Музей ЧерномырдинаОписание картины Василия Бакшеева «Голубая весна». Голубая картина
Объединение художников Голубая роза : картины
"Голубая роза" – объединение художников, существовавшее в начале XX века. В те годы весьма популярен был символизм - направление в искусстве, которое зародилось в конце XIX столетия. Художники "Голубой розы" - Павел Кузнецов, Петр Уткин, Александр Матвеев. Они стали основателями творческого союза. Позже к ним примкнули другие живописцы и скульпторы. О представителях творческого объединения "Голубая роза" пойдет речь в этой статье.
Символизм
Представители этого направления, прославившиеся в начале 20-го века, - Пьер Пюви де Шаванна, Поль Серюзье, Анри Фантен-Латура. Они хорошо были знакомы и в России, где символизм тогда только зарождался.
Живописец, творчество которого близко к творчеству французских мастеров, названных выше, - Михаил Врубель, известный прежде всего своим "Демоном". Этот художник был личностью эксцентричной, загадочной, кроме того, страдал психическим расстройством. Но Врубель являл собой одну из самых выдающихся фигур в искусстве на рубеже веков, и именно он вдохновил молодых Кузнецова, Уткина и Матвеева на создание творческого объединения символистов. Полотна этого художника привлекали тонкостью, красочностью, насыщенностью палитры. Все его работы пронизаны стремлением к нереальному миру.
На формирование творческого союза влияние оказал и Виктор Борисов-Мусатов. Образы на картинах этого мастера словно дремлют, его герои обитают в необыкновенном мире спокойствия и неги.
Виктор Борисов-Мусатов
Он был родом из Саратова. Окончив гимназию, он уехал в Париж, где поступил в художественную академию. Борисов-Мусатов нередко наведывался в родные края, где общался с начинающими живописцами. Среди них были и будущие основатели творческого объединения "Голубая роза". Борис-Мусатов преподал Кузнецова, Матвееву и Уткину несколько уроков экспрессионизма и символизма. Так началась дружба, которая продолжалась много лет.
Молодые художники уехали в столицу. Все трое стали студентами училища живописи, ваяния и зодчества. В дореволюционной России это учебное заведение представляло собой одно из лучших среди тех, что готовили профессиональных художников. В годы учебы будущие участники "Голубой розы" сблизились с другими художниками. Многие студенты училища так или иначе были связаны с творческим объединением.
"Алая роза"
Творческое объединение было основано в 1907 году. А в 1904-м Кузнецов и Уткин организовали выставку, которая названа была "Алая роза". Представлены были не только их картины, но и работы Врубеля, Бориса-Мусатова. Молодые художники тем самым подчеркнули влияние опытных живописцев на их творчество.
Почему назвали выставку "Алой розой"? Этот цветок испокон веков считается самым романтичным. Что же касается объединения художников "Голубая роза", основанного спустя три года после проведения выставки, то, возможно, здесь присутствует связь с поэтами-романтиками, воспевавшими голубой цветок - символ недостижимого идеала.
Раннее творчество художников
Участники "Голубой розы" работали над совместными проектами еще до основания творческого объединения. Сапунов, еще один член художественного союза, трудился вместе с Кузнецовым над декорацией к опере Вагнера "Валькирия". Чуть позже драматург Сергей Мамонтов, тот самый, в доме которого Врубель писал знаменитую картину "Демон сидящий", предложил будущим "голуборозовцам" оформить антрепризу в театре "Эрмитаж".
Основатели "Голубой розы" были весьма модными в России художниками. Но нельзя сказать, что они вызывали однозначную реакцию критики. Так, в 1902 году Уткин, Кузнецов и Петров-Водкин создали фрески для церкви Казанской Божьей Матери - известного храма в Саратове. Однако их работа была отвергнута и уничтожена.
Художники союза "Голубая роза"
Картины самых известных участников творческого объединения хранятся сегодня в знаменитейших музеях России. О творчестве Уткина и Кузнецова более подробно рассказано ниже. Прежде стоит назвать других членов творческого союза. Среди них были: Мартирос Сарьян, Николай Сапунов, Сергей Судейкин, Николай Крымов, Анатолий Арапов, Николай и Василий Милиоти, Иван Кнабе, Николай Феофилактов.
Маритор Сарьян, как и прочие участники союза "Голубой розы", начинал свой творческий путь как театральный художник. Он был известен также пейзажами, на которых изображались живописные армянский пейзажи. Некоторые картины Сарьяна хранятся в Третьяковской галерее.
Николай Сапунов получил известность после оформления спектакля по произведению Блока "Балаганчик". В Москве, на Кузнецком мосту, есть историческое здание Доходный дом Сокол. Аттику этого здания украшает майоликовая мозаика Николая Сапунова. Первые картины в Москве были представлены на выставке, организованной Уткиным и Кузнецовым. Среди поздних работ художника преимущественно натюрморты.
Николай Рябушинский
Значительную роль в творчестве художников "Голубой розы" сыграл знаменитый русский меценат, основатель журнала "Золотое руно". Рябушинского нередко называют организатором объединения. Именно он основал первую выставку, после чего о "голуборозовцах" заговорили в Москве и Санкт-Петербурге.
Главным детищем мецената в ту пору стал журнал "Золотое руно". Этот проект нельзя было назвать коммерческим. Рябушинский больше вкладывал в него, нежели получал. Издание включало красочные иллюстрации, каждая страница была украшена золотыми вставками. Вышло более тридцати номеров. Причем четкой концепции журнал не имел. В нем публиковали свои произведения Леонид Андреев, Константин Бальмонт, Иван Бунин, Федор Сологуб, Корней Чуковский. Первые номера посвящались творчеству членов союза "Голубая роза".
Выставка художников-символистов
Точную дату основания объединения назвать нельзя. Считается, что возник творческий союз после проведения одноименной выставки, то есть в 1907 году. Картины художников «Голубой розы» были выставлены в галерее, расположенной в здании на Мясницкой улице.
На суд зрителей были представлены работы шестнадцати живописцев. Большая часть живописцев позже вошла в состав "Голубой розы". Главным вдохновителем выставки стал Борисов-Мусатов, но прошла она уже после смерти мастера. Идея названия принадлежит Сапунову - художнику, творчество которого складывалось под влиянием Обри Бердслея.
Картины, представленные на выставке, выполнены были в едином стиле: пастельные, голубоватые тона, стремление к "запредельному". Соответствовал творческому духу и интерьер зала, в котором была организована выставка. Повсюду стояли вазы с розами, стены были выкрашены в светло-лазурный цвет.
Отзывы о картинах "голуборозовцев" были смешанными. Одни критики восхваляли новое направление в искусстве. Другие называли работы символистов содержательными. Выставку посетили знаменитые деятели искусства, среди них и Казимир Малевич, который похвалил работы молодых художников.
В январе 1909 года прошла вторая подобная выставка. Но на этот раз были представлены работы художников Матисса, Брака, Дерена, Марке. Посетители также могли видеть картины Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова.
В 1910 году прошла третья выставка. "Золотое Руно" к тому времени Рябушинский перестал публиковать из-за финансовых проблем. Вероятно, в этом и причина непопулярности третьей выставки - в журнале публиковались последние новости из мира искусства. Правда, сами художники-символисты после закрытия "Золотого руна" не утратили внимания критиков и поклонников живописи. Их все так же приглашали в различные театральные проекты. В то время такая работа для профессионального художника считалась халтурой. Оформлением театральных постановок занимались те, чьи работы сегодня выставлены в Третьяковской галерее.
Сколько просуществовало объединение "Голубая роза"? На этот вопрос ответить сложно. После третьей выставки над совместными проектами художники не работали. Да и общей идеи у них не было. Более того, в поздних работах Уткина, Кузнецова и других участников "Голубой розы" нет ничего общего. Сарьян, например, отдавал предпочтение родным армянским пейзажам. Кузнецов много путешествовал по Средней Азии, а потому был вдохновлен восточными мотивами. Феофилактов и Крымов увлеклись неоклассицизмом и сюжетами из античных мифов.
Советская Россия
После революции картины художников-символистов, конечно же, утратили популярность. Тем не менее большая часть участников «Голубой розы» осталась в советской России. Эмигрировали Милиоти, Судейкин, Рябушинский. Остальные смогли приспособиться к реалиям нового времени. Одни преподавали. Другие работали в организации по защите памятников культуры. Кузнецов несколько лет посвятил журналу "Путь освобождения". Из редакции он был уволен в двадцатые годы из-за отрицательной рецензии на его картины.
Павел Кузнецов
Основатели "Голубой розы" родом были из Саратова. В том числе и Кузнецов. Он родился в 1878 году в семье иконописца. В ранние годы посещал студию живописи. Здесь и познакомился с Борисовым-Мусатовым. В 1902 году Кузнецов познакомился с Валерием Брюсовым, тогда же и начал сотрудничать с "Золотым руном". Спустя четыре года художник уехал в Париж, где провел несколько месяцев. Во Франции он посещал студии модных художников, принимал участие в выставках. После посещения Средней Азии в творчестве Кузнецова начался новый этап - в картинах появились восточные мотивы. Известные работы художника - "Вечер в степи", "Голубой фонтан", "Спящая в кошаре", "Горная Бухара", "Узбечка", "Рождение".
Александр Матвеев
Известный скульптор, один из основателей "Голубой розы", после революции занялся преподавательской деятельности. Матвеев входил в состав различных творческих объединений. Внес существенный вклад в развитие отечественного монументального искусства. Много лет Матвеев преподавал в Петроградском училище. Умер в 1960 году.
Петр Уткин
Этот художник, как и его коллеги, азы живописи постигал в Саратове. Но родился он в Тамбове 1877 году. Учителями его были Серов, Левитан. Большая часть картин Уткина выполнена в голубых тонах, и в этом главная особенность его работ. Петр Уткин скончался в 1934 году в Ленинграде.
www.nastroy.net
Сочинение по картине Бакшеева Голубая весна описание
Много русских художников посвятили всё своё творчество изображению красивых пейзажей, которые продолжают радовать ценителей и до сих пор. В круг таких художников входит Василий Бакшеев, который любил изобразить лес во всей своей красе.
Невозможно представить пейзаж изображенный русским творцом без символа России, без березы. Картина показывает нам красоту леса в период весны. Деревья еще не оделись в зеленый цвет, но вот воздух уже наполнен весенней свежестью и всевозможными приятными запахами природы. Автору удается возродить желание, очутится в таком лесу и самому прочувствовать приятные весенние лучи, чистый воздух, запах листвы и грибов.
Но, по сути, в картине изображен обычный лес, который может встретиться в любом уголке России. Светит солнце, согревая все вокруг, посреди леса проходит тропа, которая еще не высохла от талого снега. Следует выделить небо, которое автор изобразил уникально и в своей манере. Художник передал весеннее небо таким, какое оно должно быть. Небо голубое, глубокое и дающее понять, что зима прошла, и холода ушли и теперь настанут теплые и яркие дни.
Автор старается уменьшить использование темных тонов, в картине преобладают светлые цвета, которые дополняю радость от весны и теплых лучей солнца. Каждый цвет в чем-то является дополнением другого цвета, и в картине нет резких переходов. Каждый из тонов не выглядит лишним.
Художник показал густо растущие березы на заднем плане полотно, а вот спереди деревья растут более просторно друг от друга. Данная роща довольно глубокая и помогает понять всю её глубину изображенная автором тропинка.
Для того, чтоб изобразить просыпающеюся природу после тяжелой и холодной зимы мало красиво рисовать, требуется талант. Автору это удалось в полной мере. Конечно, художник не изображал огромный сосновый лес и толстые дубы, но это обоснованно тем, что он хотел показать возрождение природы на примере небольшой березовой опушки.
Данная картина оставляет не только хорошие впечатления, но и задерживается в памяти надолго, особенно глубокое голубое небо.
2 класс, 3 класс
Описание настроения картины Бакшеев - Голубая весна
Популярные сегодня темы
- Сочинение по картине Копытцевой Летний день. Цветет сирень 8 класс
Полотно Майи Кузьминичны Копытцевой «Летный день. Цветет сирень» было написано в конце ХХ столетия. Этот холст считается одним из лучших ее произведений. На этом полотне изображен один из летних дней.
- Сочинение по картине Цыплакова Мороз и солнце от первого лица 9 класс
Когда я была маленькой, всегда любила ездить в село к бабушке. Только там я могла увидеть красивые просторы, особенно зимой, когда всё вокруг покрыто снегом. Это белое полотно всегда напоминало мне о картине «Мороз и солнце»
- Сочинение по картине Назаренко Церковь Вознесения на улице Неждановой в Москве 9 класс
«Церковь Вознесения на улице Неждановой» — это известная картина русской художницы, нашей современницы — Татьяны Назаренко. Центральное место в картине занимает церковь, освященная в честь Вознесения Господня
- Сочинение по картине Вишняк Букет сентября 5 класс
Мария Владимировна Вишняк – один из выдающихся художников современности. В своих картинах она продолжила традиции классической живописи. Ее полотна пленяют зрителей очарованием и простой тех предметов, которые она использует для их создания
- Сочинение по картине Петрова-Водкина Селедка
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич – это автор многих картин, он сильный, своеобразный, необыкновенный художник с собственным уникальным видением на цвета, формы, композиции.
sochinimka.ru
голубой на картинах известных художников
Навигация по записям
•
Безыскусное изображение березовой рощи весной, когда уже снег стаял, но небо все еще холодное, ветреное, отсвет зимы на нем, а воздух холодный тоже, звенит от птичьего посвиста, под ногами хлюпает размокшей прошлогодней травой. Бакшеев написал это, задача сложная, а сам пейзаж — простой и понятный. Сочинение о картине Голубая весна Василия Бакшеева →
Искусство рисования и самая живопись суть не что иное, как орудия, содействующие литературе и, следовательно, просвещению народа.Алексей Гаврилович Венецианов•
Огромная картина имеет своим сюжетом взволнованную морскую поверхность, собственно, полотно так и называется — «Среди волн». Выражением идеи художника является не только колорит и композиция, но и самый сюжет: море, море как чуждая и опасная человеку стихия. Сочинение о картине Среди волн Ивана Айвазовского →
•
Картина известного художника Константина Юона неотъемлема от ее названия — «Мартовское солце«. В противном случае мы могли бы и не понять, что это именно март, конец зимы. Спасибо, автор разъясняет. Посмотрим же на полотно, яркое и цельное? Не вполне. Композиция «навылет» отражает движение, поворот, к свету и к лету. Сочинение о картине Мартовское солнце Константина Юона →
•
Березы, березы, березы — Грабарь нарисовал русскую весну. Поразительно. Сочинение о картине Февральская лазурь Игоря Грабаря →
•
Примитивнейшая по краскам и композиции картина с таитянским горным пейзажем Поля Гогена не содержит многофигурных групп, на ней всего лишь один человек несет что-то, и он далеко. Кто это?.. Сочинение о картине Горы на Таити Поля Гогена →
•
Интереснейшая многоцветная композиция из прямоугольников и трапеция авторства Казимира Малевича не столь проста, как квадраты и круги, но не менее абстрактна и является отличным примером супрематической живописи. Сочинение о картине Восемнадцатая супрематическая конструкция Казимира Малевича →
•
В этой трагической картине Айвазовский с красками угадал. Великолепные сочетания серовато-голубых, изумрудно-зеленых и серого неба — не то, что темные облака. Эта буря даже праздничная. Отчасти. Сочинение о картине Буря на море Ивана Айвазовского →
•
Дурное дело пытаться описывать картины сюрреалистов, но свои впечатления — почему бы и нет? Однако в случае с «Постоянством памяти» Дали интересен не только сюжет картины, но и история ее создания. Сочинение о картине Постоянство памяти Сальвадора Дали →
•
Незамысловатая картина представляет сосну на пригорке, причем не целиком. Все остальное пространство — небо и песок. Шишкин выписывает детали и здесь, но все же картина несколько непривычна по композиции. Сочинение о картине Сосна на песке Ивана Шишкина →
•
Картина Поля Сезанна «Большая сосна на фоне красных полей», оцените каламбурчик. Как и во многих других известных произведениях живописи, композиция «навылет» напоминает кадр фотографа-самоучки :) Сочинение о картине Большая сосна на фоне красных полей Поля Сезанна →
Навигация по записям
1001kartina.su
Описание картины Анри Матисса «Голубая обнаженная»
В 1952 году Матисс закончил работать над серией полотен, которые имели общее название – «Голубая обнаженная». На полотнах была изображена женская фигура, которая умело сочеталась с абстрактными конструкциями и формами. Художник любил изображать женское тело в пространстве в одном положении – фигура всегда имела скрещенные ноги, при этом запрокинув руки.
Картина примечательна своей гармонией. На полотне удачно сочетаются белый с голубым, при этом их замысловатые переплетения при удачной компоновке деталей превращаются в женский силуэт, немного искаженный. Матисс любил аппликацию, это позволяло сразу заполнить всю фигуру нужным ему цветом. Здесь нельзя убрать один цвет – тогда нарушится вся гармония, все произведение станет бессмысленным. Картина похожа на замысловатую скульптуру, которой удалось трансформироваться в двухмерное изображение.
Глядя на произведение «Голубая обнаженная», зритель испытывает только ощущение чистоты, гармонии, легкости. Все в картине настолько уравновешенно, что смотреть на нее можно бесконечно. Невозможно представить себе сегодня полотно в другом варианте изображения, белые пятна настолько гармонично дополняют синий цвет, что, если их убрать – исчезнет вся гармония и легкость.
Воздействие произведения «Голубая обнаженная» на зрителя подобно созерцанию скульптур, которые выполнены из легкого, невесомого материала. Как считал сам автор, он хотел донести своим почитателям то чувство радости, которое испытывают сами живописцы, скульпторы. Матиссу важно было создать ощущение слитности самой картины непосредственно с основой, с холстом, на котором ее он писал.
«Голубая обнаженная» – стала одной из последних работ в конце его творчества. Далась она ему нелегко. Перед тем, как закончить картину, Матиссу пришлось испещрить большим количеством набросок и эскизов свой блокнот. Это доказывает тот факт, что художнику не хватало для завершения произведения нужного кусочка фрагмента.
opisanie-kartin.com
Сине-голубые картины
Цена: Без ограниченийдо 100$от 100 до 500$от 500 до 1000$Свыше 1000$Размер: Без ограниченийдо 40от 40 до 100Свыше 100смдюйм-
Коса тузла. тамань
Бежина Ольга 100x100см, Холст/Масло, 2012 г. Принт на холсте от 3087р -
Солнце на закате дня
Бежина Ольга 90x90см, Холст/Масло, 2017 г. Принт на холсте от 3087р -
Вечер в феврале
Бердышев Игорь 60x90см, Холст/Масло, 2017 г. -
Весенний апельсин
гавлин евгений 40x30см, Картон/Масло, 2018 г. -
Летний вечер
Бердышев Игорь 60x80см, Холст/Масло, 2017 г. -
Зимний вечер
Бердышев Игорь 60x80см, Холст/Масло, 2017 г. -
Australia-i
Fletcher Anthony 70x90см, Холст/Масло, 2017 г. -
Похищение европы
Бердышев Игорь 80x100см, Холст/Масло, 2017 г. -
Вечер в марте
Бердышев Игорь 80x100см, Холст/Масло, 2017 г. -
Красный дом
Бердышев Игорь 60x90см, Холст/Масло, 1998 г. -
Мавританец
Fletcher Anthony 90x70см, Холст/Масло, 2017 г. -
Лесное озеро
Beblova Olga 70x67см, Холст/Акрил, 2014 г. Принт на холсте от 18018р
artistsarea.com
Описание картины Василия Бакшеева «Голубая весна»
Писать пейзажи невероятно сложно, ведь у художника не получится передать сложный философский смысл, не удастся рассмешить зрителя лицами и сюжетом.
В пейзаже у художника есть только натуральная красота природы, её и нужно уметь пользоваться. Василию Николаевичу Бакшееву удалось передать личные эмоции через природу в своей картине «Голубая весна».
Первая мысль, которая может возникнуть в голове – это «почему весна голубая». Но как только картина представится перед глазами, сразу становится понятно. Всё внимание занимает чистое лазурное небо.
На картине Бакшеева небо занимает чуть больше половины картины. Его прикрывают редкие ветки берёз, но оно всё-таки главное на этой картине. Художнику удалось подобрать правильный цвет для этого неба. Оно не светло-голубое, не синее, оно кристальное, чистое и по-настоящему голубое. Поэтому и картина получила своё название «Голубая весна»
Василию Бакшееву удалось изобразить раннюю весну. Деревья ещё стоят без листочков. Только-только начинают процветать цветы. Хоть солнца и не видно на картине, но оно ощущается во всём. Деревья стоят во всём свете, небо переливается.
Художник показал нам не густой лес, а берёзовую рощу. Где стоят тоненькие берёзки, будто только проснувшиеся ото сна. Если мысленно отправиться в эту рощу, то можно услышать свист соловья, почувствовать свежесть ветерка и аромат весны.
Пейзажам трудно пробиться и запомниться зрителям. Ведь иногда кажется, что в них нет ничего особенного, такие картины мы можем наблюдать каждый день, не нужно ходить по музеям, чтобы посмотреть на очередной написанный пейзаж какого-нибудь художника. Но «Голубая весна» врезается в память, зритель уж точно запомнит это голубое небо и это настроение, которое передал нам Василий Николаевич Бакшеев.
opisanie-kartin.com
Дама в голубом (картина Сомова) — WiKi
Константин Сомов входил в художественное объединение «Мир искусства» и, как и другие «мирискусники», он стремился отмежеваться от стиля второй половины XIX века с его идеями народничества, просветительства и «пользы», манифестом которых стали философские и эстетические работы Чернышевского. Творчеству передвижников Сомов противопоставил жанр обращения к миру прошлого, в эпохи рококо и ампир[1].
Вскоре после возвращения из-за границы Сомов начинает работу над тремя картинами: «Вечер», «Остров любви» и «Дама в голубом», которые стали истинным манифестом художника и всего «Мира искусства», эстетики ушедшего и прекрасного мира XVIII века.
В образе таинственной Прекрасной Дамы художник изобразил свою бывшую соученицу по Академии художеств Елизавету Михайловну Мартынову (1868—1905). Иногда предполагают, что она была одним из немногочисленных женских увлечений художника[1].
Сомов приступил к писанию её портрета, ещё находясь в Академии, но работа вскоре прервалась, так как в начале 1897 художникуехал в Париж, откуда вернулся лишь в 1899 году. Другой причиной перерывов в написании картины было то, что Мартынова уже была тяжело больна чахоткой и несколько раз выезжала на лечение. Картина была закончена в 1900 году и в первый раз выставлялась под названием «Портрет». Затем художник стал называть её «Портрет дамы в голубом платье», в музейной же традиции закрепилось более краткое «Портрет дамы в голубом»[1].
Известно, что Мартынова была решительно против продажи картины кому бы то ни было. Узнав вскоре после первого показа картины о предложении Третьяковской галереи купить её у художника, она пишет Сомову[1]:
| Может быть, Вы будете удивлены, Константин Андреевич, получив это письмо, и тотчас приедете ко мне, станете меня с улыбкой и некоторой иронией убеждать смотреть на вещи иначе, но это мне всё равно… Сегодня ночью я проснулась и не спала от одной назойливой и мучительной мысли: «Вы не должны и не имеете права продать мой портрет». Я позировала Вам для Вас, для чистого искусства, а не для того, чтобы Вы получили за мою грусть в глазах, за мою душу и страдания деньги… Я не хочу этого! Оставьте портрет у себя, сожгите его, если Вам так жаль отдать его мне, подарите его даром в галерею… |
Тем не менее три года спустя портрет был всё-таки продан Сомовым Третьяковской галерее. Через год, в 1905, 37-летняя Мартынова скончалась от чахотки.
Подруга Мартыновой М. Ямщикова так описала свои впечатления от портрета[1]:
| Что сделал художник с этим лицом, с этими когда-то сияющими торжеством глазами? Как сумел вытащить на свет глубоко запрятанную боль и печаль, горечь неудовлетворённости? Как сумел передать это нежное и вместе с тем болезненное выражение губ и глаз? |
В портрете используется необычная комбинация атмосферы XVIII века со старинным парком и платьем героини — и самой героини, в которой зрители должны были узнать свою современницу, женщину эпохи, позднее названной Серебряным веком. По словам искусствоведа[1]:
| Это — женщина конца XIX века. Всё в ней характерно: и болезненная хрупкость, и чувство щемящей тоски, печаль в её больших глазах и плотной линии скорбно сжатых губ. И та естественная бледность, которой в XVIII веке добивались лишь искусственными снадобьями... <…> Чтобы ярче передать утончённость образа, художник прибегает к лессировкам, добиваясь тончайших красочных нюансов, прозрачных голубых теней в живописи лица и открытых плеч. Замечательны по своей выразительности жесты прекрасно написанных рук. В левой, поднесённой к груди, и в бессильно опущенной правой есть что-то невыразимо беспомощное. Обычно в своих портретах К. Сомов не столь открыто пользовался жестом как средством характеристики, но «Дама в голубом» стала исключением. |
На заднем фоне видна мужская фигура, с которой ассоциируют самого Сомова. Она подчёркивает одиночество героини: мужчина здесь, но не с нею. В рецензии 1913 года С. К. Маковский заметил, что в портретах Константина Сомова, в его отношении к жизни как к «маске небытия» таится «скорбное сознание своей одинокости в этом мире, слишком призрачном, чтобы верить ему до конца»[1].
ru-wiki.org
