Музей ЧерномырдинаОписание картины Кузьмы Петров-Водкина «Купание красного коня». Купание картина
Описание картины Кузьмы Петров-Водкина «Купание красного коня»
Художественная работа Петрова-Водкина под названием «Купание красного коня» выделяется среди прочих его картин как минимум тем, что в советские времена она была известно каждому. И это в эпоху безусловного торжества соцреализма!
Эта картина впечатляет размахом и яркостью красок. Цветовой выбор построен вокруг контраста красного и синего. Также заметно типичное для символизма уплощение форм вместе с заполнением большей части холста одним и тем же тоном.
Процесс купания лошади — обычная ситуация для русского быта того времени, а потому достаточно распространенный сюжет в живописи того времени. С лошадью частенько ассоциируют Россию, ее историю — достаточно припомнить небезызвестную «птицу-тройку» Гоголя или «степную кобылицу» А. Блока.
Багровый конь на этой картине понимается зрителем точно так же — как аллегория с Россией, вырывающейся из рук молодого наездника, еле справляющегося с вожжами. Стоит добавить, что цвет коня отнюдь не является отсылкой к победившим в 1917 году большевикам.
На самом же деле, этот цвет — символ агрессии и опасности. Кроме того, «красный» – архаичная форма слова «красивый». Дело в том, что художник часто использовал в живописи технику и цветовые решения, характерные для русской иконописи.
Сюжетным, цветовым и композиционным центром картины безусловно является конь. Он так огромен, что даже не виден в полный рост, он просто не помещается на полотно целиком. Он буквально излучает мощь. Огненно-красный, кроваво-красный конь на этой картине делает ее совершенно нереальной. Он будто сознательно позволяет наезднику на себе удержатся. Его зрачок, устремленный в сторону зрителя, создает необычное чувство, будто животное думает о чем-то немыслимо важном, будто знает что-то очень существенное, но мы, людям, не в состоянии его услышать.
Молодой парень без одежды, сидящий верхом, подчеркивает окрас коня еще сильнее и еле сдерживает его вольный порыв. Эта своенравность животного усиленна концентрическими кругами на фоне его копыта, в то время как остальное водное пространство находится в состоянии спокойствия.
На полотне присутствуют еще две лошади — оранжевая и белая — тоже с ездоками, но именно красный нарисован крайне четко и детально, в то время как лик наездника изображен достаточно схематично. Про береговое пространство и говорить нечего: выгнутый по немыслимой дуге он скорее напоминает абстракцию.
opisanie-kartin.com
"Купание красного коня" Петрова-Водкина - картина жизни художника
«Купание красного коня» Петрова-Водкина — картина, известная как символ эпохи, символ страны, символ времени. Жизнь художника совпала с переломными моментами государства, с переменами в российском и европейском искусстве.
Судьба Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина остается загадкой, как и многие его работы. Его картины передают события, предупреждают, дарят надежду, вселяют веру. Одно дело – пережить перемены, другое – прочувствовать их, переболеть ими и сделать венцом творения. Он не ждал от жизни покоя, потому что жил в мятежное время. Он оставался на гребне событий, как бы защищая своим творчеством души, чувства, разум людей.
На таких великих мастеров нужно равняться. Благодаря светлому уму, тонкой чувствительной натуре, постоянному рвению к новым знаниям он открыл в себе талантливейшего живописца, писателя, музыканта… Особое восхищение вызывают его отношения к родителям, жене, дочери. В становлении этой выдающейся личности сыграли роль истоки нравственности: семья, семейные ценности, семейный уклад…
Художник Петров-Водкин — краткая биография
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился 24 октября 1878 года в провинциальном городке Хвалынске Саратовской губернии. Отец художника был сапожником. Его забрали в солдаты в 1881 году, и вскоре жена Анна Пантелеевна с сыном Кузьмой переехали жить к нему на окраину Петербурга, близ казарм Новочеркасского полка. После службы семья вернулась в Хвалынск. Мать Анна Пантелеевна стала работать прислугой в семействе Михайловых и жить вместе с сыном во флигеле барского дома.
В школьные годы все свое свободное время Кузьма проводил в мастерской иконописца-старовера Филиппа Парфёныча. В мальчике никогда не возникало мысли стать живописцем. После окончания четырехклассного городского училища и работы в судоремонтных мастерских, он решил поступить в самарское железнодорожное училище. Экзамены в училище потерпели провал, что стало причиной заняться другим родом деятельности — «художествами». Зимой Кузьма выполнял случайные заказы от самарских вывесочников. Весной 1894 года пришел в классы живописи и рисования Ф. Е. Бурова, который уже был в то время тяжело болен. Живописец Ф. Е. Буров, влюбленный в искусство, прививал эту любовь своим ученикам, но в 1895 году его не стало и Петров-Водкин снова вернулся в Хвалынск.
В родном городке молодому живописцу улыбнулась удача. В семейство Михайловых, где служила Анна Пантелеевна, приехала сестра хозяйки, знатная дама из Петербурга, Ю. И. Казарина, решившая поставить дачу неподалеку от города Хвалынска и выписавшая для этой стройки известного архитектора Р. Ф. Мельцера. Семья Михайловых рассказала архитектору о художественных способностях юноши, выросшего на их глазах. Увидев рисунки, Р. Ф. Мельцер предложил Петрову-Водкину поддержку в дальнейшем его образовании. В августе 1895 года хвалынский мещанин выдерживает экзамены в Центральное училище технического рисования барона Штиглица. Однако молодой провинциал очень быстро охладевает к занятиям в училище, где готовили больше ремесленников («прикладников»), чем художников и в 1897 году переводится в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где набирали учеников В. А. Серов, И. И. Левитан, К. А. Коровин, П. П. Трубецкой.
В МУЖВЗ Петров-Водкин был одним из лучших учеников по рисунку и общеобразовательным предметам. Обладая пытливым умом, он стремился приобщиться к разным областям знаний, слушал курсы по физике и химии, вместо того, чтобы полностью сосредоточиться на живописи. В 1899 году в своем письме матери он писал:
«Сколько интересного для меня открылось, о чем я знал только понаслышке».
Совмещая занятия литературой и изобразительным искусством, он какое-то время мечтал сделать литературу главным ремеслом жизни. Увлечение литературой никогда не оставляло его в покое и выразилось впоследствии в виде литературных трудов — автобиографических повестей.
После окончания училища в 1905 году Петров-Водкин отправляется в первое заграничное путешествие по Италии. Вернувшись в Петербург, художник уходит с головой в постановку своей пьесы «Жертвенные» в Передвижном театре Гайдебурова. Успех пьесы вдохновляет художника на последующую работу над ней. Приехав в Париж, Петров-Водкин работает над пьесой и напряженно занимается живописью и рисунком. В пансионе в пригороде Парижа, где проживал художник, он знакомится с дочерью хозяйки Марией Йованович. Вскоре молодые люди заключают брак в мэрии и переезжают в Париж.
В 1907 году художник путешествует по Северной Африке.
В 1908 году Петров-Водкин возвращается в Петербург, где принимает участие в выставке «Золотое руно», вступает в объединение «Мир искусства». В 1912 году художник представляет на выставке свою знаменитую картину «Купание красного коня».
Революция 1917 года была принята художником с воодушевлением. В первые годы революции он вошел в Совет по делам искусств, возглавляемый А. М. Горьким, в комиссию по реорганизации Академии художеств. В 1918 году становится профессором-руководителем мастерской живописного отделения Высшего художественного училища. В 1921 году его командировали в Туркестан как члена научно-художественной экспедиции для оценки состояния разрушающихся памятников архитектуры.
В 1922 году в семье Петрова-Водкина родилась дочь Елена. Кузьма Сергеевич писал матери:
«Я не могу описать, что я чувствую, глядя на этого сосунка с розовенькой, чистой мордочкой, с блестящими глазками, целуя бархат ее волосиков, покрывающих головку».
Последующие годы жизни живописца прошли в разъездах и трудах. В 1924-1925 годах художник с семьей находился в командировке во Франции. В 1927 году у него был обнаружен туберкулез легких. Болезнь выбивала художника из колеи, лишая надежды на выздоровление. В 1928 году он выставлял свои работы на венецианской международной выставке, в 1936 году в Москве и Петербурге состоялись две его последние персональные выставки.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин умер 15 февраля 1939 года в Ленинграде.
«Девушки на Волге» (1915)
Работа над картиной была начата в 1914 году в Хвалынске. В основе картины лежат впечатления провинциальной жизни автора. Спускаются с косогора молодые женщины. На голове одной из женщин повязан платок, словно венец на иконе вокруг головы святой. Рядом с женщинами стоит маленькая девочка. Художник изобразил ее уменьшенной взрослой, пренебрегая пропорциями детского тела. По иконописным традициям также изображена Дева Мария на иконах «Введение во храм». Глаза прекрасных героинь отведены в сторону. Привлекает внимание водкинский колорит, где выделены три основные цвета – красный, синий, желтый. Открытая, яркая цветовая гамма придает работе монументальность и декоративность.
Картина напоминает фрески мастеров Раннего Возрождения, увиденные художником во время поездки по Италии.
«Селедка» (1918)
В картине «Селедка» отражена военная коммунистическая эпоха. Это один из самых выразительнейших памятников петроградской селедке 1918 года. На красной скатерти расположены отдельно друг от друга две картофелины, кусок хлеба и селедка. Художник намеренно разложил свободно предметы натюрморта, чтобы придать им значительность. Перед нами тощая селедка со следами ржавчины, своим видом набившая оскомину, и все же жадно съедаемая. Ржаной хлеб лежит пайкой. Это еще одна примета того времени – хлеб не разрезали на куски, чтобы он не растерялся на крошки. Строгое количество картофеля напоминает о строгой сдержанности в еде в революционные будни.
Селедка была гастрономическим символом того времени. Ее «доставали», «получали», «выдавали», выменивали на калоши, шерстяные вещи, дрова. За 1918-1920 годы селедка вошла в историю как печка-буржуйка, растапливаемая старой мебелью и согревающая лишь часть комнаты, как поэма А. А. Блока «Двенадцать».
В каждом рассказе и повести, написанных о том времени, говорится о селедке. Вот как ярко о ней написал в своем рассказе «Икс» Евгений Иванович Замятин:
«Все от восемнадцати до пятидесяти были заняты мирным революционным делом – готовили к ужину котлеты из селедок, рагу из селедок, сладкое из селедок».
«Петроградская мадонна» (1920)
Еще одна картина-эпоха. Перед нами революционный Петроград: пустые улицы, мрачные дома, люди в жалкой изветшавшей одежде, занятые обменом вещей на пищу и просящие подаяние.
Стены зданий заклеены воззваниями, боязливо обходимыми горожанами. За разбитыми стеклами в окнах выступает глубокая темнота.
Из воспоминаний Владислава Ходасевича, жившего в годы военного коммунизма в Петрограде:
«Дома, даже самые обыкновенные получили строгость и стройность, которой ранее обладали одни дворцы. Петербург обезлюдел… и оказалось, что неподвижность более пристала к ему, чем движение».
Над всей этой неустроенностью стоит женщина с младенцем на руках. Ее лицо ассоциируется с ликом Богоматери. Она прижимает к груди своего ребенка, символизируя собой хранительницу будущего, защитника детей, брошенных под колеса истории вместе с семьями, надеждами и страхами.
«1919 год. Тревога» (1934)
О времени действия картины говорится уже в самом названии, но зритель сразу же угадывает в этой работе «чемодан с двойным дном». В год написания картины страна жила в той же самой тревоге, страхе за будущее детей и жизнь близких.
Перед нами семья бухгалтера или мелкого клерка. В центре комнаты неподвижно стоит женщина, прислушивающаяся к ночному шуму во дворе дома. Женщина обнимает за плечи дочь, укрывая ее от тревожной темноты. Уложит ли она сегодня дочь спать? Маленькая девочка стала жертвой страха. Предчувствуя неминуемую беду, она опустила ручки от безвыходности и безысходности.
Отец, отодвинувший шторку и прильнувший лбом к окну, понимает, что над его семейным гнездом нависла угроза. И только крошечный сын сладко спит в своей кроватке.
Со стула свисает смятая газета, в которой отчетливо читается слово «враг». Это слово настигало неожиданно, как удар молнии. Оно проходило красной строкой в каждой газете в 1919 и в 1934 годах.
В ожидании непрошенных гостей время как в семье, так и в стране как бы остановилось. Тревогу вызывала даже тишина. Тревога стала состоянием всей страны.
«Купание красного коня» (1912)
Картина «Купание красного коня» стала вехой как в истории русской живописи, так и в истории России. «Купание красного коня» являлась символом предстоящих перемен в стране. Автор удивлялся ее новому звучанию вначале Первой мировой войны:
«Так вот почему я написал своего «Красного коня!»
Тогда в 1912 году можно было только предчувствовать то, что ждет Россию. Предчувствия владели устроителями выставки «Мира искусства», повесившими картину над входом, как алый стяг.
В этой загадочной картине соединены традиции иконописи (образ св. Георгия Победоносца) и модернизма.
Огненный конь, сошедший со старинных икон, вдохновлен иконописной традицией: в иконописи конь Георгия Победоносца символизировал светлую силу, побеждающую зло.
Первые наброски к «Купанию красного коня» относятся к лету 1912 года. Зарисовки Петров-Водкин делал с коня, которого звали Мальчик. Этого коня художник увидел на хуторе Мишкина Пристань недалеко от села Гусевка Царицынского уезда, где гостил с женой в семье своей учительницы Натальи Грековой (дочери генерала Петра Грекова). Конь очень понравился жене Петрова-Водкина, Марии Федоровне, совершавшей на нем длительные прогулки. Осенью, когда Мария Федоровна уехала готовить квартиру к зиме в Петербург, Петров-Водкин писал ей о Мальчике:
«После сеанса его много ласкал, — и за тебя; я его спрашивал, не забыл ли он тебя – это растрогало его до слез. Нет, право, можно подумать, что он тоскует, вспоминая прогулки с дамой своего сердца…»
Из воспоминаний художника:
«Я начал писать купание вообще. У меня было три варианта. В процессе работы я предъявлял все больше и больше требования чисто живописного значения, которые уравняли бы форму и содержание и дали бы картине социальную значимость».
По возвращению в Петербург художник заехал к родителям в Хвалынск, где написал отрока, сидящего верхом на коне. Моделью для юноши послужил двоюродный брат Шура.
Существует версия, что художник запечатлел на картине своего ученика Сергея Ивановича Калмыкова, который очень походил на представителя петербургской богемы. Загадкой остается контраст между могучим, романтически-прекрасным конем и утонченным, словно пришедшим из другого мира юным всадником.
Уже в Петербурге Петрова-Водкина поразили колорит и композиция расчищенных от позднейших записей новгородских икон ХV века. Благодаря встрече с новгородскими иконами «Красный конь» стал красным, и картина приобрела символическое звучание.
В то время художник не предполагал, что его полотну будет суждено стать символом эпохи. Долгое время полотно находилось за границей. С весны 1914 года оно экспонировалось на Международной Балтийской выставке, проходившей в Швеции и в связи с началом Первой мировой войны там и осталось. По требованию жены художника в 1950 году картина вернулась в Россию.
В этом главном произведении представлена вся водкинская колористическая (трехцветная) система, определившая будущее творчество художника. Известно, что Петров-Водкин наделял каждую национальную культуру «своим» цветом. По его мнению, красный цвет является главным цветом России, дополняющим зелень полей. О культуре он судил по степени ее красочности.
В этой работе присутствует сферическая перспектива. Здесь не виден горизонт. Река, вздымаясь, образует «вертикальный» фон, не устремляется вдаль. Ее вода взвихряется, словно грозовые облака, готовые разверзнуться молниями. От ног удаляющегося коня расходятся труднопреодолимые волны, словно разрезанные складки тяжелого полотна.
Символом предстоящих перемен являются и натянутые поводья в худой руке юноши.
В советское время картину трактовали как предзнаменование грядущих революционных пожаров. Некоторые исследователи предполагают более сложный щемяще-трагический подтекст: наступление власти мощной народной стихии на рафинированный, оторванный от реальной жизни мир интеллигенции.
«Богоматерь Умиление злых сердец» (1914-1915)
Знакомство Петрова-Водкина с древнерусской иконописью произошло в детстве, в родном волжском городе Хвалынске. С тех пор художник верно служил духовным и стилистическим традициям древнерусской иконописи.
Проходя обучение в Петербурге и Москве, он приобрел свою манеру письма, где соединились традиции древнерусской иконописи и достижения западноевропейских модернистов. В картине «Богоматерь Умиление злых сердец» передан эмоциональный отзыв живописца на события Первой мировой войны.
В традиционном жесте показаны воздетые руки Богоматери, заступницы и покровительницы людей. Лицо напоминает светлый лик Богородицы и облик интеллектуально утонченной и страдающей современницы художника. Богоматерь изображена на фоне сцен страстей Христовых: ей известна грядущая судьба своего сына.
Творческий путь Петрова-Водкина
Первые шаги в искусство начались в старообрядческой иконописной мастерской города Хвалынска, когда художник впервые взял в руки кисть, пытаясь повторить работу иконописных мастеров. Тогда его жизнь была полна неопределенностей, но возможность прикоснуться к «чуду» потрясла мальчика.
Обратиться к живописи юного художника заставил неудачный случай с поступлением в самарское железнодорожное училище. В 1894 году, поступив в Классы рисования и живописи Бурова, Петров-Водкин усвоил необходимые азы.
Из воспоминаний художника:
«До окончания нашего пребывания у Бурова мы ни разу не пытались подойти к натуре, благодаря чему не получали настоящей ценности знаний…».
Самыми полезными стали годы обучения в училище Штиглица, где главным предметом считалось черчение. Сначала юноша слыл лучшим учеником, но спустя два года, он сбежал от немецкой строгости в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Московская художественная жизнь того времени била ключом. Ученики Московского училища, не принимающие реалистическую живопись в духе поздних передвижников, искали и создавали новые средства выразительности, выковывали свое собственное художественное мироощущение. Эти поиски вели к выбору «новых кумиров». Кумирами для Петрова-Водкина и его друзей стали Борисов-Мусатов и Врубель. Впоследствии Петров-Водкин говорил:
«Врубель был нашей эпохой».
В учениках МУЖВЗ жила тяга к освоению новых горизонтов (Павел Кузнецов уезжает на север России, Мартирос Сарьян – в Армению…) Наш герой удовлетворял свою страсть к путешествиям поездками в Петербург, куда отправлялся по «живописным поручениям» Мельцера и рекомендованных им заказчиков. В 1901 году молодой человек решился проехать на велосипеде через Варшаву и Мюнхен в Италию. В Мюнхене его привлекала школа Антона Ашбе. По дороге велосипедист сделал остановку в Дрездене в знаменитой Картинной галерее.
В тот же год Петров-Водкин познакомился с работами французских импрессионистов (Моне, Ренуаром, Сислеем, Писсарро) на Восьмой художественной выставке. Это знакомство, по словам художника, «посеяло в нем разлад и с самим с собой, и с Мюнхеном, и с Московским училищем».
Молодой живописец был далек от импрессионизма, и эта встреча продемонстрировала ему относительность идеалов, которым он служил.
Перейдя из общих классов МУЖВЗ в мастерскую В. А. Серова, начинающий живописец сразу же произвел впечатление на своего наставника. Вот, что говорил В. А. Серов своему ученику:
«У вас замечательный аппарат, он работает в точности и великолепно. Вы умеете брать натуру и делать из нее живопись».
Летом 1902 года художник приобрел первый опыт работы в церковном искусстве. Его вместе с другими учениками (Кузнецовым, Уткиным) направили расписать одну из церквей города Саратова. Борисов-Мусатов, благословивший молодых людей на сей труд, дал высокую оценку их работе:
«живопись всей саратовской церковной епархии, как старая, так и новая, ровно ничего не стоит в сравнении с этими росписями».
Однако саратовская пресса увидела в этой росписи поношение веры, и по постановлению заседания церковного суда росписи были уничтожены. Трудно судить, кто из этих «ценителей искусства» был прав!
Следующий опыт оказался более удачным. По заказу Мельцера Петров-Водкин исполнил большой картон для майоликового образа Богоматери для фасада церкви Ортопедического клинического института. Этот образ до сих пор находится на том же месте.
После окончания училища молодой живописец оказался в стороне от художественной жизни. Он не вступил в объединение своих товарищей «Голубая роза», хотя противопоставить их концепции ему было нечего. До точного самоопределения оставались годы. Совершив путешествие по Италии, увидев мастеров Проторенессанса и Раннего Возрождения, он почувствовал в их работах близость к его собственному умонастроению. Стиль художника вытачивался после посещения Парижа, который стал главной практической школой, а также после поездки по Северной Африке.
Вернувшись в Санкт-Петербург, Петров-Водкин выставил первую работу «Сон», где ощущается стремление автора к монументальности и символизму.
Ранние работы художника, написанные им в МУЖВЗ под влиянием Борисова-Мусатова и всех веяний, носившихся тогда на рубеже веков, можно считать только «пробой пера». Начиная с 1906 года в работах, написанных в Париже, появляется «нечто символистическое». В них обнаруживалось увлечение автора французским символизмом, в частности, творчеством Пьера Пюви де Шаванна. Вот, что о своем пристрастии вспоминал мастер спустя тридцать лет:
«В обход и Лувра, и новейших течений я трусливо, словно из под полы, любовался Пювисом де Шаванном».
В работах Петрова-Водкина этой поры («Берег» (1908), «Сон» (1910)) проглядывается Пюви: тяготение к бессюжетности и многозначительности образа, блеклый «фресковый» колорит, архаизация, статичность поз.
А.Н. Бенуа говорил о монументальности водкинского стиля следующее:
«Мне хочется, чтобы Водкин добился бы стен и была бы дана ему возможность не спеша, с душевным спокойствием и с тихой сосредоточенностью высказаться в большую величину, целостно и строго».
Годы до революции и после нее относятся к периоду расцвета водкинского творчества.
После революции Кузьма Сергеевич продолжил преподавательскую деятельность в реорганизованной им Академии художеств. Став профессором-руководителем мастерской живописного отделения Высшего художественного училища, он мог донести до слушателей свою теорию «трехцветия» и «сферической перспективы». Далеко не все симпатизировали профессору. К. Сомов отказался преподавать в этой «обновленной Академии», отозвавшись о Петрове-Водкине так: «Все тот же скучный, тупой, претенциозный дурак…»
По словам Петрова-Водкина, к сферической перспективе его подтолкнуло событие, произошедшее с ним в детстве. Будучи подростком, он поднялся на холм и бросился на землю. Вот, как художник описывает этот случай:
«Здесь, на холме, когда я падал наземь, передо мной мелькнуло совершенно новое впечатление от пейзажа, какого я еще никогда, кажется, не получал… Я увидел землю как планету. Обрадованный новым космическим открытием, я стал повторять опыт боковыми движениями головы и варьировать приемы. Очертя глазами весь горизонт, воспринимая его целиком, я оказался на отрезке шара, причем шара полого, с обратной вогнутостью, я очутился как бы в чаше, накрытой трехчетвертьшарием небесного свода. Неожиданная, совершенно новая сферичность обняла меня на этом затоновском холме. Самое головокружительное по захвату было то, что земля оказалась не горизонтальной и Волга держалась, не разливаясь на отвесных округлостях ее массива, и я сам не лежал, а как бы висел на земной стене».
Это открытие проявилось впоследствии в «Купании красного коня» (1912), «Полдень Лето» (1917), «Первые шаги» (1925).
В разгар Советской власти и авангардного искусства до конца своей жизни Петров-Водкин писал, выставлял свои работы и получал заказы.
В 1940-50-е годы его картины исчезли из экспозиций крупных музеев. ТВ 1966 году состоялась посмертная выставка его картин в Русском музее, после которой художник вошел в ряд выдающихся русских живописцев XX столетия.
Тема материнства в творчестве Петрова-Водкина
Одной из главных тем художника является тема материнства. Интерес к ней возник у него вместе с увлечением иконописью, с желания «обхватить» искусством основополагающие понятия человеческого бытия. В работе «Мать» героиня, кормящая грудью ребенка, показана царицей мира. Женщина сидит на высоком холме на фоне бескрайних волжских просторов. Бескрайний пейзаж придает величавость женскому образу, ложится зеленым ковром под ее босыми ногами.
Теме материнства посвящена картина «Утро. Купальщицы» (1917). Это тревожное полотно предваряет по атмосфере «Петроградскую мадонну». Художник изобразил беззащитную мать и дитя, их скудно устроенные тела и теплящуюся в этих хрупких фигурах душу.
Это интересно:
Живопись Петрова-Водкина сложно назвать жанровой. В картине «За самоваром» (1926), кажущейся близкой к обывательству, отсутствует бытовое значение. Бросается в глаза не быт, а нечто тревожное, щемящее. Чувствуется хрупкость отношений, непрочность всего налаженного обихода и страшно становится за этих двух молодых людей, за действенно-белую фарфоровую посуду на синей скатерти.
Нельзя говорить о «жанре» и в жанровой картине «На линии огня» (1916) с раненым бледным офицером, приложившим руку к бьющемуся еще сердцу.
Портреты
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин много работал в жанре портрета. Ему, блестящему портретисту, важно было показать в портрете дух времени. Каждый портрет представляет собой «человека в эпохе». Известно, что человек живет в определенном времени, впитывая в себя приметы времени. Показательным в этом плане является портрет писателя С. Д. Мстиславского, написанный в 1929 году. В портрете отсутствуют дополнительные детали, есть только человек и условный фон. Этим «скудным» средством художнику удалось создать зримый образ своего современника, вынесшего трудности 1905, 1914 и 1917 годов.
В замечательном портрете А. А. Ахматовой исследователей до сих пор занимает загадка: что означает странный фон с человеческой фигурой. Одни утверждают, что за спиной поэтессы изображена ее муза. Другие предполагают, что это фигура Николая Гумилева, расстрелянного в 1921 году.
Чаще всего К. С. Петров-Водкин портретировал родных. Эти портреты достаточно лиричны. На первом месте по степени «задушевности» стоит портрет матери художника Анны Пантелеевны Петровой-Водкиной, созданный в 1909 году.
Натюрморты
Ученик Петрова-Водкина А. В. Самохвалов вспоминал об уроках своего учителя:
«Он говорил: если ты рисуешь карандаш, лежащий на столе, твоя задача определить не только положение этого карандаша к плоскости стола, на которой он лежит, но и его отношение к стенам той комнаты, в которой находится стол, и стен этой комнаты – к мировому пространству, ибо каждая вещь, даже простой карандаш, находится в сфере мирового пространства».
Этому правилу следовал мастер в своих натюрмортах. Он стремился показать «планетарное притяжение», благодаря которым приобретали цельность, значительность и монументальность самые простые композиции. Таковыми являются известные натюрморты художника: «Утренний натюрморт» (1918), «Черемуха в стакане» (1923).
Это интересно:
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин был талантливым скрипачом. Вот, что вспоминала об этом увлечении Мария Федоровна Петрова-Водкина:
«Одним из любимых его занятий была скрипка. Играл вполне профессионально Паганини, Моцарта, но чаще всего Моцарта, чья полная молодости, чистоты и солнца музыка возбуждала творческую фантазию мужа».
Петров-Водкин сказал вечную истину, определяя цели искусства. По мнению мастера, «искусство в некотором роде есть школа для развития нравственности человеческой. Напрасный труд утверждать, что искусство стоит выше или даже наравне с действительностью. Многочисленны, разнообразны красоты жизни (действительности), природа неистощима в материале развития души. Спрашивается, зачем же художник? Многочисленные красоты природы не всякому доступны, находятся иногда в таких закоулках жизни, что нужно зеркало, чтобы найти и отразить эти красоты. Человеку с материальным взглядом на жизнь трудно самому постичь хотя частицу, даже трудно разобраться, отличить красивое от некрасивого, грязного и так далее. Художник же – человек, который обладает тонкой душой, способный не только воспринять идеальное из жизни, но и отразить ясным, понятным для каждого намеком».
Писательская деятельность
Свои биографические повести «Пространство Евклида» и «Хлыновск» художник написал во время болезни с 1928 по 1932 год. В «Самаркандии» он описал свое путешествие по Средней Азии, совершенном в 1921году. Все три повести несколько раз переиздавались и являются самым главным автобиографическим материалом художника.
«Купание красного коня» Петрова-Водкина — картина жизни художника, насыщенной чувствами-красками.В своем рассказе о художнике я поделилась своими впечатлениями о его творчестве и жизни. Очень надеюсь, что материал будет доступен для понимания старшеклассников.
mymelnica.ru
История создании картины «Купание красного коня»
Самая неоднозначная и самая известная картина художника Кузьмы Петрова-Водкина «Купание красного коня», до сих пор вызывает много споров у ценителей искусства. Картина, написанная в 1912 году, была показана на выставке «Мир искусства» и сразу организаторы мероприятия выделили картину, повесив её поверх всей выставки. В связи с этим, с самого первого дня, одни картину стали воспринимать как знамя, другие как мишень.
Однако Петров-Водкин, по окончании написания картины, считал, что её могут не вывесить на всеобщее обозрение, догадываясь о том, что образ красного коня и судьбы России может стать во многом провокационным. Картину успешно показали, но действительно она вызвала некоторый резонанс, так как современники проводили параллели между данной картиной и событиями предреволюционной и послереволюционной эпохи страны.
Работать над картиной Петров-Водкин начал ранней весной 1912 года. Первые наброски художник начал делать на хуторе в саратовской губернии. Сначала идея автора состояла в том, чтобы просто описать купание мальчишек и лошадей на Волге. Этот вариант композиционно был почти закончен, но автор, в данной сцене, увидел дополнительные образы. Он по-новому взглянул на озеро, увидел его голубовато-зелёные оттенки, увидел, как низко висело стылое небо, увидел необычную таинственность в покачивание голых деревьев.
Аккуратно и неспешно Петров-Водкин заново начал срисовывать лошадей, ребятишек, озеро, землю и холмы. Но в эту картину проник, ещё в задумке, новый образ, образ толпы людей, идущих с красными стягами, напротив которых другие, с ружьями…
Вообще образ коня в русском искусстве воспринимается многозначительно. Во многих слоях культуры конь выступает как советчик, спаситель, провидец и тд. Соответственно и в XIX веке образ коня не обошли стороной деятели культуры, и именно на этой традиции Петров-Водкин создаёт свою картину. Поэтому из обычной зарисовки сцены автор идёт к созданию монументально значимого произведения, в котором он уходит от обобщённого образа коня, к образу коня-символа.
Изменение коня было постепенно-эволюционным. В подготовительных зарисовках видно, что изначально конь был захудалой деревенской лошадёнкой рыжего цвета. Под влиянием философской мысли того периода, автор, дабы пронести через образ коня нужную мысль, превращает животное в величественного коня красного цвета. Идею коня красного цвета Петров-Водкин взял с картин древнерусских иконописцев, а в частности с иконы «Чудо архангела Михаила», где конь изображается именно красным цветом.
В картине красный конь символизирует некую былинную мощь. Бледный юноша показывает некоторую хрупкость и изысканность. Так же символичны разводы волн в заливе и плавная дуга розового берега. Немного разобрав основные компоненты картины, сразу становится видна её многогранность и неоднозначность. Торжественный шаг и поза коня с твердой осанкой на одновременном фоне красного цвета, как бы вызывает у зрителя вопрос «Что это всё значит?».
Ещё очень любопытно движение на картине. Оно скорее только обозначено, но никак не выражено, всё как бы застыло на полотне. Такой образ только ещё больше вызывает у зрителей ощущение неясности, ощущение тревоги и ожидания чего-то грядущего.
На фоне величия коня, которое было описано ранее, другой герой картины, юный всадник, кажется маленьким, слабым и хрупким. Сначала бросается в глаза, что именно юноша держит поводья коня, однако чуть позже становится понятно, что, даже держа поводья у себя в руках, всадник не управляет лошадью. Это заметно во многом по выражению лица юноши. Его взгляд отрешён, он как будто пребывает в своих мечтах, в своих мыслях, в своём внутренним мире.
К. Петров-Водкин в своей картине отказался от линейной перспективы. Его красный конь, будто аппликация, просто наложен на изображение озера, что даёт зрительное ощущение нахождения всадника и коня не в картине, а перед ней. Как непосредственно перед зрителем и полотном.
Очень большой смысл в картине имеют цвета. Не просто так конь на переднем плане красный, а остальные на задних планах имеют розовый, буланый и белый цвета. Такая колоритность идёт из старой традиции русских художников, где цвета сталкиваются, а не смешиваются.
Художник, помимо всего прочего, в своей картине наверно хотел ещё рассказать о своих предчувствиях, смутных переживаниях, которые возникали у него в тот период. Все эти цвета, весь этот контраст, образы и части картины, всё это переживания автора, которые нашли своё отражение через полотно и кисть.
О картине «Купание красного коня» неоднократно писались стихи самых известных поэтов того времени (Рюрик Ивнев, Сергей Есенин и др). Кроваво-красный конь, к волнам морским стремящийся С истомным юношей на выпуклой спине, Ты, как немой огонь, вокруг меня крутящийся О многом знаешь ты, о многом шепчешь мне. (Рюрик И.)
Дальнейшая судьба картины была весьма интересной. В 1914 картину отправили на выставку в Швецию, город Мальмё. Из-за начавшейся первой мировой войны, позже гражданской войны, картина всё время оставалась в Швеции. Только по окончании второй мировой войны начались переговоры о возвращении картины на родину. Однако лишь в 1950 году полотно попало в Советский Союз в руки вдовы художника Марии Фёдоровны. Уже от неё картина попала в коллекцию собирательницы К.К. Басевич, а та, в свою очередь, в 1961 году преподнесла её в подарок Третьяковской галерее, где картина находится и по сегодняшний день.
В чём же всё-таки истинный смысл картины «Купание красного коня»? В показании предвестий тяжёлых событий в стране? Может быть, образ коня символизировал свет и защиту? Или просто художник изобразил обычное купание на Волге? В такой неоднозначности мысли автора, возможно, каждый будет находить в картине что-то своё, то, что будет отражать его внутренний мир на момент изучения картины.
Случайные записи
k-a-r-t-i-n-a.ru
«Купание красного коня» картина Петрова-Водкина. 1912г.
Картина Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина «Купание красного коня» известная и в свое время вызвала много споров. Хотелось бы рассказать не о теме, запечатленной на полотне, а о судьбе картины.
В конце мая 1912 года Кузьма Сергеевич с женой решили отправиться в имение Петра Грекова, русского генерала, который давно уже приглашал их в гости. По дороге художник решает заехать к себе на родину в Хвалынск. Там начинает зарождаться картина.
Первый рисунок карандашом с отмеченной датой "Мальчик-всадник" был выполнен 31 мая. В роли натурщика выбран двоюродный брат Кузьмы Сергеевича – Шура. Все время, когда художник был на родине, брат сопровождал его.
Петров-Водкин много размышлял над замыслом картины, об этом доказывают многочисленные наброски, пока еще без натуры, изображающие купающихся лошадей и мальчиков. И, если с натурой человека проблем не возникло, то образ коня оставался еще воображаемым, на рисунках его образ только слегка вырисовывался. Объясняется это очень просто, не было натуры коня, у родителей, где остановился художник, пока еще не было никаких лошадей в хозяйстве.
Пора было ехать на хутор в имение генерала, где художника с женой давно уже ждали. Сразу по приезде Кузьма Сергеевич возвращается к своим замыслам о картине и начинает работать над рисунками лошади.
Вся атмосфера в имении только способствовала творчеству. Художник отмечает это в письмах к матери. Его восторгает и отношение семьи генерала с крестьянами, и река, и вид монастыря с парком. Белые «хохлатские» избушки делают деревню намного наряднее и чище, и это очень отличается от русских деревень.
На хуторе Кузьма Сергеевич пробыл почти два месяца, в это время определился с лошадью для картины, много сделал зарисовок с коня по имени Мальчик. Сохранился датированный 20 июля 1912 года рисунок с изображением коня.
12 сентября Кузьма Сергеевич сделал последний рисунок Мальчика. И в это же время возникает впервые название «Красный конь». В письме своей жене Маре от 8 сентября 1912 года художник пишет, что ему приходится наблюдать за Мальчиком, так как ему надо знать все повадки, все особенности для «Красного коня». Еще он пишет о сюрпризе, который хочет сделать ей по приезде. Собирается привезти ей работу, над которой долго работал, и хочет поделиться произведенным этой работой на него впечатлением. Через два дня художник возвращается домой.
Заехав от генерала опять в Хвалынск, пробыв там немного, в начале октября 1912 года Петров-Водкин возвращается в Петербург. Это лето, когда он смог увидеть своих родных, побывать в гостях у друзей, поправить свое здоровье на свежем воздухе, художник отмечает как одно из своих лучших.
В Петербурге Кузьма Сергеевич продолжает работу над картиной, и это уже будет окончательный вариант. Промежуточный второй сохранился потомкам только в виде фотографии, благодаря дочке генерала Наташе, у которой был фотоаппарат. 16 октября 1912 года в Москве планируется выставка «Мир искусства», на которой Петров-Водкин хочет представить свою картину. И поэтому спешит во всю, не оставляя себе времени на отдых.
Московская выставка открылась 10 ноября 1912 года на Мясницкой улице в здании училища живописи, ваяния и зодчества. А ведь это училище 8 лет назад закончил Петров-Водкин. Это был своего рода экзамен на взрослость. В это время объединение «Мир искусства» переживало кризис, и, чтобы возродить былую славу, было решено влить молодую кровь талантливых художников. Но эти молодые должны были быть последователями классических традиций, без нарождающегося авангарда. Над входной дверью выставки вывесили полотно Кузьмы Сергеевича «Купание красного коня», посчитав, что она станет знаменем, которое сможет сплотить всех художников вокруг себя.
Устроители выставки ошиблись. Знаменем эта картина не стала, ее не поняли не только все рядовые посетители, но даже не все художники. Очень трудны и индивидуальны были мысли автора, претворенные в этой картине.
В периодических издания, в художественных кругах образовалось два лагеря. Нападающая сторона во главе с И.Е.Репиным, и защищающая сторона во главе с А.Бенуа. Вокруг картины Петрова-Водкина разгорелись нешуточные споры, отзывы положительные и отрицательные так и сыпались со всех сторон. Но это классические споры. Репин и его сторонники не поняли Петрова-Водкина в его цветовом решении картины. Красное пятно лошади, желтый голый всадник, розовый берег. Почему не зеленый всадник, не желтый конь, они ничего не поняли. Они увидели только это, не желая даже начать понимать автора. Они считали, что такая картина недостойна была занимать место в зале, где висят произведения В.Серова.
В письме к матери от 24 ноября 1912 года (заметьте связь, она всегда была в курсе творческой жизни сына) Кузьма Сергеевич пишет о постоянных нападках на картину и наоборот, но в любом случае, это большой успех, считает он.
В начале 1913 года выставку перевезли в Петербург, и опять по многочисленным спорам вокруг картины Петрова-Водкина можно было понять, что картина имела огромный успех, заставив художественные круги поволноваться. Благодаря этому художник продает другие свои творения.
В 1914 году весной в Швеции организовали выставку, на которую отправили 50 полотен. 10 работ Петрова-Водкина, среди которых была картина «Купание красного коня». Этим картинам была дана оценка в десятки миллионов долларов.
Началась первая мировая война, затем революция, нормальная жизнь была разрушена. Все картины остались надолго в Швеции, на какое-то время государство о них забыло. Судьба своих картин очень волновала художника, он взял слово у дочери, что она позаботиться об их судьбе.
Прошло почти 100 лет со дня рождения картины, о ее значимости уже никто не спорит. Картину вернули на родину, в этом помогла жена Кузьмы Сергеевича, и теперь эта картина находится среди почетных экспонатов в Третьяковской галерее, постоянно участвуя в многочисленных международных выставках.
Картина Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина «Купание красного коня» известная и в свое время вызвала много споров. Хотелось бы рассказать не о теме, запечатленной на полотне, а о судьбе картины.
В конце мая 1912 года Кузьма Сергеевич с женой решили отправиться в имение Петра Грекова, русского генерала, который давно уже приглашал их в гости. По дороге художник решает заехать к себе на родину в Хвалынск. Там начинает зарождаться картина.
Первый рисунок карандашом с отмеченной датой "Мальчик-всадник" был выполнен 31 мая. В роли натурщика выбран двоюродный брат Кузьмы Сергеевича – Шура. Все время, когда художник был на родине, брат сопровождал его.
Петров-Водкин много размышлял над замыслом картины, об этом доказывают многочисленные наброски, пока еще без натуры, изображающие купающихся лошадей и мальчиков. И, если с натурой человека проблем не возникло, то образ коня оставался еще воображаемым, на рисунках его образ только слегка вырисовывался. Объясняется это очень просто, не было натуры коня, у родителей, где остановился художник, пока еще не было никаких лошадей в хозяйстве.
Пора было ехать на хутор в имение генерала, где художника с женой давно уже ждали. Сразу по приезде Кузьма Сергеевич возвращается к своим замыслам о картине и начинает работать над рисунками лошади.
Вся атмосфера в имении только способствовала творчеству. Художник отмечает это в письмах к матери. Его восторгает и отношение семьи генерала с крестьянами, и река, и вид монастыря с парком. Белые «хохлатские» избушки делают деревню намного наряднее и чище, и это очень отличается от русских деревень.
На хуторе Кузьма Сергеевич пробыл почти два месяца, в это время определился с лошадью для картины, много сделал зарисовок с коня по имени Мальчик. Сохранился датированный 20 июля 1912 года рисунок с изображением коня.
12 сентября Кузьма Сергеевич сделал последний рисунок Мальчика. И в это же время возникает впервые название «Красный конь». В письме своей жене Маре от 8 сентября 1912 года художник пишет, что ему приходится наблюдать за Мальчиком, так как ему надо знать все повадки, все особенности для «Красного коня». Еще он пишет о сюрпризе, который хочет сделать ей по приезде. Собирается привезти ей работу, над которой долго работал, и хочет поделиться произведенным этой работой на него впечатлением. Через два дня художник возвращается домой.
Заехав от генерала опять в Хвалынск, пробыв там немного, в начале октября 1912 года Петров-Водкин возвращается в Петербург. Это лето, когда он смог увидеть своих родных, побывать в гостях у друзей, поправить свое здоровье на свежем воздухе, художник отмечает как одно из своих лучших.
В Петербурге Кузьма Сергеевич продолжает работу над картиной, и это уже будет окончательный вариант. Промежуточный второй сохранился потомкам только в виде фотографии, благодаря дочке генерала Наташе, у которой был фотоаппарат. 16 октября 1912 года в Москве планируется выставка «Мир искусства», на которой Петров-Водкин хочет представить свою картину. И поэтому спешит во всю, не оставляя себе времени на отдых.
Московская выставка открылась 10 ноября 1912 года на Мясницкой улице в здании училища живописи, ваяния и зодчества. А ведь это училище 8 лет назад закончил Петров-Водкин. Это был своего рода экзамен на взрослость. В это время объединение «Мир искусства» переживало кризис, и, чтобы возродить былую славу, было решено влить молодую кровь талантливых художников. Но эти молодые должны были быть последователями классических традиций, без нарождающегося авангарда. Над входной дверью выставки вывесили полотно Кузьмы Сергеевича «Купание красного коня», посчитав, что она станет знаменем, которое сможет сплотить всех художников вокруг себя.
Устроители выставки ошиблись. Знаменем эта картина не стала, ее не поняли не только все рядовые посетители, но даже не все художники. Очень трудны и индивидуальны были мысли автора, претворенные в этой картине.
В периодических издания, в художественных кругах образовалось два лагеря. Нападающая сторона во главе с И.Е.Репиным, и защищающая сторона во главе с А.Бенуа. Вокруг картины Петрова-Водкина разгорелись нешуточные споры, отзывы положительные и отрицательные так и сыпались со всех сторон. Но это классические споры. Репин и его сторонники не поняли Петрова-Водкина в его цветовом решении картины. Красное пятно лошади, желтый голый всадник, розовый берег. Почему не зеленый всадник, не желтый конь, они ничего не поняли. Они увидели только это, не желая даже начать понимать автора. Они считали, что такая картина недостойна была занимать место в зале, где висят произведения В.Серова.
В письме к матери от 24 ноября 1912 года (заметьте связь, она всегда была в курсе творческой жизни сына) Кузьма Сергеевич пишет о постоянных нападках на картину и наоборот, но в любом случае, это большой успех, считает он.
В начале 1913 года выставку перевезли в Петербург, и опять по многочисленным спорам вокруг картины Петрова-Водкина можно было понять, что картина имела огромный успех, заставив художественные круги поволноваться. Благодаря этому художник продает другие свои творения.
В 1914 году весной в Швеции организовали выставку, на которую отправили 50 полотен. 10 работ Петрова-Водкина, среди которых была картина «Купание красного коня». Этим картинам была дана оценка в десятки миллионов долларов.
Началась первая мировая война, затем революция, нормальная жизнь была разрушена. Все картины остались надолго в Швеции, на какое-то время государство о них забыло. Судьба своих картин очень волновала художника, он взял слово у дочери, что она позаботиться об их судьбе.
Прошло почти 100 лет со дня рождения картины, о ее значимости уже никто не спорит. Картину вернули на родину, в этом помогла жена Кузьмы Сергеевича, и теперь эта картина находится среди почетных экспонатов в Третьяковской галерее, постоянно участвуя в многочисленных международных выставках.
5sec.info
КУПАНИЕ В ЖИВОПИСИ (Часть 6 - В УШАТЕ, ЛОХАНИ И В ВАННЕ... Купание детей в русской и советской живоп
Понятное дело, что практически все эти картины не раз побывали в дневниках и галереях блогеров, причем, в разных темах. И в материалах, посвященных персоналиям художников, и в тематических подборках "Материнство", "Дети в живописи" или "Водные процедуры". Да и у меня в дневнике некоторые картины были представлены уже, например, в банных и военных галереях... В архивах своего дневника обнаружил, что вместе с "ветеранами" Ли.ру Ириной (РЕТРОкалейдоскоп) и Алёной (Диаскоп) мы даже собрали пять галерей, посвященных ваннам и купанию. Это я к тому, что Америк вам не открою, и многие картины вам известны. Толчком же поискать в своих папках картины на тему "Купание детей" послужила найденная совсем недавно в Сети картина Марка Шагала на эту тему. Заглянув в свои папки, я обнаружил еще полсотни картин о купании ребятишек дома и в бане. Вот и решил в преддверии 1 июня собрать и выложить несколько галерей, чтобы, показав картины вам, "закрыть" для себя тему. А эпиграфом к сегодняшнему вернисажу я возьму, конечно же, всем известные с детства строчки Корнея Ивановича Чуковского... ))***Давайте же мыться, плескаться,Купаться, нырять, кувыркатьсяВ ушате, в корыте, в лохани,В реке, в ручейке, в океане, -И в ванне, и в бане,Всегда и везде -Вечная слава воде!Корней Чуковский"Мойдодыр", 1921 г.
Кустодиев Борис Михайлович (1878-1927) Утро. 1904 г.
Васильев Владимир Александрович (1895-1967) Сын родился. 1937 г. Пермская художественная галерея
Титов Константин Александрович (1913-1996) В семье. 1947 г.
Ткачевы Сергей Петрович (род. 1922) и Алексей Петрович (род. 1925) В бане. 1974 г.
Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005) Купание. 1960-е гг.
Хохловкина Эльза Давидовна (род. 1934) Купание. 2006 г.
Терещенко Валентин Степанович (род. 1941) Чистая суббота. 2005 г.
Зубов Евгений Александрович (Россия, 1955) Сын. 1984 г.
Гусев Владимир Сергеевич (род. 1957) Купание.
Шагал Марк Захарович (1887-1985) Купание ребенка. 1916 г. Псковский музей-заповедник
Агабабаева-Шебашева Валентина Алексеевна (род. 1927) Дома. 1955 г.
Родионов Валерий Васильевич (род. 1929) В бане. 1993 г.
Марченко Нина Яковлевна (род. 1940) Мир. Конец войны. 1975-1976 гг.
Зайцев Егор Николаевич (род. 1967) В старом доме. 2013 г.
Калын (Михнёва) Татьяна Анатольевна (род. 1969) Счастье в чистом виде.
Калын (Михнёва) Татьяна Анатольевна (род. 1969) Счастье в чистом виде II.
Смирнова Светлана Алексеевна (род. 1969) Утром. 2008 г.
Руднев Максим Николаевич (род. 1976) Купание в общежитии. 2007 г.
Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru
parashutov.livejournal.com
Франсуа Буше Купание Дианы: Описание произведения
Хранящееся в Лувре «Купание Дианы» Франсуа Буше – одна из характернейших картин искусства рококо. Несмотря на отточенное художественное совершенство, её не приняли современные художнику критики. Зато «Купание Дианы» (вместе с написанным семью годами позже и стилистически сходным «Тулетом Венеры») очень любил и высоко ценил импрессионист Огюст Ренуар. А обнажённая в «Завтраке на траве» Эдуара Мане похожа на эту Диану Буше, как сестра.Буше любил изображать красивое обнажённое женское тело – в этом никто из современников не мог с ним тягаться. Знатоки и критики всегда с удовольствием отмечали, как изящны у его героинь запястья, ступни и лодыжки, сколь алебастрово прозрачна кожа. Без всяких опасений художник традиционно для себя выставил картину на парижском Салоне 1742 года, поскольку здесь ему всегда способствовал успех.
По психологическому типу Буше вовсе не принадлежал к числу сильных и уверенных личностей, которые «гнут свою линию» в искусстве. Напротив, он легко шёл на компромиссы с заказчиками и текущими трендами. Салонная мода на рококо как нельзя лучше соответствовала его собственным творческим устремлениям. «Купание Дианы» стало квинтэссенцией черт этого нового искусства: чувственная грация с небольшой долей манерности, нежнейшее сочетание розового, жемчужного и голубого в колорите, извилистое и грациозное переплетение линий (ставшее еще прихотливее благодаря тому, что Буше избрал неординарный ракурс немного снизу) – всё это было одновременно и характернейшими признаками стиля самого Буше.
Увы, Салон 1742 года стал для художника провальным. «Купание Дианы» не удостоилось ни одного положительного отклика, получило несколько критических пинков и спустя всего лишь несколько дней было снято с экспозиции.
Но еще несколько лет по картине «проходился», изощряясь в интеллектуальных эскападах, просветитель Дени Дидро. Теперь было уже невозможно представить, что когда-то в юности он восхищался непревзойдённым колоритом Буше. Но художник как будто разочаровал энциклопедиста тем, что остался верен сверхлегкомысленным темам. Дидро требовал от большого искусства глубины и серьёзности. И это было как раз то, чего Буше никак не мог ему дать. И потому Дидро исходил на остроты.
Это именно по поводу «Купания Дианы» было сказано, что Буше спекулирует на античности, а сам только и думает, как раздеть своих героинь. О самих героинях Дидро писал: «Их нарумяненные тела должны восхищать щеголей» и «Да кто они такие – все эти девушки Буше? Изящные представительницы полусвета, и больше ничего!». Следующим обвинением от Дидро стало то, что своим пристрастием к обнажённой натуре Буше потакает вкусам низшего сословия. И это было даже странно: низшие сословия во всём ориентировались на вкусы парижской знати и жадно перенимали их, и как раз запрос на изящное и легкомысленно-утонченное формировался «сверху». Но самым обидным обвинением от Дидро стало даже не это. А то, что он обвинил Буше в том, что тот проституирует собственную жену. Дело в том, что многие Венеры и Дианы Буше (наша – не исключение) имели личико его жены Мари-Жанны. Писать обнажённую героиню с законной супруги – это было как-то слишком даже для свободных сексуальных нравов XVIII века.
Современные исследователи, впрочем, уверены, что репутация мадам Буше не пострадала: для изображения великолепных обнажённых тел её муж прибегал к услугам натурщиц. Ну, а «Купание Дианы», с треском провалившееся на Салоне 1742 года, сейчас считается одним из истинных шедевров Буше.
Автор: Анна Вчерашняя
artchive.ru
Описание картины Франсуа Буше «Купание Дианы»
Творческая биография великого художника Франсуа Буше богата на самые разные картины, но и среди них можно найти самые популярные, почитаемые и обожаемые публикой произведения. К таковым относится его работа Купание Дианы.
Олимпийская богиня невиданной красоты предстала в работе художника в виде прекраснейшей чаровницы, которая словно на несколько минут остановилась для отдыха после очередных охотничьих забав возле ручья. Здесь следует отметить, что автор произведения не стремился к тому, чтобы в точности повторить те греческие мифы, которые были сложены на тот момент о Диане.
Это говорит о том, что Буше не интересовали мифологии как истории или как легенды мира. Он использовал и черпал знания для того, чтобы как можно лучше и красивее изобразить богиню с ее женственностью и красотой. Это можно понять, если посмотреть на одни только глаза Дианы. Поэтому Купание Дианы – это нежность. Героиня работы художника живет здесь для того, чтобы дарить заботу и усладу каждому, кто в них нуждается.
Поэтому эта картина Франсуа Буше является одной из картин-представителей искусства рококо. Что примечательно – несмотря на то, что Буше был профессионалом и художником от бога, картину не приняли критику. Но ее полюбил и ценил в свое время великий импрессионист Огюст Ренуар.
Буше в большинстве своих картин любил идеальные по своей красоте женские обнаженные тела. За свою творческую жизнь он настолько развил это направление, что с ним никто уже не мог в этом тягаться или составлять ему конкуренцию. Критики и знатоки его работы отмечали, что у женщин, которых он изображал, были отлично прорисованы запястья. Лодыжки, ступни и кожа. Поэтому картины получались такими волшебными и притягивающими, но особенно сильно к ним притягивало представителей мужского пола.
opisanie-kartin.com
