Музей ЧерномырдинаЭто не просто мазня на холсте! Всего лишь пара слов и твое мнение изменится полностью…. Мазня картины
Уморительная мазня или картины для будущего?
Уморительная мазня или картины для будущего?
Но в одном Мадлен права. Надо что-то предпринять для будущего ребенка. Сёра обдумал этот вопрос столь же тщательно, как любую свою картину. Сотни раз он убеждал себя, что обязан жениться на Мадлен Кноблох, и ни разу не отважился. Он пытался представить тихую кроткую мать, укачивающую младенца, но видел лишь грозную, сварливую Мадлен, которая вместо того, чтобы подумать о будущем ребенке, носится по магазинам и косметическим лавкам. И ведь еще из Мозеля может заявиться мамаша Мадлен, торгующая можжевеловой водкой.
Нет, к такому он не готов! В конце концов, если все верно обдумать, можно решить проблему по-другому. И вот уже Сёра сидит в приемной мэтра Роша, нотариуса, практикующего в районе площади Пигаль.
«Я хочу, чтобы в случае моей смерти все, чем я владею, перешло по наследству моему будущему ребенку». Мэтр Роша удивленно вскидывает кустистые брови: «Но невозможно оставить наследство несуществующему субъекту! На данный момент вам придется завещать все матери ребенка».
Сёра недовольно кусает губы: Мадлен же все промотает!
«А если я оставлю вас душеприказчиком и опекуном ребенка?»
Нотариус вздыхает: «Это, конечно, возможно. Но мне бы не хотелось. Ваша супруга затаскает меня по судам!» — «Не сможет, — ликует Сёра. — Мы не женаты!»
Мэтр Роша снова вздыхает, чешет нос и, наконец, соглашается.
Вечером Сёра объявляет Мадлен о своем визите к нотариусу. Он ожидает бурного скандала, но сожительница принимает известие спокойно: в конце концов, мужчины часто не только не желают узаконить отношения, но и не признают ребенка. Хорошо, хоть Жорж не из таких!
На радостях они даже открывают примирительную бутылочку. Сёра размякает: когда еще выпадет столь добрый и тихий вечерок?.. Да только тишина быстро кончается: влетает взволнованный Поль Синьяк. Он не похож на себя. Обычно тщательно одетый и причесанный, сейчас он в расстегнутом плаще и цилиндре набекрень.
«Вот! — Синьяк кидает на стол газету. — Почитай, что пишут эти отступники! Эдгар Дега называет пуантилизм мозаикой сумасшедшей обезьяны. А старик Писсарро? Он написал, что все наши искания — неразумная глупость. Что он рассмотрел в Лувре полотна старых мастеров и не нашел ни одного состоящего из точек. Будто он и раньше не знал, что пуантилизм — новейшее, только что изобретенное течение?!»
Сёра смотрел на бушевавшего Синьяка и думал: неужели в жизни нет никакой верности?.. Когда от Дега отвернулись все, а критика писала, что изображения его балерин — одни упитанные ляжки и грязные шиньоны, разве не пришел он к Сёра и Синьяку учиться пуантилизму? И тогда он считал этот метод живописи перспективным. А Писсарро? Его называли «импрессионистом-огородником, специалистом по капусте». Да он и сам понимал, что исписался. И в поисках новых идей пришел к пуантилизму. Что ж, как пришел, так и ушел. Но зачем же поливать грязью старых друзей?
Но оказалось, что самое страшное ждало впереди — на шестой выставке Общества независимых художников, открывшейся 20 марта 1890 года. Всего за месяц до этого, 16 февраля, Мадлен родила большущего розового мальчишку, которого назвали Пьер Жорж. Художнику уже стало казаться, что жизнь налаживается. Он выставил восемь своих новых полотен: портрет Мадлен, который назвал «Пудрящаяся женщина», два пейзажа, нарисованные в Гранд-Жатт, любимом местечке отдыха парижан, четыре марины из Пор-ан-Бессена и, конечно, «Канкан». И что тут началось!
Критики встретили картины Сёра в штыки. Пейзажи были названы «антиживописной мешаниной», а злосчастный «Канкан» — «детским изображением хореографических забав, просто уморительной мазней». Ко всему прочему, сам метод пуантилизма почему-то стали приписывать «мэтру Писсарро», а тот даже не возразил ни слова.
Сёра стоял возле портрета Мадлен, когда в зале появился разгоряченный от похвал Гоген. Окинув беглым взглядом висящие полотна, хмыкнул: «В каком окружении мои картины! Хотя кто знает, может, будущее за этими картонками!..» — и театрально ткнул в работы Сёра и папаши Руссо.
Жорж в ярости сжал кулаки, готовый наброситься на насмешника. Но папаша Руссо, лукаво улыбнувшись, одернул его за полу пиджака: «Пусть себе выступает. Он уверен, что гений и что лишь его полотна устремлены в будущее. Но ведь и ваш пуантилизм, и мои наивные картинки попадут туда же. Надо только работать…»
Жорж-Пьер Сёра. Цирк
И Сёра работал. Начал большое полотно «Цирк»: почти два метра на полтора, сорок персонажей. На переднем плане рыжий клоун в фантастической шапочке, на манеже юная наездница, стоящая одной ножкой на белой, несущейся на скаку лошади, у края манежа кувыркающийся акробат в желтом трико. Вокруг восторженные зрители, наверху веселые музыканты. Но главное — художник решил использовать только три цвета: желтый, красный и синий. Все остальные оттенки получатся из точек сопоставления изначальных цветов. Сёра всем докажет, что правильно подобранные точки могут выразить весь спектр.
Жорж сильно изменился. Молчаливый и застенчивый, он вдруг стал общительным и речистым. По вечерам он несся сломя голову в известный цирк Фернандо. Мадлен взволновалась: а ну как ее дражайший увлекся циркачкой? Труппа Фернандо вообще популярна в кругу художников. Ее артистов изображали Ренуар, Дега, Тулуз-Лотрек. Теперь вот и Сёра рисует какую-то рыжеволосую наездницу. Говорят, эта бойкая девица работала в драматическом театре, принимая ухаживания известного банкира. Тот даже купил ей домик под Парижем. Но в одночасье девица влюбилась в циркача, бросила банкира и домик и устроилась работать в цирк. Правда, пылкая любовь длилась недолго, и теперь наездница вновь ищет покровителя. А ну как она нацелилась на беззащитного Сёра?
Мадлен предприняла свои меры — забеременела во второй раз. Не оставит же чадолюбивый папаша двух детей! Впрочем, резкое изменение в поведении художника заметили и его друзья: Сёра вдруг начал приглашать их в гости, демонстрировать еще незаконченную картину, взволнованно рассуждать о живописи. По ночам он спал теперь всего по два-три часа. Завел календарь, стал отмечать там каждый прожитый день, объясняя всем: «Я должен успеть закончить картину к выставке!»
И куда он так торопился?..
Выставка независимых, неоимпрессионистов, как их все теперь называли, открылась 20 марта 1891 года. Сёра не успевал закончить свой «Цирк», к тому же вместе с Синьяком и Тулуз-Лотреком его выбрали в выставочный комитет, что отнимало немало времени.
«Выстави только свои пейзажи!» — советовал верный Синьяк. «Выстави „Цирк“ как есть — потом допишешь!» — гудел Тулуз-Лотрек.
Сёра послушался этого любителя циркового искусства. Какой же он был дурак! На выставку явился предводитель эстетов, утонченный живописец Пюви де Шаванн, мельком взглянул на «Цирк» и скривился в удивлении: «К чему выставлять недописанный эскиз?..»
И словно сигнал прозвучал: критики вновь обрушились на бедного Сёра. Этого Жорж уже не смог вынести. Сначала у него появились боли в голове и температура. Он еще шутил, что «простуда приходит всегда не вовремя». Но потом появилась лихорадка, и начался бред. Или это не было бредом? Сёра видел белую точку. Он знал, что белый цвет вмещает в себя весь спектр радуги, а точка раскрывается, продолжается в линию горизонта и разворачивается в бесконечное пространство. Каждая звезда — это вспыхнувшая точка. Из точки каждой звезды когда-нибудь разгорится пламя новой Вселенной. И создатель этой Вселенной — он, Жорж Сёра. А ведь он еще так молод — ему всего-то идет 32-й год…
Его не стало в пасхальное воскресенье 29 марта 1891 года. Врачи диагностировали дифтеритную инфлюэнцу. А через пару недель в Париже началась эпидемия этой страшной болезни. 14 апреля умер, заразившись, его крошечный сын. Заболела и Мадлен, но выздоровела, правда потеряв второго ребенка. Растоптанный горем однорукий нотариус Антуан Кризостом Сёра устроил роскошные похороны — сначала сыну, потом и внукам. Мадлен Кноблох он признал своей законной невесткой, поделив все имущество покойного сына пополам. Впрочем, делить было особенно нечего. От Жоржа Сёра остались 42 картины. Они пошли с молотка по цене от 27 до 50 франков. Однако расчетливая Мадлен не удовольствовалась такой ценой. Она начала судебную тяжбу, поссорилась с родителями Жоржа, облила грязью его друзей и, не добившись ничего, укатила из Парижа в Брюссель. Там ее следы и затерялись.
Но по прошествии времени цена на полотна Сёра дошла до 50 тысяч долларов, а во второй половине ХХ века и до двух миллионов. Художник по праву стал именоваться великим. Но еще большую жизнь обрела теория точки: теперь-то мы знаем, что из нее родилась вся наша Вселенная. Да и каждый раз, когда мы включаем компьютер, из такой точки разворачивается воистину бесконечная Всемирная паутина. И все ее краски возникают из принципа разделения цвета, который так старался познать Жорж Сёра.
Поделитесь на страничкеСледующая глава >
design.wikireading.ru
Миллионы вот за эту мазню?!.. Или – а может в этом что-то есть? Рассуждения о. | Культура
Сейчас вот есть сотни, если не тысячи, прекрасных художников в жанрах и реализма, и фотореализма, и импрессионисты по большому счету тоже есть, не говоря о примитивистах. Ну просто очень сильные, отнюдь не коврики. И не подражания старым, а вполне себе развивающиеся жанры. Так почему СОВРЕМЕННЫМ искусством обычно называют только вот эти квадраты и полоски? Кто вообще сказал, что они — рангом выше, чем примитивы или реалисты? Просто потому, что они «для избранных»? То есть НЕПОНЯТНОСТЬ — это такое безусловное достоинство?
Нам говорят, что такие картины работают «на уровне мышления» — допустим. На подсознание прямо воздействуют… А кто сказал, что картина с виноградом в вазочке на бархате — на мышление не работает и на подсознание не воздействует? Может быть, те, кто не видит там такого же, как в полосках и квадратах Ротко — просто отвлекаются на то, что там видны красивенькие колонны и облачка? Так ли все просто — если на картине лесок-лужок, то оно «для населения», и мышления не будит? А может, будит? Просто если ничего кроме полосок не нарисовано — это ВИДНО. Задаешься вопросом: ой, что это, тут нет ничего конкретного, наверное это ДЛЯ МЫШЛЕНИЯ!
Я даже, прежде чем писать статейку, посоветовалась с блогом. Читателей в блоге много, и все очень разные, поэтому продемонстрирован мне был весь спектр как противников, так и защитников. Разгорелся длиннейший спор на старую тему о том, ОБЯЗАНО ли искусство быть понятно ВСЕМ, или наоборот, искусством следует считать только то, что непонятно (а что понятно всем — считать ковриком на стену).Причем надо отметить, что сторонники модернизма, абстракционизма и непонятного выражались гораздо приличнее и вели себя эстетичнее противников, но толкового ничего так и не сказали. Выявились следующие категории:
— противники простые и грубые: мазня, фигня, идиоты деньги платят, а умные на Сотби деньги делают. Возражение: не странно ли, что у идиотов столько денег? И опять же — нам-то не дадут, если мы краски размажем? Почему?
— противники-конспирологи развозят длинные и безумные теории насчет мирового заговора по оглуплению народа, страшные своим алогизмом. Носителями заговора выступают то масоны, то сионисты, то жадные толстосумы, то коварные искусствоведы. А может быть, даже и марсиане.
— противники-материалисты считают, что эти картины покупают просто для вложения капитала, а на стену вешают опять же для понтов: все знают, что картина Ротко стоит миллионы, это круто. Опять тот же вопрос: а почему они стоят миллионы?
— противники жизнерадостные считают, что просто кроме них никто не догадался, что это не картина, а «мазня». И ничтоже сумняшеся тут же всем это и сообщают. Это такие простые, незатейливые люди, для которых никаких вопросов вообще нет — они на все знают очччень простенькие ответы. Им хорошо.
— совсем дебильные противники болбочат как индюки «подумаешь, Черный Квадрат и я могу намалевать», но ничего не могут ответить на вопрос, ПОЧЕМУ же они до сих пор не намалевали и не купили себе остров на Гавайях? Тот факт, что намалеванный ими (нами!) черный квадрат ПОЧЕМУ-ТО не стоит ни копейки, до них не доходит и никогда не дойдет.
Сторонники тоже разные:
— модернопоклонники искренне считают, что раз все развивается и усложняется, то и современным искусством может называться только что-то очень сложное. Настолько сложное, что к каждой картине нужно приложить монографию с истолкованием и зрителей со специальным образованием, а иначе это «кич». Часто употребляют фразы «дискурс» и «моделирование новой художественной конструкции, соответствующей своему времени», «свободное стилевое движение вне логики развития» и т. д.
— стихийные энергетики не жонглируют словами, а просто зачаровываются, рассказывая. как они стояли в музее возле такой картины, а от нее прямо-таки волнами перла космическая «энергетика». Было бы интересно провести простой опыт — повесить там полотно, о которое чистил кисти маляр дядя Федя, а вдруг на них бы тоже энергетика поперла?
— робкие агностики сознают, что специального образования у нас все-таки нет, и осторожно говорят «а может быть, мы все-таки чего-то недопонимаем…»
— вообще какие-то грубияны (надо отметить, что сторонники на порядок более вежливы) так прямо и валят наотмашь, что Художник и Творец рисует не для тупой толпы, а для Избранных или вообще для себя лично по зову природы (с чем нельзя не согласиться в том плане, что никто никому не обязан «сделать красиво»).
Уже в процессе дискуссии по Ротко меня смутила приведенная там цитата из графа нашего Пахать-Подано, что искусство должно быть всякому дикарю понятно:
«Искусство тем-то и отличается от рассудочной деятельности, требующей подготовления и известной последовательности знаний (так что нельзя учить тригонометрии человека, не знающего геометрии), что искусство действует на людей независимо от их степени развития и образования, что прелесть картины, звуков, образов заражает всякого человека, на какой бы он ни находился степени развития. Дело искусства состоит именно в том, чтобы делать понятным и доступным то, что могло быть непонятно и недоступно в виде рассуждений. Обыкновенно, получая истинно художественное впечатление, получающему кажется, что он это знал и прежде, но только не умел высказать.» (Лев Толстой, «Что такое искусство«.)
Ну мы-то знаем, что нет, не знаю, как дикарю, а народу понятно, увы, не всякое. Далеко не всякое. А злокозненная ноосфера подсунула еще постановление какого-то чертова совнаркома или наркомата — что народу нужно искусство здоровое и понятное, а не формализм! Но окончательный гвоздь вбило воспоминание о «Бульдозерной выставке». Вкратце, кто не в курсе:
«Бульдозерная выставка» — одна из наиболее известных публичных акций неофициального искусства в СССР; выставка картин 15 сентября 1974 года на окраине города в лесопарке Беляево, организованная московскими художниками-авангардистами (А. Глезер, О. Рабин — основной лидер нонконформизма, В. Воробьев, Ю. Жарких, В. Комар, А. Меламид, Л. Мастеркова, В. Немухин, Е. Рухин, Рабин А. (сын Рабина О.), В. Ситников, И. Холин, Б. Штейнберг, Н. Эльская). На месте к ним присоединилась еще одна группа живописцев: Л. Бажанов, С. Бордачев, Э. Зеленин, Р. Заневская, К. Нагапетян, В. Пирогова, А. Тяпушкин, О. Трипольский, М. Федоров-Рошаль и многие другие). Примерно через полчаса после начала выставки к месту её проведения была направлена большая атакующая группа, включающая три бульдозера, водомёты, самосвалы и около сотни переодетых милиционеров; часть картин была конфискована. Нападавшие ломали картины, избивали и арестовывали художников, зрителей и иностранных журналистов. Очевидцы вспоминают, как Оскар Рабин был фактически протащен через всю выставку, повиснув на ноже ковша бульдозера. Художников увозили в участок, где заявляли: «Стрелять вас надо! Только патронов жалко…».«Бульдозерная выставка» стала наиболее заметным событием художественной жизни после разогнанной лично Н. С. Хрущёвым выставки в Манеже 1962 года. С 30-х годов XX века официально поддерживаемым направлением искусства в Советском Союзе был исключительно социалистический реализм. Все иные формы искусства были загнаны в подполье и зачастую становились объектом преследования со стороны властей. (Архив радио Свобода).
Тут мне стало как-то противно. Может и правда полотенечко нужно… лучше уж полотенечко, чем статьи «Сумбур вместо музыки», Пролеткульт и Моссельпром? Они там покупают три полосы за миллионы, а мы умные, нас не проведешь… Поэтому мы громили Зощенко и Ахматову, травили Пастернака и Шостаковича, убили Мандельштама? …Список продолжите сами. И когда я вспомнила про бульдозеры, то, хотя из тех, кого там раздавили, мне не нравится ни один, но от всего этого вместе я как-то начинаю смиряться с полосками и квадратами Ротко…
Особенно если вспомнить, что писал обо всем этом китайский мудрец IV века до н.э. Чжуан Чжоу:
«Положим, мы затеяли с тобой спор, и ты победил меня, а я не победил тебя, значит ли это, что ты и в самом деле прав, а я на самом деле не прав? А если я победил тебя, а ты не смог победить меня, значит ли это, что прав именно я, а ты не прав? Обязательно ли кто-то из нас должен быть прав, а кто-то не прав? Или мы можем быть оба правы и оба не правы? И если мы сами не можем решить, кто из нас прав, а кто нет, то другие люди тем более не сделают этого за нас. Кто же рассудит нас? Если придет кто-нибудь, кто согласится с тобой, и не согласится со мной — то как ему рассудить нас? А если кто-то будет согласен со мной и не согласен с тобой, то как ему рассудить нас? Если же, наконец, позвать того, кто не согласен ни со мной, ни с тобой, то как ему рассудить нас? А если позвать того, кто согласен со мной и с тобой, то, поскольку он согласен и со мной и с тобой — как он может нас рассудить? Кого же нам еще ждать?»
shkolazhizni.ru
реакция куйбышевцев на картины Пурыгина 40 лет назад — Большая Деревня
Главная / НовостиХудожественный музей опубликовал записи из книги отзывов за 1972 год. Они посвящены работе «Весна-Красна» заслуженного художника России Валентина Пурыгина, которого вдохновляла Самара. Как оказалось, любители высокого искусства образца 72 года не оценили картину по достоинству и признание пришло к художнику намного позже.
«Весна-красна», Валентин Пурыгин«Раз некоторые принимают картину Пурыгина за „современное искусство“, так повесьте её на потолке — там ей место!»
«Музей очень красив, но зачем же вешать такие картины, как Пурыгина „Весна-Красна“?»
«Люблю бывать в Вашем музее. Картина Пурыгина В.З. „Весна-Красна“ расположена крайне неудачно. От этого она во многом проигрывает. НЕ СНИМАЙТЕ НИ ЗА ЧТО!»
«Современные художники — ужасно!»
«В музее нам очень понравились картины Айвазовского, Воронова, Куинджи, статуэтки и посуда. Но хочется, чтобы таких картин, как „Весна-Красна“ не было. Это не искусство, а мазня»
Однако были и те, кому приглянулись работы необычного для того времени художника:
«Больше Пурыгина!!!»
«Нужно прожить 100 лет и посмотреть войдет в историю Пурыгин или не войдет. Картина Пурыгина хороша — её нужно понимать и умело смотреть. Пусть будет больше Пурыгиных!»
У нынешних жителей Самары тоже есть возможность составить свое мнение о картинах художника. В Художественном музее работает сразу две выставки к юбилею Валентина Пурыгина. Первая из них — «Пурыгин — пейзажист», где существенную часть произведений составляют никогда не экспонировавшиеся на выставках полотна и этюды из ранних работ от 1950-х до начала 1990-х годов.
Вторая выставка будет посвящена графике Пурыгина. В экспозицию вошли коллажи, зарисовки и наброски художника, выполненные в различных техниках. Посетителям музея представят графические пейзажи, городские мотивы, портреты, анималистические наброски, мифологические и сказочные сюжеты.
Стоимость билетов: выставка «Пурыгин — пейзажист» — 150 рублей, выставка «Валентин Пурыгин. Графика. Избранное» — 100 рублей.
Выставка будет работать до 29 августа
Художественный музей, Куйбышева, 92
bigvill.ru
Картинки мазня пятна, Стоковые Фотографии и Роялти-Фри Изображения мазня пятна
Lenanichizhenova
4276 x 3266
NastyaSklyarova
6500 x 4500
NastyaSklyarova
4500 x 4500
NastyaSklyarova
4500 x 4500
ru.depositphotos.com
Персональный сайт - Гениальные мазилы
Эффективность Public Relations: «Гениальные» мазилы
Если я возьмусь за кисть, и намалюю на холсте какой-нибудь пейзаж или портрет, то любой человек, посмотрев на моей произведение, может смело заявить: ну и мазня! И будет прав, ведь я не умею рисовать. Тем ни менее, мою мазню можно было бы продавать за миллионы долларов, если бы у меня была репутация великого художника. Теоретически сложно представить, чтобы мои ненаписанные, но от этого не менее ужасные картины можно было бы раскрутить как великие произведения живописи и продать за "бешеные деньги". Но в реальной жизни подобное происходило и не один раз – вторая половина 19 века и весь 20 век – это сплошное торжество мазни в искусстве.
С того момента как зародилась современная живопись, отцом которой считается итальянец Джотто ди Бондоне (1267-1337гг.), и на протяжении нескольких следующих веков на первое место в оценке произведения ставилось мастерство художника в отображении реальности на любой пригодной для рисования поверхности (холсте, стене или доске). Фотографии тогда не существовало, но многим хотелось иметь свой портрет или изображение своих родственников в своем доме. Изображения окружающих лесов и полей также ценились. Мы и сейчас любим в своих квартирах развешивать репродукции разных картин, а кому материальное состояние позволяет, то и сами оригиналы. В средние века богатым людям тоже нравилось украшать стены домов и замков произведениями живописи, а некоторые из них собирали огромные коллекции. И многие это делали не потому, что увлекались живописью – просто это было очень круто по тем временам – иметь коллекцию картин. Если ты хотел выглядеть крутым, то ты не мог купить «Порше» или «БМВ», а вот купить и развесить картины по стенам - мог. И если ты был обладателем картин Рафаэля, Тициана и других великих живописцев – ты был невероятно крут! Кроме богачей в произведениях искусства нуждалась и церковь. Конечно, церкви не нужны были картины изображавшие реальную жизнь – им были необходимы библейские сюжеты, которые бы выглядели как настоящие – как фотографии реальных событий (хотя про фотографии тогда и понятия не имели). Люди должны были верить в Христа, Марию, апостолов и других религиозных деятелей, а для этого библейские персонажи должны были выглядеть живыми людьми.
Какие были запросы заказчиков – такие были и картины. Чем изображение больше походило на настоящее, тем больше было шансов, что картину купят. Бредовые идеи, набросанные на холсте неумелой рукой, были никому не нужны. Никто не стал бы покупать свой портрет, который был бы не похож на оригинал, и уж тем более такой, который вообще не напоминал изображение человека. В те времена для написания портрета нужен был художник, овладевший ремеслом живописца. Не будучи профессионалом, ты не мог продать картины и заработать на жизнь. Тем же, кто коллекционировал картины, уже требовались не просто слепки с реальности – им хотелось заполучить эксклюзивные вещи, которые бы никто не мог повторить. То есть к реалистичному изображению художник должен был добавить что-то свое – некий уникальный стиль, чтобы его картина выделялась среди основной массы качественных ремесленных изделий. Это могла быть уникальная техника как у Леонардо да Винчи, новаторское использование света и тени как у Ван Эйка, фантастические образы как у Босха…
15-17 века в Европе – это расцвет мировой живописи. К этому времени в экономически развитых странах Европы (Венеция, Флоренция, Нидерланды, Фландрия, Германия) появилось достаточное количество заказчиков картин - благодаря этому мы получили целую плеяду выдающихся художников, произведения которых и поныне украшают самые известные музеи мира. Наряду с такими общепризнанными великими живописцами Возрождения как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело Буонарроти, в это время творили еще несколько десятков не менее выдающихся художников: голландцы Робер Кампен, Ян Ван Эйк, Иероним Босх, Питер Брейгель- старший, Питер Пауль Рубенс, Антонис Ван Дейк, Ян Вермеер, итальянцы Джорджоне, Тициан, Корреджо, Караваджо, немцы Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн младший, испанец Диего Веласкес... Все они имели оригинальную манеру отображения реальности, но при этом их объединяло то, что все они великолепно писали исключительно реалистичные картины. Реалистичные не по сюжету – те же библейские картины никогда не были таковыми. Я имею в виду, что, нарисовав человека – они изображали не плод своего больного воображения, а реальных людей. Если художник рисовал реку, то на картине была именно река – это было видно всем и каждому. Никому и в голову не приходило вместо реки прочерчивать какие-то линии и загогулинки, а потом уверять всех и каждого, что это именно река – нужно лишь отойти на полкилометра от картины и тогда станет виден замысел художника… Никто не рисовал какие-нибудь кубики или квадраты – якобы так он видит мир. Покупатели картин были люди простые, без образования – типа нашего Никиты Хрущева. Есть байка, что тот в свое время увидел выставку абстракционистов и, посмотрев на одну из картин, спросил: «А это что за жопа?». Замечу, что по поводу картин Рафаэля или Корреджо никто и никогда ничего подобного не говорил, включая Хрущева, – любому имеющему зрение понятно, что изображено на них: мадонны в образе благообразных женщин, а не какие-то жуткие и непонятные создания как на картинах Пикассо. Каждый выдающийся художник был в чем-то новатором, но все новаторские приемы в живописи имели смысл только в том случае, если художник мог адекватно изобразить жизнь во всех ее проявлениях. Новизна в изображении использовалась ради реалистичности, а не сама по себе. Можно сказать, что живописцы пытались работать как строители – у каждого дома должен быть фундамент, стены и крыша, а все эксперименты допускались только в этих рамках.
Как профессионалы, художники эпохи Возрождения достигли вершин в живописи. И можно смело сказать, что превзойти Рафаэля или Ван Эйка нельзя – их можно лишь повторить. Или создать что-то свое, что с годами стало все сложнее и сложнее. Уже в 17 веке выдающихся художников стало меньше, чем в 16 веке, а в 18-м их можно по пальцам пересчитать. На фоне мастеров Возрождения выделится крайне сложно – это высший уровень мастерства, который в принципе могут достигнуть лишь единицы.
И вот на таком фоне, когда ремесленников много, а выдающихся мастеров стало мало, происходит настоящая революция в мире искусств – «великие художники» стали создаваться искусственно. Такое было сложно проделать в средние века - без средств массовой информации пиар-технологии малоэффективны, поскольку информацию приходится передавать посредством слухов, которые ее искажают. Тем более, если речь идет о распространении информации на большие расстояния. Только СМИ могут быстро и эффективно создавать и внедрять в массовое сознание образ любого объекта (товара, бренда) как идеального и необходимого в жизни. Неслучайно, что когда во второй половине 19 века в жизни государств Западной Европы, которые уже вступили в эпоху промышленной революции, все большую роль начинает играть пресса, тогда же начинают и появляться «великие художники нового типа». Другими словами – мазилы.
Кто конкретно переориентировал покупателей живописи на откровенную мазню? Их очень много. В основном, это люди, которые занимались художественной критикой в средствах массовой информации, а также те, кто устраивал выставки. К примеру, критик Роджер Фрай «промывал» постимпрессионистов, француз Гийом Аполлинер способствовал продвижению к потребителям продукции Матисса и Пикассо. Но еще большее значение для рынка живописи имело то обстоятельство, что в мире появлялось все больше богатых коллекционеров – особенно во второй половине 20 века. В условиях, когда действительно выдающиеся произведения искусства находятся в государственных музеях или принадлежат церкви, которые не продают свои шедевры ни за какие деньги, из чего же собирать коллекции? – Из того, что считается модным. То, что становилось модным, то и приобреталось покупателями. А как создавалась мода на того или иного "живописца"? В основном все начиналось со скандала. В конце 19 века само по себе выставление на публике жуткой мазни под видом произведений искусства означало публичный скандал. Это было настоящим вызовом обществу. Люди, увидев «такое», возмущались, все это мусолилось в прессе и богемных местах, известность автора и его картин росла – так и появлялась мода на того или иного персонажа. Сначала в узких кругах, а потом, если повезет, то и широкая публика узнавала о появлении нового "великого живописца". «Если про тебя говорят – значит, ты существуешь" – вот основное правило пиара. Если ты становишься известен, то твои картины хоть кто-нибудь да купит – вне зависимости от ее художественной ценности. Как только бездарный люд в богемной среде понял, что мазня – это тоже ходовой товар, так подобные картины буквально захлестнули рынок. Многие в будущем великие мазилы начинали с реалистичных картин, но вовремя переориентировались на мазню. А некоторым и ничего менять не нужно было – они изначально не умели рисовать.
В разные периоды возникала мода то на одно художественное направление, то на другое – импрессионизм, постимпрессионизм, абстракционизм, кубизм, экспрессионизм…. А мода – это главный двигатель торговли. Как только «художник» становился брендом – с тех пор все, что выпускалось под этим брендом, «разлеталось как горячие пирожки». Не имело никакого значения, что именно малевал тот или иной «художник» – индустрия моды функционирует по другим законам, чем индустрия ремесленных изделий. Мода на того или иного мазилу, конечно, возникала не сразу, и поначалу «лавры» в виде огромных денег доставались не самим художникам, а покупателям картин. Безумные деньги, которые стали выкладывать за модную мазню на аукционах, появились только к концу второй половины 20 века. Огромное количество людей с шальными деньгами, полученными на мировых финансовых рынках, а также при разграблении госсобственности в России, просто не знали куда их деть - в результате любые фекалии, размазанные по холсту, стали чрезвычайно ходовым товаром.
С кого же началось торжество мазни в искусстве ?
Дорогу импрессионистам и кубистам проложил англичанин Джозеф Тернер, который «творил» в первой половине 19 века. Единственным его достоинством как художника было то, что он не очень хорошо рисовал пейзажи. Были у него и почти неплохие картины, но известен он стал откровенной мазней типа полотна «Подплывая к Венеции».
Если бы Венеция была такой как на его картине, то вряд ли бы к ней вообще кто-то поплыл… Тернер в свое время просто шокировал публику, благодаря чему и стал известен. Существует карикатура на него – Тернер стоит перед картиной с малярной кистью (которой красили заборы в то время) и что-то малюет…
Следующим эстафету подхватил француз Эдгара Дега – он умел рисовать и иногда у него получались замечательные картины, но Эдгара почему-то тянуло малевать безобразнейших обнаженных баб, которые готовятся мыться, моются или только что закончили мыться.…
За такие рисунки отчисляют с 1 курса художественного училища из-за профнепригодности, но Дега стал популярен во многом именно из-за них.
В конце 19 – начале 20 века количество мазил начинает резко увеличиваться.
В это время творят «великие импрессионисты» Клод Моне (которого не надо путать с хорошим художником Эдуардом Мане) и Огюст Ренуар. Ренуар умел рисовать, но его как и Дега часто заносило в откровенную мазню. Моне поначалу тоже пытался стать настоящим художником, но понял, что у него ничего не получится – в результате его можно назвать одним из самых ярких продолжателей дела Джозефа Тернера – пейзажи Моне почти так же ужасны как у предшественника.
Его главный «шедевр» - это «Руанский собор, западный фасад в солнечном свете» - типичная детская мазня. В подобном «стиле» Моне наклепал много работ и все они пользуются до сих пор популярностью: «Водяные лилии» (без названия сразу и не опознаешь, что это лилии на воде…) ушла на аукционе за 36,7 млн. долларов (2007г.), «Мост Ватерлоо» (на фото внизу) продана за 35,9 млн. долл. (2007г.),
«Пруд с кувшинками…» (по сравнению с «Мостом Ватерлоо» ее можно даже назвать картиной) - за 33 млн. долл. (1998г.). Газета «Таймс» в 2009 г. провела опрос среди читаталей, по результатам которого определила самых популярных художников 20 века – Клод Моне занял 4 место !
На рубеже веков за дело взялись уже и постимпрессионисты: Винсент Ван Гог, Анри Тулуз-Лотрек, Эдвард Мунк, Поль Сезанн, Поль Гоген, Густав Климт. Кто из них был более «великий», а иными словами более модный художник в наше время ? У Сезанна есть по крайней мере одна картина, которую можно охарактеризовать как «интересную» - ее он написал в 27 лет. Дальше все пошло намного хуже – без просветлений, мазня за мазней. Тем ни менее он точно не самый «великий». Цены на его некоторые картины исчисляются десятками миллионов долларов (самая дорогая из них - «Натюрморт с кувшином и драпировкой» была приобретена за 60,5 млн. долл. (!), но популярность его работ у коллекционеров явно уступает популярности работ Гогена и тем более Ван Гога. А вот читатели «Таймс» поставили Сезанна на 2 место среди художников 20 века!
Душевнобольной Ван Гог рисовал как небесталанный 5-7 летний мальчик, который так и не повзрослел. Одно время он лечился в психушке, но это не помогло и, не дожив до 40 лет, он покончил жизнь самоубийством – его биография больше тянет на биографию «великого художника». И об этом свидетельствуют цены на его картины – 40,3 млн. долларов за жуткий портрет мадам Жину, 40,5 млн. долл. за «Подсолнухи», 47,5 млн. долл. за «Крестьянку в соломенной шляпе», 53,9 млн. долл. за «Ирисы», 57 млн. долл. за «Пшеничное поле с кипарисами», 71 млн. долл. за автопортрет, и 82,5 млн. долл. за «Портрет доктора Гаше». Этот Гаше, кстати, присматривал за Ван Гогом незадолго до его самоубийства – наверное, Ван Гог своим фирменным портретом решил отомстить докторишке за его работу.
Любовник Ван Гога Гоген рисовал как мальчик чуть постарше, чем мальчик Ван Гога. Это явный минус для него как «великого художника». К тому же Гоген не был настолько сумасшедший как Ван Гог, хотя в его биографии есть замечательный эпизод, когда он приехал к Ван Гогу погостить и в итоге отрезал ему ухо – вот это действительно весомая заявка на «величие». Тем ни менее, спрос на картины Гогена не так велик, как на Ван Гога – всего несколько его картин были проданы дороже, чем за 30 млн. долларов.
Почти карлик Тулуз-Лотрек был без ума от безобразных французских шлюх, которых он и воплощал в своих не менее безобразных картинах. Если вы посмотрите на картину внизу под условным названием «шлюхи на осмотре», то будете иметь представление о творческой манере Тулуз-Лотрека.
Он скорее был мастером наброска, но написать полноценную картину так и не удосужился. По сравнению с Гогеном и Ван Гогом Тулуз-Лотрек совершенно непопулярен, да и норвежец Мунк до них явно не дотягивает, хотя его биография очень даже ничего: он постоянно страдал жуткой депрессией и несколько раз лечился от душевных расстройств. Несколько его картин фигурируют в списке «100 самых дорогих картин в истории», но и только.
А вот австриец Густав Климт – это действительно величайший постимпрессионист. Он популярен не менее Ван Гога, а самая его дорогая картина была куплена за 135 млн. долларов! И что самое удивительное для великого художника 20 века – на картине изображена женщина с вполне человеческим лицом. Все остальное на картине – это типичная мазня, а вот лицо получилось реалистичным. И остальные его картины, где изображены люди, похожи на эту – такие же лица среди «постимпрессионистской» мазни.
Народ Климта тоже уважает – 3 место среди лучших художников 20 века – впереди только Пикассо и Сезанн.
Перейдем к 20 веку. Как написала в своей «Истории живописи» Венди Бекетт, «в искусстве 20 века царят двое – Анри Матисс и Пабло Пикассо». Трудно сказать, почему именно эти двое, ведь таких мазил были сотни, но пути моды неисповедимы. Пабло, кстати, и по опросу читателей «Таймс» занял 1-ое место.
Испанец Пабло Пикассо в принципе умел рисовать, но не хотел. До уровня Да Винчи ему было далеко (кто не верит – посмотрите его раннюю картину «Мальчик с трубкой» - неплохую, но не выдающуюся), а просто хорошие картины в 20 веке уже были неактуальны. Мазня все больше входила в моду, и Пабло решил плыть по воле волн. И у него это отлично получилось!
В 1907 году он намалевал картину «Авиньонские девицы» - она стала первым произведением в жанре кубизма. Сначала художник стеснялся показывать эту мазню посторонним, что, в общем, понятно: с картины на вас смотрят пять совершенно жутких созданий и показать такую галиматью окружающим – это все равно, что заявить публично: я псих! Я - полный псих! Тем ни менее Пабло рискнул выставить этот маразм и не прогадал. Никто его в лечебницу не упрятал и Пикассо продолжал портить холсты. Он претворил в жизнь постулат диалектического материализма: количество перерастает в качество. В данном случае – в репутацию. Пикассо малевал около 70 лет и неудивительно, что он стал самым популярным мазилой нашего времени.
Его «Портрет Доры Маар» (куплен за 95,2 млн. долл. на аукционе в 2006г., на фото вверху), «Женщина, сидящая в саду» (49,5 млн. долл. в 1999г.), «Сон» (48,4 млн. долл. в 1997г.), «Обнаженная в черном кресле» (45,1 млн. долл. в 1999г.) - вошли в «золотой фонд» мазни 20 века.
Много было славных мазил в 20 веке – гораздо больше, чем великих художников в эпоху Возрождения, что неудивительно: ломать – не строить, портить холсты – не рисовать. Отметились на этой ниве и наши Вася Кандинский и Казимир Малевич - хоть и выдающиеся, но не великие мазилы по мировым меркам. Конечно у россиян своя особая духовность, но в мазне она не слишком проявилась. К середине 20 века тон в ней стали задавать американец Поллак и голландец де Кунинг – «абстрактные экспрессионисты».
Конечно, все в нашем мире относительно, и на фоне «великих экспрессионистов» даже Моне или Гоген выглядят неплохими художниками. Оказалось можно малевать даже хуже, чем «мазня». Искусствоведы эту высшую степень мазни назвали «абстрактным экспрессионизмом», а я бы сказал, что это совершенно маразматическая мазня! Наиболее яркими ее представителями как раз и стали Виллем де Кунинг, Джексон Поллак и с некоторыми оговорками Марк Ротко – американец русского происхождения. Я бы сказал, что эти трое просто вершина мазни 20 века!
Абстрактный экспрессионист – это человек, который не может рисовать вообще никак. Ван Гог хотя бы рисовал на уровне 5-летнего ребенка, а вот Поллак не мог рисовать даже так. Процитирую «Историю живописи» Венди Беккет: «Поллак первым отказался от кисти, палитры и всех условностей сюжета. Он в экстазе плясал по расстеленным на полу холстам, полностью уходя в творчество, под полным контролем разбрызгивая и разливая краски. «Живопись, - говорил он, - живет собственной жизнью. Я стараюсь ей это позволить». Тут даже комментировать нечего – человек был очень-очень болен. Фото его картины это подтверждает.
Марк Ротко – еще более худший художник, чем Поллак. Вы скажете, что так не может быть – ведь я только что сказал, что Поллак не умел рисовать. Может! У Поллака картины хотя бы напоминали хаотичные обои, у Ротко – это просто холсты раскрашенные разными красками – например, верх черный, а низ - серый. Или еще более «выдающееся произведение» - внизу малиновый цвет, вверху – какой-то темно-желтый, а по середине – белый.
Картина называется «Белый центр» и была куплена на аукционе «Сотбис» в 2007г. за 72,8 млн. долларов. – 72 миллиона за испорченный красками холст! А это между прочим 12-е место в списке самых дорогих картин в мире! А вот самая дорогая картина в мире на сегодня (2010 г.) принадлежит именно Джексону Поллоку и называется «№ 5» - продана в 2006 г. на аукционе «Сотбис» за 140 млн. долларов! Западный мир переполнен не только безумными художниками – там полно и безумных миллионеров. Простой народ, кстати, тоже на западе на голову не очень здоровый – в опросе газеты «Таймс» Поллок занял 7-ое место среди самых популярных художников 20 века.
Его, как пишут «вечный соперник» Виллем де Кунинг в этом опросе стал 9-м. Я бы его назвал самым смешным из всех мазил. Самая дорогая картина Кунинга «Женщина № 3» (куплена в 2006г. за 137,5 млн. долл.!) у любого здорового челевека вызовет приступ смеха. Еще смешнее «Женщина с велосипедом».
Думаю с женщинами у Виллема были какие-то проблемы и он им изощренно мстил.
На примере Поллака, Кунинга и Ротко мы хорошо видим к чему пришел рынок искусств сегодня. Если бы Хрущев был жив – он бы сказал: к полной жопе!
Итак, благодаря волшебной силе Public Relations мазня некоторых психически ненормальных индивидов была признана выдающимися произведениями живописи и поставлена на один уровень с великими художниками Возрождения. Впервые так наглядно сила пиара проявилась именно в раскрутке мазил. До 19 века PR эффективно действовал лишь в политике (история и религия также служили политическим целям и в отрыве от политики их рассматривать нельзя). В случае же с объявлением бездарных мазил гениальными художниками мы встречаемся с явлением, когда PR проявил себя в сфере моды. И это было так эффективно и долговременно, что и сейчас, по прошествии более века с тех пор, как мазня бездарных психопатов вошла в моду, мы встречаем множество людей, которые искренне полагают, что Ван Гог – это великий художник. Еще больше миллионов знают кто такой Ван Гог. Несколько сотен богатых дегенератов скупает на аукционах модную мазню. Все остальные слышат то об одной многомиллионной покупке, то о другой. Ну не могут же платить 30 миллионов долларов за откровенное говно? – так рассуждает обыватель. - Могут, еще как могут…Главное, чтобы оно было модным.
Юрий Язовских
yuri-yazovskikh.narod.ru
Это не просто мазня на холсте! Всего лишь пара слов и твое мнение изменится полностью…
Поделиться на Facebook
Поделиться в Pinterest
Поделиться в ВК
Поделиться в ОК
Поделиться в Twitter
Как правило, мастера изобразительного искусства рисуют на холсте с помощью кисти и красок, создавая ослепительные художественные образы. Но этот творческий тандем создает очень необычные полотна, где холст становится непосредственной частью самой композиции. Это искусство изготовления объемных шедевров из скрученных в разные фигуры полосок бумаги называется квиллингом.Дуэт, состоящий из Стивена Штума и Джейсона Хольмана, называет себя скромно — Штульманы. Эти двое создают потрясающие абстракции, подумать только, из обычной бумаги.То, что у них получается, напоминает картины художников-импрессионистов.
Плавные переходы цвета восхищают. К тому же стоит тебе поменять свое местоположение — и картина становится совершенно другой! 
Этот искусный дуэт работает очень слаженно.Каждое полотно требует индивидуального подхода, терпения и кропотливой работы. 
Результаты всех приложенных стараний ошеломляют… 
Парни шутят: «Этот союз двух прогрессивных способов мышления стирает любые границы, превращая обыденное в нечто невероятное». 
Источник
Жми «Нравится» и получай только лучшие посты в Facebook ↓
Поделиться на Facebook
Поделиться в Pinterest
Поделиться в ВК
Поделиться в ОК
Поделиться в Twitter
svoimi-rukami-da.ru
.jpg)
