Музей ЧерномырдинаЯпонская классическая живопись: самые известные имена. Японские картины
Японские картины: все тонкости восточной живописи
Японская живопись – это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.
Внимательность к традициям
Восток – это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю искусства, были японские художники. Современные произведения искусства именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.
Манера исполнения картин
В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись? Цветы, деревья, скалы, животные и птицы – всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.
Контрасты в живописи
Контраст – ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.
Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).
Переходы и цветовые решения
Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.
Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.
Основные мотивы японской живописи
В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.
Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов – излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку – так выглядит обычная картина 17-18 века.
Животные в японской живописи
Животные – тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят семейство кошачьих, и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства. 
Мир фауны – ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы – журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи – все они встречаются в рисунках восточных мастеров.
Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои – японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои – своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.
Японские картины: изображение людей
Люди в японской живописи – особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.
Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.
Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного – символ истории, культуры и философии Азии.
Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные волосы самурая были детально прорисованы и похожи на проволоку.
Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые части тела воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это – символ силы и военной мощи Японии.
Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин – то, чем изобилуют такие произведения искусства.
Пейзажи
Традиционный японский пейзаж – горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры. 
Иероглифы
Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.
Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета – то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.
fb.ru
Невероятно красивые картины японской художницы Кинуко Крафт. Часть 2
Кинуко Крафт (Kinuko Y. Craft) — одна из наиболее уважаемых и известных сегодня фэнтезийных художниц в жанре ренессанс. Ее знают в основном по иллюстрациям различных книг писателей в жанре фэнтези, оперных плакатов и национальных журналов. Ее творчество отличается детализацией и страстной любовью к изобразительному искусству и глубоким знанием истории искусств. Ее изумительные работы – добрые и светлые – нашли своего зрителя в любой возрастной категории.
Первыми учебниками Кинуко стали книги из библиотеки деда-каллиграфа, и девочка получила такой заряд вдохновения, что решила поступать сначала в художественный колледж Канадзава(Kanazawa College of Art.) в Японии, а затем решила продолжить свое образование в США и изучать искусство иллюстрации в Чикагском университете.
Начинала карьеру как внештатный сотрудник целого ряда журналов, таких как The New York Times, Newsweek, Time, Forbes, Sports Illustrated и т.д. т.д. и надо сказать, достигла многого, но, все же решила «отправиться в свободное плавание», чтобы иметь возможность решать самой что и как рисовать. С середины девяностых, специализируется на иллюстрирование детских книг, суперобложках к книгам фэнтези и плакатах.
Кинуко И. Крафт — обладательница более ста художественных премий и пяти золотых медалей Общества Иллюстраторов. Её работы регулярно появляются в таких изданиях, как «Time», «Newsweek» и «National Geographic». Она иллюстрировала и многие книги для детей, в том числе «Царь Мидас и Золотое Прикосновение», «Амур и Психея», написанные Шарлоттой Крафт, а также «Двенадцать танцующих принцесс» и «Пегас» Марианны Мейер. Об иллюстрациях Кинуко Крафт к сказкам и мифам я рассказала в своей предыдущей публикации: Невероятно красивые картины японской художницы Кинуко Крафт. Часть1 — Иллюстрации к сказкам и мифам
В «New York Times» о ее работах писали: «Иллюстрации К.И. Крафт — настоящее чудо… Они неизменно поражают тщательной прорисовкой мельчайших деталей и множеством удивительных находок».
Не менее красивы рисунки этой художницы сделанные цветными карандашами:
Иллюстрации Кинуко Крафт можно встретить на обложках книг и компьютерных игр, на плакатах, а также ввиде пазлов.
babiki.ru
Японская живопись. Современная японская живопись
Японская живопись – старейший и изысканный вид изобразительного искусства, который охватывает множество техник и стилей. За всю историю существования она претерпела большое количество изменений. Добавлялись новые традиции и жанры, а также оставались исконные японские принципы. Наряду с удивительной историей Японии живопись также готова представить множество уникальных и интересных фактов.
Древняя Япония
Первые стили японской живописи появляются в самый древний исторический период страны, еще до н. э. Тогда искусство было довольно-таки примитивным. Сначала, в 300 году до н. э., появились различные геометрические фигуры, которые выполнялись на гончарных изделиях при помощи палочек. К более позднему времени относится такая находка археологов, как орнамент на бронзовых колоколах.
Чуть позже, уже в 300 году н. э., появляются наскальные рисунки, которые намного разнообразнее геометрического орнамента. Это уже полноценные изображения с образами. Их находили внутри склепов, и, вероятно, люди, которые нарисованы на них, являлись захороненными в этих могильниках.
В 7-м веке н. э. Япония принимает письменность, которая приходит из Китая. Примерно в это же время оттуда поступают первые картины. Тогда появляется живопись как отдельная сфера искусства.
Эдо
Эдо – это далеко не первая и не последняя школа японской живописи, однако в культуру именно она принесла много нового. Во-первых, это яркость и красочность, которые добавлялись в привычную технику, выполняемую в черных и серых тонах. Наиболее выдающимся художником этого стиля считается Сотасу. Он создавал классические картины, но его персонажи были очень красочными. Позже он переключился на природу, и большинство пейзажей выполнялись на фоне из позолоты.
Во-вторых, в период Эдо появилась экзотика, жанр намбан. В нем использовались современные европейские и китайские техники, которые переплетались с традиционными японскими стилями.
И в-третьих, появляется школа Нанга. В ней художники сначала полностью имитируют или даже копируют произведения китайских мастеров. Затем появляется новое ответвление, которое получило название бунджинга.
Период модернизации
Период Эдо сменяет Мейджи, и теперь японская живопись вынуждена выйти на новый этап развития. В это время по всему миру становились популярными такие жанры, как вестерн и ему подобные, поэтому модернизация искусства стала обычным положением вещей. Однако в Японии, стране, где все люди почитают традиции, в данное время положение вещей значительно отличалось от того, что происходило в других странах. Здесь остро вспыхивает конкуренция между европейскими и местными техниками.
Правительство на этом этапе отдает свое предпочтение молодым художникам, которые подают большие надежды на совершенствование навыков в западных стилях. Поэтому они отправляют их в школы Европы и Америки.
Но так было только в начале периода. Дело в том, что известные критики довольно-таки сильно раскритиковали западное искусство. Чтобы избежать большого ажиотажа вокруг этого вопроса, европейские стили и техники стали запрещать на выставках, их показ прекратился, как, впрочем, и популярность.
Появление европейских стилей
Далее наступает период Тайшо. В это время молодые художники, которые уезжали учиться в зарубежных школах, приезжают обратно на родину. Естественно, с собой они привозят новые стили японской живописи, которые очень похожи на европейские. Появляется импрессионизм и постимпрессионизм.
На данном этапе образуется множество школ, в которых возрождаются древние японские стили. Но полностью избавиться от западных тенденций не удается. Поэтому приходится совмещать несколько техник, чтобы угодить как любителям классики, так и поклонникам современной европейской живописи.
Некоторые школы финансируются государством, благодаря чему удается сохранить многие из национальных традиций. Частники же вынуждены идти на поводу у потребителей, которые хотели чего-то нового, они устали от классики.
Живопись времен ВОВ
После наступления военного времени японская живопись некоторое время оставалась в стороне от событий. Она развивалась отдельно и самостоятельно. Но вечно продолжаться так не могло.
Со временем, когда политическая ситуация в стране становится все хуже, высокие и уважаемые деятели привлекают многих художников. Некоторые из них еще в начале войны начинают творить в патриотических стилях. Остальные приступают к этому процессу только по приказу властей.
Соответственно, особо развиваться японское изобразительное искусство в период ВОВ было неспособно. Поэтому для живописи его можно назвать застойным.
Вечная суйбокуга
Японская живопись суми-э, или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Это и определяет стиль и технику данного искусства. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Более того, сначала они рисовали картины, а впоследствии тренировали концентрацию при их просмотре. Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени – все то, что называется монохромностью.
Японская живопись тушью, несмотря на большое разнообразие картин и техник, является не настолько сложной, как может показаться на первый взгляд. В ее основу входят всего 4 сюжета:
- Хризантема.
- Орхидея.
- Ветка сливы.
- Бамбук.
Малое количество сюжетов не делает освоение техники быстрой. Некоторые мастера полагают, что учеба длится всю жизнь.
Несмотря на то что суми-э появилась давно, она востребована всегда. Более того, сегодня встретить мастеров этой школы можно не только в Японии, она распространена и далеко за ее пределами.
Современный период
По окончании ВОВ искусство в Японии процветало только в крупных городах, сельчанам и деревенским жителям хватало забот. По большей части художники старались отвернуться от потерь военных времен и изобразить на холстах современную городскую жизнь со всеми ее прикрасами и особенностями. Успешно принимались европейские и американские идеи, но такое положение вещей сохранялось недолго. Многие мастера начали постепенно отходить от них в сторону японских школ.
Традиционный стиль оставался модным всегда. Поэтому современная японская живопись может отличаться только по технике исполнения либо материалам, которые используются в процессе. Но большинство художников плохо воспринимают различные новшества.
Нельзя не отметить модные современные субкультуры, такие как аниме и похожие стили. Многие художники стараются стереть грань между классикой и тем, что востребовано сегодня. По большей части такое положение вещей обусловлено коммерцией. Классику и традиционные жанры фактически не покупают, соответственно, невыгодно работать художником в любимом жанре, нужно подстраиваться под моду.
Заключение
Несомненно, японская живопись представляет собой целый кладезь изобразительного искусства. Пожалуй, рассматриваемая страна осталась единственной, которая не пошла на поводу у западных тенденций, не стала подстраиваться под моду. Несмотря на множество ударов во времена прихода новых техник, художники Японии все-таки смогли отстоять национальные традиции во многих жанрах. Вероятно, именно поэтому в современности на выставках очень высоко ценят картины, выполненные в классических стилях.
fb.ru
Японская монохромная живопись - Традиционная японская живопись и гравюра
Монохромная живопись Японии – одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так. Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. Искусство Востока – это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.
ширма "Сосны" Хасэгава Тохаку, 1593г.
То, что мы видим на монохромных картинах – это результат взаимодействия художника с основной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.
"Пейзаж" Сэссю, 1398г.
Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот - это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага – это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу, долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали к живописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) – поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.
"Читая в бамбуковой роще" Сюбун, 1446г.
Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее фактуре.
"Мурасаки Сикибу в храме Исияма" Кёсэн
Кисть – вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же - это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня, зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).
"Фудзи" эскиз тушью Кацусика Хокусай
Тушь – третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.
Ямамото Байцу, конец XVIII - XIX век.
Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?
парная ширма "Сосны", Хасэгава Тохаку
Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение - всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность – это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна – они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал – в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.
Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.
В-третьих, это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.
Почему большая часть пространства бумаги не задействована?
"Пейзаж" Сюбун, середина XV века.
Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителя в изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет – это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов – бумаги и туши).
Сэссю, 1446г.
Почему пейзаж?
"Созерцание водопада" Гэйами, 1478г.
Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны – это все символы мировоззрения.
"Времена года: Осень и Зима" Сэссю. "Пейзаж" Сэссю, 1481г.
В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника – это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.
Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.
japan-painting.livejournal.com
Развитие японской живописи — Artrue
Японская живопись – одна из красивейших в мире.
Живопись Японии принадлежит к числу самых древних и удивительных видов творчества. Как и любая другая, она имеет свою длинную историю, которую можно разделить на несколько периодов по техникам и особенностям. Общим для всех периодов является природа, которой отводилось главное место в картинах. На втором месте по популярности в изобразительном искусстве Японии стоят бытовые сцены из жизни.
Ямато
Ямато (VI–VII века) — первый период искусства Японии, заложивший начало письменности. Толчок развитию искусства дали достижения Китая в сферах религии и письменности. Япония устремилась подняться до его уровня, внося изменения в свое устройство и строя все по подобию Китая. Для развития живописи в Японию было привезено огромное множество произведений китайских мастеров, которые вдохновили японцев, смело бросившихся создавать похожие картины.
Роспись в гробнице Такамацузука Данный период состоит из двух дочерних периодов:
- Кофун — период японского искусства, занимающий первую половину Ямато. Название периода переводится как «период курганов». В те времена, действительно, большую роль отводили курганам, повсеместно создавая их.
- Асука — вторая часть эпохи Ямато. Период был назван в честь действующего в те годы политического центра страны. Он связан с приходом в Японию буддизма, а в дальнейшем с активным развитием всех культурных областей.
Нара
В Японии активно распространялся Буддизм, пришедший из Китая, что способствовало возникновению религиозной тематики в искусстве. Японские художники, увлекшиеся данной темой, расписывали стены храмов, которые создавались влиятельными личностями. На сегодняшний день в храме Хорю-дзи сохранилась настенная роспись того времени.
Портрет Будды в храме Хорю-дзи
Хэйан
В VIII–IX веках буддизм в Японии начал находить новые течения, начали образовываться секты. Вместо популярных ранее портретов Будды начали изображать Мандалу, самое раннее изображение уоторой сохранилось в знаменитом храме Дайгодзи.
В начале десятого века в Японском изобразительном искусстве появилось новое течение райгозу, которое подразумевает собой изображение Будды Амиды, являющегося самой почитаемой личностью буддизма. В том же веке возникло направление ямато-э, представители которого создавали длинные горизонтальные свитки с иллюстрациями к известным произведениям литературы.
Повесть о Гэндзи. Фрагмент свитка.
Муромати
Для данного периода характерно два ключевых направления живописи:
- Суми-э — вид живописи, родившийся в Китае. В XVI–VXII веках стиль пришел в Японию. Картины, созданные в этом направлении, очень напоминают собой акварели, но на самом деле в их написании используют черную художественную тушь. Картины данного направления отличаются своей монохромностью.
- Укиё-э — гравюры, выполняющиеся на деревянной основе. В большинстве случаев на них изображались гейши или знаменитые личности.
Летний пейзаж. Кано Хидэёри Адзути-Момояма
Данные период является полной противоположностью своему предшественнику. Из произведений уходит мрак и монохромность, заменяясь яркими цветами и использованием в картинах золота и серебра.
Кипарис. Ширма. Кано Эйтоку.
Мэйдзи
В XIX веке началось разделение японской живописи на традиционный и европейский стили, которые бурно конкурировали между собой. Во время данного периода в Японии грянули колоссальные политические перемены. Влияние Европы в те годы затронуло практически каждый уголок планеты, внося в каждое государство свои черты. Европейский стиль искусства активно поддерживалось властями, отвергая старые традиции. Но вскоре ажиотаж вокруг западной живописи быстро утих и интерес к традиционному искусству резко возвратился.
artrue.ru
Хокусай. Все картины художника
ЯПОНСКИЕ СОНЕТЫ1Японский домик тих и мил,Вот пруд – и карпы в нём мерцают.Особенный японский мир,Где все детали роль играют.Где сад камней моделью данНепознанного мирозданья.А в доме ночью будет вамСверчок ответом на молчанье.Тут, может, самурай живёт?Но Токио объём даёт,Что отменяет мир уютный –Мир уваженья, мастеров,Волшебной тишины садов,И радости – простой, нетрудной.
2История – как непрерывность,Так по-японски будет? ИльВозможна всё-таки прерывистость?Волнующий, пунктирный стиль…Движенье в Токио чрезмерно.А небоскрёбы подопрутСобою небо – то есть нервноЖивёшь, коль оказался тут.Но есть особый лад японский –Гармонии и красоты.Он – этот лад – довольно тонкий,Его познать сумеешь ты?Я не уверен, но стараюсь,К японцам подавляя зависть.
3Самурайской Японии нет,Ну а фильмы про это – декорум.Свет японский замедленный. СветЕсть основа – как выстрелу порох…Монастырь лучше. Мощи лучатСветовые волшебные дуги.Сердце чуткое этим смягчат,Долго думал о том на досуге.Крепость древняя. Сер матерьял.Серый камень тяжёл – не усталЗа века оный камень? ОкрестноМного вод, и озёра блестят,Или с зеленью говорят,Их неясен язык, если честно…
4Сосуд синтоизма храним –Златое его содержаньеПонятно лишь им, только им,Тебе не даровано знанье.Но вот глубина – синтоистКатоликом может быть также.Где сакура – видел пейзажи,Ствол каждый красиво ветвист.Но поезд японский летит.Ландшафт промелькнувший лесист.А далее горы сереют.Белеют вершинами такЧудесно, не веришь во мрак.И люди в нём жить не умеют.
5Мастер удочек, мастерШлифовальных камней.Ты души окна настежьЕвропейской своейРаспахни, принимаяСвет японский, и вотИ душа прирастаяМиром новым поёт.Иероглифы-знаки.В них особое знанье.Каллиграфии мирИзощрённо-глубокий.Близкий мир и далёкий…Все близки мы, пойми…
6Хокку иные звучатРезче, чем йокагири.Лучше японский сад,Сад, как сужение шири.Сад – он живой, но пойми,Как он способен мыслить?Хочется код исчислить.Хлопать нельзя дверьми,В дом заходя. Нельзя.Взглядом по видам скользя,Много ль узнаешь по сути?Сакура нежно цветёт,Нечто небу поёт,Песня свободна от мути.
7Камни старых крепостейМногое бы рассказали.Больше нежли сад камнейВсё же думаю – едва ли.Концентрациею садДан, впитавший ваши мысли.Сложит стих японский мистик –А о чём? Что нет утрат.Хокку – и бамбук шуршит.Хокку – и красивый видЗнаков острых на бумаге.Тишина японских грёз.Мир окрест – метаморфоз,Коль прогресс развесил стяги…
gallerix.ru
Японская классическая живопись: самые известные имена
Японская классическая живопись имеет долгую и интересную историю. Изобразительное искусство Японии представлено в разных стилях и жанрах, каждый из которых по-своему уникален. Древние расписные фигурки и геометрические мотивы, обнаруженные на бронзовых колоколах дотаку и осколках гончарных изделий, датируются 300 г. н.э.
Буддийская направленность искусства
В Японии было достаточно хорошо развито искусство настенной живописи, в 6 веке особенно популярны были изображения на тему философии буддизма. В то время в стране строились крупные храмы, и их стены повсеместно украшали фрески, написанные по сюжетам буддистских мифов и легенд. До сих пор сохранились древние образцы настенной живописи в храме Хорюдзи неподалеку от японского города Нара. На фресках Хорюдзи изображены сцены из жизни Будды и других богов. Художественный стиль этих фресок весьма близок к изобразительной концепции, популярной в Китае времен династии Сун.
Живописный стиль династии Тан приобрел особую популярность в середине периода Нара. К этому периоду относятся фрески, обнаруженные в гробнице Такамацузука, возраст которых относят примерно к 7 веку н.э. Художественная техника, сформировавшаяся под влиянием династии Тан, впоследствии легла в основу живописного жанра кара-э. Этот жанр сохранял свою популярность вплоть до появления первых работ в стиле ямато-э. Большинство фресок и живописных шедевров принадлежат кисти неизвестных авторов, сегодня многие из работ того периода хранятся в сокровищнице Сесоин.
Растущее влияние новых буддистских школ таких, например, как Тендай, повлияло на широкую религиозную направленность изобразительного искусства Японии в 8 и 9 веках. В 10 веке, на который пришелся особый прогресс японского буддизма, появился жанр райгодзу, «привественных картин», на которых изображался приход Будды в Западный Рай. Ранние примеры райгодзу, датируемые 1053 годом можно увидеть в храме Бедо-ин, который сохранился в городе Удзи, префектура Киото.
Смена стилей
В середине периода Хейан на смену китайскому стилю кара-э приходит жанр ямато-э, который надолго становится одним из самых популярных и востребованных жанров японской живописи. Новый живописный стиль в основном применялся в росписи раскладных ширм и скользящих дверей. Со временем ямато-э перебрался и на горизонтальные свитки эмакимоно. Художники, работавшие в жанре эмаки старались передать в своих работах всю эмоциональность выбранного сюжета. Свиток Гендзи-моногатари состоял из нескольких эпизодов, соединенных вместе, художники того времени использовали быстрые мазки и яркие, выразительные цвета.
Э-маки – один из древнейших и наиболее выдающихся примеров отоко-э, жанра изображения мужских портретов. Женские портреты выделены в отдельный жанр онна-э. Между этими жанрами, собственно так же, как и между мужчинами и женщинами, просматриваются довольно существенные различия. Стиль онна-э красочно представлен в оформлении Повести о Гендзи, где основными темам рисунков вступают романтические сюжеты, сцены из придворной жизни. Мужской стиль отоко-э – это преимущественно художественное изображение исторических сражений и других важных событий в жизни империи.
Классическая японская художественная школа стала плодородной почвой для развития и продвижения идей современного искусства Японии, в котором достаточно четко прослеживается влияние поп-культуры и аниме. Одним из самых известных японских художников современности можно назвать Такаши Мураками, чье творчество посвящено изображению сцен из японской жизни послевоенного периода и концепции максимального слияния изящного искусства и мэйнстрима.
Из известных японских художников классической школы можно назвать следующих.
Тенсе Сюбун
Сюбун творил в начале 15 столетия, посвятив немало времени изучению работ китайских мастеров эпохи династии Сун, этот человек стоял у истоков японского изобразительного жанра. Сюбун считается основателем стиля суми-э , монохромной живописи тушью. Он приложил немало усилий для популяризации нового жанра, превратив его в одно из ведущих направлений японской живописи. Учениками Сюбуна были многие ставшие впоследствии известными художники, в том числе Сэссю и основатель известной художественной школы Кано Масанобу. Авторству Сюбуна приписывались многие пейзажи, однако наиболее известной его работой традиционно считается «Читая в бамбуковой роще».
Огата Корин (1658-1716)
Огата Корин является одним из крупнейших художников в истории японской живописи, основателем и одним из ярчайших представителей художественного стиля римпа. Корин в своих работах смело уходил от традиционных стереотипов, сформировав свой собственный стиль, основными характеристиками которого стали небольшие формы и яркий импрессионизм сюжета. Корин известен своим особым мастерством в изображении природы и работе с абстрактными цветными композициями. «Цветение сливы красным и белым» - одна из самых известных работ Огата Корина, также известны его картины «Хризантемы», «Волны Мацусимы» и ряд других.
Хасэгава Тохаку (1539-1610)
Тохаку является основателем японской художественной школы Хасэгава. Для раннего периода творчества Тохаку характерно влияние известной школы японской живописи Кано, но со временем художник сформировал свой собственный уникальный стиль. Во многом на творчество Тохаку повлияли работы признанного мастера Сэссю, Хосэгава даже считал себя пятым приемником этого великого мастера. Картина Хасэгавы Тохаку «Сосны» получила мировую известность, также известны его работы «Клен», «Сосны и цветущие растения» и другие.
Кано Эйтоку (1543-1590)
Стиль школы Кано доминировал в изобразительном искусстве Японии около четырех столетий, и Кано Эйтоку, пожалуй, один из самых известных и ярких представителей этой художественной школы. Эйтоку был обласкан властью, покровительство аристократов и состоятельных патронов не могло не поспособствовать укреплению его школы и популярности работ этого, без сомнения, очень талантливого художника. Раздвижная восьмипанельная ширма «Кипарис», расписанная Эйтоку Кано, - это настоящий шедевр и яркий пример размаха и мощи стиля Монояма. Не менее интересно выглядят и другие работы мастера, такие как «Птицы и деревья четырех времен года», «Китайские львы», «Отшельники и фея» и многие другие.
Кацусика Хокусаи (1760-1849)
Хокусаи – величайший мастер жанра укие-э (японской ксилографии). Творчество Хокусаи получило мировое признание, его известность в других странах не сравнима с популярностью большинства азиатских художников, его работа «Большая волна в Канагаве» стала чем-то вроде визитной карточки японского изобразительного искусства на мировой художественной арене. На своем творческом пути Хокусаи использовал более тридцати псевдонимов, после шестидесяти художник полностью посвятил себя искусству и именно это время считается наиболее плодотворным периодом его творчества. Работы Хокусаи повлияли на творчество западных мастеров импрессионизма и постимпрессионистского периода, в том числе и на творчество Ренуара, Моне и ван Гога.
Статьи по теме
www.luxemag.ru
