Музей ЧерномырдинаМаньеризм в интерьере, особенности стиля, фото-примеры. Маньеризм картины
Интересное о мире
Маньеризм стилистические особенности и ведущие художники
Острое восприятие жизни сочеталось в маньеризме с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную «внутреннюю идею» художника, образа, рождавшегося в его душе. В этом противоречивом духе представители маньеризма интерпретировали отдельные элементы творчества мастеров Высокого Возрождения. Они культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил. Искусство маньеризма тесно связано с придворной позднефеодальной культурой, элитарной по своей сущности и ориентированной на узкий круг знатоков. Ярче всего маньеризм проявился в Италии в творчестве Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо, для которых характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложненность и преувеличение, экспрессия поз и мотивов движения, удлиненность пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы.
Шпалера (ит. — spalliera) — настенный безворсовый ковер, украшенный ком позициям и в обрамлении орнаментального бордюра.
Маньеризм (итал. manierismo — прием, манера) — течение в европейском искусстве XVI в., представители которого отошли от ренессансной гармонии восприятия мира,гуманистической концепции человека как совершенного творения природы.Черты маньеризма: — превалирование формы над содержанием: — изысканная техника.Суггестивность (от лат. suggestio — внушение, намек) — активное воздействие на воображение, эмоции, подсознание зрителя.
Б. Амманати. Вилла папы Юлия III. Нимфей. 1555 г.
Особую роль в произведениях маньеризма играет виртуозная нервная линия, нередко приобретающая самостоятельное значение. В большинстве портретов маньеризма подчеркивается внутренняя напряженность и замкнутость персонажей, обостренное субъективно-эмоциональное отношение художника к модели. В изощренно-декоративных монументальных циклах (Джулио Романо и др.) преобладают насыщенные гротескной орнаментикой решения.С 40-х гг. XVI в. маньеризм стал господствующим течением в итальянском придворном искусстве и приобрел черты холодной официальности. Его художественный язык отмечен принципиальным эклектизмом, насыщен сложными, доступными лишь узкому кругу посвященных аллегориями (живописцы Дж. Вазари, Веронезе, Тициан, Тинторетто). В скульптуре (Б. Челлини, Джамболонья) и архитектуре (Ам- манати, Вазари, Джулио Романо) маньеризм проявился главным образом в тяготении к неустойчивой, динамичной композиции, подчеркнутой (нередко чрезмерной) выразительности декора и фактуры, в стремлении к сценическим эффектам. Превращению маньеризма в общеевропейское явление способствовала деятельность итальянских мастеров во Франции (Николо дель Аббате, Россо Фьорентино, Приматиччо), Испании (В. Кардуччо), Чехии (Дж. Арчимбольдо), а также широкое распространение маньеристской графики и прикладного искусства.
Бронзино. Портрет юноши. 1530-1532 гг.
Влияние маньеризма во многом определило творчество представителей 1-й школы Фонтенбло во Франции 30-40-х гг. В 1528 г. Франциск I приступил к строительству замка Фонтенбло, пригласив для его оформления Россо Фьорентино — представителя флорентийского маньеризма, а двумя годами позже — Приматиччо, представлявшего североитальянский маньерйзм. Таким образом, первую школу Фонтенбло возглавляли итальянцы, творчество которых представляет «галльский маньеризм», отличный от раннего итальянского. Если в Италии маньеризм соединял светские и религиозные черты, во Франции он имел светский характер. Европейский маньеризм со временем выродился в космополитическое течение во 2-й школе Фонтенбло в конце XVI — начала XVII вв., а также в Германии и Нидерландах середины и 2-й пол. XVI в.
Виньола. Замок Фарнезе в Капрароле. 1558-1573 гг.
Архитектруа
Бартоломео Амманати (1511 — 1592) не был коренным флорентийцем и явился в Тоскану уже зрелым художником. В Риме вместе с Виньолой принимал участие в сооружении виллы папы Юлия III (вилла Джулия) — сложного комплекса, в композиции которого выражено значение продольной оси, проходящей сквозь само здание виллы, главный двор, лоджию в нимфей, а затем в сад. Контраст к постройкам Амманати образуют его флорентийские работы, крупнейшая из них — расширение дворца, разбивка парка, строительство садового фасада палаццо Питти. Аманнати сообразовывался с построенным в XV в. главным фасадом дворца, но руст у него покрывает даже полуколонны, членящие каждый этаж.Нимфей (букв.— убежище нимф) — многоуровневая надстройка с нишами и бассейномЧерты внутренней противоречивости еще более заметны в комплексе правительственных зданий Уфиц- ци, наиболее крупном создании Джорджо Вазари (1511-1574). Задуманный как единый ансамбль, комплекс решен в виде улицы, связывающей площадь Синьории с набережной Арно. С обеих сторон улица застроена одинаковыми по архитектуре зданиями, которые соединены у выхода на набережную узким переходным корпусом с аркой-лоджией в нижнем этаже.
Жан Гужон Нимфы Фонтана невинных , 1547-1549 Мрамор
Cкульптура
В скульптуре отсутствуют большие гуманистические идеи и связанные с ними подлинные героические образы. Нарастает процесс превращения пластических работ в самоценное художественное произведение, не связанное с окружением, что особенно характерно для творчества Челлини.Бенвенуто Челлини (1500-1571) обладал мятежным характером, вел беспокойную жизнь, часто переезжая из одного города в другой. В 25 лет переехал на некоторое время в Рим, став любимым художником папы Климента VII, работал во Франции у Франциска I.
Я. Понтормо. Христос в Эммаусе. 1525 г. Фрагмент
Челлини, наиболее прославленный из ювелиров своего времени, испытал свои силы и в монументальной скульптуре и медальонном искусстве. Как скульптор-монумента- лист Челлини — автор «Персея», герой которого отмечен чертами надменности и жестокости. Чтобы облегчить скульптуру, он помещает ее на высоком и узком постаменте, реальная масса которого исчезает в изобилии скульптур и декоративных форм.
Пармиджанино. «Мадонна с длинной шеей». 1534 г.
Живопись
Основоположником маньеризма во Флоренции был Якопо Понтормо (Якопо Карручче да Понтормо) (1494-1556). Первым произведением Понтормо стала оконченная в 1520 г. фреска на вилле Медичи в Поджо-а-Кайано, сюжетный замысел которой трудно определим. В противовес классическим решениям здесь нет ни героя, ни действия, связь между персонажами перенесена в сферу мечтательности и едва уловимой тревоги. В крупной станковой композиции «Христос в Эмма- усе» Пантормо с неприкрытой правдой обрисовал типы босоногих апостолов. Художник ввел в колористическую гамму картины крупные полосы открытого алого, лимонножелтого, зеленого и синего цветов. «Положение во гроб» — монументальная алтарная картина в церкви Санта-Феличита — законченное программное произведение маньеризма, в нем элементы объективного мировосприятия уступили место стихии субъективного, естественная норма — болезненному искажению.
Я. Понтормо. Положение во гроб. Ок. 1528 г.
Для живописи маньеризма характерны «figura serpentinata» — змеевидные фигуры с вытянутыми пропорциямиДругой представитель раннего маньеризма — Россо Фьорентино (1495-1540) в первый период творчества тяготел в драматическим решениям. В резко угловатых линиях и кричащих красках, в обрисовке персонажей «Снятия с креста» есть нечто истерическое. Композиция «Моисей и дочери Иофара» полна яростного возбуждения.Пармская школа маньеризма связана с творчеством Пармиджанино (1503-1540), у которого принципы нового направления определены в таких работах, как «Мадонна с длинной шеей». Изысканные линии удлиненной фигуры мадонны представлены в каноническом «змеевидном изгибе», манерны движения рук, тонкие бескостные пальцы. Колорит словно замутнен. В портретах Пармиджанино субъективная фантазия автора противостоит реальным качествам модели.
mirxenia.com
ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 3. Портрет в живописи Позднего Возрождения. Маньеризм.
"Мой, нежной дружбою написанный, портрет,Тебе, как дар любви, в сей день я посвящаю..."В.Жуковский. "Стихи на портрете"Считается, что позднее Возрождение продолжалось с 30-х годов XVI века до начала XVII. В это время в Италии, особенно в Риме, в 40-е годы начались кризисные тенденции, приведшие позже к упадку искусств и наук - католическая реакция и усиление инквизиции, а к концу века уже составлялись списки запрещенных книг и учений, так как они "пагубно влияли на умы людей", и загорались костры инквизиции. Некоторые художники чувствовали эти перемены, но продолжали творить в духе тех высоких идеалов Возрождения, которые привели в начале века к расцвету культуры.
Многие живописцы отказывались от идей гуманизма, стремясь усвоить лишь "манеру" великих деятелей Возрождения. Так возник в европейском искусстве художественный стиль, связанный с кризисом Ренессанса и названный историком искусства и художником Дж. Вазари маньеризмом (от итал. маниеризмо — вычурность, изощренность).
Надо сказать, что искусство Италии этого периода было разнообразным, и если в Риме и Флоренции ощущался уже его кризис, вылившийся в появление маньеризма, то до Венеции он добрался только к концу века. Там творил великий Тициан Вече́ллио (около 1488/1490 - 1576), сложившийся как художник в период наивысшего расцвета искусства, продолжавший гуманистические традиции Возрождения под влиянием творчества Джорджоне, Рафаэля и Микеланджело, но уже к концу 20-х годов он вырабатывает свой стиль.
Этот период его творчества (примерно до 1540) считается временем расцвета портретного искусства Тициана, он создавал образы, проникнутые яркими жизненными силами, внутренней просветленностью, спокойных по композиции, и глубоко психологичных. Он умел передавать не только внешние черты человека, но и его внутреннее содержание, находя для каждого образа свое композиционное решение и индивидуальную колористическую гамму. "Колористический строй произведения художник выбирал с таким расчётом, чтобы эмоциональное звучание цвета отвечало главным чертам характера человека." (В.Н. Лазарев.Большая советская энциклопедия)
Рассказывают, что слава Тициана была настолько велика, что когда он по приглашению германского короля Карла V писал его портрет и уронил кисть, то король поднял ее со словами : «Услужить Тициану почётно даже императору».
"К концу жизни Тициан выработал новую технику живописи. Он накладывал краски на холст и кистью, и шпателем, и пальцами. Из сочетания многообразных по форме свободных мазков, как бы обнажающих творческий процесс художника, рождаются образы, исполненные трепетной жизненности и драматизма.» ( (В.Н. Лазарев.) Он прожил долгую жизнь - почти 90 лет, его последние произведения полны мрачным предчувствием, тревогой и усталостью.
Часто, изображая религиозные сюжеты или пиры и праздники, наполняя свои многофигурные картины жизнерадостным весельем, он даже в них стремится изобразить реально существующих людей. Так, например, в знаменитой картине "Брак в Кане Галилейской", написанной для трапезной монастыря Сан Джорджо Маджоре в стиле маньеризма, Веронезе изобразил около 130 фигур, помещая среди пирующих крупнейших живописцев - Тициана, Тинторетто и даже самого себя, как это было принято еще в период Раннего Возрождения.
Собственно портретов у Веронезе не так много, они почти всегда были выполнены в мягкой лиричной манере, изобиловали изображениями тщательно выписанных деталей одежды и аксессуаров, передавали аристократичность персонажей еще и с помощью благородной непринужденности поз. Они написаны масляными красками на холсте, в основном в изысканной колористической гамме, основанной на сочетании чистых цветов с серебристым, насыщенном светом тоне.
Но к концу жизни в портретах Веронезе, как и в остальном его творчестве, появляются новые черты. Декоративная эффектность, нарядная праздничность сменяются сдержанностью и простотой, настроение становится задумчиво грустным, а колорит более монохромным.
Еще одним представителем Венецианской школы позднего Возрождения был Тинторетто (Я́копо Робу́сти, 1518 или 1519—1594), ученик Тициана, преданный поклонник Микеланджело, считавший первого непревзойденным колористом, а второго - великим рисовальщиком. У него на стене в мастерской был написан девиз творчества: "Рисунок — как у Микеланджело, колорит — как у Тициана"
Художник занимался в основном исторической живописью, но его мастерство рисунка, драматичность, теплота и насыщенность красок, умение передавать живописность света и тени, выразительность образов - все это проявилось и в портретном жанре.
В жизни Тинторетто был религиозным человеком, очень скромным в быту и бескорыстным (в отличие от своего друга Веронезе), часто за выполнение заказов церкви и государства не просил никакого вознаграждения, а только оплаты холстов и красок, писал портреты не только богатых и знаменитых, но и бедных и простых, как на этом портрете куртизанки.
Если художники Венецианской школы еще долго продолжали гуманистические традиции Высокого Возрождения в своем творчестве, то во Флоренции к середине века в лоне позднего Возрождения уже не только зародился, но и успел созреть маньеризм, став господствующим течением. Отношение искусствоведов к этому направлению в живописи отличается неопределенностью: некоторые не считают маньеризм самостоятельным стилем и приписывают его кто к позднему Возрождению, кто - к раннему Барокко. А есть мнение, что формотворческое, претенциозное начало в искусстве этого направления пронизывает все эпохи культуры от античности до . авангардизма. Одним из наиболее ярких представителей этого течения был Анджело Бронзино (ди Козимо ди Мариано, 1503–1572), придворный художник флорентийского герцога Козимо I Медичи.
Он создал тип тщательно выписанного портрета, в котором торжествуют холодность красок, выражается аристократическое отчуждение, даже превосходство и бесстрастность в выражении лиц, торжественная и величавая неподвижность фигур, навязчивая точность в передаче деталей одежды. Во всех портретах преобладает официально-парадный стиль, позы напряжены и вычурны, даже статуарны, напоминая изображения людей в религиозных сюжетах раннего Возрождения.Все, что сказано выше о портретах Бронзино, можно отнести и к работам Пармиджанино (Франческо Джироламо Маццола, 1503-1540), у которого еще острее проявилась особая "манерность" поз, вычурность одежд и причесок, аристократичность удлиненных, грациозных пропорций.
У него проявилось умение не только точно передавать образ человека, но и с помощью антуража и цветовых решений "окутывать" его атмосферой тайны. Одна из самых претенциозных и в то же время самых талантливых его работ, "Автопортрет в выпуклом зеркале," была написана им в возрасте 21 года и так прекрасна и необычна, что уже упоминавшийся тут не раз Вазари сказал о ней:
"...Так счастливо удалась ему вся эта работа, что написанное не отличалось от действительного, так как блеск стекла, все подробности отражений, свет и тени были столь подлинными и верными, что большего от человеческих способностей ожидать было невозможно...»Уже у художника Якопо Понтормо (1494-1557), ученика Леонардо да Винчи, одного из основоположников маньеризма,
еще в первой половине XVI века появляются характерные для этого стиля удлиненные фигуры, изломанные тревожные линии, которые позже станут визитной карточкой одного из самых великих испанских художников этого направления в живописи - Эль Греко (Доменико Теотокопули, 1541-1614), критского грека, работавшего в Венеции и Риме, переехавшего позже в Испанию, в Толедо, где в полную силу и расцвел его талант.
Некоторые исследователи относят Эль Греко к представителям испанского барокко, которое являлось в какой-то мере продолжением и развитием маньеризма. В любом случае эмоциональность свойственная портретам Эль Греко, отмеченным порой психологической и социальной проницательностью, черты ирреальности, вселенской печали делают их неповторимыми и легко узнаваемыми.
Творчество Эль Греко после смерти художника было забыто и заново открыто лишь в начале 20 века, с появлением экспрессионизма. Собственной смертью художник доказал, что тело - ничто, а вот дело и душа - бессмертны.
И последний художник, о котором мне хотелось бы сказать пару слов, и творчество которого некоторые исследователи относят к маньеризму, другие - к академизму, третьи - к барокко - Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1573–1610).Говорят, что он был задирой и драчуном, обладал взрывным характером и часто совершал необдуманные поступки, неоднократно был арестован. Техника Караваджо была спонтанной , как его нрав. Он рисовал прямо на холст с минимальной подготовкой, свои модели выбирал прямо на улице, а в образах святых и даже Христа изображал простой рабочий люд, а в портрет начал вводить натюрморт в виде цветов, ваз и фруктов.
Ему были присущи такие черты творчества, как идеализация образов, мощные контрасты света и тени, насыщенность колорита, эмоциональная выразительность чувств, доходящая до аффектации, как например, в этом произведении с собственной отрубленной головой в образе Голиафа.
Характерным для позднего Возрождения является то, что восприятие мира становится более сложным, сильнее осознается зависимость человека от окружающей среды, развиваются представления об изменчивости жизни, утрачиваются идеалы гармонии и целостности мироздания, а маньеризм, возникший в результате кризисов общественно-политических и, конечно, кризиса в культуре, является переходным периодом в развитии искусства между Ренессансом и барокко. В следующей части мы поговорим о "северном Возрождении" и его великих представителях.Продолжение следует.Ссылки: 1. http://www.grandars.ru/college/sociologiya/pozdnee-vozrozhdenie.html2. http://crossmoda.narod.ru/CONTENT/art/renessans/Renessans_Italy_manierism.html3. http://dic.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1327395ttp://www.arthistory.ru/mannerism.html 4. http://artiques.ru/content/pozdnee-vozrozhdenie
art-links.livejournal.com
Маньеризм в живописи Возрождения: представители, картины
С середины XVI в. искусство в Италии переживало кризис. Большинство художников, писавших в это время, в своих картинах старались не столько следовать природе, сколько подражать манере знаменитых мастеров Возрождения. Отсюда и название этого направления в искусстве — маньеризм.
Маньеристы следовали искусству великих художников лишь внешне. На самом деле они разрушали ту гармонию, которая была свойственна работам известных живописцев Возрождения. В полотнах маньеристов отразилось их восприятие мира как трагического и противоречивого. Человек в произведениях этих художников — существо беззащитное, полностью зависящее от воли рока.
Картины маньеристов отличаются сложностью образов, резкими светотеневыми и цветовыми контрастами, подчеркнутой выразительностью контуров. Пропорции человеческих фигур вытянуты, позы кажутся сложными и неестественными.Самыми известными представителями маньеризма являются Я. Понтормо, Ф. Пармиджанино, А. Бронзино, а также уже упоминаемый нами живописец, архитектор и историк искусства Дж. Вазари.
Якопо Каруччи да Понтормо
Якопо Каруччи да Понтормо родился 24 мая 1494 г. в Тоскане. Понтормо является самой оригинальной и противоречивой фигурой в итальянском Возрождении. Развиваясь как новатор художественно-изобразительного метода и последователь гуманистических идей, Понтормо приходит к глубокому творческому кризису, отразившему противоречия действительности и идеалов Ренессанса. Постепенно он отказывается от традиций, сложившихся в эпоху Возрождения.
Якопо Понтормо является представителем флорентийской художественной школы. Первые его шаги в искусстве связаны с мастерскими М. Альбертинелли и Пьеро ди Козимо. Стиль будущего мастера во многом сложился под влиянием Леонардо да Винчи, которого и считают первым учителем художника.
С 1512 г. Якопо Понтормо работает в мастерской Андреа дель Сарто. Спустя четыре года появляется первое значительное произведение молодого живописца — фреска «Встреча Марии и Елизаветы», работа над которой велась в период с 1514 по 1516 г. Эта работа является типичной для флорентийской школы Высокого Возрождения. На полотне изображен монументальные герои, совершенные фигуры и жесты которых точно и тонко подмечены живописцем. Понтормо предстает здесь замечательным мастером передачи пластики движений человеческого тела.
Композиция «Встреча Марии и Елизаветы» необычайно выразительна и наполнена особой экспрессией. Расположенные полукругом фигуры создают впечатление взволнованной каким-то событием толпы. Образы главных героинь также динамичны: Елизавета и Мария будто бы оживают на глазах у зрителя и устремляются навстречу друг другу. Подобная экспрессия и динамика во многом напоминают произведения Микеланджело.
Очень скоро Понтормо приходит к тому, что начинает считать возвышенно-идеальный стиль художественного изображения неприемлемым для отражения реалий действительности. Но, с другой стороны, Понтормо не принимает и те образы, которые приобретают академический, лишенный какой-либо эмоциональности характер (произведения Фра Бартоломео, Альбертинелли, Андреа дель Сарто). Такие противоречия в его творчестве привели к тому, что живописец начинает искать совершенно новые способы художественного выражения.
Результатом этих творческих поисков становится фреска, выполненная для виллы Медичи в Поджо-а-Кайяно в период с 1520 по 1521 г. В мифологическое повествование о языческих божествах плодородия Вертумне и Помоне художник помещает сцену из жизни крестьян, с помощью мягких пастельных красок придавая ей легкий характер. Однако фигуры людей лишены здесь возвышенности и идеализации. Их позы естественны и непринужденны, а лица выражают обыкновенное человеческое счастье и беззаботность. Фигуры как бы сливаются с пейзажем, составляют с ним единое целое, что является отличительной чертой искусства Возрождения.
Но уже в этом произведении Понтормо появляются тенденции, отличающие его произведения от работ живописцев, представляющих эпоху Ренессанса в искусстве. Прежде всего это касается выразительности композиции. Картины Понтормо более экспрессивны и лиричны, чем полотна художников-флорентийцев, последователей идей Ренессанса. Подтверждением тому служит сцена, изображающая юношу и девушку, сидящих на парапете и наклоняющих тонкие деревца, гибкие стебли которых повторяют полукруглые очертания оконных рам и арочного свода.
Другой чертой творчества Понтормо, отличающей его искусство от произведений живописцев флорентийской школы, является стремление как можно более точно приблизить художественный образ к реальной действительности, наделить его жизненной конкретностью.
Тот же эмоциональным характер отличает и графические рисунки Понтормо, признанного во Флоренции одним из лучших мастеров. Подобные его работы также экспрессивны и динамичны. Для художника здесь важно не только передать сходство образа с оригиналом, но и отразить внутреннее его состояние. Излюбленным жанром Понтормо является набросок, в отличие от этюда позволяющий с помощью штриха передать динамику движения образа.
В 1510-1520-е гг. на развитие художественного метода Понтормо оказывают большое влияние произведения мастеров Северного Возрождения, в том числе и полотна Дюрера. Особенно сильно это воздействие проявляется в таких работах художника, как «История Иосифа», «Поклонение волхвов», и во фресках, выполненным по заказу монахов из монастыря в Галуццо (Чертоза Валь д’Эма) в период с 1522 по 1525 г. Однако в эпоху все более обостряющегося кризиса в искусстве Возрождения произведения Понтормо все чаще приобретают драматический характер. Наиболее ярко это проявляется в цикле фресок для монастыря в Галуццо «Страсти Христа». Если первые композиции цикла создают светлое и жизнерадостное настроение, то картины, созданные позднее, отличаются тем, что вызывают ощущение трагизма и подавленности. Выведенные на полотнах библейские образы призваны выразить человеческое горе и страдание.
Развитие творчества Понтормо шло вразрез с идеалами Возрождения. Хотя образы, созданные художником, во многом сходны с персонажами, изображенными на полотнах мастеров Северного Возрождения, атмосферу, окружающую их, скорее можно охарактеризовать как мистическую и ирреальную. Подобная экспрессия образа и акцентирование внимания зрителя на мистике и религиозном содержании картины не были типичными для искусства Ренессанса.
В той же степени противоречивой является и алтарная композиция «Христос в Эммаусе», созданная в 1525 г. Образы поражают зрителя своей конкретностью и реальностью. Апостолы и монахи-заказчики представлены здесь простолюдинами, обыкновенными набожными людьми из толпы. Очень реалистично изображен в картине и натюрморт. Однако мерцающий свет, льющийся из символического ока, придает общей композиции мистический и сказочным характер. Земные образы вдруг оказываются перенесенными в мир ирреальным, потусторонний. Они становятся светлыми, одухотворенными и наполняются религиозным смыслом. В результате общая композиция приобретает яркую эмоциональную окраску и глубокий религиозно-философский смысл.
Подобный переход художника от возвышенно-идеалистических образов, характерных для искусства Возрождения, к образам религиозно-мистическим ознаменовал период кризиса в творчестве Понтормо. Связано это было прежде всего с тем, что монументальные, идеальные фигуры, созданные мастерами Ренессанса, не соответствовали реальной действительности и потому не могли достаточно полно раскрыть замысел живописца. Именно поэтому художники все чаще искали новые методы и способы отображения жизни. Исключением здесь не является и Понтормо, акцентирующий внимание зрителя на духовным ценностях.
Эволюцию художественного метода Понтормо можно проследить и на примере портретным работ художника. Среди них особое место занимают «Резчик драгоценных камней» и «Двойной портрет» (вторая половина 1550-х). Картины отличает необыкновенная легкость, жизнерадостность, возвышенность образов. Эти полотна во многом напоминают работы Андреа дель Сарто.
В 1520-е гг. жанр портрета у Понтормо претерпевает качественные изменения. Образы Понтормо становятся более утонченными. Однако, с другой стороны, отличительными их особенностями являются взволнованность, неуверенность, тревога. Именно такими чертами отмечен портрет молодого человека (предположительно Алессандро Медичи), созданный в период с 1525 по 1526 г. Изображение построено на контрасте тяжелым одежд, в которые облачен юноша, бледного лица и тонкой фигуры молодого человека. В результате персонаж оказывается наделенным одухотворенностью, необычайной, почти болезненной хрупкостью и легкостью. Перед зрителем предстает не обычный, земной человек, а аскетичное, нереальное существо, как будто спустившееся к людям с небес.
Работой, ознаменовавшей кризисный этап в творчестве Понтормо, стало полотно, получившее название «Положение во гроб» (1525-1528). Эта композиция является одним из самых трагических произведений итальянского Возрождения. Глубокое чувство отчаяния и растерянности выражают здесь искаженные от горя лица молодых людей и женщин, помогающих нести тело Иисуса Христа. Однако созданные художником образы скорее всего представляют собой некие отвлеченно-идеальные символы, а не реальных людей. Это впечатление усиливается еще и за счет того, что в воздухе, их ноги лишь слегка касаются земли.
Эффект ирреальности происходящего усиливается также благодаря использованию живописцем красок особых тонов: бледных розовато-красных, светло-лиловых, светло-голубых, зеленоватых. Сочетание светлых мест с бледными и почти прозрачными создает у зрителя ощущение необычайно высокой эмоциональной наполненности и религиозной патетики образов и общей композиции.
Той же религиозно-мистической экспрессией и ощущением ирреальности происходящего отмечены и другие произведения Понтормо, среди которых «Встреча Марии и Елизаветы» (1528-1530) и «Мадонна с младенцем» (1521-1522).
В полотнах «Положение во гроб» и «Встреча Марии и Елизаветы» Понтормо выступает как основоположник итальянского маньеризма. Позднее, с 1530 г., все более отдаляясь от формирующейся в то время придворной культуры, художник уединяется в своей мастерской и продолжает поиск новых методов и способов художественного выражения. Однако, по свидетельствам современников, все попытки живописца заканчиваются провалами. Особеннонеудачными были признаны фрески, украшавшие стены разрушенной в XVIII в. церкви Сан-Лоренцо. Работы по росписи проводились в течение 10 лет, в период с 1546 по 1556 г.
Якопо Понтормо. Встреча Марии и Елизаветы. 1528-1530 гг.
Эти произведения отличались не только чрезмерным усложнением композиции и стремлением подчинить человеческие фигуры абстрактному орнаменту, но и значительным снижением качества техники рисования: линии, создающие образы, здесь необычайно вялы и статичны.
Более интересными и выразительными работами, созданными Понтормо в последние годы жизни, были портреты. Среди них наибольший интерес представляют «Дама с собачкой» и «Портрет ремесленника», или «Автопортрет», написанныепосле 1530-хгг. Представленные на полотнах одухотворенные, почти реальные образы во многом напоминают произведения Понтормо, созданные им ранее. Якопо Каруччи да Понтормо скончался 2 января 1557 г. и был похоронен во Флоренции. Являясь основоположником маньеризма, Понтормо в то же время отличался от итальянских маньеристов. Находясь в постоянном поиске новых методов и способов художественного отображения мира, он по-своему преломлял гуманистические и реалистические традиции, сформировавшиеся в творчестве мастеров Высокого Возрождения.
Пармиджанино (Маццола Франческо)
Маццола Франческо, по прозвищу Пармиджанино, родился 11 января 1503 г. в Парме в семье живописца. Его отец рано умер, поэтому воспитывали мальчика старшие братья.
Художественно-изобразительный стиль Пармиджанино сложился под влиянием знаменитого Корреджо, работавшего в Парме в 1518 г. Черты стиля великого мастера отчетливо видны уже в первом монументальном произведении молодого художника: во фресках, выполненных для церкви Сан-Джованни Эванджелиста в период с 1519 по 1522 г., и в росписях комнаты замка в Фонтанелатто, созданных в 30-е гг. XVI в. (некоторые искусствоведы относят дату написания последних к 1523 г.).
Росписи стен комнаты в замке в Фонтанелатто представляют интерес в связи с особенной техникой исполнения. За счет того, что произведения оказываются размещенными между частями архитектурного сооружения (распалубки свода, арка), у зрителя создается впечатление визуального увеличения пространства помещения. Все картины, составляющие фреску и рассказывающие о Диане и Актеоне, необычайно выразительны и динамичны. Представленные в движении фигуры героев, колышущиеся под легким ветерком листочки и ветви деревьев — все придает композиции лиричность, поэтическую возвышенность и оригинальность.
Однако, все более ощущая противоречивость идеалов, выдвинутых искусством Возрождения, Пармиджанино постепенно отходит от ренессансных традиций. Особенно ярко это выражено в его портретных работах, среди которых важное место в становлении творческого метода художника занимает «Автопортрет», исполненный около 1524 г.
Небольшой портрет, написанный на выпуклой деревянной дощечке круглой формы с использованием густых красок, является своеобразным доказательством того, что художника больше интересует не внешний облик человека и не его внутренний мир (что характерно для искусства мастеров Возрождения), а техника изображения. Пармиджанино показывает здесь истинное мастерство. При взгляде на картину создается ощущение зеркального отражения юного художника и обстановки его полутемной мастерской. Пармиджанино стремится как можно более точно изобразить внешние линии, создающие фигуру, мало заботясь о передаче внутреннего мира модели. Именно эта черта в творчестве Пармиджанино отдаляет его от гуманистического искусства художников Ренессанса.
В 1523 г. (по другим данным, в начале 1524 г.) Пармиджанино покидает Парму и отправляется в Рим. Именно здесь развивается артистизм и изобразительная техника молодого мастера. В произведениях, относящихся к римскому (до 1527) и болонскому (с 1527 по 1531) периодам творчества художника, ощущается еще больший отход живописца от традиций Возрождения. Однако, в отличие от наполненных пессимизмом и трагизмом полотен Понтормо, произведения Пармиджанино в большей степени были связаны с идеями т. н. придворной культуры, представители которой стремились как можно дальше отойти от драматического конфликта и противоречий Ренессанса. Их образы — это оторванные от реальной действительности, идеальные, утонченные герои-аристократы.
Своеобразной эстетической программой можно считать такие произведения Пармиджанино, как «Видение св. Иеронима», «Мадонна со святыми», датированные 1520-ми гг. Грубой действительности здесь противопоставлены хрупкие, тонкие, почти бесплотные образы.
Однако работой, наиболее ярко выражающей эстетику маньеризма, является полотно, созданное приблизительно в 1528¬1530 гг. и получившее название «Мадонна с розой». Необычайно выразительные фигуры героев отличаются здесь светскостью и чрезмерной изысканностью, тем самым создавая образы-«пустышки», лишенные высоких чувств: душевной теплоты, доброты, благорасположения к людям. Они внутренне ущербны и предстают скорее как олицетворение аристократизма, но вместе с этим и манерности, холодности, расчетливости, даже жестокости.
Мастер наделяет образы такими чертами для того, чтобы показать их оторванность от реальной действительности и от жизни обыкновенных людей. Персонажи Пармиджанино — это идеальные, недоступные герои, спокойные и статичные, лишенные каких-либо душевных противоречий в силу отсутствия внутреннего духовного содержания.
Аристократизм и недосягаемость образов подчеркиваются в композиции с помощью особых красок холодных оттенков: бледно-розовых, серовато-сиреневых, зеленовато-синих, прозрачно-красных. Такие цвета не только ярче высвечивают характер персонажей, но и лишают их конкретности, реалистичности, жизненной наполненности.
Подобные тенденции в поиске новых методов художественного изображения действительности продолжали развиваться и в поздних произведениях Пармиджанино, в т. н. второй (1531-1540) пармский период творчества. Именно к этому периоду относится знаменитое полотно мастера «Мадонна с длинной шеей», датированное 1534¬1540 гг. Образ Мадонны здесь, в сравнении с «Мадонной с розой», еще более отвлечен и субъективен. Кажется, что художник нароч¬но искажает пропорции тела, чтобы подчеркнуть ирреальность об¬раза, его несоответствие уже сложившимся идеалам. Так же, как и в предыдущих работах, образ Мадонны лишен какой бы то ни было внутренней наполненности. Она, как фарфоровая статуэтка, лишена жизни и служит лишь для того, чтобы символизировать аристократизм и отвлеченность от жизненной реальности, основу которой составляет противоречие.
В «Мадонне с длинной шеей» пластика главной героини передана с помощью плавных, текучих линий. Подобный «змеевидный» силуэт позднее станет главным принципом художественного изображения фигуры человека в искусстве маньеристов. В 1590 г. эта формула построения образа была описана как ведущая в искусстве маньеризма в теоретическом труде Ломаццо.
Пармиджанино. Мадонна с длинной шеей. 1534-1540 гг.
Ранний маньеризм как художественное направление не был явлением цельным и однородным. Подтверждением тому служат портретные работы Пармиджанино, среди которых особый интерес представляют портрет графа Джан Галеаццо Сан Витале (1524), «Автопортрет» (ок. 1527-1528) и «Малатеста Бальоне» (1530-е). В этих работах, как ярких образцах произведений маньеризма Пармиджанино, выведены персонажи, лишенные яркой индивидуальности и внутренней наполненности. Возвышенная патетика создается в картине не с помощью изображения глубоких чувств и переживаний героя, а за счет окружения персонажей богатой и пышной обстановкой. Однако своеобразным отступлением художника от принципов маньеризма является то, что некоторые его герои все же оживают, несут на себе отпечаток тревожного, полного противоречий мироощущения. Ряд образов, созданных в этот период, отличаются задумчивостью, одухотворенностью, они как бы выражают внутреннюю боль автора, представителя целого поколениялюдей, за происходящее.
То же соприкосновение с реальной действительностью наблюдается у Пармиджанино и в картине «Антея», написанной приблизительно в 1534-1535 гг. Нарочито искаженная фигура героини (преувеличенно тонкие линии в передаче пластики фигуры, небольшая головка, вытянутые пропорции) тем не менее привлекает зрителя своим обаянием. Лицо молодой женщины — не пустая, ничего не значащая маска; ее пристальный взгляд, в котором застыл вопрос, устремлен на зрителя.
Пармиджанино. Антея. Фрагмент. Ок. 1534-1535 гг.
Особенного внимания заслуживают рисунки Пармиджанино.
Небольшие наброски становятся у художника самостоятельным жанром. Составленный из коротких и оттого кажущихся незаконченными линий образ на рисунках еще более оторван от действительности. Пармиджанино не стремится передать внутреннее состояние героя или какую-либо идею. Все внимание автора акцентируется здесь на декоративном оформлении произведения. Позднее это станет ведущим принципом художественного выражения образа в произведениях маньеристов. Не менее значима роль Пармиджанино и в развитии такого художественно-изобразительного жанра, как гравюра. Именно в творчестве Пармиджанино широкое распространение получили новые в то время формы жанра: офорт и цветная гравюра на дереве. В офортах, среди которых особое место занимают «Положение во гроб», «Поклонение волхвов», «Таис», мастер также стремится как можно больше отдалить образ от реальной действительности. Его гравюры построены на контрасте света и теней, в результате чего общая композиция приобретает едва уловимые очертания, становится прозрачной, легкой и воздушной. Цветные гравюры на дереве как художественно-изобразительный жанр впервые появились в Венеции в начале XVI столетия. Основоположником подобной гравюры (т. н. «кьяроскуро») принято считать Уго да Карпи (1480-1532), получившего в 1516 г. патент на изобретение. Его работы оказываются подчиненными одной идее — создать выразительную и красочную картину. Ярким примером такой техники могут служить гравюры, сделанные с рисунков Пармиджанино («Диоген»). Необходимо заметить также, что наброски последнего были основным материалом при изготовлении гравюр для многих мастеров XVI в.
Пармиджанино скончался 24 августа 1540 г. в Ломбардии (Касальмаджоре).
istoriya-iskusstva.ru
Маньеризм в интерьере, особенности стиля, фото-примеры – Rehouz
Многие эксперты не считают маньеризм полноценным художественным стилем. А лишь причудливым явлением – ответом на события тех лет, на потрясения, постигшие Европу, на крушение гуманитарных принципов. Как бы то ни было, маньеризм оставил яркий, загадочный след в монументальном и изобразительном искусстве, предвосхитил барокко и рококо.
Стиль маньеризм в интерьереПредпосылки и история
В 1527 году могучий папский престол сильно пошатнулся. Гвардейцы Ватикана были перебиты, Рим разграблен, Папа лишен былого влияния. Выдающиеся художники, поэты, архитекторы, цвет и гордость папского двора, покинули Вечный Город. Идеалы Ренессанса оказались попранными, культуру охватил озноб упадка. Так, появился маньеризм – декаданс XVI века, нервное дитя политического кризиса и религиозной нестабильности.Искусство спряталось от бытия в затейливую раковину – всю из иллюзий и аллегорий. Художники, отринув Ренессанс, его гимн Человеку, культивировали мысль о шаткости судьбы, о том, что каждый – игрушка рока. Теперь они, прежде всего, стремились выразить в своих работах некий умозрительный, метафизический посыл, игнорируя материальную действительность.
Впрочем, утратив рычаги политики и экономики, Италия осталась средоточием искусства. Здесь высились палаццо и соборы, украшенные скульптурами и фресками Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэля. Здесь жили обедневшие, но просвещенные и гордые аристократы. Разрыв между их запросами и возможностями, между культурой и экономикой весьма способствовал расцвету маньеризма с его ложной, напыщенной роскошью. К концу XVI века новое течение, выплеснувшись за рамки литературы и живописи, стало господствующим в дворцах Италии, их экстерьере и интерьере.
Суть маньеризма
Чтобы представить сущность маньеризма, вспомните последние произведения Рафаэля, алтарную живопись Эль Греко, барельефы, статуэтки Бенвенуто Челлини – их экспрессию, красочность, высокопарность. Отрицание античных канонов и классических пропорций, пренебрежение реальностью в угоду скрупулезной и чувствительной эстетике, – вот что видится в работах маньеристов.
Новое течение решало несколько задач. Во-первых, превратить сюжет в метафору, выразить абстрактную, мистическую, порой заумную идею, понятную только художнику. А во-вторых, что называется, пустить пыль в глаза: создать ощущение несметного богатства и надменного величия. Отсюда – выразительные средства стиля, его субъективизм и экзальтация, трюки и уловки. В погоне за мнимой роскошью маньеризм необычайно усложнился: пожалуй, ни одному другому методу не присуще такое количество и разнообразие художественных приемов и декоративных подробностей.
В архитектуре и дизайне основа маньеризма – отсутствие стандартов при организации пространства, планировке, декоративном оформлении. В этом смысле маньеризм превзошел не только рококо, но и эклектику.
Маньеризм в интерьере: особенности
Их немало, благодаря чему «манерный стиль» не путают с похожим на него барокко. Маньеризму, в частности, присущи:
- Подчеркнутая пышность. Стены украшают не только орнаменты, лепнина, инкрустация, но и обилие скульптурных композиций. Для последних характерна нарочитая удлиненность – «лебединые» шеи персонажей, вытянутые конечности.
- Иллюзорные предметы и детали: нарисованный мрамор, фальшивые окна, арки и ниши, ложные межкомнатные двери, поддельные портьеры, имитация статуй.
- Применение особых эффектов – игры света, перехода одного оттенка в другой (эффект омбре), перетекание орнамента в орнамент.
- Метафоры и аллегории, заметные в декоре. Лепнина, горельефы состоят не просто из узоров, а всевозможных эмблем и символов.
- Яркая, пестрая цветовая палитра, багровые, лазурные, золотые тона.
- Внутренние стены дома часто как бы распадаются на отдельные цветовые пятна, контрастирующие друг с другом.
- Роспись: масштабными, многоцветными фресками покрыты подчас все стены и потолки.
- Избыток вычурных деталей, украшений и предметов отточенной, ажурной работы.
- Эклектичность. В одном помещении могут сочетаться мебель и аксессуары, принадлежащие различным эпохам. Связующее звено между ними, пожалуй, одно: изощренность формы и отделки.
Подробности воплощения
Интерьер, созданный в духе маньеризма, непременно живописен. Не только в смысле визуальной красочности, но и потому, что для его оформления широко использовали живопись – мотивы и копии работ модных в ту пору художников. Огромные фрески покрывают потолки и стены, заставляя человека чувствовать себя внутри грандиозной картины, одним из её героев.
Живопись маньеристов легко распознает даже дилетант: персонажей множество, обнаженные тела изящно деформированы, позы напряжены и неестественны, жесты слишком жеманны, лица бледны, а палитра состоит из многих, достаточно ярких фрагментов. Барочная живопись тоже прихотлива, но, в отличие от маньеризма, в ней больше прямолинейности, анатомической правды и меньше подтекста.
Кроме картин на стенах можно заметить псевдоскульптуры, псевдобарельефы, псевдониши с псевдовазами. Ложные двери в ложных портьерах и «слепые» венецианские окна выглядят особенно реалистично в обрамлении витиеватой мебели, украшенной бронзой, накладками из серебра и позолотой.
В орнаментах, покрывающих фасады и спинки мебели, сквозят иносказательные, гротескные, саркастические образы. Это аллегории грехов, химеры, медузы, фантастические твари с рогами и крыльями.
Убранство в стиле маньеризм выглядит немного хаотично; в подобной обстановке человек ощущает беспокойство и даже тревогу, но в то же время – желание рассматривать формы и линии, пытаться постичь тайну, зашифрованную в деталях.
Стремление преувеличить, поразить, быть может, даже напугать – вот что мниться в интерьерах, созданных в конце XVI века, когда в Европе властвовал маньеризм. То, что нынче кажется манерностью, бесполезной витиеватостью, апологеты стиля считали утонченностью, истинным, возвышенным искусством.
Маньеризм был призван убедить любого в сказочном богатстве домовладельца, в его исключительном статусе: каждая деталь излучала шик, великолепие, намек на «особенность». Однако маньеристы так яростно отрицали «старые» эталоны, что сегодня их труды выглядят искусственно, а интерьеры кажутся нагромождением диковинных предметов и деталей.
***
Маньеризм в интерьере доминировал недолго. И это понятно: чрезмерность, внутренний накал изрядно утомляют, даже если выглядят красиво, филигранно. Уже к началу XVII века маньеризм потеснило барокко – стиль, который стал и продолжением маньеризма, и выходом из него. Быть может, даже бегством – из этой немного абсурдной «комнаты иллюзий».
rehouz.info
Маньеризм
Маньеризм - это стиль живописи, характерный для Европпы 17 и 18 века. Он означает отсутствие взаимосвязи и гармонии между всем духовным и телесным, природным и человеческим, что идет в противоположность Ренессансу.
Зародился этот стиль в Италии, особо популярен был в Риме, Флоренции, а затем и во Франции. Для стиля характерним является ломаные линии, некоторая девормированность фигур, так же встречаются часто элементы эротизма. Композиция в таких картинах нагружена человеческими фигурами, предметами и другими элементами. Самым ярким его представителем был Микеланджело.
Историки отмечают трудность в определении понятия "маньеризма", которое было стилем с отчетливой тенденцией отхода от середины, от уравновешенности Высокого Возрождения. Если вначале Ренессансу было свойственно стремление передать картинам иллюзию реальности, а позднее превратить иллюзию в идеальное мировоззрение, то маньеризм является духовным, эстетическим и часто религиозным ответом или реакцией на это развитие, часто спекулятивным и пророческим искусством "времени всестороннего кризиса раннего буржуазного общества".
Маньеризм - это выражение человеческой неуверенности, сомнений в позитивном видении мира Ренессанса. Маньеризм может быть связан с усиленной религиозностью и как стиль появляется на службе Контрреформации, он может, исходя из Микеланджело, создавать антично-мирские формы тела, он может элегантность и тонкость композиций доводить до совершенных изображений, но произведениям, полностью принадлежащим к этому стилю, недостает покоя, духовного и формального равновесия творений Ренессанса.
Может быть, как раз поэтому, то мы в формах этого стиля живописи так часто и отчетливо чувствуем хрупкость и постоянную опасность красоте и жизни вообще, он стал открытием 20 века столь богатого угрозами всему живому и всей культуре и бл постигнут в своем подлинном значении и своеобразии лиш в последние десятилетия.
Представителями этого стиля являются Даниэле да Вольтерра, Якоп Бассано, Франческо Пармиджанино, Орацио Джентилески, Якопо Пантормо, Джулио Романо, Алессандро Аллори, Франческо Сальвиати, Россо Фьорентино, Доменико Баккафуми, Эль Греко и т.д.
art-on-web.ru
Картины современных художников: Маньеризм - направление в живописи 16 века.
Маньеризм — (итал. manierismo, от maniera — манера, стиль), направление в западноевропейском искусстве 16 в., отразившее кризис гуманистической культуры Возрождения. Внешне следуя мастерам Высокого Возрождения, маньеристы (в Италии живописцы Я. Понтормо, Ф. Пармиджанино, А. Бронзино, скульпторы Б. Челлини, Джамболонья) утверждали неустойчивость, трагические диссонансы бытия, власть иррациональных сил, субъективность искусства. Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, манерной изощренностью формы, а нередко и остротой художественных решений (в портретах, рисунках и др.).Начиная с половины XVI в. уже заметно падение итальянской живописи, и чем далее, тем оно становится все сильнее и сильнее. За расцветом следует период подражательный. Индивидуальные черты гениальных мастеров превращаются у их подражателей в бессилие и манерность; так, наивная прелесть женской красоты Леонардо да Винчи вырождается в слащавость и жеманное кокетство. Многим знаменитым мастерам, при всем совершенстве их техники и удачном приближении к образцам, недостает чувства меры — первого условия красоты и серьезного достоинства. Дольше всех сохраняет последнее венецианская школа. Из мастеров ее выделяются во второй половине XVI в. Тинторетто и Паоло Веронезе. Вторжение новых протестантских идей и борьба с католичеством внесли сомнения в умы и сердца и подорвали во многом прежнюю наивную веру и идеал красоты. Оставшиеся верными прежним воззрениям стали впадать из принципа в преувеличения.
Маньеризм (итал. manierismo, от maniera — прием, манера), течение в европейском искусстве 16 в., зародившееся в лоне искусства итальянского Возрождения и отразившее кризис ренессансных гуманистических идеалов. Мастера маньеризма культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил, стремились не столько следовать природе, сколько выражать «внутреннюю идею» образа, рожденного в душе художника. Для итальянского маньеризма 1520-х гг. (живопись Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо, Беккафуми) характерны драматическая острота образов, преувеличенная экспрессия поз и движений, удлиненность пропорций фигур, колористические и световые диссонансы, виртуозная нервная линеарность рисунка. В элитарном, ориентирующемся на знатока искусстве маньеризма возродились и отдельные черты средневековой, придворно-рыцарской культуры. В маньеристическом портрете (Бронзино и др.), открывающем новые пути в развитии этого жанра, аристократическая замкнутость персонажей сочетается с обострением субъективно-эмоционального отношения художника к модели. Своеобразный вклад в эволюцию маньеризма внесли ученики Рафаэля (Джулио Романо, Перино дель Вага и другие), в монументально-декоративных циклах которых преобладали атектоничные, насыщенные гротескной орнаментикой решения. К 1540-м гг. маньеризм стал господствующим течением при дворах Италии; его художественный язык, насыщенный сложными, доступными лишь узкому кругу посвященных аллегориями, отмечен принципиальным эклектизмом выразительных средств (Д. Вазари, А. Бронзино, Ф. Сальвиати, Т. Манцуоли, А. Аллори, Ф. Бароччи, Ф. Приматиччо, отчасти П. Веронезе, Я. Тинторетто и др.). В скульптуре (Б. Амманати, Б. Челлини, Джамболонья, Б. Бандршелли) и архитектуре (Б. Амманати, Б. Буонталенти, Дж. Вазари, П. Лигорио, Джулио Романо) маньеризм проявился главным образом в тяготении к неустойчивой, динамичной композиции, подчеркнутой экспрессии декора, в стремлении к сценическим эффектам , к экстравагантности деталей.
Превращению маньеризма в общеевропейское течение способствовали деятельность итальянских мастеров во Франции (Россо Фьорентино, Никколо дель Аббате, Приматиччо, Челлини и др.), Испании (В. Кардучо), Чехии (Дж. Арчимбольдо) и др. странах, а также широкое распространение маньеристических картин, гравюр, графики и предметов декоративно-прикладного искусства. Принципы Маньеризма определили творчество представителей 1-й школы Фонтенбло (Ж. Кузен Старший, Ж. Кузен Младший, А. Карон), немца X. фон Ахена, нидерландских мастеров А. Блумарта, А. и X. Вредеман де Врис, X. Голциуса, К. ван Мандера, Б. Шпрангера, Ф. Флориса, Корнелиса ван Харлема, И. Эйтевала. Итальянское путешествие голландского художника Мартена ван Хемскерка (1532—1536) еще больше усилило влияние маньеризма в Нидерландах и Северной Европе. Благодаря Бартоломеусу Шпрангеру, антверпенцу по происхождению, но получившему образование и работавшему в Риме, Парме и Венеции, а позже в Вене и Праге, нидерландский маньеризм в последние два десятилетия XVI в. претерпел решительные изменения. Влияние Шпрангера распространяется сначала в Харлеме, куда в 1577 прибывает Голциус, который с 1585 перевел многие произведения Спрангера в гравюру, а после 1583 — Корнелис ван Харлем и Карел ван Мандер, который в 1573—1577 работал вместе со Шпрангером в Риме и Вене. Образование этими тремя мастерами харлемской Академии (1587) и отъезд Голциуса в Италию (1590) привели к эклектизму маньеристического толка. Расцвет живописи маньеризма в Утрехте XVI в. связан с именами Абрахама Блумарта и Иоахима Эйтевала стиль которых отмечен итальянским влиянием, одновременно героическим и реалистическим. В Германии ярким представителем маньеризма стал Ханс фон Аахен. Выступление в Италии, с одной стороны, академистов болонской школы, с другой — Караваджо ознаменовало конец маньеризма и утверждение барокко. В современном западном искусствознании сильны тенденции к неоправданному расширению понятия «Маньеризм», к включению в него мастеров или шедших своим, особым путём, или лишь испытавших отдельные маньеристические влияния (Я. Тинторетто, П. Веронезе, Эль Греко, Л. Лотто, П. Брейгель Старший).
stiligivopis.blogspot.com
Картины в стиле Маньеризм!!! (искусство маньеризма)
Картины в стиле Маньеризм!!! (искусство маньеризма)
Маньеризм (Mannerism, итал. maniera - стиль, манера), термин, употребительный в теории изобразительного искусства. Стал популярным благодаря художнику и биографу 16 века Вазари, который характеризовал им высокую степень грациозности, уравновешенности и утончённости в искусстве. Однако с 17 века большинство критиков, полагая, что итальянское искусство 2-й половины 16 века переживало упадок по сравнению с вершинами, достигнутыми в период Высокого Возрождения (Ренессанс) Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем, термин "Маньеризм" относили к искусству, которому свойственны метафорическая насыщенность, пристрастие к гиперболе и гротеску. В результате Маньеризм стали называть стиль, воспринятый школами итальянского искусства, прежде всего римскими, в период между эпохами Высокого Возрождения и Барокко (около 1520- около 1600 гг.).
О Маньеризме принято говорить начиная с Рафаэля, когда он отказался от предельно ясных и уравновешенных средств выражения, свойственных Высокому Возрождению, и начал работать в более изощрённой манере. Для Маньеризма характерны удлинённость фигур, напряжённость поз (контрапост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, и яркие цвета. В ваянии провозвестником Маньеризма был Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульптурам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини. Маньеризм в архитектуре также трудноопределим, как в живописи и скульптуре, но часто подразумевает осознанное презрение к установленным правилам и классическим традициям.
За пределами Италии маньеристами иногда называют представителей школы Фонтенбло во Франции, нидерландских художников16 века (многие из них восприняли идеи Маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании. В литературе и музыке термин "Маньеризм" применяется ещё шире, чем в изобразительном искусстве и архитектуре. Так, "маньеристскими" именуют литературные произведения, которым свойственна витиеватость слога, усложнённый синтаксис и использование причудливо-фантастических образов. Наиболее известный пример - двухтомный роман "Эвфуэс" (1578-1580 гг.) Джона Лили, породивший термин "эвфуизм", означавший в высшей степени искусственный и вычурный стиль. В музыке "маньеристским" считается, например, творчество итальянского композитора, автора мадригалов Карло Джезуальдо ди Веноза, чьи произведения отличаются необычной гармонией, внезапной сменой темпа и яркой экспрессией.
маньеризм: искусство маньеризма архитектура маньеризма куртуазный маньеризм стиль маньеризм маньеризм в изобразительном искусстве маньеризм презентация живопись маньеризма маньеризм реферат эпоха маньеризма художники маньеризма маньеризм википедия маньеризм и барокко искусство маньеризма презентация произведения маньеризма представители маньеризма особенности маньеризма маньеризм в литературе и живописискульптурные произведения маньеризма искусство маньеризма презентация архитектура маньеризма маньеризм картины архитектура маньеризма реферат маньеризм в скульптуре маньеризм маньеризм эль греко куртуазный маньеризм искусство маньеризма и барокко маньеризм в интерьере эстетика маньеризма основные черты маньеризма искусство маньеризма последователь маньеризма искусство маньеризма картиныархетектура маньеризма архитекторы маньеризма живописное искусство художников маньеризма маньеризм описание картины архитектура маньеризма архитектура маньеризма искуство маньеризма
www.picture-russia.ru
