Музей Черномырдинаhistory_of_art. Впечатление картина
Выставка прерафаэлиты. Впечатления от увиденной картины "Офелия".
Я бы хотела поделиться своими впечатлениями от просмотра выставки в ГМИИ имени Пушкина «Прерафаэлиты: Викторианский авангард». Посетила я выставку в 2013 году, но свои впечатления написала недавно. Я познакомилась с творчеством английских романтиков несколько лет назад; с работ Джона Эверетта Милле, правда видела я иллюстрации. Интересные сюжеты, И когда открылась выставка, то с удовольствием её посетила. Расскажу немного о возникновении направления.
В 1849 г. три английских живописца выставили на суд публики картины, подписанные монограммой «PRB». Полотна были столь же таинственны, сколь необычны. Вскоре тайна монограммы открылась: это был символ творческого объединения художников — «Братства прерафаэлитов» (англ. PreRaphaelite Brotherhood, от лат. рrае — «перед», «впереди», итал. Rafael — «Рафаэль» и англ. brotherhood — «братство»). История «Братства» началась в 1848 г., когда познакомились студенты школы Королевской академии: Уильям Холмен Хант (1827— 1910), Данте Габриэл Россетти (1828-1882) и Джон Эверетт Милле (1829—1896). Им не нравились система академического образования, модные живописцы и консервативные вкусы викторианского общества. Молодые художники не хотели изображать людей и природу отвлечённо красивыми, а события — далёкими от действительности, и, наконец, им надоела условность официальных мифологических, исторических и религиозных произведений. Осенью того же года было основано «Братство прерафаэлитов». Определение «прерафаэлиты» они выбрали, чтобы подчеркнуть противостояние стилю итальянского художника Высокого Возрождения Рафаэля Санти и проявили интерес, к творчеству итальянских мастеров Проторенессанса и XV столетия. В этой эпохе их привлекали «наивное простодушие», а также истинная духовность и глубокое религиозное чувство. Прерафаэлиты открыли мир образов средневековой английской литературы, ставшей для них постоянным источником вдохновения. Прерафаэлиты отказались от академических принципов работы и считали, что всё необходимо писать с натуры. Художники полагали, что нельзя изображать посторонних людей, поэтому всегда выбирали в качестве моделей друзей или родственников. Они внесли изменения и в традиционную технику живописи: использовали чистые цвета, писали без подмалёвка по сырому белому грунту. На загрунтованном холсте прерафаэлиты намечали композицию, наносили слой белил и убирали из него масло промокательной бумагой, а затем писали поверх белил полупрозрачными красками. Выбранная техника позволила добиться ярких, свежих тонов и оказалась такой долговечной, что их работы сохранились в первозданном виде до наших дней.
Одна из картин, представленных на выставке, произвела на меня сильное впечатление, это картина «Офелия» Джона Эверетта Милле (англ. John Everett Millais,8 июня 1829-13 августа 1896 - крупный английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов).
Сюжет картины художник взял из пьесы Уильяма Шекспира «Гамлет, принц датский». «Её одежды, раскинувшись, несли её, как нимфу», - так рассказывает королева Лаэрту о смерти Офелии в пьесе. Именно этот миг изобразил Милле на одной из самых своих знаменитых картин. Что интересно, художник сначала написал пейзаж (около 4 месяцев шла работа), а потом уже вписал девушку. Детальное изображение природы, воды, цветов вызывают восхищение. Все краски насыщенные, «живые», мастерски прописано платье на Офелии, художнику удалось передать на лице Офелии миг между жизнью и смертью. Известный английский искусствовед, Рёскин писал об «Офелии», что это «прекраснейший английский пейзаж, пронизанный скорбью».
Цветы, которые Джон Милле изобразил на картине, имеют своё значение. Растущие на берегу незабудки – символ верности, лютики – символ инфантилизма. Плачущая ива, склонившаяся над девушкой, - символ отвергнутой любви, крапива обозначает боль, адонис – символизирует горе, анютины глазки – сердечное успокоение. Цветы ромашки около правой руки символизируют невинность, розы традиционно являются символом любви и красоты, ирис – бесстрашие, доверие, таволга в левом углу может выражать бессмысленность смерти Офелии. Именно цветы на картине в своё время вызвали бурную реакцию у публики, если внимательно посмотреть, то в природе цветы растут в разное время года. Художник просто срисовал все растения из энциклопедии по ботанике.
Некоторые исследователи полагают, что в правом углу картины спрятано изображение черепа. Моделью для картины стала Элизабет Сиддал, 19 – летняя модистка из Ковент-Гарден. Впервые её увидел Данте Россетти, он был поражён необычной красотой Лиззи и пригласил стать моделью. Впоследствии Элизабет стала женой Россетти. Девушке приходилось позировать по несколько часов, лёжа в чугунной ванне, зимой, вода быстро остывала и она заболела. К сожалению, судьба Элизабет закончилась трагически, её лечили настойкой лауданума, от которой у неё началась зависимость и уже в 33 года она умерла от передозировки.
Старинное платье, расшитое незатейливым узором, для образа Офелии художник приобрёл в антикварной лавке. Смотря на платье, чувствуешь текстуру ткани. Игра света и тени акцентируют внимание на лице девушки, её отрешенный спокойный взгляд. Прозрачная белая кожа с ещё не исчезнувшим румянцем на щеках «рассказывает» о благородном происхождении Офелии. Печально смотреть на Офелию, ведь она умирает юной девушкой, из её приоткрытого рта вылетают звуки, но мы уже не можем их услышать. Раскрытые ладони, принимают смерть, как свободу души. Главная героиня, безусловно приковывает внимание зрителя и заставляет размышлять о жизни и смерти.
Выставка прерафаэлиты. Впечатления от увиденной картины "Офелия".
"Бледна как смерть". История одной картины.Я бы хотела поделиться своими впечатлениями от просмотра выставки в ГМИИ имени Пушкина «Прерафаэлиты: Викторианский авангард». Посетила я выставку в 2013 году, но свои впечатления написала недавно. Я познакомилась с творчеством английских романтиков несколько лет назад; с работ Джона Эверетта Милле, правда видела я иллюстрации. Интересные сюжеты, И когда открылась выставка, то с удовольствием её посетила. Расскажу немного о возникновении направления.
В 1849 г. три английских живописца выставили на суд публики картины, подписанные монограммой «PRB». Полотна были столь же таинственны, сколь необычны. Вскоре тайна монограммы открылась: это был символ творческого объединения художников — «Братства прерафаэлитов» (англ. PreRaphaelite Brotherhood, от лат. рrае — «перед», «впереди», итал. Rafael — «Рафаэль» и англ. brotherhood — «братство»). История «Братства» началась в 1848 г., когда познакомились студенты школы Королевской академии: Уильям Холмен Хант (1827— 1910), Данте Габриэл Россетти (1828-1882) и Джон Эверетт Милле (1829—1896). Им не нравились система академического образования, модные живописцы и консервативные вкусы викторианского общества. Молодые художники не хотели изображать людей и природу отвлечённо красивыми, а события — далёкими от действительности, и, наконец, им надоела условность официальных мифологических, исторических и религиозных произведений. Осенью того же года было основано «Братство прерафаэлитов». Определение «прерафаэлиты» они выбрали, чтобы подчеркнуть противостояние стилю итальянского художника Высокого Возрождения Рафаэля Санти и проявили интерес, к творчеству итальянских мастеров Проторенессанса и XV столетия. В этой эпохе их привлекали «наивное простодушие», а также истинная духовность и глубокое религиозное чувство. Прерафаэлиты открыли мир образов средневековой английской литературы, ставшей для них постоянным источником вдохновения. Прерафаэлиты отказались от академических принципов работы и считали, что всё необходимо писать с натуры. Художники полагали, что нельзя изображать посторонних людей, поэтому всегда выбирали в качестве моделей друзей или родственников. Они внесли изменения и в традиционную технику живописи: использовали чистые цвета, писали без подмалёвка по сырому белому грунту. На загрунтованном холсте прерафаэлиты намечали композицию, наносили слой белил и убирали из него масло промокательной бумагой, а затем писали поверх белил полупрозрачными красками. Выбранная техника позволила добиться ярких, свежих тонов и оказалась такой долговечной, что их работы сохранились в первозданном виде до наших дней.
Одна из картин, представленных на выставке, произвела на меня сильное впечатление, это картина «Офелия» Джона Эверетта Милле (англ. John Everett Millais,8 июня 1829-13 августа 1896 - крупный английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов).
Сюжет картины художник взял из пьесы Уильяма Шекспира «Гамлет, принц датский». «Её одежды, раскинувшись, несли её, как нимфу», - так рассказывает королева Лаэрту о смерти Офелии в пьесе. Именно этот миг изобразил Милле на одной из самых своих знаменитых картин. Что интересно, художник сначала написал пейзаж (около 4 месяцев шла работа), а потом уже вписал девушку. Детальное изображение природы, воды, цветов вызывают восхищение. Все краски насыщенные, «живые», мастерски прописано платье на Офелии, художнику удалось передать на лице Офелии миг между жизнью и смертью. Известный английский искусствовед, Рёскин писал об «Офелии», что это «прекраснейший английский пейзаж, пронизанный скорбью».
Цветы, которые Джон Милле изобразил на картине, имеют своё значение. Растущие на берегу незабудки – символ верности, лютики – символ инфантилизма. Плачущая ива, склонившаяся над девушкой, - символ отвергнутой любви, крапива обозначает боль, адонис – символизирует горе, анютины глазки – сердечное успокоение. Цветы ромашки около правой руки символизируют невинность, розы традиционно являются символом любви и красоты, ирис – бесстрашие, доверие, таволга в левом углу может выражать бессмысленность смерти Офелии. Именно цветы на картине в своё время вызвали бурную реакцию у публики, если внимательно посмотреть, то в природе цветы растут в разное время года. Художник просто срисовал все растения из энциклопедии по ботанике.
Некоторые исследователи полагают, что в правом углу картины спрятано изображение черепа. Моделью для картины стала Элизабет Сиддал, 19 – летняя модистка из Ковент-Гарден. Впервые её увидел Данте Россетти, он был поражён необычной красотой Лиззи и пригласил стать моделью. Впоследствии Элизабет стала женой Россетти. Девушке приходилось позировать по несколько часов, лёжа в чугунной ванне, зимой, вода быстро остывала и она заболела. К сожалению, судьба Элизабет закончилась трагически, её лечили настойкой лауданума, от которой у неё началась зависимость и уже в 33 года она умерла от передозировки.
Старинное платье, расшитое незатейливым узором, для образа Офелии художник приобрёл в антикварной лавке. Смотря на платье, чувствуешь текстуру ткани. Игра света и тени акцентируют внимание на лице девушки, её отрешенный спокойный взгляд. Прозрачная белая кожа с ещё не исчезнувшим румянцем на щеках «рассказывает» о благородном происхождении Офелии. Печально смотреть на Офелию, ведь она умирает юной девушкой, из её приоткрытого рта вылетают звуки, но мы уже не можем их услышать. Раскрытые ладони, принимают смерть, как свободу души. Главная героиня, безусловно приковывает внимание зрителя и заставляет размышлять о жизни и смерти.
history-of-art.livejournal.com
Картина Кандинского Впечатление 3. Концерт
Галерея Ленбаххауз (Мюнхен) – выставка «Кандинский и «Синий всадник» в Москве Отдел личных коллекций ГМИИ им. Пушкина
Василий КандинскийВпечатление 3. Концерт. 1911
Картина была написана вскоре после посещения новогоднего концерта в Мюнхене, состоявшегося 2 января 1911 года и посвященного музыке известного австрийского композитора, представителя нововенской школы – Арнольда Шенберга. Кандинский был на концерте вместе с Марком и другими членами «Нового художественного общества Мюнхена» и услышал несколько произведений Шенберга: два струнных квартета (ор.7 и ор.10) и три пьесы для фортепиано (ор.11). Живописец был впечатлен смелыми музыкальными новациями композитора, изобретателя додекафонии, метода композиции на основе 12 соотнесенных друг с другом тонов, и обнаружил близость собственным стремлениям. В своем первом письме Шенбергу Кандинский писал: «Независимое следование собственной судьбе, самостоятельная жизнь отдельных голосов в Ваших композициях – это именно то, что я пытаюсь найти в живописных формах». Шенберг горячо откликнулся: «И меня чрезвычайно радует, когда художник, творящий в другом искусстве, ощущает связь со мной». Художник пригласил композитора участвовать в альманахе «Синий всадник» и впоследствии их связывала многолетняя дружба. Под впечатлением от концерта Кандинский создал эту картину и, пронумеровал ее, вставил в ряд других своих «импрессий». Главная его цель заключалась в передаче прямого впечатления от концерта, попытке перевода акустического музыкального ощущения на визуальный язык живописи, нахождения ему цветового эквивалента.Желтый и черный цвета, подчеркнутые белым, доминируют в картине. Под динамичным черным цветом в центре – желтый цвет, который разворачивается расплывающимся широким пятном, заполнив все поле картины, и немного захватывая яркие цветные участки и линейные арабески слева. Черная область – это схематическое представление рояля, цветные формы слева обрамленные черным, – слушатели на концерте. Но главное значение в картине имеет желтый цвет звука, напоминающий концертный холл и делающий картину звучащей как симфония. В книге. В книге «О духовном в искусстве» Кандинский сопоставляет звук и цвет, проводит аналогии между оттенками красок и звучанием определенных инструментов: желтый цвет ассоциируется у него со звуком трубы или фанфар, оранжевый – это альт или «альтовый голос», красный – труба или барабан, фиолетовый — фагот, синий – виолончель (на которой он сам играл), контрабас или орган, а зеленый – спокойные, растянутые средние тона скрипки. Картины Кандинского часто вызывают музыкальные ассоциации. В них есть скрытая полифония. Кандинский также увлекался использованием такого явления, как синтезия, аналогией между музыкой и живописью. Музыка «наименее материальное искусство». Оно не нуждается в изображении явлений природы. Оно использует звуки «для выражения душевной жизни... и для создания своеобразной жизни музыки тонов». Художник же, обращаясь к музыке, стараемся перевести ее на язык живописи. В конечном итоге, мы приходим к объединению сил различных видов искусства», — писал Кандинский. Художественные устремления Шенберга и Кандинского во многом близки. Шенберг и Кандинский одновременно работали над синтетическими театральными произведениями – «Счастливая рука» и «Желтый звук», объединяющими слово, музыку, движение и живопись.
05 октября 2011 г.
family-values.ru
Впечатления от картины Е. Широкова «Друзья».
Долго жил беспородный пёс в дружной семье мальчика. Попал туда ещё совсем глупым щеночком — колобочком. Прибился весёлый, озорной, чёрный пёсик, с белыми носочками к маленькому мальчику, игравшему во дворе в снежки.
Пожалели бедную бездомную животинку заботливые родители, не стали зимой гнать из дома, побоялись что замёрзнет. Остался в семье несмышлёныш лопоухий. Так и росли вместе маленький мальчишка и его верный дружок. Вместе понемногу шалили, вместе подолгу гуляли, вместе день за днём становились умнее.
Много воды утекло с тех пор, несколько лет прошло. Стали они гораздо взрослее, дружок — верным другом стал, мальчишка — пареньком. Пришла к собаке старость, а с ней болячки. Подкосил пса внезапно недуг, слёг друг преданный, встать уж нет у него сил.
Неописуемые страдания просматриваются во взгляде несчастной, престарелой собаки, не горит уже в них огонёк былого задора. Положила страдалица морду на лапы, ухо правое опустила, хвост болезненно поджала. Лежит тихонечко на подстилке, так заботливо положенной мальчиком для своего больного друга, не ест ничего, не пьёт.
Переживает мальчишка, жалко ему свою собаку, видно, что до болезни верой и правдой служил пёс, не раз помог дорогу домой найти, во дворе защищал.
Казалось только ещё вчера была собака так бодра, так радовалась приходу парнишки из школы, так прыгала от радости, и тыкалась холодным мокрым носом в лицо, просясь погулять.
Собрался было мальчик и в этот раз идти гулять, оделся, обулся, позвал собаку с собой, а та и встать, бедолага, не может, совсем плохо ей стало… Передумал паренёк из дома выходить, отложил все дела, всегда готовый на помощь прийти, ждёт ветеринара.
Печально ему на боль друга своего смотреть. Вот уже всю подстилку красную, собачью смял. То присядет с другом рядышком, в голом, неуютном коридоре, на подстилке смятой; гладит пса, утешает, разговаривает с ним — пытаясь облегчить страдания; то встанет — по коридору нервно ходит; то снова сядет. А у самого, чуть слёзы из глаз не льются рекой. Поскорей бы врач пришёл, вылечил страдающее животное...
Очень трогательна картина, Евгения Николаевича Широкова, — Российского художника – портретиста. Точно написанная житейская ситуация, до боли знакомая, заставляющая сопереживать героям полотна, пробуждающая все самые лучшие чувства, всплывающие откуда – то из детства.
Художнику поразительно удалось передать все эмоции персонажей, изображённых на ней. Всю боль друзей: физическую — собаки и психологическую — мальчика. Искреннюю дружбу, доброту и заботу, так не хватающую в наше время.
Автор сочинения: Екатерина Рыкова
Похожие записи
design-kmv.ru
