Музей ЧерномырдинаФонтан как символ в искусстве: Прощай, фонтан слез! Да здравствует, источник радости! Картина фонтан
Описание картины Сальвадора Дали «Фонтан»
Сальвадор Дали – один из известнейших представителей сюрреалистического направления в изобразительном искусстве. Его полотна подвластны пониманию далеко не каждого зрителя, они требуют определенной подготовки к восприятию.
Картины Дали пропитаны символизмом отдельных черт, которые сопутствуют практически каждому его творению. Картина «Фонтан» написана Дали в 1930 году.
Картина оставляет неоднозначные впечатления после ее просмотра. Первое, что привлекает внимание – огромный предмет в центре полотна, который и является фонтаном. На одной его стороне виден образ женского лица. У лица выпученные белки глаз, зрачки отсутствуют. Также у этого образа зашит рот. Это изображение одновременно пугает и притягивает, зрителю хочется понять, что же этим образом хотел донести автор. Прежде всего, этот образ олицетворяет панику и безысходность.
Подобные эмоции выражают и фигуры людей на переднем плане. Выражение их тел олицетворяет ужас, растерянность. В противовес их эмоциям в правом углу полотна изображено множество различных ключей. Они – символ вариантов выхода и разрешения их проблем. Но людей не интересует наличие выхода из этой ситуации, они не обращают никакого внимания на ключи.
Фон картины навевает на зрителя чувство паники. Пространство, в котором находятся фигуры, не имеет четких границ, оно бесконечно. Дали изобразил окружающий интерьер в космических мрачных цветах. Такая цветовая гамма создает предпосылки для меланхолического созерцания и понимания идеи картины.
Апофеозом к изображенной на картине ситуации становится фигура собаки не переднем плане. Она стоит неподвижно возле двух человеческих фигур. Собаке безразлично происходящее – она не испытывает не ужаса, ни паники, ей безразлично все происходящее вокруг.
opisanie-kartin.com
Лучо Фонтана: жизнь и творчество художника
Лучо Фонтана (итал. Lucio Fontana, 19 февраля 1899, Росарио, Санта-Фе, Аргентина — 7 сентября, 1968, Ломбардия) — итальянский живописец, скульптор, теоретик, абстракционист и новатор.
СОДЕРЖАНИЕ
Биография художника
Творчество Лучо Фонтана
Картины Лучо Фонтана
Библиография
БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Лучо Фонтана родился в 1899 в Росарио-де-Санта-Фе, Аргентина. Его отец, Луиджи Фонтана, был итальянским скульптором. Луиджи привез сына в Милан в 1905 для получения образования, Лючио начал работать в качестве подмастерья в студии отца в возрасте десяти лет.
После Первой мировой войны Фонтана открыл свою собственную студию в Аргентине, а позднее вернулся в Милан в 1928.
Выставка Лучо Фонтана в Милане в 1930 стала первой выставкой нефигуративной скульптуры в Италии. В 1934 вступил в парижскую группу «Абстракция-Творчество».
В 1946 Фонтана основал частную художественную школу, назвав её Академия Альтамира, которая стала важным культурным центром. Именно здесь, в постоянном контакте с молодыми художниками, он сформулировал свою теорию об искусстве, опубликовав затем «Белый Манифест» («Manifesto Blanco»), призывавший к искусству, которое будет охватывать области науки и техники и использовать такие вещи, как неон, радио и телевидение.
В 1947 основал спатиалистское движение и издал «Технический манифест спациализма».
1949 является поворотным моментом в карьере художника — он одновременно создал «Buchi» (первую серию картин, в которых он проткнул холст) и первую пространственную композицию «Spatial Environment» (галерея Naviglio, Милан), которая предвосхитила более поздние достижения в области искусства — энвайронмент, перформанс и арте повера. Эта первая временная инсталляция состояла из гигантской амебообразной формы в затемненной комнате и была освещенная неоновыми огнями.
Вскоре после этого Фонтана начал использовать неоновые трубки в своих работах.
В 1966 Лучо Фонтана принял участие в Венецианской биеннале, а в 1968 — в Документе в Касселе. Для выставки в Венеции он создал энвайронмент для экспозиции своих работ.
Двумя годами позже он умер в Каммабио под Варезе в 69-летнем возрасте.
ТВОРЧЕСТВО ЛУЧО ФОНТАНО
Самыми характерными для Фонтана произведениями стали картины с прорезями и разрывами, которые принесли ему широкую известность. Впервые со времен Малевича картина была преобразована таким радикальным способом.
Concept Spatiale 
Concept Spatiale 
Concept Spatiale Выполнив свой первый заказ — изготовление бронзового памятника для жителей Розарио-де-Санта-Фе,- Фонтана обучался скульптуре у символиста Адольфо Вильдта. Скульптурные работы того времени демонстрируют пристрастие Фонтаны к четким контурам и «сглаженной» передаче пластики. В серии рельефов «Черные скульптуры» (1931) он расположил уступами один под другим различные терракотовые уровни. Объемы изображенных мужских фигур передаются за счет нацарапанных контуров и нанесенных затем цветов.
Отказ от иллюзионистского искусства и стремление к созданию пространственного эффекта привели к появлению в начале 30-х дощечек граффито (ит. sgraffito букв, выцарапанный). На этих гипсовых дощечках Фонтана рисовал беспредметные формы, которые казались парящими на фоне рассеянного света. С1934 он делал покрытые бронзой цементные, гипсовые и металлические пластины, которые, располагаясь определенным образом, создавали пространственный эффект. Одновременно с этим появились скульптуры из стальной проволоки, создававшие эффект движущихся в пространстве линий. В 1934 Фонтана стал одним из основателей миланской секции парижской группы «Abstraction-Creation», которая представляла беспредметное искусство.
После возвращения Фонтаны в Италию появились (начиная с 1947) манифесты так называемого «Спациализмо» (от Spazio — пространство): концепция «специалистов» состояла в том, что на смену всем статическим видам искусства должно прийти искусство динамическое.
Художники должны были дать «индивидууму возможность проявить и развить силу своего воображения» и освободиться от «всякой художественной и пропагандистской риторики».
Работа художника должна воздействовать исключительно на силу воображения зрителя. С этими намерениями была связана разработанная Фонтаной новая концепция пространства: он проделывал дыры в своих картинах. Этим он создавал эффект многомерной пластичности, вытеснявшей собой двухмерность холста, и способствовал «втягиванию» картины в пространство: «дырявая» картина, особенно черно-белая, разворачивалась во всех направлениях, устраняя собственные границы. Зритель, по мнению Фонтаны, должен был видеть пространство как «безграничную непрерывность, свободную во всех проявлениях».
Соответственно этому художник характеризовал свои работы как «Пространственную концепцию» (Concetto spaziale) — и шла ли речь о живописи или о скульптуре, было для него совершенно неважно. В начале 50-х появились первые «Pietre» («Камни»), на которые Фонтана наклеил куски цветного стекла и проделал отверстия. Благодаря этим отверстиям переливающиеся поверхности скульптур казались отодвинутыми на задний план.
La luna a Venezia 1961 
Concetto spaziale 1956 В 1958 Фонтана закончил первую «тальи» — картину с прорезами полотна. Под холст он подкладывал марлю, чтобы сделать более ощутимым пространственный эффект: в соответствии с тем, какой материал испытывал большее натяжение, он наносил прорезы спереди или сзади картины.
Благодаря такой технике создавалось впечатление таинственных глубин за холстом или какого-то неопределенного светлого пространства перед ним.
Сначала он делал в холсте небольшие прорезы в смешанных красках; но со временем стал делать их преимущественно на монохромных плоскостях, при этом увеличились их длина и общее количество. Создававшие эффект движения составляющие отклонялись от строгого вертикального расположения. Во время работы над «тальи» он создал серию «Кукольный театр» (1964-66): перед продырявленным холстом Фонтана расположил вращающуюся узкую деревянную доску, силуэт которой напоминал составляющие ландшафта. Этим художник добивался «эффекта потайного окошка».
БИБЛИОГРАФИЯ
- Orford, Emily-Jane Hills. (2008). «The Creative Spirit: Stories of 20th Century Artists». Ottawa: Baico Publishing
- Whitfield, Sarah (2000). Lucio Fontana. University of California Press
- Richard Kostelanetz, H. R. Brittain, A Dictionary of the Avant-Gardes, Routledge, 2001
- Sarah Whitfield, Lucio Fontana, University of California Press, 2000
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: en.wikipedia.org, ru.wikipedia.org, ikleiner.ru
Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы и наши читатели будем вам очень благодарны.
Лучо Фонтана: картины художника
Творчество. Свобода. Живопись.Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
Лучо Фонтана: жизнь и творчество художника
Проголосуйтеallpainters.ru
Прощай, фонтан слез! Да здравствует, источник радости!: vakin
Фонтаны некрасивыми не бывают. Для людей Древнего мира, цивилизаций Средиземноморья и Азии это гидравлическое устройство было жизненно важным. И бедные, и богатые равно нуждались в воде и все потянулись к источнику… Художники не обделили декорированный источник своим вниманием и он занял свое место среди живописных кодов. Попробуем расшифровать тайные знаки прошлого и их трансформацию. Итак, знакомый всем фонтан, как символ в живописи.Питер Пауль Рубенс. Вирсавия в купальнеок.1635. 175х126. Картинная галерея Дрезден. gallerix.ruКликабельно - 4320 × 5942 pxСтрогая вертикаль рукомойника
Преемница римской империи — Византия передала христианству это благо древней цивилизации в виде многозначного символа. Прежде всего, для омовения рук священники перед службой использовали специальный рукомойник, который называется лавабо. Это приспособление в католических монастырях чаще всего имело форму фонтана.
Поскольку церкви была необходима жесткая организационная вертикаль, то неудивительно, что в иконописном искусстве появился мотив многоярусного фонтана, объединяющего церковь и общество. Верхний ярус, как правило, символизировал идею Бога, даровавшего святую воду — животворную для христианского общества.
Подобное представление о мироустройстве отразилось на алтарном полотне «Фонтан грации и триумф Экклесии» работы последователя Ван-Эйка.
Символ купели в виде фонтана, как места для крещения (баптистерия) и в то же время Рая впервые появился в V веке в иллюминированных манускриптах и позже в настенных росписях.
Как правило, это фонтан шестигранной структуры, накрытый куполом. Колонны на переднем плане представляют четырех Евангелистов, от которых берет силу слово Господа и четыре потока Рая, символизирующих поток Божьей благодати даруемой всем. (Иллюстрации к Библии эпохи Каролингов, заказанной для увековечивания крещения сына Карла Великого в 781, а также в Евангелии из монастыря Св. Медарда в Суассоне).
Раннехристианский (часто встречающийся в катакомбах) сюжет — Святые Петр и Павел и два голубя у фонтана, символизирующие души, пьют из источника живой воды в раю. (Мавзолей Галлы Плацидии. Вторая четверть V века. Равенна).
Кровь, однако ж, не водица
Идея жертвенности Христа своеобразно трансформировалась в Западной живописи, правда, и тут она достигла вершин изощренности. Как это можно видеть на центральной картине Гентского алтаря («Поклонение мистическому агнцу»), завершенной в 1432 году Яном Ван Эйком.
Агнец, символизирующий Христа, стоит на жертвенном алтаре, а из его ран течет кровь, наполняющая Фонтан жизни, символ христианской веры, с надписью: «Это источник воды жизни, исходящий от престола Бога и Агнца». Вода из нижней части фонтана выливается в русло, уложенное драгоценными камнями и стекает в направлении алтаря.
Аналогичный сюжет присутствует в миниатюре Книги часов, вероятно рисованной в Генте в конце XV столетия.
В дальнейшем эта тема успешно прижилась в испанской культуре, приверженной кровавым религиозным традициям, как, например, на этой мексиканской иконе XVIII века из Бруклинского музея.
Сердце Райского сада
Жарким днем, пожалуй, не найти лучшего места для отдыха, чем у прохладной водицы в тени деревьев. Настоящий райский уголок. Именно поэтому уже в садах раннего Средневековья фонтан стал фактически необходимым атрибутом, символом Эдемского сада и романтической любви.
Монастырский двор, обычно квадратный, делился узкими дорожками на четыре квадратные части крестообразно (что имело символическое значение). В центре, на пересечении дорожек, полагалось быть колодцу или фонтану, в общем, небольшому водоему, который, кроме того, что символизировал чистоту веры и неиссякаемую благодать служил по назначению — снабжал водой. И в этой связи нельзя не вспомнить библейскую историю о Вирсавии (Батсебе).
Парис Бордоне (1500−1571). Батсеба
Сюжет о красавице, которую царь Давид увел от мужа — военачальника Урии и ставшая матерью царя Соломона — один из любимейших в изобразительном искусстве, начиная с иллюстраций XI—XII вв. В этом случае красавица не столько совершает омовение, сколько эта гигиеническая процедура в купели отождествляется с крещением. Батсеба нередко символизирует Непорочную, а царь Давид — Господа и супруга стремится очиститься перед встречей с возлюбленным.
Карл Брюллов. Вирсавия
Живоносный источник
Популярный мотив православных икон — Богоматерь с младенцем в фонтане, из которого выливается вода. (Живоносный источник. Монастырь Зоодоху Пиги, о. Корфу). Традиция происходит от источника близ Константинополя, где проявилась чудодейственная благодать Божьей матери. В то же время, Живоносным источником называют саму Богородицу.
Следует учесть, что источник Пресвятой Девы — реально существует на Святой Земле, в Назарете, где происходили ключевые библейские события: Благовещение. Дело в том, что вода в этом месте поступает из двух цистерн, наполняющихся весной и осенью. Эта система существует с древности и вполне могла помнить Пресвятую Деву. Неудивительно, что фонтан оказался связан с Благовещеньем Пресвятой Богородицы, весенним праздником расцветающей природы и полноводных потоков. Именно поэтому зачатие Христа связано с весной и вешними водами и, опять таки, фонтаном. Изображение эстетизированного источника воды на картинах трактуется не только как символ нарождающейся жизни, но и как проявляющейся Веры.
В погоне за вечной молодостью
Фонтаны Италии, конечно, заслуживают отдельного разговора. Эти архитектурные шедевры совершенно не разделяли сумрачный настрой адептов христианства, призывающих к ограничениям и воздержанности. Фонтаны ренессанса и барокко переполняет языческая радость, а обращение к античности и вовсе свидетельство об иных идеалах и ценностях.
Идея фонтана (верней, источника) вечной молодости, (он же фонтан живой воды) приобрела особую популярность в позднем средевековье и к религии этот сюжет уже не имеет никакого значения. (Во внутреннем мире человека особое место начала завоевывать эротика, к тому же, если учесть сложные отношения средневекового общества с гигиеной тела). Это чудо искали все: от Геродота до Александра Македонского.
Почти за 1,5 века до Кранаха. Жак Иверни. Фонтан молодости, деталь, фреска.
Неудивительно, что Лукас Кранах Старший (1472−1553) картину «Фонтан вечной юности» (1546) рисовал в 74 года. Увы, зима жизни — нелегкое испытание. И совершенно очевидно, что к религии этот сюжет уже не имеет никакого отношения: пожилые люди, кто самостоятельно, а некоторых приносят, погружаются в бассейн. Через некоторое время они выходят уже молодыми, достаточно модно одетыми и прекрасно проводят время. Как никак, у Иеронимуса Босха парк с фонтаном уже символизировал сладострастие и плотское наслаждение («Сад земных наслаждений», «Путник»; 1500−1510), хотя над этими человеческими слабостями еще довлело предчувствие Страшного Суда.
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. 1500—1510Дерево, масло. 389,005 × 220 смМузей Прадо, Мадрид. ВикискладКликабельно - 2952 × 1574 px
Путти, оживляющий воду
Картина Тициана «Любовь земная и небесная» (1514), привлекающая внимание прежде всего, изображенными красавицами, на самом деле полна загадок. Фонтан на полотне и вовсе оказывается саркофагом, правда Купидон своей ручкой оживляет мертвую воду. Изображения фонтана и большого дерева имеют множественные значения. Для кого-то это чистая река «Воды жизни» и Древо жизни, дающее листья «для исцеления народов» (Книга Бытия, Откровения Иоанна Богослова). Для кого-то — Древо жизни, и Вода жизни ассоциируются с таинствами Церкви — крещением и Евхаристией. В этом случае жест руки путти, перемешивающего воду в фонтане, порой связывают с ритуалом крещения, в частности с освящением воды купели.
О времена, о нравы…
Дадаистов тошнило от изысканных символистов, реалистов, и прочих любителей красивостей, отражающих томный мир с волоокими девами, гуляющими по роскошным садам и паркам и мечтательно заглядывающимися на свое отражение в воде. Очевидно, это и подтолкнуло Марселя Дюшана предложить свой вариант источника — и радости, и жизни, и вечной молодости.
На нью-йоркской Выставке независимых в 1917 художник представил писсуар под названием «Фонтан». Ироничное название этого объекта придавало ему статус «произведения искусства».
Нынче этот реди-мейд (предмет, который становится предметом искусства потому, что художник объявляет его таковым) почитают как важную веху направления искусства XX века, а британские специалисты признали его величайшим произведением своей эпохи.
Традицию продолжил Брюс Науман, представив различные вариации все того же фонтана и самая популярная из них — «Автопортрет в виде фонтана». Обыгрывая среди прочего шедевр Дюшана. И в данном случае реди-мэйд — сам человек. Он дал свой ответ на вопрос: что делает художника художником?
Ян Фабр, бельгийский художник и театральный постановщик тоже не прошел мимо многозначного символа в инсталляции «Фонтан мира как молодой художник». Среди надгробий лежит молодой человек (Фабр очень любит масштабные инсталляции) с расстегнутой ширинкой. Каждые 10 минут появляется фонтан спермы — символ жизни и омолаживания.
Одно можно сказать — пока живы художники — фонтан всегда будет востребован. Уж очень много символических значений он в себя вобрал.
Автор Елена НастюкИсточник - Артхив
vakin.livejournal.com
Философия разрушительного: вселенная Лучо Фонтана
Творить, резать, протыкать и снова творить. Безумие? Нет, искусство. То, с чего начинался Лучо Фонтана (итал. Lucio Fontana, 1899–1968) как творец, может показаться достаточно стереотипным.
Как и многие яркие деятели искусства ХХ века, родившись в семье небогатого художника, рано ушел на фронт первой мировой войны, навсегда поставил на себе печать «потерянного поколения» и застал пик эпохи западного авангарда.
В биографии Фонтана отмечены бесконечные вынужденные скитания по миру и преследующие его призраки войны, что неминуемо привело художника и скульптора к философским и теоретическим размышлениям о смысле жизни и высшем разуме.
Лучо верил, что его искусство должно стать частью чего-то более глобального, поэтому составлял множество трактатов и манифестов, а также выражал свое особенное видение мира в неожиданных и удивительных произведениях.
Фонтана никогда не останавливался на одном жанре и технике, он всегда находился в поисках новых форм, однако в итоге Лучо стал заложником пусть и инновационного, но все-таки однотипного образа-штампа. Монохромный холст, рассеченный вертикальными ножевыми разрезами в одном или нескольких местах, – вот тот визуальный образ, который привнес Лучо Фонтана.
Взглянув на картины Фонтана впервые, практически каждый даст им предсказуемую и ошибочную трактовку, окрестив художника вандалом-анархистом. В общем-то, попытки обезобразить и деформировать изобразительное искусство в его традиционном понимании предпринимались не одним Фонтана.
ХХ век изобилует такими опытами: там и Казимир Малевич со своим «Черным квадратом», и кубизм Пабло Пикассо, и рисовавший голыми телами натурщиц Ив Кляйн, — поразительного было в избытке. Однако Фонтана отнюдь не был одержим идеей разрушения столпов классицизма, его работы несли и продолжают нести в себе куда более глубокий замысел, в них прослеживается абсолютно понятная философия восприятия мира и его устройства.
Абсолютное большинство работ Лучо Фонтана имеют одно и то же название — concetto spaziale, что в приблизительном переводе на русский язык звучит как «пространственный концепт» или «пространственное представление».
Такое название Фонтана присваивал как живописи, так и скульптуре. Такой ход творец сделал не для того, чтобы запутать своего зрителя, он лишь хотел еще раз подчеркнуть, что каждая новая его работа несет в себе продолжение философии Лучо, а также открывает новые грани его собственной Вселенной. В конце концов, больше всего Фонтана желал сделать искусство объемным, трехмерным и максимально живым.
Благодаря приверженности своим идеям, Лучо Фонтана изобрел совершенно новый жанр в искусстве, который называется спациализм — от итальянского spazio — «пространство», «объем». Правда, сам мастер больше любил английское звучание этого термина, который означает «космос».
Однажды Лучо Фонтана сам высказался о своем творчестве следующим образом: «Я всегда считал себя первооткрывателем, и поэтому многие не могут понять, о чем говорят мои вещи, для чего они сделаны. Дыры, разрезы, отверстия — это мои открытия. В сущности, я освободил искусство. Вывел живопись из узких рамок картины, дал ей другую глубину, новое измерение. Только дураки думали, что я резал холст, потому что хотел уничтожить картину».
Мастер подклеивал черные бархатные лоскуты к подрамникам, чтобы метафорически обозначить саму Вселенную, которая смотрит на зрителя сквозь рваные отверстия на холсте. Посредством своих работ, Лучо Фонтана как бы хотел обозначить четвертое измерение.
Так где же то божественное в работах Фонтана, о котором говорилось вначале? На самом деле, божественное там везде. Лучо весьма скептически отзывался о творениях великих мастеров, на которых Бог изображался в понятном и знакомом человеку образе. Фонтана считал, что ни одно живое существо на нашей планете не имеет возможности постичь Бога и увидеть его облик. Для Лучо все божественное проявлялось в бесконечной неразгаданной Вселенной, именно там, неделимо с наукой, и следовало бы искать Бога.
Работу в рамках собственной концепции Лучо Фонтана начал с 1949 года. Как отмечал сам творец, садясь перед одной из своих прорезей, он ощущал, что дух его освобождается, вырываясь из оков материи, принадлежащих к бесконечному простору прошлого, настоящего и будущего. На протяжении двадцати лет мастер создавал по пазлам свою «Пространственную концепцию», а за несколько лет до смерти перешел к работе с новой философской серией «Конец бога» — творения этой серии представляют собой разного цвета яйца из картона, испещренные дырками и прорезями.
1966 год подарил мировому искусству невероятную, в какой-то степени даже магическую конкурсную выставку, организованную Лучо Фонтана совместно с итальянским архитектором Карло Скарпой. Белый овальный зал был уставлен холстами, среди которых практически исчезало пространственно-временное ощущение.
Такой эффект был получен благодаря особой игре со светом и цветом, сам же прием тогда являлся новаторским. Концепт носил название «Ожидание» и стал победителем венецианской Биеннале. После столь яркой победы, стиль Фонтана стали заимствовать не только художники или скульпторы, но и дизайнеры. Именно благодаря Лучо Фонтана сегодня мы имеем излюбленные приемы дизайна интерьера и неоновый свет.
Фонтана имел невероятные заслуги не только перед Италией, вытащив ее из страшного творческого кризиса, но и перед всем современным миром. Это человек, давший искусству новый глоток воздуха и показавший миру, что новаторство должно быть не актом вандализма или пустым шоком, оно обязано давать истории искусства новые темы для размышлений и осознания.
artifex.ru
Самые красивые фонтаны мира. Фото
Фонтан – венец архитектурного творчества, который приносит атмосферу праздника. Фонтаны, располагающиеся в различных странах, отличаются своей тематикой и передают разные ощущения. Каждая страна славится своими креативными фонтанами или водопадами, а великие архитекторы вносят в свои работы неповторимые элементы, которые присущи только им.
Сегодня мы познакомимся с самыми величественными фонтанами всех стран мира.
Фонтан «Достатка» в Сингапуре.
Самый большой фонтан мира назван фонтаном «достатка» и связан с древнейшей легендой сингапурского народа. Бронзовая конструкция располагается под землей крупного развлекательного центра Сингапура. Сингапурское поверье, что прикосновение к фонтану принесет достаток и богатство на долгие годы. Хотите стать успешнее?
Светомузыкальный фонтан Барселоны.
Фонтан, располагающийся в Испании, является прекрасной «мультимедийной системой» Испании. Светомузыкальная конструкция была создана в 1928 г. Венец инженерной мысли сверкает различными цветами под музыкальные произведения Моцарта, Чайковского и других великих композиторов.
Фонтан Сваровски в Австрии.
Хрустальные глаза инсбрукского великана надолго запоминаются гостям Австрии. Это уникальное место в австрийском Инсбруке хранит на своей территории большого великана с хрустальными глазами. Великолепный фонтан извергается изо рта этого волшебного персонажа. Открытие данного произведения искусства состоялось в 1995 г. Конструкция фонтана — вход в музей кристаллов Своровски.
Фонтан Джули Пенроуз в Соединенных Штатах.
Этот великолепный фонтан располагается в г. Колорадо – Спрингс. Триста шестьдесят шесть струй воды совершают целый оборот за пятнадцать минут. Фонтан создан по принципу: «Все гениальное — просто».
Фонтан торгового центра в ОАЭ.
«Дубай Молл» является самым известным торговым центром в Эмиратах. В «Дубай Молл» располагается около 1300 магазинов, а также гиганский фонтан с подвесными скульптурами. Необычайное зрелище привлекает туристов со всего мира и завораживает взгляды посетителей торгового центра.
Поющий фонтан в ОАЭ.
Этот фонтан является самой известной бесплатной достопримечательностью Дубая. Озеро Бурдж – Халифа – это озеро, которое подпитывает Поющий фонтан. Дуга диаметром 275 м – основная центральная конструкция фонтана. К главной части присоединяются 5 других конструкций в виде меньших кругов. Мощные потоки воды образуют интересные живописные фигуры на высоте 160 метров. Все это действие происходит под красивую музыку и удачное освещение.
Вулкан в ОАЭ.
Знаменитый фонтан в образе вулкана располагается в городе Абу-Даби. В ночное время начинает работать красная подсветка, которая создает видимость извержения. Всем этим великолепием может насладиться каждый турист, любуясь ярким светом искусственного вулкана.
Парящий фонтан в Японии.
Город Осака является пристанищем этого волшебного строения. В создании этих 9-ти фонтанов участвовал американский архитектор. Эффект парения создается благодаря необычной конструкции фонтанов, расположенных на Пруду Мечты. Фонтаны в работе создают иллюзию парения. Над водной гладью пруда возвышается массивный куб, который деформируется в различные геометрические фигуры.
Танцующий фонтан в Лас-Вегасе.
«Bellagio» называют «танцующим» фонтаном, создание которого обошлось почти 40 миллионов долларов. «Bellagio» располагается напротив одноименного отеля. Гости Лас-Вегаса, обвороженные величием фонтана, могут наблюдать за этим прекрасным действием со своих балконов. 5 тыс. лампочек каждый вечер зажигают не только подсветку, но и настоящие танцы. Все действие проходит под музыку известных исполнителей.
Кровавый фонтан в Уэльсе.
В г. Суонси, на центральной площади, располагается кровавый фонтан – зрелище не для слабонервных людей. В первые девять дней марта вода принимает кровавый цвет. По легенде в День Давида — древнего основателя Уэльса вода становится кровью грешников уэльской нации.
Фонтан покравителя Фахида.
Фонтан Джидда располагается в Саудовской Аравии. Вода поднимается высоко в небо и достигает огромной высоты. Король Фахид распорядился создать самый могущественный фонтан в стране. Конструкция, выполненная в виде благовонной чаши, направляет огромную струю в Красное море. Т.к. фонтан работает на соленой воде без каких-либо перерывов, его обслуживание обходится очень дорого.
Фонтан Дружбы Советского Союза.
Москва очень большой город, в котором построено более двухсот фонтанов. Фонтан был построен в 1957 г. Он считается самым величественным в нашей стране. Конструкция оборудована позолоченными образами девушек всех республик СССР. Прекрасные девушки различных национальностей – наиболее удачный образ для создания правильной атмосферы.
owro.ru
Франсуа Буше Фонтан любви: Описание произведения
Если бы вам случилось родиться знатной дамой и жить во Франции приблизительно в середине XVIII века, вы непременно повесили бы у себя в жилище картину Франсуа Буше «Фонтан любви». Ну, или что-то очень похожее. Потому что тогда это был самый писк интерьерной моды.«Свирели, овечки, пастушки… – рассеянно подумаете вы, – Стоп! И зачем бы я стала украшать собственный дом сельской сценой? Сказано ведь, что дамой я была знатной!»
Именно так. К концу первой трети «галантного века» французское общество разуверилось в серьёзных темах, которые предлагало им искусство классицизма. Долг, честь, высокие идеалы – всё это как-то быстро и значительно девальвировалось. В это больше никто не верил. Складывающийся стиль рококо не переваривал пафоса и героики. Все теперь хотели, чтобы искусство дарило им лишь наслаждение, ощущение беззаботности и расслабленности, сверкающего праздника жизни. Никто не желал думать о серьёзном и, уж тем более, видеть его на картинах.
Основными сюжетами живописи становятся пасторали, fetes galantes (так называемые «галантные празднества»), лёгкие и изысканные любовные сценки. Еще недавно ваши предки украшали сцены парадными портретами и торжественными полотнами с героями античности. Но вы, современница маркизы де Помпадур, конечно, подобной оплошности не допустите. Вы ведь в курсе, что нынче в моде? То, что раньше считалось низким и недостойным. Пастухи и пастушки! К тому же кому теперь интересны парадные залы? Все важные вопросы решают в альковах, камерных салонах, уютных будуарах. Вот насколько всё переменилось! Недаром говорят, что мода – дама ветреная и непредсказуемая.
1748-й, год написания «Фонтана любви», – это как раз тот год, когда Буше начал работать для мадам де Помпадур. Задачи, стоящие перед ним, не живописного, а декоративно-интерьерного плана. Он должен писать то, что украсит стены и дверные проёмы. Но картина – это что-то уникальное, в идеале существующее в единственном экземпляре. А во Франции с 1730-х годов живопись становится подспорьем для промышленного производства. Сюжеты наподобие «Фонтана любви» массово воспроизводятся на шпалерах (безворсовых коврах) и гобеленах.
И если бы даже вам случилось быть не очень знатной и не настолько богатой, чтобы приобрести оригинал Буше (всё-таки придворный художник!), вы всё же смогли бы приобщиться к моде на рококо. Как? Очень просто – приобретя для своего дома гобелен или шпалеру. До Буше они бывали кричаще яркими, грубоватыми и безвкусными. Рококо изменило это: теперь шпалеры в точности могут повторить лучшие живописные шедевры.
Буше лично рисовал картоны для шпалер, чуть позже с подачи мадам де Помпадур возглавил Королевскую мануфактуру гобеленов. А его товарищ, художник Жан-Батист Удри разработал тончайшую цветовую шкалу, где каждый оттенок нитей в гобелене имел собственный номер. Теперь ткачи уже не могли подбирать цвета наобум, по своему непритязательному вкусу: им выдавался шаблон, где все оттенки были строго просчитаны, как на картине.
Только взгляните на то, как написано небо в «Фонтане любви»! И теперь представьте, сколько оттенков серого, голубого и бежевого понадобилось бы, чтобы в точности передать светлый и ненавязчивый колорит Буше, его знаменитую «жемчужную гармонию»! Так что гобелены – это тоже искусство. Особенно если для них поработал Буше.
Нежные и звонкие краски «Фонтана любви» так же ласкают взор, как любовное воркование пастушков и пастушек – смягчает сердце. А то, что о самой этой картине мы больше не в состоянии сказать ничего особо осмысленного, – это совершенно правильно. Мы ведь заметили вначале: искусство рококо – оно не для того, чтобы думать. Оно для того чтобы «расслабиться и получить удовольствие».
Автор: Анна Вчерашняя
artchive.ru
Марсель Дюшан и его «Фонтан». Почему обычный писсуар считают главным шедевром 20 века
Писсуар был чистенький и новенький, только что из магазина. Дюшан лишь развернул его на 90 градусов, обозвал «Фонтаном» и написал у него на боку один из своих псевдонимов – R. Mutt, что в переводе означает «дурак».
Прошло почти 100 лет. В 2004 году газета «Дейли телеграф» провела опрос среди инсайдеров британского артрынка. В итоге 500 самых влиятельных художников, дилеров, критиков, хранителей музеев и владельцев галерей сформировали ТОП-5 произведений 20 века, оказавших наибольшее влияние на дальнейшее развитие мирового искусства. Получился такой список:
1. Марсель Дюшан. «Фонтан» 2. Пабло Пикассо. «Авиньонские девицы» 3. Энди Уорхол. Диптих «Мерилин» 4. Пабло Пикассо. «Герника» 5. Анри Матисс. «Красная комната»
Эксперт, которого попросили прокомментировать тот факт, что писсуар занял первое место, признался, что он слегка шокирован - не потому, что «Фонтан» недостоин такой чести, а потому, что он опередил Пикассо и Матисса.
И то правда. Ведь эти художники, хоть и издевались как могли над привычными представлениями о живописи, но все же честно трудились руками, что-то там рисовали на холсте. А тут пошел человек в магазин, купил там типовую вещь и - нате вам – гениальное произведение. Дюшан и название для такого искусства придумал – реди мейд (от англ. ready-made), т.е. готовое изделие.
В чем суть
Начиная с Возрождения, изобразительное искусство гонялось за реальностью, стараясь ее как можно точнее повторить. Например, в живописи конечным продуктом этих усилий было полотно в раме, которое представляло собой что-то вроде окна в мир – как будто это не полотно вовсе, а прозрачное стекло. То есть, в течение нескольких веков реализм был привычной нормой. И лучшим продуктом считался тот, где реальность изображалась наиболее реально – таков, грубо говоря, был критерий качества.
И вдруг, в конце 19 века, критерии изменились. Почему? Это отдельная большая история. Но факт остается фактом. С постимпрессионизма, символизма и пр. художники стали изображать не реальность за «стеклом», а то, что происходило у них в голове, в сердце, в подсознании и т.д. То есть не мир, а скорее свои впечатления от него.
Сомнению подверглись оба слова в словосочетании «изображать
реальность». Когда кубисты наклеивали на холст веревки, газеты и игральные
карты, они нарушали принцип ИЗОБРАЖАТЬ. Как в этой картине Пикассо
«Гитара»:
А когда тот же Дюшан рисовал черт знает что и называл это «Обнаженная, спускающаяся по лестнице», то нарушался принцип изображать РЕАЛЬНОСТЬ.
События нарастали. Искусство как бы проснулось, осознало себя и стало задавать себе вопросы: «Что я? Зачем я? Каковы мои границы? А вот если я так сделаю, это еще будет искусство, или уже нет?»
Поисковая машина заработала в полную силу. Постепенно произведение искусства переформатировалось из служанки или даже рабы реальности в самостоятельный свободный объект. И, как выяснилось, объект с огромным количеством степеней свободы. Начался быстрый захват искусством новых территорий.
Рефлексия коснулась и такой непреложной казалось бы истины: предмет искусства - это то, что сделано руками художника, а не куплено готовым в магазине. Выставив писсуар, Дюшан совершил таким образом нулевой творческий акт. Здесь «сделанности» нет в принципе. Искусство в лице Дюшана как бы задает само себе вопрос: «А если я вообще не буду менять материю, возьму готовую форму - это будет искусством?»
Гениальным этот артефакт считается именно за его кристаллическую чистоту постановки вопроса. Если «Велосипедное колесо», выставленное в 1913 году, Дюшан примонтировал к табурету:
А «Сушилку для бутылок», выставленную в 1913 году, собрал из подручных материалов:
То писсуар остался концептуально практически нетронутым. Автор его только подписал, перевернул и переназвал.
Так в чем же тогда заслуга Дюшана? В том что он подверг сомнению ранее очевидные вещи. 1. Что произведение должно быть СДЕЛАНО РУКАМИ ХУДОЖНИКА. 2. Что конечный продукт творчества – это, собственно, тот самый МАТЕРИАЛЬНЫЙ ОБЪЕКТ, который сделал художник. Вместе с писсуаром Дюшан фактически выставил идею, что художественный акт – это не картина маслом, а те сложные процессы в голове и душе художника, которые этому предшествуют. Опровержение старого и очевидного и расширение тем самым границ искусства – вот в чем гениальность дадаиста Дюшана.
С привычной миметической (подражательной) функцией искусства, гоняющегося за реальностью, было раз и навсегда покончено. Дюшан довел до логического конца, до полного абсурда то, что составляло высшую ценность прежнего искусства. И правда ведь - никакая живописная копия не может показать предмет лучше и, если уж на то пошло - реалистичнее, чем это сделает он сам.
Под пограничные столбики между искусством и не искусством была заложена мощная бомба. Дюшан показал, что искусство – это, по сути, контекст. Что эстетические законы относительны и определяются внешними по отношению к артобъекту правилами игры, которые устанавливаются практически произвольно самим художником, арт-критиками, галеристами и пр.
Что касается расширения Дюшаном границ возможного, то оно колоссально. Реди мейд в дальнейшем растекся и вошел составной частью практически во все жанры визуального искусства – ассамбляж, инсталляцию, перформанс, энвайронмент и пр.
Детали
Строго говоря, Дюшан писсуар не выставил, потому что ему этого сделать не дали. Хотя он заплатил за участие в выставке 6 долларов, в последний момент ее устроители испугались и дали Дюшану от ворот поворот. А писсуар был навсегда потерян для человечества – то ли затерялся в запасниках этой галереи, то ли сам Дюшан выкинул его на помойку.
В следущие три десятилетия мировое искусство несколько отвлеклось на сюрреализм, неофигуративизм и абстрактный экспрессионизм. И лишь в 50-е годы, когда поп-арт реанимировал реди мейд, «Фонтан» обрел мировую славу.
По заказу музеев Дюшан сделал несколько авторских повторов своего писсуара. Еще некоторое количество подписанных экземпляров были проданы частным коллекционерам. До прошлого года считалось, что таких авторских реплик в мире существует 15. Но недавно выяснилось, что еще 4 писсуара претендуют на подлинность подписи Дюшана.
Вторая жизнь «Фонтана»
Произведение Дюшана продолжает мучить художников, которые нет-нет да и разразятся какой-нибудь отсылкой к нему. Вот, например, в России были сделаны такие две реплики в сторону «Фонтана». В 1993 году Авдей Тер-Оганян выставил в «Галерее на Трехпрудном» работу «Проблемы реставрации произведений современного искусства».
«Я представил ситуацию, в которой «Фонтан» Дюшана разбился», - комментирует художник. - «Как поступят музейные работники? Склеят старый, или купят новый. Думаю, они поступят самым нелепым образом - изготовят копию. А ведь дело не в конкретном предмете, а в идее. Дюшан даже оставил инструкцию, чтобы в музеях выставляли всегда обычную новую модель за три копейки - во избежание превращения «фонтана» в ностальгический антиквариат».
За год до этого, в той же «Галерее на Трехпрудном», Тер-Оганян выставил писсуар, вернув ему первозданные функции.
Удивительно, но вскоре после этого художник-акционист Пьер Пинончелли помочился в произведение Дюшана, выставленное в городе Ним на юге Франции. Суду он сообщил, что таким образом вернул произведению Дюшана истинно дадаистский дух. Художник был приговорен к месяцу тюрьмы за «умышленную порчу предмета общественного пользования», что вообще-то звучит очень двусмысленно.
6 января 2006 года французская полиция во второй раз задержала Пинончелли, уже в музее современного искусства - Центре Помпиду, где Пинончелли написал на «Фонтане» «Дада» и, пытаясь разбить его молотком, отколол кусочек. В свою защиту Пинончелли сказал: «Я не какой-нибудь дешевый вандал, каким меня пытаются представить. Вандал не подписывает свои работы. Я подмигнул дадаизму, я хотел вызвать его дух, дух неуважения». Однако, несмотря на убедительность разъяснений, суд все же дал 77-летнему Пьеру Пинончелли три месяца условно и наложил на него штраф.
С молотка
В 2002 году в Нью-Йорке на аукционе Phillips был продан последний комплект реди мейдов Дюшана, остававшихся в частных руках - 14 объектов из знаменитой коллекции Артуро Шварца. Произведения были созданы в период с 1913 по 1920 год, а в 1964 году художник исполнил их авторские копии. «Фонтан» был продан за 1 185 тысяч долларов.
Автор: Галина Данилова
adindex.ru
