Музей ЧерномырдинаУлисс насмехается над Полифемом. «Одиссея» Гомера. Полифем картина
Описание картины Николы Пуссена «Пейзаж с Полифемом»
Это полотно написано в 1649 году.
Перед нами предстает пейзаж в его типичном виде. Ранее существовала негласное правило, по которому художники не рисовали природу непосредственно с натуры. Делали они это у себя в мастерской. Весь пейзаж выстраивался по определенным правилам. Акценты трех планов создавались с помощью цвета.
Природа была для художника прекрасным миром, в котором царит подлинная красота. В его картинах чувствуется глубокое философское содержание. Мы ощущаем, насколько величественна и мощна природа. Но при этом она неразрывно связана с людьми.
Мы видим циклопа Полифема. Он сидит на склоне скалы на заднем плане. Он сильно любил Галатею и очень тосковал по ней. Эту неразделенную любовь к прекрасной нимфе он постоянно вкладывал в свои песни, которые часто наигрывал на свирели.
Полифем перестает быть страшным монстром, пугающим всех вокруг, и становится любимцем нимф. Они часто специально приходят для того, чтобы насладиться его великолепной музыкой. Создается впечатление, что вся природа замерла и тоже наслаждается нежнейшими мелодиями этого укрощенного гиганта. Через просвет можно увидеть спокойное море. Это свет чудесным образом льется на все мироздание.
Пуссен одушевляет природу. Она у него живая. Единство достигается с помощью великой любви и великолепной музыки. Это чувство укротило даже такое свирепое чудовище, которым был циклоп.
Мы смотрим на картину и чувствуем покой умиротворения. Господствуют зеленый и синий цвета. Контрасты распределены равномерно. Но, как известно, история Полифема и Галатеи закончилась трагически. Это угрожает такой величественной симфонии самой природы. Воцарилась она всего на миг.
Как только возникает эта мысль, начинаешь чувствовать диссонанс между тем, что видишь, и тем, о чем знаешь. Скорее всего, Пуссен продумал это и предусмотрел заранее.
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер Улисс насмехается над Полифемом. «Одиссея» Гомера: Описание произведения
Улисс насмехается над Полифемом в IX главе «Одиссеи» Гомера. Напомним вкратце. Циклоп Полифем захватил в плен Одиссея (Улисса) и его спутников, возвращавшихся с Троянской войны. Недружелюбный Полифем успел уменьшить количество спутников Одиссея на несколько человек, обеспечивая себя ужином. Одиссею открывающиеся в таком ракурсе перспективы не понравились, и он решил им противостоять. В рамках этого благого намерения он выжег циклопу его единственный глаз, после чего сотоварищи погрузился на судно и отчалил. На картине изображен момент, когда судно отошло на безопасное расстояние, и дерзкий Одиссей куражится над побежденным врагом. Это текстовая подоплека. При этом сам Тёрнер как-то заявил, что на написание картины его сподвиг вовсе не Гомер, а песенка в пантомиме под названием «Мелодрама Мэд»:Пою я про пещеру Полифема.Бедняге выпал в жизни трудный час:Улисс сначала съел его барашка,А после палкой выбил ему глаз.В любом случае, достаточно бросить взгляд на картину, чтобы понять: главное здесь –не литературный сюжет, а невероятные световые эффекты, созданные художником. Величественное, царственное солнце, встающее вдали и заливающее своим светом море, торжественное – иначе не скажешь – небо, великолепно написанные корабли, озаренные солнечным светом. Вот о чем картина Тёрнера, сумевшего неповторимым образом соединить природу и миф. Даже фигура циклопа вовсе не с первого взгляда различима и поначалу кажется скоплением облаков (вверху в левой части холста). В эпицентре солнечного света можно различить фигуры лошадей, символизирующих колесницу Аполлона. А если всмотреться в переливы и блики воды, вокруг корабля увидим морских нимф нереид, сопровождающих судно.
Незадолго до написания «Улисса, насмехающегося над Полифемом» Тёрнер был в Италии. И есть версия, что этот неповторимый сияющий свет имеет итальянский акцент. Джон Рёскин – самый яростный из современников поклонник его творчества - считал это полотно «центральной картиной в карьере Тёрнера».
Автор: Алена Эсаулова
artchive.ru
 Никола Пуссен — один из величайших исторических художников. Главной чертой его характера была религиозность, соединенная с кротостью и любезностью. Скромность Н. Пуссена равнялась только его благотворительности, ум был серьезен, глубок и благороден. Он обессмертил свое имя всеми добродетелями честного человека и величайшими заслугами художника. В творческом стиле мастера не повторилась ни одна из предшествующих ему метод, все идеи принадлежали ему, были созданы и выполнены его философским умом. Недаром итальянский скульптор Л. Бернини заметил однажды, указав на лоб: «Синьор Пуссен — живописец, который работает отсюда». «Действие разума» лежит и в основе сюжетных решений художника. Когда Н. Пуссен говорил о необходимости выбора темы, он имел в виду деяния и поступки, рожденные высокими побуждениями, а не низкими страстями. Живопись была для него средством пленять людей, делать их лучше. Воспитанный на античном искусстве, И. Пуссен как будто разгадал ускользающую тайну прекрасного и на своих полотнах создавал образы, полные красоты, мысли и энергии. Идеи его произведений проникнуты глубокой философией, композиция их построена с простотой и античным совершенством. Каждая картина Н. Пуссена есть дань обожаемому им искусству. Правда, некоторым талант художника казался холодным и странным, его находили робким и лишенным изящества. Иногда художника упрекали в том, что его полотна не отличаются ни блеском, ни силой красок, колорит его полотен находили слабым и безжизненным, тогда как эта особенность была следствием обдуманного расчета Н. Пуссена. Он хотел говорить о душе, а блеск колорита считал препятствием к достижению этой цели, боясь, чтобы удовольствие для глаз не подавило нравственное чувство. Качество рисунка, драпировки и аксессуаров на его картинах ставят Н. Пуссена в ряд величайших живописцев мира, в изображении сюжетов священного содержания и мифологии он, бесспорно, стоит выше многих художников французской школы. Искусство классицизма находилось тогда на службе у дворянской монархии — у короля и знати, но Н. Пуссен не смог стать придворным живописцем и предпочитал работать вдали от французского двора. Почти всю жизнь он прожил в Италии и умер одиноким на чужбине. Но уже при жизни художника Франция гордилась его славой, и в течение трех веков со дня кончины Н. Пуссен в глазах всех был классиком национальной живописи. Признательные потомки назвали его «французским Рафаэлем». В последние годы жизни излюбленным жанром Н. Пуссена стал пейзаж. На склоне лет художник все более стал испытывать потребность в общении с природой, он преклонялся перед ее величием и вечной жизнью, перед царящими в ней гармонией и порядком. Все стихийные силы природы, по представлениям Н. Пуссена, подчинены разумному началу, лежащему в основе всего мироздания, поэтому природа в его произведениях всегда идеальна. Идеальный пейзаж Н. Пуссена не имел прототипов во французской живописи, художники конца XVI — начала XVII веков мало уделяли внимания изображению природы как таковой, поэтому на родине художника пейзажная живопись не зародилась. А Н. Пуссен, хотя здоровье его было подорвано, а рука дрожала, создает шедевры, остающиеся образцами героических пейзажей. И зрители могут в этом легко убедиться, глядя на пейзажные фоны его исторических и мифологических картин, написанных с подлинно поэтическим вдохновением. По-прежнему его картины связаны с литературными сюжетами, а некоторые из них поражают исследователей точным следованием тексту. Даже в тех случаях, когда главным в произведении является пейзаж, Н. Пуссен вводит в них небольшие фигуры, чтобы создать определенное настроение. К числу таких произведений относится и «Пейзаж с Полифемом» — любовная песнь великана на вершине скалы, перефразированная языком живописи в светлую хвалу безмятежным радостям земли. Эта картина в течение многих веков неизменно привлекает к себе любителей искусства, так как едва ли кому из художников удалось воплотить свое чувство преклонения перед мощью и величием природы и наполнить его столь глубоким поэтическим содержанием. В греческой мифологии Полифем — страшный и кровожадный великан с одним глазом, над безобразием которого смеются все девушки. Он живет в пещере, где у него сложен очаг, доит коз, делает творог, питается сырым мясом. Сюжетом картины Н. Пуссен избирает поэтическое изложение мифа о Полифеме по мотивам «Матаморфоз» Овидия, где одноглазый гигант олицетворяет собой разрушительные силы природы. Миф о Полифеме и Галатее был популярен в европейской живописи конца XVI — начала XVII веков. На нем останавливали свое внимание как предшественники Н. Пуссена, так и его современники, выбирая из него различные эпизоды для своих произведений. Например, А. Карраччи для своего полотна избрал тему любовного страдания гиганта, поэтому на своей картине изобразил титанически мощные тела. А для Клода Лоррена, как и для Н. Пуссена, в стихах Овидия заключена прелесть поэтического осмысления природы, и он тоже старается передать свое лирическое мироощущение. На переднем плане своей картины он помещает шатер, в котором укрылись Галатея со своим возлюбленным Ацисом, а ревнивый циклоп, грозящий разрушить их счастье, помещен вдали. У Н. Пуссена центральное место занимает могучая фигура Полифема. Влюбившись в морскую нимфу Галатею, он слагает в ее честь песни, моля нимфу о любви. Укрощенный возвышенным чувством, этот гигант перестает крушить скалы, ломать деревья, топтать посевы и топить корабли. Забравшись на прибрежные скалы и положив у ног сосну, которая служила ему посохом, Полифем заиграл на своей стогласой свирели. И она, издававшая до сих пор лишь дикие, пугающие звуки, запела пленительную песнь любви. Заслушались Полифема нимфы гор, лесов и рек, веселые и проказливые сатиры, а пахари даже оставили свои полевые работы. Как завороженные, стоят скалы, застыли деревья и облака, вся природа успокоилась, в ней воцарились мир, гармония и порядок. Именно в этом и заключается философское содержание «Пейзажа с Полифемом», Н. Пуссен и хотел показать Природу, в которой разумное начало заступило на место хаоса и бурного разгула стихийных сил природы. Ни в каком другом произведении художника с такой силой не ощущается пантеистическая вера древних в то, что мертвой природы нет, что вся она — дух и божество, носительница прекрасного разума. В «Пейзаже с Полифемом» изображен мир пепельно-зеленых лесов, в которых скрываются дриады; неподвижных скал, где прячутся пугливые ореады; мир кристально чистых ручьев, где на берегах резвятся наяды, тела и одежда которых переливаются голубоватыми отблесками водных струй. Но «Пейзаж с Полифемом» — это не передача античного мифа, не иллюстрация к «Метаморфозам» Овидия. Античный миф навеял художнику лишь замысел произведения, а главным стало изображение Природы. Высокие, изрезанные уступами скалы окружены густым кустарником и могучими деревьями. За их широко раскинувшимися ветвями расстилается простор далекого моря. На скале, как бы возникая из нее и одновременно сливаясь с нею, вырастает могучая фигура Полифема, играющего на свирели песню, полную страстной мольбы и покорной нежности. Необычайно прозрачна зеркальная гладь ручья, протекающего у ног речного бога и нимф, через нее ясно видны камни на песчаном дне. Единая плавная линия охватывает могучие скалы и деревья, все пространство передано Н. Пуссеном ясными, легко обозримыми планами. Они уводят взгляд зрителя до самого моря, как бы погружают его в широкие и необъятные дали. Колорит картины построен на строгом сочетании зеленого и голубого цветов — цвета зелени и воздуха, господствующих в Природе. Искусно соединяя их с теплым коричневым цветом скал и розовым цветом обнаженных тел, Н. Пуссен достигает особой выразительности красочного решения всего полотна. Картина «Пейзаж с Полифемом» была написана по заказу лионского банкира де Пуантель, друга и покровителя Н. Пуссена, но время ее создания точно не установлено. Э. Блант полагает, что полотно было создано в 1655 году, Д. Мэхон считает, что в 1659 году — в самый поздний период творчества художника. В XVIII веке, когда русская императрица Екатерина II положила начало государственному собирательству, эта картина (в числе других) была приобретена по ее указанию французским философом Дени Дидро. |
historylib.org
Картины, описание картин — Пейзаж с Полифемом. 1649
Описани е картины Николы Пуссена: Пейзаж с Полифемом.
Это полотно написано в 1649 году.Перед нами предстает пейзаж в его типичном виде. Ранее существовала негласное правило, по которому художники не рисовали природу непосредственно с натуры. Делали они это у себя в мастерской. Весь пейзаж выстраивался по определенным правилам. Акценты трех планов создавались с помощью цвета.Природа была для художника прекрасным миром, в котором царит подлинная красота. В его картинах чувствуется глубокое философское содержание. Мы ощущаем, насколько величественна и мощна природа. Но при этом она неразрывно связана с людьми.Мы видим циклопа Полифема. Он сидит на склоне скалы на заднем плане. Он сильно любил Галатею и очень тосковал по ней. Эту неразделенную любовь к прекрасной нимфе он постоянно вкладывал в свои песни, которые часто наигрывал на свирели.Полифем перестает быть страшным монстром, пугающим всех вокруг, и становится любимцем нимф. Они часто специально приходят для того, чтобы насладиться его великолепной музыкой. Создается впечатление, что вся природа замерла и тоже наслаждается нежнейшими мелодиями этого укрощенного гиганта. Через просвет можно увидеть спокойное море. Это свет чудесным образом льется на все мироздание.Пуссен одушевляет природу. Она у него живая. Единство достигается с помощью великой любви и великолепной музыки. Это чувство укротило даже такое свирепое чудовище, которым был циклоп.Мы смотрим на картину и чувствуем покой умиротворения. Господствуют зеленый и синий цвета. Контрасты распределены равномерно. Но, как известно, история Полифема и Галатеи закончилась трагически. Это угрожает такой величественной симфонии самой природы. Воцарилась она всего на миг.Как только возникает эта мысль, начинаешь чувствовать диссонанс между тем, что видишь, и тем, о чем знаешь. Скорее всего, Пуссен продумал это и предусмотрел заранее.www.art-drawing.ru
Поцелуи в шедеврах – MyWay
В день святого Валентина My Way вспоминает самые романтичные и страстные поцелуи в мировом искусстве. Смотрим на картины, фрески и статуи и изучаем истории любви мифических героев, литературных персонажей и просто безымянных возлюбленных.
Франсуа Буше. Геркулес и Омфала. 1732-1734, ГМИИ
Герой и царица
Сюжет картины «Геркулес и Омфала» взят из древнегреческой мифологии: знаменитый герой Геракл (Геркулес) в наказание за свое буйство был отправлен богами в изгнание. Его отдали во временное рабство лидийской царице Омфале. Правительница развлекалась, как могла – наряжала Геракла в женскую одежду и заставляла прясть (первая арт-терапия в истории), а сама накидывала на себя его львиную шкуру и играла с дубинкой. Впрочем, Омфала находила своему «рабу» и другое применение: за время его ссылки у них родилось несколько детей. Знаменитый французский живописец XVIII века Франсуа Буше обычно писал напудренных кавалеров и дам в кринолинах или же изящных, будто фарфоровых, нимф и игривых пастушков – на дворе царила эпоха рококо. Но на этом полотне пылают горячие страсти. Никаких одежд на любовниках уже нет, только купидончики в правом нижнем углу подбирают с пола упавшую львиную шкуру. Нетипичная для Буше темпераментность объясняется просто – это работа раннего периода художника, когда на него еще влиял чувственный и безудержный Рубенс. Шедевр Буше был передан в Пушкинский музей из Эрмитажа в 1930-е. До этого картина украшала петербургский дворец князей Юсуповых.
Фреска из Помпей «Полифем и Галатея», 50–79 гг. н. э. Национальный Археологический музей, Неаполь
Циклоп и нимфа
Одно из древнейших изображений поцелуев в живописи – фреска «Полифем и Галатея», которую нашли при раскопках Помпей. Созданная примерно полвека спустя после Рождества Христова, она изображает нимфу Галатею в объятиях циклопа Полифема. Этого одноглазого великана, сына бога Посейдона, мы помним по «Одиссее»: главный герой оказывается в плену в пещере людоеда Полифема, и сбежать Одиссею удается, только выколов тому глаз. Фреска посвящена более раннему и счастливому периоду в жизни Полифема – он влюблен в морскую нимфу-нереиду Галатею, и та отвечает ему взаимностью. Кстати, согласно другому, более популярному варианту этого мифа, Галатея отвергла Полифема ради пастуха Акида, и великан убил соперника, сбросив на него скалу. Фреска хранится в Археологическом музее Неаполя. Причем входит в коллекцию «Секретного кабинета», куда в XIX веке попадало всякое «неприличное искусство», например порнографические фрески из помпейских публичных домов – лупанариев. Обычным посетителям музея эту коллекцию не показывали (хотя сегодня, конечно, она уже открыта для обозрения). Ничего неприличного в этой фреске вроде нет, но уж больно страстно смуглый пастух сжимает в объятиях белоснежную морскую деву – католическая публика была бы смущена.
Жан-Оноре Фрагонар. «Поцелуй украдкой». Конец 1780-х гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Дама и кавалер
А вот уже типичный поцелуй эпохи рококо, написанный младшим современником Буше – Фрагонаром. Имен у персонажей, изображенных на картине «Поцелуй украдкой», нет, это просто галантная сценка, занимательная история, которую художник рассказывает зрителю. На заднем плане через приоткрытую дверь мы видим играющих в карты почтенных дам в чепчиках. Героиня картины, очевидно, тоже участвует в игре, но вышла в соседнюю комнату-будуар, так как замерзла и захотела взять шаль. (Обратите внимание на мебель – шаль лежит на круглом швейном столике, из ящичка которого вываливаются ленточки). Тут-то ее и подкараулил возлюбленный, чтобы чмокнуть в щечку, пока старухи не заметили, – типичный сюжет для игривой живописи той эпохи. Особую прелесть картине придает необыкновенная перламутровая фактура, жемчужная атмосфера. Дело в том, что автор тоже изучал художников XVII века, но не буйного Рубенса, а нежных «малых голландцев» Терборха и Метсю и, может быть, Вермеера. Именно у них Фрагонар и научился не только видеть поэзию в бытовых сценках, но и показывать, что серый цвет тоже может быть красив. Кстати, ученые установили, что свой знаменитый шедевр художник писал не один – большую лепту в создание полотна внесла Маргерит Жерар, ученица Фрагонара и младшая сестра его жены. В коллекцию Эрмитажа картина попала в XIX веке, а до этого она принадлежала последнему королю Польши, возлюбленному Екатерины Великой Станиславу Понятовскому.
Жан Огюст Доминик Энгр. «Паоло и Франческа». 1856–1860 гг. Частная коллекция
Деверь и невестка
На картине «Паоло и Франческа» изображены несчастливые итальянские возлюбленные XIII века – жена правителя Равенны Франческа да Римини и младший брат ее мужа, Паоло Малатеста. Как далеко зашла их любовь, на самом деле неизвестно – до нас дошла только та история, которую записал Данте в «Божественной комедии». Однажды Паоло и Франческа вместе читали книгу о любви Ланселота и Гвиневры, дошли до сладостного эпизода поцелуя королевы и рыцаря, и тут... их собственные губы встретились в поцелуе. Если верить картине Энгра, именно в этот момент влюбленных застал старый муж, вооруженный мечом. Классик французской живописи XIX века Энгр очень любил этот сюжет и возвращался к нему несколько раз. Первый, более подробный вариант картины он написал в 1814 году, после того как на французском был опубликован новый перевод «Божественной комедии». Это была одна из первых работ в «стиле трубадур» – французской исторической живописи, романтизировавшей Средневековье и Возрождение. А данная версия, проданная на Sotheby’s за $264 тыс., практически повторяет оригинал, но отбрасывает все лишнее, фокусируясь на главных героях.
Жан-Леон Жером. «Пигмалион и Галатея». 1890 г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк Фото: © Sotheby’s, 2007
Скульптор и статуя
Героиня картины «Пигмалион и Галатея» – тезка нимфы, возлюбленной Полифема, о которой мы говорили раньше. Это совпадение имен неудивительно: «Галатея» означает «молочно-белая». Отличное имя и для морской богини, поднимающейся из пены, и для ожившей мраморной статуи. Напомним миф – скульптор Пигмалион изваял статую идеальной женщины, влюбился в нее и взмолился богине Афродите. Та сотворила чудо и оживила скульптуру. Полотно Жерома, созданное в 1890 году, – прекрасный пример салонного искусства той эпохи, когда художники с удовольствием писали соблазнительную женскую натуру, но обязательно старались «прикрыть» ее каким-нибудь благородным сюжетом. Жером обожал изображать женщин с этого ракурса – таковы его «Вирсавия», «Рынок рабов в Риме», «Царь Кандавл» и многие другие полотна. Еще одна примета салонности – игривый Купидон на нелепом облаке. Впрочем, художнику удалось наполнить свою работу чувством – страстный порыв влюбленных навстречу друг другу получился убедительным. Завораживает смена оттенков женской кожи – от настоящего белого мрамора в нижней части фигуры до теплой живой кожи там, где к ней прикасается Пигмалион.
Огюст Роден. «Поцелуй». 1889 г. (реплика 1903 г.). Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген Фото: © Wikipedia / couscouschocolat
Он и она
В произведении легендарного скульптора Родена «Поцелуй» мы опять встречаемся с персонажами Данте. Статуя даже первоначально называлась «Франческа да Римини», но обобщенное имя, не привязанное к какимлибо личностям в истории, подошло к ней, по мнению зрителей и критиков, гораздо больше. О трагическом сюжете поцелуя Паоло и Франчески должна напомнить книга, изображенная на скамье, – но ее заметить трудно. Влюбленные слились в объятиях, но их губы еще не соприкоснулись – это напоминание о том, самом решающем миге в их жизни накануне гибели. Роден изобразил персонажей обнаженными, в отличие от Энгра отказавшись от средневековых одежд, что придает композиции вневременной, вечный оттенок – такой поцелуй мог случиться в любую эпоху. Герои наги, но не потому, что Роден хотел изобразить эротическую сцену. Дело в том, что, как и обнаженный «Мыслитель», эта статуя должна была войти в композицию масштабных многосоставных «Врат Ада». Именно в Аду путешественник Данте встречает души влюбленных, которые рассказывают ему о своем поцелуе. А на том свете одежд не носят. После того как «Франческу да Римини» увидела и переименовала публика, скульптура стала пользоваться такой популярностью, что Роден сделал несколько копий для самостоятельного экспонирования в музеях и парках.
Густав Климт. «Поцелуй». 1907–1908 гг. Галерея Бельведер, Вена
Мужчина и женщина
Кто изображен на одной из самых популярных картин Климта – неизвестно. Как и статуя Родена, она носит безличное название «Поцелуй», но на сей раз уже по воле автора. Одни считают, что это автопортрет художника с его возлюбленной Эмилией Флёге, другие – что с натурщицей по прозванию Красная Хильда, которую он писал в «Данае» и других полотнах. Есть версия, что картина посвящена сюжету из «Метаморфоз» Овидия – бог Аполлон целует нимфу Дафну, а она, не желая покоряться его страсти, превращается в лавровое дерево. «Поцелуй» стал одним из самых известных произведений австрийского модерна (югендстиля), можно сказать, его «иконой». Слово это тем более справедливо, что Климт в обилии использовал в картине золото, подсмотрев этот ошеломляющий прием в раннехристианском искусстве, в особенности в византийских мозаиках Равенны. К «золотому периоду» Климта относится много работ, но «Поцелуй» стал самой знаменитой картиной – и благодаря своей бьющей наповал ослепительной красоте, и благодаря чувству, которое удалось передать художнику.
Текст: Софья Багдасарова
www.mywaymag.ru
Репродукция картины "Полифем" Сальвадора Дали
Интернет-магазин BigArtShop представляет большой каталог картин художника Сальвадора Дали. Вы можете выбрать и купить понравившиеся репродукции картин Сальвадора Дали на натуральном холсте.
Сальвадор Фелипе Хасинто Дали родился в Каталонии, на северо-востоке Испании. Талант к живописи проявился в раннем возрасте. Уже в 4 года он старательно пытался рисовать. В его поведении всегда отмечалась неудержимая энергия, частые капризы и истерики.
Первую свою картину на деревянной доске масляными красками Сальвадор Дали нарисовал, когда ему было 10 лет. Дали целыми днями просиживал в маленькой, специально выделенной ему комнате, рисуя картины.
Первые уроки мастерства он получил у профессора Жоана Нуньеса, под руководством которого талант Дали обрел реальные формы.
В пятнадцатилетнем возрасте Дали был исключен из монашеской школы «за непотребное поведение», но смог успешно сдать экзамены и поступить в институт (так в Испании называли школу, дающую законченное среднее образование).
С 16 лет Дали начал излагать свои мысли на бумаге, с этого времени литературное творчество тоже стало неотъемлемой частью его творческой жизни.
В 1919 году в самодельном издании он опубликовал очерки о Веласкесе, Гойе, Эль Греко, Микеланджело и Леонардо. В том же году принял участие в студенческих волнениях, за что на сутки попал в тюрьму.
В начале 20-х годов Дали увлекся работами футуристов. Экстравагантный вид самого Дали изумлял и шокировал окружающих.
Институт в 1921 году ему удалось закончить с блестящими оценками. Затем он поступил в Художественную академию в Мадриде.
В 1923 году за нарушение дисциплины он был на год отстранён от занятий в академии. В этот период интерес Дали был прикован к творчеству Пабло Пикассо.
В 1925 году была организована первая персональная выставка работ Дали в галерее Далмау. На этой выставке были представлены 27 картин и 5 рисунков начинающего великого гения.
Школа живописи, в которой он учился, постепенно разочаровала его, и в 1926 году Дали был исключен из академии за свое вольнодумие. В том же 1926 году Сальвадор Дали в поисках занятий по душе уехал в Париж. Вступив в группу Андре Бретона, он начал создавать свои первые сюрреалистические работы.
В начале 1929 года состоялась премьера фильма «Андалузский пес» по сценарию Сальвадора Дали и Луиса Бунюэля. Сценарий был написан ими всего за шесть дней! В 1930 году картины Сальвадора Дали стали приносить ему известность. Неизменными темами его творений были разрушение, тление, смерть, а так же мир сексуальных переживаний человека (влияние книг Зигмунда Фрейда).
В начале 30- х годов Сальвадор Дали вступил в конфликт на политической почве с сюрреалистами. Его восхищение Адольфом Гитлером и монархические наклонности шли в разрез с идеями Бретона. Дали порвал с сюрреалистами после того, как те обвинили его в контрреволюционной деятельности.
В январе 1931 года в Лондоне состоялась премьера второго фильма по сценарию Дали – «Золотой век».
В 1934 году Дали женился на Елене Дьяконовой, бывшей супруге писателя Поля Элюара. Именно эта женщина (Гала) стала музой и вдохновением гения Дали на всю оставшуюся жизнь. Удивительная особенность семейной пары Дали была в том, что они чувствовали и понимали друг друга. Гала жила жизнью Дали, а он в свою очередь обожествлял ее, восхищался ею.
В 1940 году после оккупации во Франции Дали уезжает в США (Калифорнию), где открывает новую мастерскую. Именно там великий гений пишет одну из самых лучших своих книг «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим».
В 1951 году, накануне холодной войны, Дали разрабатывает теорию «атомарного искусства», опубликованную в этом же году в «Мистическом манифесте». Дали ставит перед собой цель донести до зрителя идею о постоянстве духовного бытия даже после исчезновения материи. Эта идея воплотилась в его картине «Взрывающаяся голова Рафаэля» В 1953 году состоялась большая выставка ретроспективных работ Сальвадора Дали в Риме. На ней было представлено 24 картины, 27 рисунков,102 акварели!
В 1959 году Дали и Гала обустроили наконец-то свой дом в Порт-Льигате. К тому времени уже никто не мог усомниться в гениальности великого художника. Его картины покупались за огромные деньги поклонниками и любителями роскоши. Громадные холсты, написанные Дали в 60-е годы, оценивались огромными суммами. У многих миллионеров считалось шиком иметь в коллекции картины Сальвадора Дали.
В конце 60-х отношения между Дали и Галой стали угасать. И по просьбе Галы Дали был вынужден купить ей замок, где она проводила время предпочтительно в обществе молодых людей.
В 1973 году в Фигейрасе открылся «Музей Дали”. Это бесподобное сюрреалистическое творение и по сей день приводит в восторг посетителей. Музей представляет собой ретроспективу жизни великого художника.
Ближе к 80-м годам у Дали начались проблемы со здоровьем. Врачи подозревали у Дали болезнь Паркинсона. Эта болезнь когда-то стала смертельной для его отца.
1982 года 10 июня умерла Гала. Хоть их отношения к этому времени нельзя было назвать близкими, Дали воспринял ее смерть как страшный удар.
К концу 1983 года его настроение немного улучшилось. Он стал иногда гулять по саду, начал писать картины. Но старость брала верх над гениальным разумом.
30 августа 1984 года в доме Дали произошел пожар, в результате которого Дали получил ожоги 18% кожи.
К февралю 1985 года самочувствие Дали несколько наладилось и он смог дать интервью крупнейшей испанской газете.
Но в ноябре 1988 года Дали положили в клинику с диагнозом «сердечная недостаточность».
Сердце Сальвадора Дали остановилось 23 января 1989 года. Тело по его просьбе было забальзамировано, и на протяжении недели он лежал в своем музее в Фигерасе. Тысячи людей приезжали, чтобы проститься с великим гением.
Сальвадора Дали похоронили в центре его музея под ничем не обозначенной плитой.
Текстура холста, качественные краски и широкоформатная печать позволяют нашим репродукциям Сальвадора Дали не уступать оригиналу. Холст будет натянут на специальный подрамник, после чего картина может быть оправлена в выбранный Вами багет.
bigartshop.ru
Циклоп Полифем
Мифы и легенды
Data: 04.04.2010 13:40 | Автор: Administrator
Полифем - это циклоп, сын Посейдона и нимфы Тоосы, дочери морского божества Форкия. Страшный и кровожадный великан с одним глазом пастух живёт в пещере, где у него сложен очаг, он доит коз, делает творог, питается сырым мясом.
Источник: 9-я песнь "Одиссеи"
Автор: Гомер
Вид: Древнегреческие монстры и чудовища
"Глаза лишен им, - циклоп, чья сила меж прочих циклопов Самой великой была; родился он от нимфы Фоосы, Дочери Форкина, стража немолчно шумящего моря,"
IX песнь «Одиссеи» Гомера посвящена приключениям Одиссея в пещере Полифема, который во время опьянения и сна был ослеплён героем, избежавшим участи своих спутников, съеденных Полифемом.
"Будут товарищи все его съедены. Вот мой подарок! - Так он сказал, покачнулся и, навзничь свалился, и, набок Мощную шею свернувши, лежал. Овладел им тотчас же Всепокоряющий сон. Через глотку вино изрыгнул он И человечьего мяса куски. Рвало его спьяну. Тут я обрубок дубины в горящие уголья всунул, Чтоб накалился конец. А спутников всех я словами Стал ободрять, чтобы кто, убоясь, не отлынул от дела. Вскоре конец у дубины оливковой стал разгораться, Хоть и сырая была. И весь он зарделся ужасно. Ближе к циклопу его из огня подтащил я. Кругом же Стали товарищи. Бог великую дерзость вдохнул в них. Взяли обрубок из дикой оливы с концом заостренным, В глаз вонзили циклопу. А я, упираяся сверху, Начал обрубок вертеть, как в бревне корабельном вращает
Плотник сверло, а другие ремнем его двигают снизу, Взявшись с обеих сторон; и вертится оно непрерывно. Так мы в глазу великана обрубок с концом раскаленным Быстро вертели. Ворочался глаз, обливаемый кровью: Жаром спалило ему целиком и ресницы и брови;
Лопнуло яблоко, влага его под огнем зашипела. Так же, как если кузнец топор иль большую секиру Сунет в холодную воду, они же шипят, закаляясь, И от холодной воды становится крепче железо, - Так зашипел его глаз вкруг оливковой этой дубины.
Страшно и громко завыл он, завыла ответно пещера. В ужасе бросились в стороны мы от циклопа. Из глаза Быстро он вырвал обрубок, облитый обильною кровью, В бешенстве прочь от себя отшвырнул его мощной рукою.."
Не зная настоящего имени своего обидчива, так как Одиссей назвал себя "никто", ослеплённый великан, на зов которого сбежались соседи киклопы, кричит, приводя их в замешательство, что его ослепил «никто». Узнав от отплывающего Одиссея его подлинное имя, Полифем в ярости от того, что свершилось давнее предсказание оракула о его ослеплении именно Одиссеем, сбрасывает скалы на его корабли.
Фото: картина "Одиссей в пещере Полифема", Йорданс Якоб.
www.fanbio.ru
