Музей ЧерномырдинаХристос в Гефсиманском саду (картина Куинджи). Картина куинджи христос в гефсиманском саду
Христос в Гефсиманском саду (картина Куинджи) — WiKi
Почти двадцать лет никому не показывал Куинджи своих новых картин. Наконец, осенью 1901 года он решил показать четыре картины своим ученикам, а затем, 4 ноября, и избранной группе зрителей, среди которых были профессора Академии художеств, а также Дмитрий Менделеев с женой[3][4][5]. Среди этих картин было полотно «Христос в Гефсиманском саду», которое произвело большое впечаление на посетителей. Один из них, писатель Иероним Ясинский, написал об этом событии восторженную статью под названием «Магический сеанс у А. И. Куинджи», в которой было такое описание[2]:
 | Опять собрался в складки чёрный коленкор — и мы увидели тёмный густолиственный кедровый и масленичный сад на горе Елеонской с ярко-тёмно-голубой прогалиной посредине, по которой, облитый тёмным лунным светом, шествовал Спаситель мира. Это — не лунный эффект, это — лунный свет по всей своей несказанной силе, золотисто-серебряный, мягкий, сливающийся с зеленью деревьев и травы, и пронизывающий собою белые ткани одежды. Какое-то ослепительное, непостижимое видение… |  |
«Христос в Гефсиманском саду» — одна из немногих тематических картин в творчестве пейзажиста Куинджи. Судя по всему, главной целью художника была не новая интерпретация евангельского сюжета, а возможность использовать эффект лунного освещения для передачи напряжения и драматизма ситуации. В центре полотна изображён освещённый лунным светом Христос в белой одежде, а весь окружающий его Гефсиманский сад покрыт непроглядной тьмой, в которой прячутся противопоставляемые Христу злодеи. В целом цветовая гамма картины перекликается с эффектами освещения в «Лунной ночи на Днепре», но не повторяет её, а помогает произвести эмоциональное воздействие на зрителя[3].
ru-wiki.org
«Христос в Гефсиманском саду». Архип Куинджи
12.03.2018Понедельник
И. Н. Крамской. портрет художника Архипа Куинджи. 1870
Архип Куинджи успел оставить ученикам и нам, ныне живущим, свое духовное завещание. Своего рода исповедью, итогом многолетних раздумий творца можно считать картину «Христос в Гефсиманском саду», написанную за несколько лет до кончины. «Христос в Гефсиманском саду» — единственное произведение Архипа Ивановича Куинджи, созданное на библейский сюжет. Художник придавал картине большое значение. Она была показана Архипом Куинджи друзьям и некоторым ученикам четвертого ноября 1901 года
«Христос в Гефсиманском саду». Архип Куинджи. 1901
В 1882 году, будучи на вершине грандиозного мирового триумфа, Куинджи вдруг ушел в затворничество и никогда больше, вплоть до самой смерти (а прожить ему ещё предстояло почти тридцать лет), не выставлялся. Лишь однажды, почти случайно, осенью 1901 года он на две недели приоткрыл для избранного круга посетителей двери своей мастерской, чтобы показать картину, над которой он трудился долгие годы — «Христос в саду Гефсиманском»
Картина зрителей поразила. Она не была похожа ни на какие другие произведения художников-современников, обратившихся к библейской теме. На их полотнах Иисус Христос представлен либо как бунтарь, либо как миссионер, но во всех случаях он — смертный человек. Куинджи подошел к образу Христа по-иному. В картине нет прозаической описательности, а немногие детали приобретают символический смысл. Идя от текста Евангелия, от реальных форм и красок природы, художник гиперболизировал их, создал декоративно-плоскостную живопись.
Выразительность художественных средств полотна «Христос в Гефсиманском саду» позволила Архипу Куинджи выйти за пределы конкретного сюжета. В этом полотне волшебный свет, характерный для произведений Куинджи, превращается в фигуру человека — Иисуса Назарянина. Этим светом очерчены фигуры последователей Христа, идущих за ним. Тут можно угадать фигуры — трех взрослых и ребенка. «Поступающий по правде идет к свету, дабы явны были дела его, потому что они в Боге сделаны». «Ибо всякий делающий злое ненавидит свет и не идет к свету, чтобы не обличались дела его, потому что они злы».
«Христос в Гефсиманском саду»
tihvinskiy.ru
Христос в Гефсиманском саду (картина Куинджи)
1. Куинджи, Архип Иванович – Arkhip Ivanovich Kuindzhi was a landscape painter of Greek descent. Arkhip Kuindzhi was born in January 1842 in Mariupol but spent his youth in the city of Taganrog and his Christian name is a Russian and Ukrainian rendering of the Greek, Ἄρχιππος, and his surname came from his grandfathers vocational nickname meaning goldsmith in Tatar. He grew up in a family, his father was a Greek shoemaker. Arkhip was six years old when he lost his parents, so he was forced to make a living working at a building site, grazing domestic animals. He received the rudiments of an education from a Greek friend of the family who was a teacher and then went to the local school. In 1855, at age 13–14, Kuindzhi visited Feodosia to study art under Ivan Aivazovsky, however, he was engaged merely with mixing paints and instead studied with Adolf Fessler, Aivazovskys student. English art historian John E. Bowlt wrote that the sense of light and form associated with Aivazovskys sunsets, storms. During the five years from 1860 to 1865, Arkhip Kuindzhi worked as a retoucher in the studio of Simeon Isakovich in Taganrog. He tried to open his own studio, but without success. After that Kuindzhi left Taganrog for Saint Petersburg and he studied painting mainly independently and at the St. Petersburg Academy of Arts. In 1872 the artist left the academy and worked as a freelancer, the painting On the Valaam Island was the first artwork which Pavel Tretyakov acquired for his art gallery. In 1873 Kuindzhi exhibited his painting The Snow which received the medal at the International Art Exhibition in London in 1874. In the middle of the 1870s he created a number of paintings in which the motif was designed for concrete social associations in the spirit of Peredvizhniki. In his mature period Kuindzhy aspired to capture the most expressive illuminative aspect of the natural condition and he applied composite receptions, creating panoramic views. Using light effects and intense colors shown in main tones, he depicted the illusion of illumination and his later works are remarkable for their decorative effects of color building. Kuindzhi lectured at the St. Petersburg Academy of Arts, among his students were artists such as Arkady Rylov, Nicholas Roerich, Konstantin Bogaevsky, and others. Kuindzhi initiated creation of the Society of Artists, manin Arkhip Ivanovich Kuinji, Leningrad,1990, ISBN 5-7370-0098-2 Arkhip Ivanovich Kuindzhi Kuindzhi - Artist of Light
2. Холст – Canvas is an extremely durable plain-woven fabric used for making sails, tents, marquees, backpacks, and other items for which sturdiness is required. It is also used by artists as a painting surface. It is also used in such objects as handbags, electronic device cases. The word canvas is derived from the 13th century Anglo-French canevaz, both may be derivatives of the Vulgar Latin cannapaceus for made of hemp, originating from the Greek κάνναβις. Modern canvas is made of cotton or linen, although. It differs from other cotton fabrics, such as denim. Canvas comes in two types, plain and duck. The threads in duck canvas are more tightly woven, the term duck comes from the Dutch word for cloth, doek. In the United States, canvas is classified in two ways, by weight and by a number system. The numbers run in reverse of the weight so a number 10 canvas is lighter than number 4, canvas has become the most common support medium for oil painting, replacing wooden panels. One of the earliest surviving oils on canvas is a French Madonna with angels from around 1410 in the Gemäldegalerie, however, panel painting remained more common until the 16th century in Italy and the 17th century in Northern Europe. Mantegna and Venetian artists were among those leading the change, Venetian sail canvas was readily available, as lead-based paint is poisonous, care has to be taken in using it. Early canvas was made of linen, a sturdy brownish fabric of considerable strength, linen is particularly suitable for the use of oil paint. In the early 20th century, cotton canvas, often referred to as cotton duck, linen is composed of higher quality material, and remains popular with many professional artists, especially those who work with oil paint. Cotton duck, which stretches more fully and has an even, mechanical weave, the advent of acrylic paint has greatly increased the popularity and use of cotton duck canvas. Linen and cotton derive from two different plants, the flax plant and the cotton plant, respectively. Gessoed canvases on stretchers are also available and they are available in a variety of weights, light-weight is about 4 oz or 5 oz, medium-weight is about 7 oz or 8 oz, heavy-weight is about 10 oz or 12 oz. They are prepared with two or three coats of gesso and are ready for use straight away, artists desiring greater control of their painting surface may add a coat or two of their preferred gesso
3. Масляная живопись – Oil painting is the process of painting with pigments with a medium of drying oil as the binder. Commonly used drying oils include linseed oil, poppy seed oil, walnut oil, the choice of oil imparts a range of properties to the oil paint, such as the amount of yellowing or drying time. Certain differences, depending on the oil, are visible in the sheen of the paints. An artist might use different oils in the same painting depending on specific pigments and effects desired. The paints themselves also develop a particular consistency depending on the medium, the oil may be boiled with a resin, such as pine resin or frankincense, to create a varnish prized for its body and gloss. Its practice may have migrated westward during the Middle Ages, Oil paint eventually became the principal medium used for creating artworks as its advantages became widely known. In recent years, water miscible oil paint has come to prominence and, to some extent, water-soluble paints contain an emulsifier that allows them to be thinned with water rather than paint thinner, and allows very fast drying times when compared with traditional oils. Traditional oil painting techniques often begin with the artist sketching the subject onto the canvas with charcoal or thinned paint, Oil paint is usually mixed with linseed oil, artist grade mineral spirits, or other solvents to make the paint thinner, faster or slower-drying. A basic rule of oil paint application is fat over lean and this means that each additional layer of paint should contain more oil than the layer below to allow proper drying. If each additional layer contains less oil, the painting will crack. This rule does not ensure permanence, it is the quality and type of oil leads to a strong. There are many media that can be used with the oil, including cold wax, resins. These aspects of the paint are closely related to the capacity of oil paint. Traditionally, paint was transferred to the surface using paintbrushes. Oil paint remains wet longer than other types of artists materials, enabling the artist to change the color. At times, the painter might even remove a layer of paint. This can be done with a rag and some turpentine for a time while the paint is wet, Oil paint dries by oxidation, not evaporation, and is usually dry to the touch within a span of two weeks. It is generally dry enough to be varnished in six months to a year, art conservators do not consider an oil painting completely dry until it is 60 to 80 years old
4. Воронцовский дворец (Алупка) – The Vorontsov Palace or the Alupka Palace is an historic palace situated at the foot of the Crimean Mountains near the town of Alupka in Crimea. The Vorontsov Palace is one of the oldest and largest palaces in Crimea, the palace was built between 1828 and 1848 for Russian Prince Mikhail Semyonovich Vorontsov for use as his personal summer residence at a cost of 9 million silver rubles. It was designed in an interpretation of the English Renaissance revival style by English architect Edward Blore. The building is a hybrid of several styles, but faithful to none. Among those styles are elements of Scottish Baronial, Mughal architecture, Blore had designed many buildings in the United Kingdom, and was later particularly well known there for completing the design of Buckingham Palace in London. By the early 20th century not only many aristocrats, but also members of the Imperial Family, an important feature of the Vorontsov Palace is the adjoining park ensemble, which features 40 hectares of greenery and forestry arranged by German landscape gardener Carolus Keebach. Today, the Vorontsov Palace is a part of the Alupka Palace-Park Complex, Russian poet Ivan Bunin visited the palace in 1900 and wrote a short poem entitled Long alley leading down to the shore. According to Filipp Vigel, the court in Odessa looked like a small capital of an imperial fürst. While many Neoclassical buildings appeared in Odessa, the Crimea was still perceived as a wild, the mid-1820s saw the appearance of highly popular Romantic works celebrating its rugged beauty, such as Alexander Pushkins poem The Fountain of Bakhchisaray and Adam Mickiewiczs Crimean Sonnets. Mikhail Vorontsov was appointed Viceroy of Novorossiya in May 1823, even before their arrival in Odessa, the Vorontsovs started buying up lands in the southwest of Crimea, which was sparsely populated and little known at the time. Alupka was bought in 1824 from colonel Theodosios Reveliotis, the owner of Livadia, by that time, the Vorontsovs also had property in Gurzuf, Massandra, Ai-Danil, and Cape Martian. The Vorontsov Palace was commissioned as a residence for the Governor-General of Novorossiya. The Prince was a dedicated Anglophile and his father, Semyon Vorontsov, had been Catherine the Greats ambassador to England, and the Prince had been educated in London. His sister, Catherine, had married an English aristocrat and become the châtelaine of one of Englands grandest country houses, Wilton House. On the accession of Paul I, in 1796, Semyon Vorontsov fell from favour and his estates confiscated and not returned until 1801, after the accession of Alexander 1. Its therefore unsurprising that he chose to reside with his daughter in England until his death, on acquiring ownership of the site, Vorontsov immediately employed the German gardener Karl Kebach to further improve the site and layout the grounds and gardens for the proposed new palace. In 1824, the architect Philip Elson was commissioned to build a house for the Vorontsov family to inhabit while the new palace was under construction. Now much altered in form, and known as the Asiatic Pavilion, the two architects had previously worked together on the design for Vorontsovs official residence in Odessa
5. Алупка – Alupka is a resort city located in the Crimean peninsula, currently subject to a territorial dispute between the Russian Federation and Ukraine. It is located 17 km to the west of Yalta, Alupka and its surrounding area is full of resort hotels on the shore of the Black Sea, where thousands of travelers travel every year. Public transport to Alupka can include the bus system and other road vehicles, located in the warm climate of southern Crimea, Alupka has an average temperature of +3-4°С in January–February and an average temperature of +24. 6°С in August. The average rainfall in the city is 400 mm per year, the humidity is about 69%. The swimming season streaches from March until October, with a water temperature of 22–28 °C. Alupka was first founded as a Greek settlement, the name originates from the Greek word for fox. After the Greeks, Alupka came under control of the Byzantine Empire, the first written mention of Alupka dates to 960 in a document about the Byzantine Emperor Romanos II. Later on, Alupka was controlled by the Crimean Tatars, after the Crimean campaigns, the city came into possession of Grigori Alexandrovich Potemkin, governor-general of the Novorossiya Krai. In 1798, the city had a population of 211, consisting mainly of farmers, at the end of 19th and beginning of the 20th centuries, Alupka was a famous resort. In the middle of 19th century it was more popular than Yalta, mostly because of the work of the Governor of NovoRossia - Mikhail Vorontsov. Alupka is not only a town, but also an important tourist attraction. During the Yalta Conference, the palace—spared by the Germans during World War II — served as the residence of Sir Winston Churchill, a large English-style park was designed and built for prince Vorontsov on the territory of the Vorontsovs Palace. The park was constructed from December 1824 to April 1851, and was envisioned, designed, created, plant material for the garden was supplied from the Nikita Botanic Garden by its director, Nicolai Anders von Hartwiss. There is also a selection of various Hotels and restaurants, there are many things to do in central Alupka such as look at Ai Petri mountain and even take a cable car there. Alupka is located at the foot of the 1234 meter Ai-Petri Mount of the Crimean Mountains chain
6. Императорская Академия художеств – The Russian Academy of Arts in Saint Petersburg, informally known as the Saint Petersburg Academy of Arts, was founded in 1757 by Ivan Shuvalov under the name Academy of the Three Noblest Arts. Catherine the Great renamed it the Imperial Academy of Arts and commissioned a new building, the academy promoted the neoclassical style and technique, and sent its promising students to European capitals for further study. Training at the academy was virtually required for artists to make successful careers, formally abolished in 1918 after the Russian Revolution, the academy was renamed several times. It established free tuition, students from across the country competed fiercely for its few places annually, in 1947 the national institution was moved to Moscow, and much of its art collection was moved to the Hermitage. The building in Leningrad was devoted to the Ilya Repin Leningrad Institute for Painting, Sculpture and Architecture, since 1991 it has been called the St. Petersburg Institute for Painting, Sculpture and Architecture. The academy was located in the Shuvalov Palace on Sadovaya Street, in 1764, Catherine the Great renamed it the Imperial Academy of Arts and commissioned its first rector, Alexander Kokorinov, to design a new building. It took 25 years to complete the Neoclassical edifice, which opened in 1789, konstantin Thon was responsible for the sumptuous decoration of the interiors. He also designed a quayside in front of the building, with stairs down to the Neva River, Ivan Betskoy reorganized the academy into a de facto government department, it supervised matters concerning art throughout the country, distributing orders and awarding ranks to artists. The academy vigorously promoted the principles of Neoclassicism by sending the most notable Russian painters abroad, in order to learn the ancient and Renaissance styles of Italy and it also had its own sizable collection of choice artworks intended for study and copying. The adherents of this movement became known as peredvizhniki, led by Ivan Kramskoi, they publicly broke with the Academy and organized their own exhibitions, which traveled from town to town across Russia. Ilya Repin, Mikhail Vrubel and some other painters still regarded the academys training as indispensable for the development of professional and technical skills. After the Russian Revolution of 1917, the Imperial Academy passed through a series of transformations, after the Academys move to Moscow that year, the building in what was then called Leningrad was renamed Ilya Repin Leningrad Institute for Painting, Sculpture and Architecture. The national academy has stayed in Moscow, in 1991 it was renamed the Russian Academy of Arts. The old academys art collection, which included works by Poussin, David. During the Soviet era, academies were free of tuition fees as they were financed by the government, many would-be students would apply to the Academy for as many as six or seven years in a row without success. With just twenty places available and thousands of applicants, the competition was brutal, well-known graduates of Ilya Repin Leningrad Institute for Painting, Sculpture and Architecture in 1930–1950s include, The Russian Academy of Arts has been headquartered in Moscow since 1947. Its current president is Zurab Tsereteli and its vice-president is Tair Salakhov and it is also called the St. Petersburg State Academic Institute of Fine Arts, Sculpture and Architecture. - Saint Petersburg, NP-Print Edition,2007, the Leningrad School Russian Academy of Arts The St. Petersburg State Academic Institute of Fine Arts Sergei V. Ivanov
7. Менделеев, Дмитрий Иванович – Dmitri Ivanovich Mendeleev was a Russian chemist and inventor. Mendeleev was born in the village of Verkhnie Aremzyani, near Tobolsk in Siberia, to Ivan Pavlovich Mendeleev and his grandfather was Pavel Maximovich Sokolov, a priest of the Russian Orthodox Church from the Tver region. Ivan, along with his brothers and sisters, obtained new family names while attending the theological seminary, Mendeleev was raised as an Orthodox Christian, his mother encouraging him to patiently search divine and scientific truth. His son would later inform that he departed from the Church, Mendeleev is thought to be the youngest of either 11,13,14 or 17 siblings, the exact number differs among sources. His father was a teacher of arts, politics and philosophy. Unfortunately for the familys financial well being, his father became blind and his mother was forced to work and she restarted her familys abandoned glass factory. At the age of 13, after the passing of his father, in 1849, his mother took Mendeleev across the entire state of Russia from Siberia to Moscow with the aim of getting Mendeleev a higher education. The university in Moscow did not accept him, the mother and son continued to St. Petersburg to the father’s alma mater. The now poor Mendeleev family relocated to Saint Petersburg, where he entered the Main Pedagogical Institute in 1850, after graduation, he contracted tuberculosis, causing him to move to the Crimean Peninsula on the northern coast of the Black Sea in 1855. While there he became a master of the Simferopol gymnasium №1. In 1857, he returned to Saint Petersburg with fully restored health, between 1859 and 1861, he worked on the capillarity of liquids and the workings of the spectroscope in Heidelberg. Later in 1861, he published a textbook named Organic Chemistry and this won him the Demidov Prize of the Petersburg Academy of Sciences. On 4 April 1862 he became engaged to Feozva Nikitichna Leshcheva, Mendeleev became a professor at the Saint Petersburg Technological Institute and Saint Petersburg State University in 1864, and 1865, respectively. In 1865 he became Doctor of Science for his dissertation On the Combinations of Water with Alcohol and he achieved tenure in 1867 at St. Petersburg University and started to teach inorganic chemistry, while succeeding Voskresenskii to this post. And by 1871 he had transformed Saint Petersburg into a recognized center for chemistry research. In 1876, he became obsessed with Anna Ivanova Popova and began courting her, in 1881 he proposed to her and his divorce from Leshcheva was finalized one month after he had married Popova in early 1882. Even after the divorce, Mendeleev was technically a bigamist, the Russian Orthodox Church required at least seven years before lawful remarriage and his divorce and the surrounding controversy contributed to his failure to be admitted to the Russian Academy of Sciences. His daughter from his marriage, Lyubov, became the wife of the famous Russian poet Alexander Blok
8. Ясинский, Иероним Иеронимович – Ieronim Ieronimovich Yasinsky was a Russian novelist, poet, literary critic and essayist. Among the numerous pseudonyms he used, were Maxim Belinsky, Nezavisimy, from the age of eleven, Yasinsky began to write verses and recite them at family literary and musical parties. Yasinsky, who received a home education, continued studying in the Chernigov gymnasium and in 1868 enrolled into the Kiev University. A person of character, keenly interested in womens liberation movement. In September 1870, having returned to Chernigov, Yasinsky debuted as an essayist, many of these earlier pieces later found their way into The Kiev Stories collection. Yasinskys first short novels were lauded by the Russian leftist literary elite who hailed their author as the new Garshin, several years later his major novels, fell under sharp criticism for allegedly ridiculing the revolutionary movement. Yasinsky saw his mission in compiling an encyclopedia of the Russian intelligentsia types, anton Chekhov, who once characterized him as either an honest garbage collector or a sly crook, was unconvinced. Similarly Maxim Gorky, who treated Yasinskys books as cheap anti-revolutionary pamphlets, once described their author as dirty, ieronim Yasinsky accepted the 1917 Revolution and even declared himself an instant Bolshevik. He worked for Proletkult, edited Soviet magazines, wrote fiction for children and translated Friedrich Engelss poem The Evening in 1923. He died, aged 81, in Leningrad, USSR, natashka The Sleeping Beauty The Kiev Stories Irinarkh Plutarkhov The Old Friend The Great Man Under Satans Cloak The Novel of My Life
9. Елеонская гора – The Mount of Olives or Mount Olivet is a mountain ridge east of and adjacent to Jerusalems Old City. It is named for the groves that once covered its slopes. The southern part of the Mount was the Silwan necropolis, attributed to the ancient Judean kingdom, the Mount has been used as a Jewish cemetery for over 3,000 years and holds approximately 150,000 graves, making it central in the tradition of Jewish cemeteries. Much of the top of the hill is occupied by At-Tur, the Mount of Olives is one of three peaks of a mountain ridge which runs for 3.5 kilometres just east of the Old City across the Kidron Valley, in this area called the Valley of Josaphat. The peak to its north is Mount Scopus, at 826 metres, while the peak to its south is the Mount of Corruption, the highest point on the Mount of Olives is At-Tur, at 818 m. The ridge acts as a watershed, and its side is the beginning of the Judean Desert. The ridge is formed of sedimentary rock from the Late Cretaceous, and contains a soft chalk. While the chalk is easily quarried, it is not a strength for construction. From Biblical times until the present, Jews have been buried on the Mount of Olives, the necropolis on the southern ridge, the location of the modern village of Silwan, was the burial place of Jerusalems most important citizens in the period of the Biblical kings. The religious ceremony marking the start of a new month was held on the Mount of Olives in the days of the Second Temple, roman soldiers from the 10th Legion camped on the Mount during the Siege of Jerusalem in the year 70 AD. After the destruction of the Second Temple, Jews celebrated the festival of Sukkot on the Mount of Olives and they made pilgrimages to the Mount of Olives because it was 80 meters higher than the Temple Mount and offered a panoramic view of the Temple site. It became a place for lamenting the Temples destruction, especially on Tisha BAv. From there they see the whole Temple and there they weep, in the mid-1850s, the villagers of Silwan were paid £100 annually by the Jews in an effort to prevent the desecration of graves on the mount. Prime Minister of Israel Menachem Begin asked to be buried on the Mount of Olives near the grave of Etzel member Meir Feinstein, however, during the 19 years the Jordanian annexation of the West Bank lasted, the committee was not formed. During this period, four roads were paved through the cemeteries, graves were also demolished for parking lots and a filling station and were even used in latrines at a Jordanian Army barracks. However, the United Nations did not condemn the Jordanian government for these actions, following the 1967 Six-Day War and the Israeli capture of East Jerusalem, its government began restoration work and re-opened the cemetery for burials. Israels 1980 unilateral annexation of East Jerusalem was condemned as a violation of law and ruled null. As of 2010, the Jewish cemetery on the Mount of Olives has been targeted regularly by Arab vandals, notable graves that have been defaced by vandals include those of the Gerrer Rebbe and Menahem Begin
10. Пейзаж – In other works, landscape backgrounds for figures can still form an important part of the work. Sky is almost always included in the view, and weather is often an element of the composition, detailed landscapes as a distinct subject are not found in all artistic traditions, and develop when there is already a sophisticated tradition of representing other subjects. The two main traditions spring from Western painting and Chinese art, going well over a thousand years in both cases. Landscape views in art may be imaginary, or copied from reality with varying degrees of accuracy. If the primary purpose of a picture is to depict an actual, specific place, especially including buildings prominently, within a few decades it was used to describe vistas in poetry, and eventually as a term for real views. However the cognate term landscaef or landskipe for a patch of land had existed in Old English. The earliest pure landscapes with no figures are frescos from Minoan Greece of around 1500 BCE. The frescos from the Tomb of Nebamun, now in the British Museum, are a famous example. These were frequently used, as in the illustrated, to bridge the gap between a foreground scene with figures and a distant panoramic vista, a persistent problem for landscape artists. The Chinese style generally showed only a distant view, or used dead ground or mist to avoid that difficulty, aesthetic theories in both regions gave the highest status to the works seen to require the most imagination from the artist. They were often also poets whose lines and images illustrated each other, a revival in interest in nature initially mainly manifested itself in depictions of small gardens such as the Hortus Conclusus or those in millefleur tapestries. The frescos of figures at work or play in front of a background of trees in the Palace of the Popes. Several frescos of gardens have survived from Roman houses like the Villa of Livia, a particular advance is shown in the less well-known Turin-Milan Hours, now largely destroyed by fire, whose developments were reflected in Early Netherlandish painting for the rest of the century. Landscape backgrounds for various types of painting became prominent and skilful during the 15th century. The Italian development of a system of graphical perspective was now known all over Europe. Indeed, certain styles were so popular that they became formulas that could be copied again and again, after the publication of the Small Landscapes, landscape artists in the Low Countries either continued with the world landscape or followed the new mode presented by the Small Landscapes. The popularity of landscape scenes can be seen in the success of the painter Frans Post. Salvator Rosa gave picturesque excitement to his landscapes by showing wilder Southern Italian country, there are different styles and periods, and subgenres of marine and animal painting, as well as a distinct style of Italianate landscape
wikivisually.com
Христос в Гефсиманском саду (картина Куинджи) — Википедия РУ
Почти двадцать лет никому не показывал Куинджи своих новых картин. Наконец, осенью 1901 года он решил показать четыре картины своим ученикам, а затем, 4 ноября, и избранной группе зрителей, среди которых были профессора Академии художеств, а также Дмитрий Менделеев с женой[3][4][5]. Среди этих картин было полотно «Христос в Гефсиманском саду», которое произвело большое впечаление на посетителей. Один из них, писатель Иероним Ясинский, написал об этом событии восторженную статью под названием «Магический сеанс у А. И. Куинджи», в которой было такое описание[2]:
| | Опять собрался в складки чёрный коленкор — и мы увидели тёмный густолиственный кедровый и масленичный сад на горе Елеонской с ярко-тёмно-голубой прогалиной посредине, по которой, облитый тёмным лунным светом, шествовал Спаситель мира. Это — не лунный эффект, это — лунный свет по всей своей несказанной силе, золотисто-серебряный, мягкий, сливающийся с зеленью деревьев и травы, и пронизывающий собою белые ткани одежды. Какое-то ослепительное, непостижимое видение… | |
«Христос в Гефсиманском саду» — одна из немногих тематических картин в творчестве пейзажиста Куинджи. Судя по всему, главной целью художника была не новая интерпретация евангельского сюжета, а возможность использовать эффект лунного освещения для передачи напряжения и драматизма ситуации. В центре полотна изображён освещённый лунным светом Христос в белой одежде, а весь окружающий его Гефсиманский сад покрыт непроглядной тьмой, в которой прячутся противопоставляемые Христу злодеи. В целом цветовая гамма картины перекликается с эффектами освещения в «Лунной ночи на Днепре», но не повторяет её, а помогает произвести эмоциональное воздействие на зрителя[3].
http-wikipediya.ru
Христос в Гефсиманском саду (картина Куинджи) — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
«Христос в Гефсиманском саду» — картина русского художника Архипа Куинджи (1841/1842—1910), написанная в 1901 году[1]. Она является частью собрания Воронцовского дворца-музея в Алупке и выставляется в Шуваловском корпусе дворца[2]. Размер картины — 107,5 × 143,5 см[3].
Почти двадцать лет никому не показывал Куинджи своих новых картин. Наконец, осенью 1901 года он решил показать четыре картины своим ученикам, а затем, 4 ноября, и избранной группе зрителей, среди которых были профессора Академии художеств, а также Дмитрий Менделеев с женой[3][4][5]. Среди этих картин было полотно «Христос в Гефсиманском саду», которое произвело большое впечаление на посетителей. Один из них, писатель Иероним Ясинский, написал об этом событии восторженную статью под названием «Магический сеанс у А. И. Куинджи», в которой было такое описание[2]:
| Опять собрался в складки чёрный коленкор — и мы увидели тёмный густолиственный кедровый и масленичный сад на горе Елеонской с ярко-тёмно-голубой прогалиной посредине, по которой, облитый тёмным лунным светом, шествовал Спаситель мира. Это — не лунный эффект, это — лунный свет по всей своей несказанной силе, золотисто-серебряный, мягкий, сливающийся с зеленью деревьев и травы, и пронизывающий собою белые ткани одежды. Какое-то ослепительное, непостижимое видение… | |
«Христос в Гефсиманском саду» — одна из немногих тематических картин в творчестве пейзажиста Куинджи. Судя по всему, главной целью художника была не новая интерпретация евангельского сюжета, а возможность использовать эффект лунного освещения для передачи напряжения и драматизма ситуации. В центре полотна изображён освещённый лунным светом Христос в белой одежде, а весь окружающий его Гефсиманский сад покрыт непроглядной тьмой, в которой прячутся противопоставляемые Христу злодеи. В целом цветовая гамма картины перекликается с эффектами освещения в «Лунной ночи на Днепре», но не повторяет её, а помогает произвести эмоциональное воздействие на зрителя[3].
Искусствовед Владимир Петров писал в своей статье, посвящённой 150-летию со дня рождения Архипа Куинджи[6]:
| А в самом начале XX века Куинджи создал и картину, наиболее концентрированно воплотившую его представления о нравственном идеале — «Христос в Гефсиманском саду» (1901, Алупкинский дворец-музей). Сюжет, не раз привлекавший его товарищей-передвижников (В. Г. Перова, Н. Н. Ге, В. Д. Поленова и др.), Куинджи интерпретировал соответственно своему переживанию космического смысла бытия — фигура освещённого лунным сиянием Христа действительно являет в его картине «свет от света» и запечатлена в резком контрасте с окружающей тьмой, с которой сливаются подступающие к Христу носители зла. Величие и в то же время одинокая обречённость образа «Показавшего Свет» переданы Куинджи с глубокой, выстраданной выразительностью — живописец, веривший в свет и любовь, считал судьбу христианского учения драматичной, ибо, по мнению художника, «люди переделали его на свой лад, применительно к своим удобствам». | |
ru.wikiyy.com
Галина Пинхасова Этюд об одной картине “Христос в Гефсиманском саду” А.И. Куинджи.
Галина Пинхасова Этюд об одной картине “Христос в Гефсиманском саду” А.И. Куинджи.
Перед этой картиной, выставленной в Шуваловском корпусе Воронцовского дворца в Алупке, всегда надолго задерживаются экскурсанты. Некоторые приходят сюда вновь и вновь, часами вглядываясь в изображение. Ее автор — Архип Иванович Куинджи.Картины этого художника, пронизанные необыкновенным светом, всегда вызывают у зрителей неадекватные ощущения, но никого не оставляют равнодушным. Творчества Куинджи должным образом было высоко оценено еще при жизни. Особый успех выпал на долю таких его полотен, как «Ночь на Днепре» (1860), «Березовая роща» (1878) и «Днепр утром» (1882).Загадкой в жизни художника стал тот факт, что в разгар своей славы он перестал показывать свои картины, участвовать в выставках. Он «замолк» более чем на двадцать лет, практически до самой смерти. Что же толкнуло художника на этот столь исключительный шаг? Некоторые исследователи считают, что это решение появилось в результате крайне обостренного чувства общественной ответственности. Да, в какой-то степени и гражданский шаг, но, скорее тут речь идет о духовном переломе. Ведь для Куинджи жизнь — это творческий поиск, искусство эксперимента.Перестав выставляться, художник продолжал много писать и создал эскизы и композиции, отличающиеся высоким мастерством живописи, смелостью и эпическим обобщением. Его посмертное наследие включает в себя более пятисот произведений, значительная часть которых написана в Крыму.На ЮБК Куинджи приобретает недвижимость в районе Кацивели, в Алупке и самое обширное имение (более 225 десятин) с девственной природой, с причудливой красоты прибрежной полосой и скалой Узуи-Таш в Кикинеизе. Его он особенно любил и часто изображал. В это царство природы Куинджи привозил на пленер своих учеников: Н.К. Рериха, К.Ф. Богаевского, А.А. Рылова, М.П. Латри, В.И. Зарубина и др. Впоследствии многие из них получили всемирную известность, создали новое направление в русской пейзажной живописи.К Куинджи, как магнитом, притягивало людей ищущих, целеустремленных. Их покоряло в нем преданность искусству, доброта и отзывчивость ко всему живому. Об этом красноречиво свидетельствовала огромная толпа бедняков, шедшая за гробом художника в день его похорон. Даже птицы, которых он очень любил и кормил, после его смерти еще долго летали над Петербургским домом, оглашая криками окрестность.О нравственной красоте Куинджи, о его мятущейся душе рассказывает картина «Христос в Гефсиманском саду». Ее первый и единственный при жизни художника показ являлся исключением в период «молчания» и состоялся 4 ноября 1901 г. в мастерской Архипа Ивановича. Туда были приглашены его друзья: Д.И. Менделеев с женой, художник М.П. Боткин, писательница Е.П. Леткова, архитектор Н.В. Султанов, а также некоторые ученики. Участник показа И.И. Ясинский восторженно писал в статье под интригующим названием «Магический сеанс у А.И. Куинджи»: «Опять собрался в складки черный коленкор — и мы увидели темный густолиственный кедровый и масленичный сад на горе Елеонской с ярко-темно-голубой прогалиной посредине, по которой, облитый темным лунным светом, шествовал Спаситель мира. Это — не лунный эффект, это — лунный свет по всей своей несказанной силе, золотисто-серебряный, мягкий, спивающийся с зеленью деревьев и травы, и пронизывающий собою белые ткани одежды. Какое-то ослепительное, непостижимое видение…”Картина потрясла зрителей. Она не была похожа ни на какие другие произведения художников-современников, обратившихся к евангелической теме. У многих художников Иисус Христос представлен как бунтарь либо как миссионер, но во всех случаях он — смертный человек. Куинджи подошел к образу Иисуса по иному. Вглядимся в картину. В ней нет прозаической описательности, немногие детали приобретают символический смысл. Отталкиваясь от евангельского текста, от реальных, форм и красок природы, Куинджи гиперболизирует их, создает декоративно- плоскостную живопись. Цветовая гамма произведения является как бы развитием, продолжением широко известной картины Куинджи “Ночь на Днепре”.В полотне «Христос в Гефсиманском саду» выражен живописный метод, получивший название «куинджиевского пятна», основанного на сопоставлении освещенных и затемненных цветовых плоскостей. Этот живописный прием был выработан художником благодаря наблюдениям над южной природой и изучению творчества швейцарского живописца А. Калама. Именно в этом полотне волшебный свет, характерный для произведений Куинджи, материализуется в фигуру человека — Иисуса Назаретянина. Фигура Иисуса изображена схематично. Она освещена невидимым источником света так, что создается иллюзия свечения самого Спасителя.Свет, пришедший в мир, чтобы всякий верующий в него не оставался во тьме. Этим светом очерчены фигуры идущих за Христом, его продолжателей. Присмотревшись, мы различим фигуры трех взрослых и ребенка и прячущихся среди гигантских деревьев сада римских легионеров, которые готовы схватить Иисуса Христа.Тема «серебряной ночи», лунного света была одной из самых популярных в русской поэзии конца ХIХ — начала XX столетия. Особенно излюбленной она стала у поэтов-символистов А. Блока, А. Брюсова, К. Бальмонта, в стихах М. Волошина.Зарождению художественного стиля символизма немало способствовала философия Владимира Соловьева. В своей статье «Красота и природа» ученый называет выразителем мирового всеединства — свет, проникающий сквозь тьму и материю, символ борьбы с хаосом, символ порядка… В отличие от утреннего и дневного света, ночной, звездный — более совершенен.Был ли знаком с философией Соловьева А.И. Куинджи, мы не знаем. Более вероятным, думается, что в картине “Христос в Гефсиманском саду” отразилась мысль гностического учения, рожденного в IV веке нашей эры и получившего свое новое развитие в конце столетия. Согласно этому учению имя Иисуса Христа трактуется так: Иисус — искупление, «назар» — истина, а значит «назаретяник» — кто от истины. Гностическое учение обращено к внутреннему миру изолированного человека, в нем сочетается преодоление изолированности с соединением человеческого духа со всеобщей божественней духовной сущностью. Современный человек у гностиков обличается совершенным светом.Следуя такой трактовке света в произведении «Христос в Гефсиманском саду» Куинджи, возникает вопрос — как же объяснить, что фигура Иуды Искариота отмечена в ней ярким пятном света? Известна полемика, возникшая в русских литературных кругах того времени, о Иуде Искариоте, когда сложилось несколько совершенно разных точек зрения на его роль в земной жизни Христа. Они были высказаны М. Волошиным иА. Ремизовым.“Может быть, фигура Иуды выделена Куинджи как подтверждение мысли, высказанной М. Волошиным и А.Ремизовым. Они предполагали, что Иуда — самый лучший и преданный ученик Христа, принявший на себя тяжкий крест перед человечеством, чтобы выявить божественную суть своего учителя. Или автор картины сделал такой акцент на фигуре Иуды в подтверждение слов Л. Андреева, считавшего его самым обыкновенным смертным, отребьем человечества. По Библии каждый из нас потомок Каина, который убил своего брата Авеля. Значит, каждый человек рождается с задатками своего библейского прародителя. И в руках каждого своей жизнью перебороть в себе сущность Каина, приблизиться к светочу мира.У каждого живущего на этой земле есть своя Голгофа, свой Гефсиманский сад. Картина Куинджи «Христос в Гефсиманском саду” — результат духовного Гефсиманского сада» художника. Она говорит о нем как о глубоко верующем человеке, она — его духовное завещание.Материал с сайта "Алупкинский дворцово-парковый музей-заповедник"http://worontsovpalace.org/?p=1184
bondirina85.blogspot.com
Христос в Гефсиманском саду (картина Куинджи) Википедия
«Христос в Гефсиманском саду» — картина русского художника Архипа Куинджи (1841/1842—1910), написанная в 1901 году[1]. Она является частью собрания Воронцовского дворца-музея в Алупке и выставляется в Шуваловском корпусе дворца[2]. Размер картины — 107,5 × 143,5 см[3].
История и описание
Почти двадцать лет никому не показывал Куинджи своих новых картин. Наконец, осенью 1901 года он решил показать четыре картины своим ученикам, а затем, 4 ноября, и избранной группе зрителей, среди которых были профессора Академии художеств, а также Дмитрий Менделеев с женой[3][4][5]. Среди этих картин было полотно «Христос в Гефсиманском саду», которое произвело большое впечаление на посетителей. Один из них, писатель Иероним Ясинский, написал об этом событии восторженную статью под названием «Магический сеанс у А. И. Куинджи», в которой было такое описание[2]:
| Опять собрался в складки чёрный коленкор — и мы увидели тёмный густолиственный кедровый и масленичный сад на горе Елеонской с ярко-тёмно-голубой прогалиной посредине, по которой, облитый тёмным лунным светом, шествовал Спаситель мира. Это — не лунный эффект, это — лунный свет по всей своей несказанной силе, золотисто-серебряный, мягкий, сливающийся с зеленью деревьев и травы, и пронизывающий собою белые ткани одежды. Какое-то ослепительное, непостижимое видение… | |
«Христос в Гефсиманском саду» — одна из немногих тематических картин в творчестве пейзажиста Куинджи. Судя по всему, главной целью художника была не новая интерпретация евангельского сюжета, а возможность использовать эффект лунного освещения для передачи напряжения и драматизма ситуации. В центре полотна изображён освещённый лунным светом Христос в белой одежде, а весь окружающий его Гефсиманский сад покрыт непроглядной тьмой, в которой прячутся противопоставляемые Христу злодеи. В целом цветовая гамма картины перекликается с эффектами освещения в «Лунной ночи на Днепре», но не повторяет её, а помогает произвести эмоциональное воздействие на зрителя[3].
Отзывы
Искусствовед Владимир Петров писал в своей статье, посвящённой 150-летию со дня рождения Архипа Куинджи[6]:
| А в самом начале XX века Куинджи создал и картину, наиболее концентрированно воплотившую его представления о нравственном идеале — «Христос в Гефсиманском саду» (1901, Алупкинский дворец-музей). Сюжет, не раз привлекавший его товарищей-передвижников (В. Г. Перова, Н. Н. Ге, В. Д. Поленова и др.), Куинджи интерпретировал соответственно своему переживанию космического смысла бытия — фигура освещённого лунным сиянием Христа действительно являет в его картине «свет от света» и запечатлена в резком контрасте с окружающей тьмой, с которой сливаются подступающие к Христу носители зла. Величие и в то же время одинокая обречённость образа «Показавшего Свет» переданы Куинджи с глубокой, выстраданной выразительностью — живописец, веривший в свет и любовь, считал судьбу христианского учения драматичной, ибо, по мнению художника, «люди переделали его на свой лад, применительно к своим удобствам». | |
См. также
Примечания
Ссылки
wikiredia.ru
