Музей ЧерномырдинаЯпонская живопись — древнейший вид искусства. Японская картина
Привидения #3 - Традиционная японская живопись и гравюра
Собрал все эти сокровища знаменитый Санъютэй Энтё (1839-1900), рассказчик, мастер ракуга, автор культовых книг в жанре кайдан ("истории о сверхестественном"). Одна из его книг, Пионовый фонарь, была переведена Аркадием Стругацким и стала культовой и в России. Ну а в Японии его влияние переоценить вообще сложно, все японские ужастики в той или иной мере выросли из его произведений. А вдохновлялся он в том числе и собранными им свитками с привидениями. После смерти свою коллекцию он завещал храму Дзэнсё-ан, в котором некоторое время жил и тренировался, ну и там она до сих пор и хранится.
В основном это работы художников, живших в Эдо/Токио, современников Энтё, хотя есть несколько работ и более ранних классиков. Вот, например, замечательный призрак странствующей певицы, автор - знаменитыйУтагава Хиросигэ 歌川広重 (1797-1858):[как обычно, большинство фото кликабельно, и если после клика под картинкой выбрать "В другом размере" > "оригинал", то можно будет порассматривать поподробнее. Хотя качество не идеальное, это в основном сканы из книг, но все равно вполне приличное]
Дальше картинки попробую расставить примерно по хронологии. Начнём с самого классического из классиков. Отец-основатель, без его картин мы бы сейчас свитков с привидениями в знакомом виде вообще не увидели, а 90% существующих свитков с привидениями - это вариации на тему его классических композиций и сюжетов.Маруяма Окё 円山応挙 (1733-1795) :
Дальше - последний из великих художников эпохи Эдо, выдающийся мастер исторической живописи и гравюры,Кикути Ёсай 菊池容斎 (1788-1878) :
и его знаменитый ученик, очень модный на Западе, обладавший уникальной блестящей техникойВатанабэ Сэйтэй 渡辺省亭 (1851–1918) :
Еще один классик, выдающийся живописец школы Сидзё и лаковый мастерСибата Дзэсин 柴田是真 (1807-1891) :
Хёдо Ринсэй 兵藤林静 (?-?), об этом художнике практически ничего не известно, кроме того, что он вообще существовал и работал в эпоху Мэйдзи, но у меня есть основания предполагать, что Сибата Дзэсин был его учителем. А картина его очень красивая:
Дальше работы художников калибром поменьше.Иидзима Кога 飯島光峨 (1829-1900), художник школы Сидзё, известен также своими суримоно, его учителем был Оки Итига. Хорошая работа:
Икэда Аяока 池田綾岡 (1817-1889), призрак под дождём :
Каваками Тогай 川上冬崖 (1828-1881), призрак с отрубленной головой :
Пара работ художников школы Утагава.Утагава Ёсинобу 歌川芳延 (1838-1890). Очень впечатляющий морской монстр:
Утагава Кунитоси 歌川国歳, ученик Кунисады, точные годы жизни неизвестны, работал в эпоху Мэйдзи. На его картине - призрак Кохада Кохэйдзи, убитого своей женой и его любовником, и в отместку регулярно являющийся им в постели, заглядывая через москитную сетку. Это персонаж романа, написанного выдающимся художником укиё-э и писателем Китао Масаёси, а также поставленной по его мотивам пьесы Кабуки:
{и просто для сравнения - вот как этот же сюжет изобразил великий Хокусай на гравюре из серии "100 историй о призраках" 1830 года, без его влияния у Кунитоси разумеется не обошлось, даже цвета те же самые}:Кацу Бунсай 勝文斎 (1835-1908), малоизвестный художник школы укиё-э, призрак матери с ребенком, свиток 1884 года:
И несколько работ от вообще неизвестных художников. От них остались только имена, а кто такие - неизвестно. Понятно, что жили в эпоху Мэйдзи, были современниками и возможно знакомыми Энтё. А работы между тем совсем неплохие.Вот очень интересный свиток, автор - Косон. На первый взгляд почти обычный пейзаж, но если присмотреться, то облака превращаются в лицо монстра, луна в огромный глаз, а ветки ивы - в классические чёрные волосы призрака:
Отай:
Ринрин:
Сэцуо:
Гёсин:
Ну и две работы чуть более поздние. Их уже не сам Энтё приобрёл, они попали в коллекцию позднее.Хирэдзаки Эйхо 鰭崎英朋 (1881-1968). Очень элегантная картина:
И напоследок самое вкусное.Ито Сэйу 伊藤晴雨 (1882-1961). Скандально известный японский художник, крёстный отец знаменитого японского "связывания", мучитель своих жён и любовниц, которых он связывал (даже когда они были беременными), подвешивал вниз головой и в таком виде рисовал. И даже посмертно главный герой порнофильма, снятого в 1977 году о его жизни. Но к нашей последней картинке всё это никакого отношения не имеет. На ней - иллюстрация к одной из историй Санъютэя Энтё (по которой также был снят хоррор-фильм 1958 года "Kaidan chibusa enoki", а также два более ранних фильма 1917 и 1939 годов) - о художнике Сигэнобу, которого убил ученик, влюбившийся в его жену. Призрак Сигэнобу спас своего 5-летнего ребенка, а ребенок потом отомстил за отца. Момент спасения мы и видим на совершенно гениальном по исполнению свитке, который совершенно точно стоит порассматривать в полном размере (к сожалению, всё равно недостаточно большом для полного удовольствия, но всё же):
japan-painting.livejournal.com
Японская живопись - древнейший вид искусства
Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.
Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.
Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.
Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.
Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара. В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.
Следующий период развития японской живописи называется Хэйан. Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.
Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.
В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.
Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо. Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.
dveimperii.ru
Японская живопись
Японская живопись — популярный традиционный вид японского искусства, который подразделяется на множество жанров и стилей.
Живопись в японском стиле
Мотивы природы нашли наибольшее распространение в живописи в японском стиле. Также на картинах страны восходящего солнца часто изображались всевозможные сцены из обыденной жизни знати, самураев, мифологических героев.
Наиболее известные жанры японских картин
Техника японской живописи уки-ё
В 14 веке большое распространение получил стиль уки-ё, который включал в себя гравюры на дереве, на которых была показана жизнь красивых гейш, актеров театра кабуки, борцов сумо и различные природные пейзажи.
В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник и весь процесс состоял из нескольких этапов. Вначале живописец рисовал на белой бумаге картину, затем резчик наносил на обратную сторону картины клей и прикладывал ее к деревянной доске. Когда рисунок приклеивался, из него вырезались части, которые не были закрашены, таким образом получалась печатная форма. Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них живописец наносил необходимые цвета. Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской. Печатник после обсуждения с художником цветовой гаммы покрывал формы краской и, прикладывая их к слегка влажной рисовой бумаге, создавал гравюру.
Стиль, в котором печаталась японская гравюра стала популярна не только в Японии, но и среди художников западных стран, таких как Винсент Ван Гог, Клод Моне и другие. Это воздействие на европейское искусство носит название «японизм».
Школа японской монохромной живописи Кано
Наиболее известной школой японского изобразительного искусства является школа Кано, картины которой изображали различных птиц, животных, мифологических существ, случаи из жизни обычных людей. Рисунки наносились также на раздвижные двери японских дворцов.
Живопись Кано
Художники школы Кано, ко всему прочему, знамениты своими великолепными монохромными росписями по шёлку. Отличительной чертой таких творений являются сочетания реальных предметов и животных, находящихся на первом плане изображения, с абстрактными, абсолютно отвлечёнными составляющими заднего фона (к примеру, облаками).
В современной Японии живет большое количество художников, которые рисуют в стиле субкультуры аниме и других сферах новой японской культуры. Большое признание получил Такаши Муроками, работающий в студии Каикаи Кики. Он рисует картины, посвященные жизни послевоенного японского государства и аниме, кроме того, создает изваяния и картины в сюрреалистическом стиле и в традиционных национальных жанрах.
Картина Мураками
Видео о живописи Японии
На протяжении столетий живопись занимала важное место в культуре страны восходящего солнца. Об этом виде искусства и пойдет речь в видео.
Жанр статьи - Живопись Японии
jamato.ru
Простота в сложном. Японская живопись суйбокуга
Умиротворяющие виды туманных гор и пейзажи весенних долин, философские сюжеты на фоне безмятежной природы и замершие в стремительном движении звери. Возможно ли изобразить так много лишь несколькими черными штрихами на белой бумаге? Возможно. Художники Древнего Востока создали стиль суйбокуга или суми-э.
Суйбокуга переводится как «картина водой и тушью». Только из одних этих компонентов и состоит весь стиль. Предшествующие суйбокуга техники возникли в древнем Китае. Картины тогда создавались простыми мазками туши. Позже художники стали экспериментировать, пытаясь сочетаниями линий добиться объёмности и выразительности. К первой половине VIII века в эпоху династии Тан зародился полноценный стиль рисования тушью, который сегодня мы называем суйбокуга. Слово, кстати, японское. В Стране восходящего солнца техника стала популярна в XIV веке. Ее приверженцами были дзен-монахи, аристократы, правители и даже один очень известный в Японии мечник. Его имя Миямото Мусаси, но современники прозвали его Кэнсай – Святой меч.
Мусаси до сих пор считается величайшим фехтовальщиком, а также выдающимся живописцем. В своем известном трактате «Книга пяти колец» он писал:
«Говорят, что Путь Воина − обоюдное слияние Путей кисти и меча, и каждый, стремящийся к постижению, должен достичь достаточных высот на обоих поприщах»
И после него многие художники сопоставляли свое ремесло с фехтованием. Ведь вся техника строится на аккуратном, правильном мазке кисточкой, добиться которого можно только в строгом положении тела: спина прямая, рука согнута в локте перпендикулярно телу, движения делаются не пальцами, а кистью. В такой неудобной для многих новичков позе творили и творят мастера, отдавая дань традициям.
Японцы свято следовали принципам стиля живописи, который, по сути, был главной альтернативой европейскому изобразительному искусству в древности. В Китае традиции двух культур смешались, в картинах стало прослеживаться влияние Запада.
Японские же художники следовали незыблемым принципам: недосказанность и пустота, а на понятном языке – свобода пространства. Мастера этого стиля всегда оставляли определенную часть холста нетронутой. Этот фрагмент картины при завершенной композиции побуждает зрителя фантазировать, заполнить пустоту своими образами.
Внешняя простота суйбокуга поражает. Как только при такой незамысловатой технике создается эффект красочности, динамичности? Существует множество способов изображения отдельных объектов, видов цветков, животных, пейзажей. Сами художники экспериментируют с игрой света и тени, создают разнообразные оттенки белого и черного. Так, например, на абсолютно белой бумаге появляются снежные сугробы.
Сегодня многие пробуют рисовать цветной тушью на листах с едва заметным узором, или вовсе на окрашенных. Так можно изобразить цветы более живыми. Ведь задача художника суйбокуга – передать мгновение, застывшую часть реальности. Очень напоминает японскую лирику − хайку. Эти стихи нередко изображают каллиграфы на полотнах.
Во всем мире находятся художники, способные передать чувства в «остановившемся мгновении». Архаичное японское искусство ежегодно собирает большое количество новых поклонников. И, кажется, что эта древняя красивая формула пустоты и простоты будет верна всегда.
artifex.ru
Японская цветная ксилография Хасуи Кавасэ (Hasui Kawase) 1883-1957.
Минимум декоративности, броскости, пафоса. Но в каждой работе свое впечатление, совершенная композиция, цвета, линии.Однажды, листая подборку японских цветных гравюр, обратил внимание на ночные,зимние и дождливые картинки художника Хасуи Кавасэ.
Впечатлило настолько, что тут посмотрел на вечернее небо — Кавасэ. Утром взглянул на розовый градиент у горизонта — очень Кавасэ.Деревья тоже Кавасэ — попробовать увидеть листву в два цвета: зеленый светлый и зеленый темный. С ночными окнами, особенно на даче — та же история )
Собственно:
02
03
04
05
06
В детстве Кавасэ учился акварели и масляной живописи у известного мастера Окада Сабуросукэ, испытавшего влияние французской живописи и модерна.
07
08
09
10
11
В 28 лет поступает на обучение к художнику Киёката Кабураги, который знакомит его с издателем Ватанабе Сёдзабуро.
12
13
14
15
16
17
Художник путешествует по Японии, его рисунки становятся основой гравюр, печать и широкую продажу которых вел Ватанабе Сёдзабуро.
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
При печати ксилографий можно было получить разное "звучание". Здесь три отпечатка с одного комплекта досок.
31
32
Как отмечал сам Кавасэ, отпечатки по его работам бывали иногда лучше самой работы, иногда хуже.
33
34
35
36
37
38
39
40
41
В 1956 Хасуи Кавасэ удостоен титула "Живого сокровища" Японии, высшей формы официального признания достижений в сфере Культуры.
42
43
44
45
46
47
48
49
50
51
Каждую картинку можно посмотреть в большем разрешении — только кликнуть.
japan-painting.livejournal.com
Живопись японии - Живопись
Коллекция японской средневековой живописи Государственного музея искусства народов Востока — наиболее крупная и значительная среди собраний художественных музеев России. Она включает около двухсот произведений и охватывает период с конца XV до второй половины XIX века. Большая часть коллекции относится к XVII—XIX векам. В ней представлены работы известнейших художников, занимающих значительное место в истории японской живописи. Многие произведения, вошедшие в данное издание, публикуются впервые.
«Среди путей живописца тушь простая выше всего»,— сказал великий китайский художник и поит Ван Вэй (699-759).
Простая тушь определила целое направление в живописи Дальнего Востока, уникальное по своей философской глубине и художественной выразительности. От художника требовалась не только напряженная духовная работа, но и виртуозное исполнение, поскольку тушь не допускала исправлений. Каждый настоящий мастер на практике усваивал, что «много туши изведешь, пока обнаружишь тайну искусства туши» 2.
В Японию монохромная живопись попала в XIV веке из Китая через монастыри буддийской секты дзэн (японское название; китайское название чань — созерцание, самоуглубление) и стала определяться терминами «суйбоку-га» (картина, выполненная водой и тушью) и «сумиэ» (картина, выполненная тушью). Для дзэнских монахов живопись была одним из важных средств духовного самосовершенствования, помогавших достичь особого просветленного состояния — сатори, когда человек якобы испытывал мгновенное осознание Истины. В связи с этим тематика дзэнской живописи ограничивалась пейзажами, портретами дзэнских патриархов и изображениями животных и птиц.
Очень точно о монохромной живописи сказал известный японский философ Судзуки Дайсэцу (1870—1966): «Художник не стремится к реализму. Смысл сумиэ — заставить дух изображаемого предмета двигаться по бумаге. Каждый мазок кисти должен пульсировать в такт живому существу. Тогда и кисть становится живой... Набросок сумиэ беден, беден по форме, беден по содержанию, беден по исполнению, беден по материалу, и все же мы, восточные люди, чувствуем в нем присутствие некоего движущегося духа, который каким-то таинственным образом парит вокруг штрихов, точек и разного рода теней, вибрируя, сообщает им ритм живого дыхания» 3.
В Японпи очень быстро освоили художественные и технические приемы монохромной живописи, поскольку они были близки искусству каллиграфии (где применялись те же материалы: тушь, кисти, бумага или шелк), развившемуся в стране уже с VII века и ставшему составной частью национальной культуры. Поэтому период «ученичества» был весьма непродолжительным.
Работа художника Хасэгава Тохаку (1539—1610) «Падение инея» представляет собой яркий образец суйбокуга. Природа всегда имела важное значение в японской культуре. Она считалась выражением высших начал мироздания. познание которых вело к познанию конечной реальности -Истины - была объектом эстетического поклонения. что особенно ярко проявилось в японской поэзии. Несмотря на ряд китаизированных черт в работе Тохаку. например в трактовке скал с деревьями на первом плане. пейзаж в целом обладает художественной индивидуальностью. Сильные контрасты темного и светлого с преобладанием сумрачного колорита создают ощущение динамизма и напряженности. Крайняя скупость изобразительных средств усилиливает значение не только каждой детали, но и каждого штриха. При рассмотривании пейсаж словно вовлекает в себя зрителя, интригует своей загадочностью. В туманной дымке теряется мир. где обитает человек. Неожиданная горизонтальная линия отделяет его от вершины, застывшей как бы в резком движении и горделиво парящей в бесконечном пространстве. Своеобразное решение художественного образа построено на противопоставлении этих двух миров. Ощутить духовную содержательность и этическую значимость свитка способен любой тонко чувствующий человек, но, чтобы проникнуть в глубинный смысл произведения монохромной живописи, зритель должен обладать творческим восприятием и способностью сопереживать с самим художником.
«Монах Ханышань со свитком» пока предположительно считается работой художника Кано Танъю (1602—1674). Мастер, снизанный с декоративной живописной школой Кано, возникшей в конце XV века, создал также много произведений и стиле монохромной живописи периода Муро-мати (1333—1573). Это не было случайным увлечением, поскольку одним из источников школы Кано являлась суйбо-куга, с се высокой культурой тушевого мазка. Изображен легендарный китайский монах Ханынань (Кадзан — яп.). Он весел и беззаботен оттого, что постиг истинную ценность жизни. Его не волнует ничто внешнее, даже собственный облик. Поскольку к Истине, согласно дзэн, невозможно приблизиться, пользуясь рационально-логическим способом мышления, применялись различные пути перестройки ого и в том числе метод эпатажа. В данном случае мы видим явно взрослого человека, однако, с детской прической. Из-под одежды виднеются неномерно крупные ноги и руки с цепкими, когтистыми пальцами. Ошибется тот, кто подумает, что монах читает или рассматривает свиток. Дзэн отрицала пользу учения по книгам, утверждая передачу знания устно, непосредственно от учителя к ученику. Это, впрочем, но мешало адептам этой секты пользоваться письменными материалами. Сам Ханынань написал поэму дзэп-ского характера. Поэтому свиток в его руках может напоминать об этом факте, а также являться своего рода шаржем на изображении буддийских божеств со свитками. Линии одежды, вибрирующие, тяжелые, создают ощущение скрытой силы, подобно пружине, таящейся за складками. Несмотрн на стилистику и духе дзэн, чувствуется рука более позднего мастера, увлеченного уже чисто декора тинным эффектом.
Этому же кругу школы принадлежит и работ Кано Доуна (1625 - 1694), приемного сына и ученика Кано Танъю, - «Монах и гуси». В дальневосточной живописи пустое, незаполненное пространство в композиции имело чрезвычайно важное но только художественное значение. Философы утверждали, что «пустота содержит все», то есть она является квинтэссенцией всего сущего. Пустой фон в свитке Доуна усиливает художественную и смысловую выразительность живописи и каллиграфии. Ручная мельница перед монахом символ напряженной духовной работы человека, устремленного к просветлению. Сосредоточенный, собранный облик монаха прекрасно сочетается с непринужденной легкостью иероглифической скорописи, которая как бы зримо выражает его духовную свободу. Каллиграфия играла немалую роль в живописи сам характер написания иероглифов всегда был связан с манерой исполнения, а местоположение на свитке текста было полноправным элементом в композиционной структуре произведения.
В XVIII веке появилось новое живописное течение — Бундзинга (живопись ученых, литераторов) или Нанга (Южная школа), для которого техника монохромной туши стала основной. Образцом послужила опять-таки китайская «живопись ученых» Вэньжэнбхуа. Японцы, верные своему творческому гению, отталкиваясь от китайского прототипа, в который раз сумели за короткое время создать собственную школу. Нанга была связана с довольно узким кругом интеллигенции, стремившейся к утверждению в живописи творческой свободы и высоких духовных идеалов. Личности художника, благородству его морально-этического облика, образованности придавалось особенное значение, потому что эти качества были существенной стороной данного направления. Детализированной, тщательной манере предпочиталась спонтанность исполнения, непосредственно отражавшая душевный настрой художника. Несмотря на единую идейно-теоретическую базу, почерк мастеров Нанга отличается значительным стилевым разнообразием, ибо в своих творческих поисках они обращались к самым разным источникам, как китайским, так и японским. Их сюжеты также весьма разнообразны: пейзажи, цветы и птицы, изображения животных, людей и даже поэтически трактованные жанровые сцены.
Одним из основателей школы Нанга является Икэно Тайга (1723—1776), талантливый художник, работавший в Киото, в лучших произведениях которого идеи «живописи литераторов» обрели зрелое, законченное выражение. Его «Бамбук» представляет великолепный образец монохромной живописи и является своеобразной «визитной карточкой» мастера Нанга. поскольку бамбук на Дальнем Востоке символизирует возвышенный образ ученого, мудрого и стойкого к различным невзгодам. Китайский художник, поэт и теоретик живописи Су Ши, живший в 1036—1101 годах, писал о своем друге: «Когда Юй-кэ пишет бамбук, он сосредоточен на бамбуке, а не на себе. Но он передает в бамбуке чистоту и благородство своей души». Тайга также создал очень одухотворенный образ, трепетный и мужественный, изящный и благородный. Несмотря на лаконичность самого изображения, художник передает богатое разнообразие оттенков туши.
Современники высоко ценили и творчество Тани Бунтё (1763—1840). Он был ведущим мастером Нанга в Эдо (древнее название Токио), и у него учились многие известные художники этого направления, в частности, Таномура Тикудэн (1777—1835) и Ватанабэ Кадзан (1793—1841). На Бунтё и Кадзана оказало влияние знакомство с западной живописью, выразившееся в стремлении к реалистической передаче изображаемых объектов, в применении светотени. Но они работали и в сугубо традиционной манере. Таковы «Бог грома Райдэп», блестяще передающий экспрессивность тушевой техники, и «Осень» Кадзана, отличающаяся тонкой красотой живописного строя и поэтичностью.
Нанга была неразрывно связапа с литературой, поэтому каллиграфические строки с определенными темами часто встречаются в живописи этой школы. На свитке Тикудэна «Весенний пейзаж» написано следующее четверостишие: «С весенним теплом в горах облака собираются кучно. //Праздный старик в лодке отправляется в поисках сливы. //Чужд суеты расспросов, близок к истине — дао,//Его беспокоит .сейчас цветение сливы — и только...» (Перевод С. Н. Соколова). Стихотворный текст и изобразительный ряд не повторяют буквально друг друга, а создают каждый по-своему эмоциональный настрой лирико-философского содержания.
Лучшие мастера школы Нанга отличались преданностью творческим принципам «живописи литераторов», которые пронизывали не только их произведения, по и всю жизнь. Как нельзя лучше соответствует образу художника Нанга стихотворение Окума Котомити (1798—1868) «Картины»:
Нет у меняничего своего в этом мирекроме тех гори морей, что собственноручно на картинах изображаю...(перевод А.А. Долина)
Художники школ Тоса (возникшей в XIV веке) и особенно Кано создавали эффектные, изысканные произведения, неукоснительно следуя сложившимся канонам этих направлений. Сохранение ими основ старой японской живописи до второй половины XIX века значительно помогло художникам XX века в возрождении национальных традиций. Примером, показывающим характер школы Тоса этого периода, является свиток Фудзивара Мицудзанэ «На прогулке», где автор изобразил даму хэйапского времени (IX—XII веков) с двумя служанками, слушающую на лоне природы сверчков в клетках. Главное в свитке — изысканное пространственно-цветовое решение, ограничивающееся исключительно декоративным звучанием и, вместе с тем, лаконичными средствами создающее утонченный аромат давно ушедшего времени.
Еще одним живописным направлением, отразившим новые тенденции в культуре Японии XVIII века, стала школа Маруяма-Сидзё. Эта школа активно обратилась к приемам западной живописи, творчески интерпретируя их на национальной основе. Будучи во многом новаторами, художники этой школы не отказывались и от чисто традиционных стилей.
Маруяма Окио (1733—1795), создатель школы Маруяма, получил большую известность еще при жизни. Как все большие художники, он прекрасно владел техникой монохромной туши. В свитке «Играющие собаки» на фоне пустого пространства тушью, подцвеченной водяными красками, изображены собаки, которые кажутся играющими, но на самом деле замерли каждая в своей роли. Одна из них выделена подкраской. В ее облике столько задумчивой грусти и глаза ее столь выразительны, что невольно возникает сравнение с человеческими чувствами. Кажется, что именно об этом свитке написал Кагава Кагэки (1768—1843):
Я знаю, души
у щенка, да еще на картине, конечно же, нет — и все же спрошу, пожалуй, а вдруг душа отзовется?!..
(Перевод А. А. Долина)
Сочетание тушевых пятен центральной фигуры и линеарной трактовки двух других щенков создает существенный контраст, который придает необычность свитку.
Художник Мори Сосэн (1747—1821) принадлежит к школе Сидзё, тесно связанной со школой Маруяма, поэтому их объединяют. Сосэн прославился многочисленными изображениями обезьян. Данный сюжет иллюстрирует буддийское положение о том, что стремление человека к исполнению своих желаний также бессмысленно, как попытка обезьяны поймать отражение луны в воде.
Вкусам широких масс городского населения, во многом определившим японскую культуру XVII—XIX веков, больше всего импонировало направление Укиё-э (картины повседневной жизни). Наибольший расцвет и известность Укиё связаны с гравюрой на дереве, но начиналось оно с живописи, основной темой которой были изображения красавиц. Эта традиция издавна существовала в японской живописи. Так, в «Записках у изголовья» писательницы X века Сэй Сёнагои под заголовком «То, что радует сердце» написано: «Прекрасное изображение женщины на свитке в сопровождении многих искусно написанных слов» 5.
Будучи достаточно ограниченным жанром, бидзинга по-своему ярко отражала дух эпохи. Красавицы изображались, как правило, в роскошных одеждах, свидетельствующих о любви горожан к пышному и нарядному. Они или отдыхают, или заняты изящными развлечениями. Похожие больше на дорогих кукол, они представляют идеальные женские образы того времени.
В числе первых представителей Укиё был Окумура Масанобу (168(1- 1764), известный мастер грапюры. «У полога» является одной и:! немногих сохранившихся живописных работ этого художника. Произведение отличается топким колоритом, изяществом линий и точно построенной ком полицией.
Куцукава Сюнсо (1720—1792) также при-надлежит к ведущим мастерам Укиё. Его свиток «Куртизанка под вишней» четко врезанным в фон силуэтом очень напоминает гравюру. Глубокая интенсивность красок особенно эффектна на незаполненном фоне. Некоторую тяжеловесность фигуры облегчает красиво написанное тушыо с подкраской дерево.
Творчество Китагава Утамаро (1754—1806) представляет выдающуюся страницу Укиё-э. Неповторимость стиля Утамаро связана с удивительной гармонией линейного и цветового ритмов. Его образы, несмотря на изобразительную условность, гораздо более жизненны и достоверны, чем у других художников. Сцена с пойманной рыбкой пронизана элегической задумчивостью, утонченным эстетизмом, хотя изображены всего лишь представители простого городского сословия.
Утамаро был в числе последних художников, оставивших большой, весомый след в японском искусстве. Последующие живописцы пользовались уже устоявшимися системами разных школ, продолжая традиционную линию.
Собрание музея дает достаточно полное представление об основных направлениях и тенденциях японской живописи XVII—XIX веков на примере интересных, высокохудожественных образцов.
Г. Шишкина
xn----8sbzdfdkkigfrhec4km.xn--p1ai
Европейское влияние на японскую живопись XVI-XIX веков.
Несмотря на то, что живопись в виде акварелей нынче уже была, тот пост относился к поэзии, а нынешний будет "чисто художественным". Но не моим, а скопированным. Однажды Ушастая Зайца решила поговорить о живописи. http://zajcev-ushastyj.livejournal.com/311010.htmlА давайте поговорим о высоком. О живописи, например. Как вы могли понять из предыдущего поста, меня последнее время опять интересуют японо-гайджинские отношения. Примерно полгода назад был пост о европейском влиянии на японские моды. Понятно, что влияние это не ограничивалось только модой, а затронуло все или почти все сферы жизни. Про то, что новенького европейцы привнесли в японскую кухню, я, может, напишу после того, как мы посетим Нагасаки. Есть у меня такая мечта. А сегодня я хотела бы немного, очень коротко, буквально "галопом по Европам" рассказать вам о европейском влиянии на японскую живопись.
Я не искусствовед и даже не претендую. Потому изложение моих соображений на тему живописи представляет собой не более, чем безответственный треп дилетанта. Но возможно, кому-то более профессионально образованному это подскажет направление для детального поиска информации. Потому что ее, этой информации, до обидного мало.
Очень часто, когда говорят о европейском влиянии на японское искусство, сравнивают и противопоставляют "нихон-га" 日本画 (традиционная японская живопись) и "йо-га" 洋画 (европейская живопись). Но оба этих термина возникли в середине 19го века, когда эта самая "йо-га" начала вытеснять "нихон-га", благо точек соприкосновения у этих двух... даже не знаю, как назвать... стилей?... практически нет. Разные техники, разные материалы, разные эстетические основы... Короче, все по-другому. Вот, скажем, "нихон-га": Хазэгава Тохаку, "Сосны". 1593 г. А вот - "йо-га":
Эсайас ван де Вельде, "Зимний пейзаж", 1623 г. Полотно на европейских картинах замазано красками равномерно по всей поверхности. Основы (холста или бумаги) видно быть не должно. Все максимально реалистично (иногда даже физиологично). Картина представляет собой законченное видение художником окружающего мира или своей фантазии. На японских "картинах" красками наляпано то тут, то там, оставляя довольно значительные пространства, ничем не замазанные вообще. Реальность легко и непринужденно приносится в жертву декоративности и красивой условности. Умышленно незакрашенные места и непрорисованные детали предлагают зрителю поучаствовать своим воображением в "дорисовке" образов и картины в целом. Европейская живопись, даже религиозная, восхваляет человека (и как венец творения Бога - в частности) и его превосходство над природой. Японская - показывает человека как часть природы, даже не самую главную часть, и, в идеале, гармоничное слияние человека и природы. Это, конечно, сильно упрощенное и нарочито протипоставляющее разделение, но в данном контексте мне так удобнее. Есть, однако, и более ранний термин - "йофу-га" 洋風画 - то самое европейское влияние на японскую живопись, когда отдельные приемы и техника, используемые в западной живописи, пытались внедрить и приспособить под эстетику японского восприятния окружающего мира. Термин "йофу-га" появился, как несложно догадаться, во время Эдо периода японской истории, когда европейское влияние на местную жизнь дозировалось строго и очень скупо, что позволяло выбирать из предлагаемого только сурово необходимое. Итак, началось все с того, что в 1543 году на японском острове Танэгашима высадились португальцы. Которых почти немедленно прозвали "нанбанджинами" 南蛮人 - южными варварами. И все, что португальцы, а позднее и остальные европейцы приносили в местную жизнь, имело ту же приставку - "нанбан" 南蛮 - от южных варваров. Интерес к европейцам был большим, причем, во всех слоях общества. Экие, понимаешь, зверушки странные: белые, одеты непонятно и странно разговаривают. И все у них не как у людей. Странных людей изображали на тогдашних японских заменителях картин (комнатных ширмах и настенных свитках) почти также часто, как экзотических зверей, чьи описания содержались в древних китайских книгах.
Парные ширмы "нанбан-бйобу" 南蛮屏風 (в данном случае - ширмы с изображением "южных варваров") авторства Кано Наизэн 狩野 内膳 (1570 - 1616). Примерно конец 16го века. Кано Наизэн принадлежал к солидной школе традиционной живописи Кано и был известен именно своими изображениями южных варваров. Фрагмент другой ширмы авторства того же Кано Наизэна. 
Или вот еще: 
Более поздняя работа, уже 18го века. Автор неизвестен. Ширма хранится в музее Museu Nacional de Arte Antiga в Лиссабоне, Португалия. Вместе с интересом к самим европейцам возник, понятно, интерес и к тому, что эти странные люди умеют делать. В том числе, и в плане живописи. Конечно, сейчас сложно сказать, какие именно эмоции испытали японцы 16го века, увидев европейскую живопись. Факт, однако, что непривычная эстетика и манера изображения заинтересовала древнеяпонских художников. И первые попытки понять что к чему были, в сущности, все той же "йо-га" (точнее сказать, "нанбан-га"), только на триста лет раньше. Как и положено ученикам, японцы старательно копировали оригиналы, чтобы понять что к чему. Маслом по холсту. Один из самых известных представителей большей частью оставшихся безымянными художников-экспериментаторов того времени - некто Нобуката 信方. 
Одна из работ Нобукаты, конец 16го века. Если бы не печати, картины вполне можно было бы отнести к европейской живописи. Про Нобукату, к сожалению, неизвестно практически ничего, кроме имени, оставшегося на его работах. Судя по всему, человек невысокого происхождения, простолюдин. Вероятно, принадлежал к одной из сект буддийских монахов. После него осталось несколько работ, большая часть которых - явные копии европейских оригиналов или подражание им. Но есть и вполне самостоятельные работы. 
С моей профанской точки зрения, дивный портрет. Это китайский бог Шень-нун, покровитель земледеления и медицины. Именно ему приписывают открытие чая (веточку чая бог и держит на портрете). В портрете Шень-нуна, однако, нет ничего японского. Чисто европейская эстетика и техника с детальной проработкой теней, полутонов и фона. 
К сожалению, не нашлось более приличного размера и качества. Портрет Дарумы кисти того же Нобукаты. А это уже явная попытка применить полученные знания в привычной японской эстетике. Работы Нобукаты и его товарищей по цеху того времени оказали влияние на буддийскую монастырскую живопись, породив даже отдельную школу портретной живописи - Обаку 黄檗画像 (по названию буддийской секты Обаку-шю). 
Портрет основателя секты Обаку, Иньюань Лунцзы. Обратите внимание, насколько портрет близок европейской эстетике с полностью проработанным фоном и попыткой светотени. И поза - полный анфас, в отличие от привычного японского полупрофиля. К сожалению, эти работы не получили развития и школа портретной живопописи Обаку довольно быстро растворилась в традиционной монастырской живописи. Хотя слабые намеки на былой интерес к чуждой эстетике еще встречались в работах отдельных художников вплоть до 19го века. В 1639 году европейцы были окончательно забанены на японских островах. Для поддержания слабых отношений с внешним миром остались открытыми всего четыре порта на всю страну, из которых европейцы (преимущественно голландцы) имели доступ только к единственному - Нагасаки. Стало быть, именно Нагасаки и стал рассадником чуждой культуры, где у редких любопытствующих был шанс приобщиться к мировым достижениям, в том числе - и в области искусства. В 1697 году в Нагасаки была официально учреждена должность "мэкики" 目利 - инспектор живописи. В задачи этих инспекторов входило отсматривание всех привезенных образцов живописи (европейской и китайской) и копирование наиболее интересных экземпляров. Фотегов в конце 17го века не водилось. Копировать живопись можно было только полностью воспроизводя ее. Так возникло течение "кара-э мэкики" 唐絵目利 - "картины инспекторов китайской живописи". Голландцев записали в одну кучу к китайцам. Видимо, их было не так много, чтобы выделять конкретно для этой цели дополнительную должность. Китайцев мы, однако, сегодня трогать не будем. У нас сегодня в меню европейцы. Поначалу на должность мэкики художников назначало начальство. Однако, практически сразу, вполне в духе местных традиций, должность стала наследственной и передавалась от отца к старшему сыну. В Нагасаки выделилось четыре семьи, занимавшихся копированием импортной живописи. Каждая семья в итоге стала родоначальницей своей школы живописи в стиле "нанбан-га" 南蛮画. Ну, правильно: не пропадать же знаниям, полученным тяжким трудом! Нагасакские семьи художников-мэкики: Ватанабэ 渡辺, Хироватари 広渡, Ишизаки 石崎 и Араки 荒木. Семья Ватанабэ специализировалась на портретах и цветочках-птичках, больше китайского происхождения. Это у нас сегодня не по теме. Хироватари, говорят, находились под сильным влиянием школы Кано и не очень стремились интегрировать европейские живописные достижения в традиционную живопись. "Голландский корабль" авторства Хироватари Кошю 広渡 湖秀 (1737-1784), конец 18го века. А вот семьи Араки и Ишизаки не только интересовались европейской живописью, но и активно пытались применять полученные знания в традиционной японской живописи. В музее города Нагасаки хранятся многие из работ всех четырех семей мэкики. Вот ужо я туда доберусь! Несколько работ есть и в музее искусств города Кобэ.
Араки Джёгэн 荒木如元（1765～1824) - один из самых известных представителей семьи Араки. Еще его работы: 
Обратите внимание на правую. Сюжет вполне себе европейский, что-то мифологическое и отнюдь не японское. Но вот расположение фигур на картине и сама композиция - вполне в духе настенных японских свитков. Одним из самых известных представителей нагасакских мэкики был Ишизаки Юши 石崎融思 (1768-1846). У него было порядка семи сотен учеников и последователей, которые и составили основу для быстрого роста про-западного искусства во второй половине 19го века, уже после открытия Японии. 
Собственно работа Ишизака Юши. "Бильярд". 
"Голландец с семьей". 
Портрет голландского художника C.H.De Villeneve с женой Мими, 1830 г. Какая замечательная смесь японского и европейского, не находите? 
Портрет Ота Нампо, японского поэта периода позднего Эдо. Голландцы привозили в Японию не только картины, но и кое-какие описания научных и технологических открытий, для детального изучения которых и была образована в начале 18го века группа переводчиков и ученых. Рангаку 蘭学 - дословно "голландская наука" - изучалась в Нагасаки с 1720 года и вплоть до открытия Японии. И "ранга" 蘭画 - голландская живопись - считалась частью рангаку. В 1752 году в Нагасаки прибыл Хирага Гэннай 平賀源内 (1728-1780), заинтересовавшийся слухами о рангаку. Надо полагать, открытия европейцев поразили молодого человека. Иначе трудно объяснить, зачем молодой и талантливый самурай потратил несколько лет на тщательное изучение голландского языка и научных достижений голландцев, в том числе и живописи. 
"Портрет европейской женщины", 1770 год. Одна из живописных работ Гэнная, дошедших до нашего времени. Не знаю, как вам, а мне очень нравится. Даже не смотря на явные ошибки в анатомии. В 1772 году Хирага Гэннай получил приглашение от Сатакэ Йошиатсу 佐竹 義敦 (1748-1785), даймё хана Акита, на организацию разработки месторождения меди по голландским методам. Акита во время Эдо была основным поставщиком меди на внутренний рынок Японии и на экспорт. Каким-то образом Гэннаю удалось заинтересовать даймё не только голландскими способами добычи и очистки медной руды, но и голландской живописью. Надо полагать, благородный лорд скучал. Богатый самурай самого высшего класса, даймё Акиты Сатакэ Йошиатсу стал родоначальником стиля живописи "Акита-ранга" 秋田蘭画. Как художник он известен под своим псевдонимом Сатакэ Шёзан. 
Одна из картин благородного самурая. Увлеченный новым для него занятием, даймё Акиты даже написал книгу "画法綱領" (Основы живописи), опубликованную в 1778 году. В книге, написанной при содействии Хирага Гэнная, описываются теоретические основы европейской живописи, в том числе и построение линейной перспективы. Искусство ради искусства в чистом виде, благо ни сам даймё, ни его последователи-вассалы не нуждались в том, чтобы зарабатывать себе на жизнь именно живописью. 
"Ирисы" Сатакэ Шёзана. В общем, даймё подсадил на живопись в голландском стиле весь свой двор. Среди его последователей особо отметим Одано Наотакэ 小田野 直武 (1750-1780). 
Работа Одано Наотакэ, 70е годы 18го века. Ну, чем не голландец? 
Дивные лотосы того же Одано. 
С портретами несколько хуже, но все же явно не японский стиль. В середине 70х годов 18го века Хирага Гэннай и Одано Наотакэ отправились в Эдо, покорять своим искусством столицу. Но в 1779 году Хирага в приступе гнева убил одного из своих учеников. Был посажен в тюрьму, где вскоре и умер. Проступок учителя полностью дискредитировал голландскую живопись в глазах даймё Акиты. Сатакэ Йошиатсу поспешил дистанцироваться от Гэнная и всего, с ним связанного. Одано Наотакэ умер в 1880 году в Эдо. Похоже, просто от нищеты. Акита-ранга прекратила свое существование как школа живописи. Однако, даже за такой короткий срок Акита-ранга успела оказать влияние на художественную жизнь Восточной Столицы, послужив основой для нового стиля в японской живописи - Эдо йофу-га 江戸洋風画. Одним из последователей Хирага Гэнная и Акита-ранги стал Шиба Кокан 司馬 江漢 (1747-1818). Ученик Сузуки Харунобу и Хирага Генная, изучавший рангаку и живший в Нагасаки, художник в течение всей своей жизни с равным интересом изучал все доступные ему стили живописи: и японскую традиционную гравюру по дереву, и китайскую живопись, и европейскую живопись маслом, и был одним из первых, кто освоил новомодную технику гравюры на медных пластинах. После смерти учителя, Сузуки Харунобу, взял себе псевдоним Сузуки Харушигэ 鈴木 春重, и совершенно открыто рисовал гравюры в стиле своего учителя и ставил на них его же печать. Подделки пользовались вполне достойным спросом. А теперь историки от живописи мучительно пытаются отделить работы таки Харунобу от работ его не в меру изобретательного ученика Харушигэ. Гравюра Харушигэ. Отличительной чертой гравюр этого талантливого имитатора является использование им законов западной, прямой перспективы вместо традиционной японской "параллельной". Как художник, работавший в стиле йофу-га, известен под именем Шиба Кокан.
Шиба Кокан, "Встреча Японии, Китая и Запада". Конец 18го века. Глубокий символизм. Занятно, что Японию художник посадил ближе к Западу, а не к Китаю. Провидец? 
Эти две картины - тоже Шиба Кокан. Напоминаю: это написано в Японии начала 19го века. В 1799 году Шиба Кокан опубликовал книгу "西洋画談" (Обсуждение Западной живописи). Как следует из названия, в книге автор подробно рассуждает на тему западной живописи и ее отличий от японской и китайской. Ну, осталось совсем немного: упомянуть такого мастера йофу-га, как Аодо Дэнзэн 亜欧堂田善 (1748-1822). Поскольку этот художник родился и творил большей частью на северо-востоке Японии, его относят к представителям Тохоку йофу-га 東北の洋風画. Родившись в семье красильщиков ткани, из-за ранней смерти отца вынужден был продолжать семейный бизнес. И обучение живописи начал уже будучи зрелым человеком. Что не помешало ему стать официальным художником Саданобу Матсудаира (реформатора эпохи позднего Эдо). Обучался в том числе и технике западной живописи маслом, и гравировке на медных пластинах. Говорят, встречался и с Шиба Коканом. Какое-то время жил в Нагасаки, где изучал рангаку. 
Аодо Дэнзэн "Две провинции". Начало 19го века. 
"Обжиг черепицы". 
Образец гравировки на медных пластинах, авторства Аодо Дэнзэна. В музее искусств Кобэ есть несколько его аналогичных работ. 
"Дерево" Аодо Дэнзена. Холст, масло. Творчество Аодо Дэнзэна, как говорится, оказало большое влияние на таких художников как Хокусай и Утагава Кунийоши. И, чтобы не заканчивать рассказ слишком официально, немного забавного (с моей точки зрения). 
Это тоже японская живопись начала 19го века. Автор - Таффель Берг. Он же - высокопоставленный самурай из Эдо Ишикава Тайро 石川大浪 (1765-1817). Благородный самурай так увлекся голландской живописью, что даже псевдоним себе быбрал голландский. 
Такая милая голландская (?) девушка кисти Таффель Берга. Однако, не надо думать, что японец свихнулся на почве любви к заграничному. Очень был разумный и высокообразованный человек. Помогал издать полный перевод с голландского на японский медицинской энциклопедии. И даже нарисовал портрет автора перевода - Сугита Гэнпаку. 
Надеюсь, вы догадываетесь, что это далеко не все художники, которые работали в стиле "йофу-га" в течение Эдо периода японской истории. Их было намного больше и все они в той или иной степени оказали влияние на развитие японской живописи и подготовили, так сказать, почву. На которой потом пышным цветом распустились всякие цветочки, начисто неотличимые от европейской живописи. Но это уже совсем другая история.
world-japan.livejournal.com
