый, самый разгульный и поистине всеобщий праздник проводов зимы и встречи весны. Ей посвящены множество ритуалов — блины, ряженые, воздвижение и сжигание чучела «Масленицы», балаганы, катания с гор, кулачные бои и взятие снежного городка. В этой веселой кутерьме, длившейся целую неделю перед началом Великого поста, проявлялась народная жизнерадостность, отражалась русская натура, порой не знающая меры и удержу. Яркие краски, открытые эмоции, смех и веселье по поводу проводов зимы и предвкушение прихода весеннего солнца всегда ассоциируются с этим праздником. В современных реалиях его отмечают театрализованными представлениями и сегодня это больше похоже на «мероприятие», чем на обряд, поскольку традиционность жизненного уклада в России нарушена давно. Но печь блины на масленицу настолько крепко вошли в плоть и кровь, что никакие трансформации социальных систем не искоренят этой русской привычки.
Блохин вместе с тем написал не современную масленицу, и даже не историческую, хотя типажи и костюмы, выбранный момент действа заставляют вспомнить позапрошлый век. Он попробовал встать в один уровень с выпускниками дореволюционной Академии (здесь в первую очередь вспоминаются произведения Василия Сурикова и «Капустница» Николая Фешина, один из лучших академических дипломов). Очевидной целью этой работы было показать свои возможности в создании большеформатной многофигурной жанровой картины — множественность типажей, разнообразие мотиваций поведения самых разных персонажей, немыслимые ракурсы, жесты, взаимосвязи, различные уровни динамики — от нарочито усложненных внешних движений персонажей до внутренней геометрии композиции, решение непростых колористических проблем. И если само полотно все же осталось на уровне большой заявки на будущее, то подготовительные рисунки к «Масленице», безусловно, работы зрелого мастера. Сам формат рисунков — некоторые почти в натуральную величину — не оставляет сомнений в том, что изначально они осмысливались художником не только как подготовительный материал, но как самостоятельные произведения. Натуру, близкую к образам XIX века долго искать не надо. Процессы глобализации и стандартизации жизни затронули отнюдь не все слои населения в России, и низовой социальный слой обитает вообще в неподдающемся точному определению времени. Подобные типажи, как «Старуха», «Курящий», «Обернувшийся» — это вечные персонажи, неизменная примета России. Одновременно это повод воспеть оду академическому подготовительному рисунку, давшему возможность художнику показать свое умение схватывать сиюминутность состояния и органичность движений, передавать исключительно сложные ракурсы и точки зрения. Поразительна мощная пластика линий, игра которых не только строит форму, но и выражает свободу художника в обращении с ней. Уверенная точность каждой линии и их собственный живой, энергичный ритм несут самостоятельную эстетическую значимость. Но при этом отнюдь не теряется сложность характеров, схваченная в мимике и выражении лиц, точность психологических характеристик.
Через три года после окончания Академии и прохождения стажировки в творческой мастерской, Блохин начинает преподавать рисунок в мастерской преемника Рейхета профессора В. В. Пименова.
Важное место в творчестве Николая Блохина занимает портрет. Художник здесь придерживается классических гуманистических традиций, согласно которым человек понимается как создание цельное, где внешние индивидуальные черты позволяют выявить сущностные основы личности, во всей сложности его психологии, биографии и духовной жизни. Нельзя не заметить и влияние импрессионизма в стремлении передавать случайность состояния или настроения модели, что сохраняет не только эффект естественности, но и свежесть первого впечатления. Одновременно для художника важно организовать произведение как законченное эстетическое целое, где бы портретный образ не делил произведение на модель и фон, а возникала единая пластическая структура. Поэтому здесь соблюдается паритетность реального и условного, изобразительного и декоративного, что заставляет вспомнить дуалистичность стиля модерн. Впрочем, сразу обнаруживают себя и традиции постановок академических мастерских советской школы. Однако живопись потому и живопись, что не все поддается вербальной интерпретации. Сложно составленные живописные аккорды, их свежесть и спонтанность делают портреты художника от самых ранних — «Женский портрет» (1991), «Портрет» (1997), до зрелых работ 2002-2008 года — «Девушка с вязанием», космонавта С.Крикалева, Р. Кеккалайнена, типично «блохинских» композиционных парных женских портретов («Мать и дочь»), — работами именно Блохина, а не репликами исторических стилей.
Его постоянными моделями являются самые близкие ему люди — его семья. Тонкие и трепетные образы художнику удается создать в портретах его жены Наташи, не только красивой женщины, но и самой интересной художницы. Сложность и глубина ее натуры читается в полных нежности портретах «Наташа в платке» (1994), «Наташа» (2002) многих других. Его дочь Аня стала источником постоянного восхищения. Он не скрывает своих чувств, любуясь непринужденной детской грацией, мягкой лепкой черт лица ребенка. Маленькая принцесса, инфанта, балерина, он вводит ее образ в свои фантазии (Уличные музыканты. Автопортрет с Аней.2006). Она как камертон задает солнечное оптимистичное настроение всему творчеству художника.
Николай Блохин не ограничивается портретной живописью. Интересно художник раскрывается в пейзажах, в первую очередь при изображении родного Петербурга. В его полотнах передается состояние вечно дождливой погоды, атмосфера постоянной сырости и промозглости, типичной для города на Неве. Но серые тоскливые краски приобретают роскошь переливов старинного серебра («Новый мост. Санкт-Петербург», 2006), а смазанность силуэтов и отсутствие деталей, как ни странно, раскрывает грандиозность пространства идеально спланированного города, выстроенного с имперским размахом и величием («Летний сад«,2006).
Не менее привлекательны и изысканные натюрморты художника первой половины 2000-х гг., образующие «белые» и «серые» серии. Для них характерна благородная сдержанность колорита, тонкое сопоставление форм и объемов, классическая завершенность соединяется с изящной легкостью широкой пастозной живописи. По контрасту, натюрморты с цветами становятся поводами для создания живописных сюит. Сами по себе цветы в этих натюрмортах не так важны, как важно ощущение сочности и полнокровности цветовых гармоний пастозной, широкой живописи. Красочное месиво кажется самопроизвольным и одновременно строго организованным, каждый мазок не просто эффектен сам по себе, но работает на общее впечатление от композиции.
Типично блохинскими мотивами становятся серии последних лет, где основные темы — это темы личины и маскарада — ряженые, шуты, шарманщики; «галантная» тема — дама и кавалер, королева и паж, испанки, цыганки; тема театральная — балет, варьете, арлекины и коломбины. Несложно заметить, что это подчеркнуто канонические темы классического искусства (Д.Ланин. Вступительная статья. Николай Блохин. М., 2007). Сразу возникает вопрос — эти темы и выбор художественного языка отвечает желанию художника вернуться в прошлое, повторить уже пройденное ранее? Или за этим стоит что-то другое?
На знамени искусства двадцатого века, да и начала двадцать первого стояло и стоит слово «свобода». Свобода самовыражения индивидуальности, свобода поиска, отказ от запретных тем, свобода выбора художественных систем, свобода развинчивать до основания любые конструкции, поиск пределов возможностей самого искусства и всех направлений развития вдохновляли многих художников. Николай Блохин художник современный, ибо свобода также одна из мощных мотиваций его творчества. Но его понимание свободы имеет другую базу. Для него свобода — это свобода диалога с культурной традицией европейской школы, свобода говорить с ними на одном языке, достижение свободы в использовании технических приемов рисунка и живописи. Можно вспомнить искусствоведческий термин трансавангард, закрепивший право художника применять любой художественный опыт всех времен и народов, когда-либо бывший в истории, но можно также вспомнить, что вся история искусств и есть диалог с предшественниками. Этот диалог мог принимать разную форму — полного приятия, развития тех или иных сторон, спора, отрицания, но всегда предшествующий опыт становился отправным моментом для развития. Блохин не копирует, не подражает, не имитирует, он вступает именно в диалог. Отсылки на поверхности — великие испанцы Диего Веласкес и Франциско Гойя, реалист Илья Репин, импрессионисты Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Константин Коровин, западный и русский модерн конца XIX — начала XX века -Андреас Цорн, Михаил Врубель, Валентин Серов, Лев Бакст, Филипп Малявин, Абрам Архипов, Николай Фешин, крупные мастера советской школы — Евсей Моисеенко, Борис Угаров. Впрочем, этот список можно легко продолжить в разных временных направлениях.
В первую очередь напрашиваются сравнения с Николаем Фешиным, который благодаря вынужденной эмиграции 1923 года стал не только русским, но и американским художником. Любопытно, что есть некоторая параллель даже в том, что Николай Фешин и Николай Блохин, едва окончив Академию художеств, получили быстрое признание в США. Есть определенное сходство позиций в выборе основных тематических проблем — соединение прекрасного и безобразного и тонкость грани между ними, их взаимосвязь и взаимообусловленность, диалектичное сцепление изысканного и гротескового, привлекательного и отталкивающего, праздника и первородной жути бытия, игра в переодевание. Ясно читается и схожесть пластических приемов в соединении натурных форм и условной живописной маэстрии, любовь к созданию вибрирующей фактуры живописной поверхности, стремление к изощренно сложным ракурсам и позам в рисунке. Вместе с тем, у Блохина с Фешиным столь же много общего, сколь много и отличного. Мощные, плотные, энергичные линии соусов и пастелей Блохина прямо противоположны тончайшим, невесомым линиям угольных рисунков Фешина. Утонченная сдержанность колорита Фешина русского периода мало имеет общего с праздничной цветовой феерией живописи Блохина, да и интенсивность цвета фешинских работ, созданных в Америке, имеет иное качество. Для Фешина первичен натурный импульс, он не сочинял своих сюжетов, а режиссировал реальные ситуации, будь то портрет или жанровая композиция. Для него не органично мышление символами. Блохин в большей степени высказывается в своих фантазиях, и часто его образы несут в себе иносказательный смысл. Вместе с тем у двух художников есть некоторое фундаментальное единство в рамках общего языка. Для Фешина и Блохина природная, естественная форма является основой, дающей безграничные возможности интерпретации различных смыслов. Не столько рациональных построений, которые можно выразить вербально, сколько построений пластических — игры формы и цвета, линий, пространственных решений и композиционных приемов. И для Фешина, и для Блохина важна органика жизни самого красочного теста или витальная энергия линии, их саморазвитие, пульсация, продолжение творческого акта во времени, где впечатление продолжающегося на наших глазах развития и есть искомый результат.
Такую же диалектичную цепочку отношений можно выстроить и с другими мастерами прошлого. Несложно заметить, что многие образы странноватых персонажей часто имеют портретное сходство с самим художником (и дело тут не только в том, что он сам себе модель, которая всегда под рукой). Он примеряет на себя разные роли — фавна, шута, арлекина, Икара, он садится в круг среди своих «Поющих». Ему весело, интересно и страшновато взглянуть на себя с разных сторон возможного и выдуманного. Он рядит своих героев в неожиданные, диковинные костюмы. Невольно вспоминается великий Рембрандт и его бесконечное изучение собственного лица, эмоций, состояний и изменений, равно как и стремление к нарочито необычным, экзотическим одеждам героев своих картин на библейские сюжеты, что давало возможность вырваться за пределы рутинности обыденного. У Блохина, совершенно очевидно, повод для переодеваний совсем другой — это игра в игру, но и в том и другом случае яркость костюмов становится поводом для живописной феерии.
Легко вспоминаются портреты дворцовых шутов и инфант Веласкеса, мах Гойи, прямая перекличка композиций и даже названий с Врубелем («Цыганка», «Сирень», обе работы 2006). Но смысл работ постоянно трансформируется. Девушки в «Сирени» Врубеля — персонификация природы, у Блохина — основа для художественной маэстрии. Женские лица всех его испанок, цыганок, принцесс, то есть нереальных, почти сказочных персонажей плод фантазии, но одновременно взяты с улицы — современные девушки, обычные, даже простоватые, в которых вдруг выявляется королевская стать и вечная тайна женственности.
Балаганы, шуты, арлекины, скоморохи, шарманщики, — это все персонажи площадного искусства, низовой его формы. Но в силу своей первичности они незатейливо и прямо выражают изначальное назначение искусства — развлекать, смешить, уводить на время от проблем. Вместе с тем в этих произведениях есть внутренний дисбаланс — его ряженые, шуты и арлекины не столь уж и радостны при всей роскоши ярких, праздничных красок, скорее в них есть ощущение внутреннего надлома, спрятанной трагедии.
Для Блохина эти персонажи нужны, чтобы еще раз задаться вопросом — кто же художник, иначе, кто же он сам, его место в этом мире? Шут, развлекающий публику? Продавец иллюзорного счастья? Он дарит лишь минутное забытье мишурным блеском карнавала и обещанием исполнения желаний, заведомо неисполнимых? Или художник актом своей воли способен выбрать из грубой фактуры реальности все самое высокое и прекрасное?
И что же есть реальность — реальность видимого или реальность воображаемого, того идеального внутреннего пространства, который и создает видимый мир, или все совсем наоборот? Вопросы без ответа. Здесь царствует живописное месиво, изыски цветовых сочетаний, свободное излияние живописного потока, открытость приемов, которые создают реальность картины, которая для Блохина единственная. Художник не отвечает на вопросы, которая задает жизнь, он отвечает только на те вопросы, которые задает искусство.
И здесь становится ясно, что искусство Блохина не оглядывание назад, а поиски возможностей движения вперед («идти вперед может только память, а не забвение»), он исследует те же вопросы, что и современное искусство. Это то же самое определение пределов, смыслов и значений искусства, его архетипов, канонов, кодов, возможностей языка, его места и значения в этом потоке информации, глобализации, технократизации, компьютеризации, примитивизации и всего остального, что происходит в мире. Искусство все еще говорит на нерациональном языке чувств и переживаний, оно хранит теплоту человеческой души и формирует внутренний мир человека. Это старо и банально как мир, но без этого нет человека, и каждое новое поколение открывает эти истины заново.
Постоянность игры, переодеваний, перевертышей, смыкание и перетекания одного в другое у Николая Блохина происходит на разных уровнях — он часто для своих композиций в качестве моделей использует друзей, как правило, художников, а собственно портреты друзей, рисуночные и живописные, включаются в систему его карнавальных образов, поскольку он их рядит в разнообразные костюмы и может заострять образы до гротеска, создавая, вместе с тем психологически точные и емкие портреты («Самурай». Портрет художника Д.Ахриева, 2007, «Флорентиец». Портрет художника Ю.Калюты, 2009 и многие другие). Это придает свободным фантазиям достоверность, а привнесение игрового момента в реальность позволяет выпукло проявлять сущность характеров.
Масштабные, большеформатные композиционные рисунки, как бы подготовительные для живописных полотен, в большинстве своем становятся сами по себе значимыми произведениями.
Художественная ценность рисуночного триптиха и живописной композиции «Поющие» (2006) равнозначна, в этом случае невозможно говорить о рисунке как просто подготовительном этапе. Сама тема для художника очень важна. Условность пространства и ситуации подсказывает нам, что перед нами не воспроизведение реальной сцены, и не воспоминание о песнопениях на сельских посиделках, а несколько отдаленная перекличка с традициями русской хоровой жанровой картины. В XIX веке в изображениях крестного хода, общинных сходов, сельских массовых обрядов и праздников преломлялась идея христианской соборности и традиционности общинного уклада русской жизни. Картина, как окно в мир фиксировала реальность в ее собственных формах. Блохин не конкретизирует место и время действие. Здесь реализуется желание передать более глубинный пласт — то общее эмоциональное состояние, когда изнутри вырывающаяся, рожденная в стародавние времена тягучая, жалостливая и протяжная русская мелодия соединяет этих людей в единое целое. Это пение можно ощутить только на чувственном уровне подсознания, где спрятана наша генетическая память о временах, когда не существовало отдельной личности вне рода и племени, и мерный, спокойный и величественный ритм жизни людей задавался самой природой.
Тема западного карнавала и его русского варианта — масленицы,- с каждым новым этапом становится сложнее, вытягивая тот самый, глубинный смысл карнавала в бахтинском понимании, в котором сама жизнь играет, а игра на время становится жизнью, когда временно сливаются идеальное и реальное, когда рождение нового органически сочетается со смертью старого.
Тема Запад-Россия, являющаяся поводом и для противопоставления, и для сопоставления, свою высшую точку обретает в триптихах Венеция и Масленица, над которыми он работал несколько лет.
Праздничный и гротескный, очаровывающий и настораживающий одновременно образ венецианского карнавала, вложенный в композиционную схему гойевских «Мах на балконе», — это игра воображения, в которой соединяются прошлое и настоящее, мечта и реальность. Недостижимая, но вечно притягивающая красота и тайна. Мерцающие вспышки цвета, идущие из темно-синей, затягивающей, ночной глубины, живой трепет живописной феерии передает это ощущение в полной мере.
И другой полюс — «Масленица» как русская Голгофа. Языческое и христианское, национальное и общечеловеческое сливается и в самой теме, и в ее интерпретации. От осанны до снятия с креста, от чествования масленицы до ее сжигания, — это вечно повторяемые круги возвышения и казни, непрерывный круговорот человеческих взлетов и трагедий. Повышенная, барочная динамика боковых частей триптиха, где мужики сначала воздвигают разряженное соломенное чучело, а затем с таким же азартом его низвергают, контрастно подчеркивают внутреннее напряжение более лаконично решенной центральной композиции. Изнутри вырывающийся, надрывный вопль распятого человека-масленицы как бы вбирает в себя всю первородную жуть бытия. Такой Масленицы в русском искусстве еще не было.
Николай Блохин художник не только обладающий высоким профессиональным уровнем живописца и блестящий мастер академического рисунка, не только сочетающий масштабность и глубину мышления с тонким лиризмом, но и успешный. Выставки по всему миру, престижные премии, преподавательская деятельность в любимой alma mater, в Санкт-Петербургском академическом институте им. И.Е.Репина, близкий круг друзей и единомышленников, почитатели и коллекционеры его искусства в США и России. Ему многое дано, и он многое может, и впереди еще целая творческая жизнь.
Галина Тулузакова
natblog.ru
