Музей ЧерномырдинаИстория одного шедевра: «Мать художника» Уистлера. Картины уистлер
Джеймс Уистлер | Artifex.ru
Сегодня не каждый американец будет с гордостью говорить о времени, проведенном в России. Но художник Джеймс Уистлер (James Abbot McNeill Whistler, 1834-1903) когда-то с большой теплотой вспоминал о том, как провел юность в Северной столице, не уставая при этом повторять:
«Я художник и «родился» в Петербурге»
На самом деле Джеймс появился на свет в Лоуэлле, одном из промышленных городов США. А в России оказался, когда ему было всего девять лет. Сюда Уистлера-старшего пригласили для строительства железной дороги между двумя столицами. Пока отец напряженно трудился, сын весело проводил самые беззаботные годы, наслаждаясь красотами Петербурга. Уистлеры жили в доме, который располагался в непосредственной близости от грандиозных архитектурных ансамблей города.
Впечатлительный мальчик не терял времени даром и каждый день находил новые развлечения. Зимой это были коньки, на которых он рассекал по замерзшей Неве, а летом они вместе матерью устраивали водные прогулки в Царское село или Петергоф. Здесь Джеймс впервые увидел статую Самсона и Большой Каскад и навсегда влюбился в искусство.
Родители заметили расположенность сына к рисованию и нашли ему преподавателя. Ученик Академии художеств Корицкий «подтянул» своего подопечного так, что Джеймс миновал первый класс престижного учебного заведения и поступил сразу во второй. К 14 годам Уистлер убедился в правильности своего выбора и намеревался идти по намеченному пути. Но в 1849 году умер отец, и семья Уистлер вернулась в Америку. Здесь Джеймс на время остановил занятия рисованием и несколько лет учился в Уэст-Пойнтской военной академии, попутно изучая технику офорта.
Но военное образование было лишь данью семейным традициям, и Джеймс не собирался отказываться от мысли стать художником. Осенью 1855 года он попросил благословения родных на поездку в Париж, где хотел в совершенстве овладеть ремеслом в живописца. Во Франции Уистлер учился в мастерской художника-акмеиста Глейра. Дюморье, занимавшийся вместе с Джеймсом, позднее описал его в своем романе «Трильби», как ленивого «короля бродяг». Но это было явным преувеличением, потому что Уистлер часто бывал в Лувре, где учился ремеслу на произведениях Франса Халса, Веласкеса и Рембрандта. Он не прошел мимо и провокационных полотен Гюстава Курбе, которые произвели на молодого мастера большое впечатление.
С 1858 года Уистлер опубликовал «Двенадцать офортов с натуры», над которыми работал в Париже, на Рейне и в Лондоне, и офорты «Темза». Произведения, созданные в духе Рембрандта, сразу принесли Джеймсу популярность мастера художественной гравюры – направления, переживавшего до этого глубокий упадок. Но Уистлеру было принципиально важно получить одобрение от идейного наставника, господина Курбе. Это произошло после демонстрации картины «У рояля», где Джеймс изобразил свою сестру Дебору и племянницу Анни.
Художник объединил тему популярных в те времена «домашних концертов» с вечной темой материнства. Для этой работы Уистлер выбрал соответствующую сдержанную цветовую гамму, тщательно выверил соотношение света и тени и выстроил композицию по классическому стандарту, где фигура матери и дочери вписываются в треугольник, вершина которого уходит за край полотна.
От канонов классицизма Джеймс Уистлер отошел, когда писал две свои симфонии. Художественные, разумеется. «Симфония в белом № 1. Девушка в белом» вышла, что называется, комом и вызвала у зрителей только смех. Но позднее несколько повзрослевший Уистлер, успевший познакомиться с культурой Страны восходящего солнца, написал картину «Симфония в белом №2. Девочка в белом». Художник изобразил не японскую искусительницу, а рыжеволосую ирландку Джо Хайфермен. Свою постоянную натурщицу Уистлер окружил экзотическими вещами – веером, китайской вазой и ветками азалии.
Но самые глубокие чувства художник вложил в «Портрет матери», который создал в 1871 году. Колорит картины складывается из «аранжировки в сером и черном», композиция построена из прямоугольников, а черное платье женщины идеально вписывается в треугольник, одна из сторон которого совпадает с диагональю картины.
Эта работа – бесспорное доказательство сформировавшегося мастерства Уистлера. Зрелый художник уверенно рисовал большими кистями на длинных рукоятках, а мазки наносил быстрыми движениями. В качестве палитры он использовал маленький стол, в центре которого располагал белила, левую сторону заполнял желтой краской, кадмием, светлой охрой, кобальтом и лазурью, а правую – жженой слоновьей костью, краплаком и красными красками.
Примечательно, что зеленым цветом мастер не пользовался вообще. Но всегда знал, как правильно подобрать нужный тон, и учил этому своих мастеров. Джеймс Уистлер смешивал краски и хранил готовые смеси в баночках, заполненных водой. Мастер добивался гармонии и единства, поэтому всегда работал над всей поверхностью холста и избавлялся от рисунка, если понимал, что нарушил правильный строй тонов:
«Если о картине говорят: «Видно, что над ней хорошо поработали», — значит, она не закончена»
artifex.ru
Уистлер Джеймс Эббот Мак-Нейл. Творчество, картины и биография
Девушка в белом Джоан Хифернан1864, Галерея Тейт, Лондон
Зелено-розовый ноктюрн, 1861Галерея искусства Фрир, Вашингтон
Леди Мокс. Аранжировка в черном1881, Академия искусства, Гонолулу
Джордж Вандербильт, 1897-1903Национальная галерея, Вашингтон
Уистлер Джеймс Эббот Мак-Нейл (Whistler James Abbot McNeill) (1834—1903), американский художник, выдающийся мастер живописного портрета в полный рост, литографии и офорта. Если художники Хомер и Икинс вели борьбу за идейное реалистическое искусство на родине, то их соотечественник, третий выдающийся художник США — Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер, в отличие от Хомера и Икинса, недолго жил в Америке. Он родился в штате Массачусетс, но детство и отрочество его прошли в России, в Петербурге, куда его отец, инженер, был приглашен на строительство железной дороги. Есть данные, что юный Уистлер посещал классы Петербургской Академии художеств. После смерти отца Уистлер некоторое время жил на родине. В 1855 году Уистлер навсегда уехал из Америки, сначала в Париж, затем в Лондон. Его расхождение с господствующим салонным искусством проявилось и во Франции, где он, сблизившись сначала с Гюставом Курбе, а затем с Эдуаром Мане, выставил в «Салоне отверженных» поэтическую, изысканную по колориту «Девушку в белом» (1862, Вашингтон, Национальная галерея). В Лондоне его искусство подвергалось долгое время еще более резким нападкам официальной критики.
Картина Уистлера «Симфония в белом № 2. Девушка в белом». Исполненный тайной и сдержанной страсти портрет прекрасной возлюбленной Уистлера Джоанны Хифернан представляет собой этюд в сгармонированных оттенках белого цвета. Асимметричная композиция, в которой фигура сдвинута в сторону от центра и срезана рамой, прямой свет, превращающий тональный колорит в узор плоских цветовых пятен - все это говорит об интересе художника к японской живописи. Ее влияние заметно даже в деталях: веер в руках модели, фарфоровая ваза на камине и веточка цветущей вишни - прямые цитаты из искусства Японии, открытого европейскими художниками в 1860-е годы. В портретной живописи Уистлер часто использовал прием помещения силуэта фигуры на почти пустом фоне. В стремлении противопоставить свое творчество живописи викторианской Англии с ее литературными сюжетами он подчеркивал чисто эстетическое начало своих произведений, называя их ноктюрнами и симфониями. Однако художественное дарование Уистлера ослабевало по мере того, как росла его слава острослова и эксцентричного светского льва. Проникнутые глубоким уважением к человеку, его нравственной и интеллектуальной жизни, произведения Уистлера отличаются продуманной простотой, ясностью художественной формы, чудесными колористическими гармониями. В традициях прогрессивного американского искусства исполнен «Портрет матери» (1871, Париж, Лувр), выдержанный в благородной гамме серебристо-серых и черных оттенков. Необычайно композиционное построение портрета на холсте удлиненного но горизонтали формата. Строгость композиции, отбора деталей и, главное, острота характеристики модели сообщают особую демократичность и достоверность правдивому образу немолодой американской женщины. Изысканность цветовых решений, строгая построенность композиций сочетаются с глубиной психологических характеристик в «Портрете мисс Сайсли Александер. Гармония серого с зеленым» (1872—1874, Лондон, Национальная галерея). Поразительно тонко чувствовал Уистлер и передавал природу, пространство и воздушную среду в пейзажах «Старый мост в Бэттерси» (около 1865, Лондон, галерея Тейт), «Темза у Бэттерси» (1863, Чикаго, Институт искусств).
Реакционная обстановка художественной жизни Англии 1870-х годов была глубоко чужда Уистлеру, вызывая в нем противодействие, которое со временем приобрело характер демонстративного эстетства и выразилось в усилении самодовлеющих исканий в области формы. В поздний период творчества художника сказались его разрыв с родиной, а также отсутствие крепких связей с английской действительностью. И все же отдельные произведения Уистлера, и прежде всего его пейзажи и графические работы, полны поэтического чувства.
Развитие американского искусства, в первую очередь живописи, совершилось стремительно и концентрированно на небольшом отрезке времени. Этому способствовал тот факт, что Америка переплавляла в нечто единое — американскую нацию — различные нации и народности. Одновременно она ассимилировала их художественную культуру, их искусство, обогащая национальную школу. За короткий срок в Америку проникает из Англии барочный портрет, из Франции импрессионистический пейзаж, из Германии стиль модерн.
Все самое лучшее из того, что дало американское искусство, возникло на пересечении двух линий — профессионального творчества и непрофессионального, создаваемого множеством любителей — «художниками воскресного дня», т. е. фермерами, торговцами, лодочниками, домашними хозяйками и т.д. Их деятельность определила особенности американского искусства. Она проявляется в ограниченности тем, простоте и незамысловатости приемов и вместе с тем мужественной силе, спокойной серьезности, волевом отношении к миру, умении трезво оценивать его.
История зарубежного искусства →
smallbay.ru
Джеймс Уистлер и его «Ноктюрны» — Троицкий вариант — Наука
Ревекка Фрумкина
Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834—1903) довольно скудно представлен в наших музеях. Жаль, потому что художник он был оригинальный и разносторонний. Он родился в Америке, ранние школьные годы провел частично в Петербурге, где успел совсем мальчиком проучиться несколько лет в Императорской Академии художеств.
Эта биографическая деталь теряет свою экзотичность, если знать, что выбор учебного заведения был во многом обусловлен сугубо семейными обстоятельствами: Уистлер-старший, известный инженер, был приглашен участвовать в строительстве Петербургской железной дороги и приехал в Петербург с семьей. Юный Уистлер любил рисовать и в этом был успешен. Известно его письмо отцу, где юноша (ему уже 15) выражает желание в будущем стать настоящим художником.
К несчастью, отец Уистлера вскоре умер от холеры, так что семья вынуждена была вернуться в Америку, где Уистлеры поселились в Помфрете (Коннектикут), родном городе матери Уистлера. В дальнейшем, исходя из семейных традиций, Уистлер поступил в Вест-Пойнт, что представляется странным выбором, поскольку он был близорук и вообще не отличался крепким здоровьем. Учился там он кое-как, так что через три года Уистлеру пришлось Вест-Пойнт покинуть; впрочем, вынес он оттуда навыки картографа и гравера.
Челси. 1871 (первый из «ноктюрнов»). Внизу в центре «бабочка» с жалом
Видимо, в это время Уистлер сделал окончательный выбор пути — он решил стать художником и, пользуясь расположением и поддержкой более обеспеченных, а то и богатых друзей, поехал учиться во Францию.
Начиная с 1855 года, жизнь Уистлера как бы следует канонам средней руки романа «из жизни богемы». В Париже он поселился в Латинском квартале, голодал, жил в долг, занимался некоторое время в студии известного художника и педагога Глей-ра. Уистлер принял как центральные для своего творчества два основных принципа Глейра: «Линия важнее, нежели цвет» и « Самый важный цвет -черный». (Лишь через двадцать лет импрессионисты провозгласят примат цвета над линией и откажутся от черного).
Уистлер проводил много времени в Лувре, копируя картины; иногда ему удавалось продать эти копии. Именно в Лувре в 1858 году Уистлер познакомился с Фантен-Латуром, который ввел его в круг Курбе и Мане; там же Уистлер встретил Бодлера и Теофиля Готье.
В 1859 году Уистлер — уже поселившись в Лондоне — написал картину «За фортепиано», принесшую ему несомненный успех. Принципы Глейра нашли в ней полное воплощение — безупречность линии и предельная лаконичность цветовой гаммы, тонко рассчитанная композиция. В 1860 году эта картина была выставлена в Королевской Академии и в дальнейшем экспонировалась неоднократно. Уистлер окончательно осел в Лондоне, регулярно приезжая в Париж.
Ноктюрн в синем и серебряном. Венеция, лагуна
Сегодня нам трудно понять, почему картина «Девушка в белом» (1861) -портрет его возлюбленной Джоанны Хифернан, известный также как «Симфония в белом», — вызвала скандал и лавину кривотолков и интерпретаций в духе символизма. Эта работа Уистлера экспонировалась в «Салоне отверженных» (1863) рядом с «Завтраком на траве» Мане. И если в «Завтраке» и сегодня можно найти некие «странности», то «Девушка в белом» видится просто как замечательный по колориту и очень живой реалистический портрет.
Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета
Джоанну Хифернан Уистлер писал не раз, это великолепные работы. Вообще Уистлер был замечательный портретист — в Штатах, например, его «Портрет матери» и сейчас не просто популярен, это эмблема семейных ценностей. Однако если где-то устраивается большая выставка Уистлера, зрители будут стоять в очереди не ради портретов, но, главным образом, чтобы увидеть его «Ноктюрны» и «Симфонии» — действительно уникальные работы: виды Темзы, море у Вальпараисо, виды Венеции, и, конечно, «Снег в Челси».
Уистлер стал писать пейзажи в этом стиле в основном в конце 60-х, после поездки в Бразилию. Называть эти работы (как, впрочем, и многие портреты ) ноктюрнами, гармониями и композициями Уистлер стал позже, в начале 70-х — по его словам, под влиянием его друга и мецената Фредерика Лиланда, страстного поклонника творчества Шопена.
«Ноктюрны» и «Композиции» Уистлера обладают какой-то тайной: ведь в большинстве случаев мы видим только воду и небо, иногда намеком дан мост или контуры здания — но только намеком. Писал Уистлер очень жидко разведенной краской, работая не на пленере, а у себя в студии.
Именно такой Уистлер стоит совершенно особняком — неясно, можно ли его отнести к какому-либо направлению? Скорее, он сам образует «направление» — и в США оно даже получило имя — «тонализм». В Интернете представлено немало работ «тоналистов»; однако к Уистлеру, как мне показалось, действительно близок разве что американский художник Леон Дабо (1864—1960), лично знакомый с Уистлером и, если судить по пейзажам, несомненно испытавший его прямое влияние.
Уистлер у себя в студии
Рассматривая венецианские «Ноктюрны» 70-х годов и многочисленные портреты этого периода творчества Уистлера, надо иметь в виду, что на фоне «завитушек» викторианской эпохи, не только «Ноктюрны», но и «Портрет матери» (1871) выглядели откровенным минимализмом. За этим «минимализмом» всегда стояла тонкая проработка композиции и всех деталей костюма и интерьера.
Сесили Александер (девочка на картине «Гармония в сером и зеленом»; 1873), позировала Уистлеру в течение 70 сеансов и потом всю жизнь вспоминала, чего ей это стоило.
Уистлер (как и Оскар Уайльд) не играл в денди, он был им: светский человек, остроумец, чьи сарказмы перепечатывал журнал «Панч»; хозяин приемов, пользовавшихся большим успехом. Притом, как известно, художник отличался требовательностью к себе, огромной работоспособностью — и нетерпимостью к какой-либо критике в свой адрес.
Кому еще могло бы придти на ум написать книгу под заглавием «Тонкое искусство наживать себе врагов»? А бабочка с жалом, которую Уистлер избрал в качестве подписи для своих работ?.. И, конечно, для Уистлера тезис «искусство для искусства» был прежде всего отрицанием дидактических целей.
Джеймс Уистлер был знаком и дружен с многими из лучших умов своего времени, однако с большинством друзей и коллег он так или иначе ссорился и, в сущности, был одинок. Тщеславие и ранимость художника стоят за скандальным судебным процессом Уистлера против известного философа и крупнейшего искусствоведа Рёскина: последний неуважительно отозвался об одной из композиций Уитлера, изображающей ночной фейерверк в Креморне («Падающая ракета. Ноктюрн в черном и золотом»).
Уистлер выиграл процесс, принесший ему моральную победу и один фартинг вознаграждения, но полностью разоривший его из-за огромных судебных издержек.
После процесса Уистлер уехал в Венецию, получив заказ на исполнение дюжины гравюр в течение трех месяцев. К этому периоду относят известное mot Уистлера, согласно которому единственная добродетель художника — это его праздность. При этом художники, наблюдавшие жизнь Уистлера в Венеции, отметили, что он работал с утра до ночи.
Уистлер пробыл в Венеции год и два месяца и сделал за это время около 200 работ — в том числе 50 гравюр, более 100 пастелей и много работ в разных техниках. Именно там он познакомился с кругом молодых американских художников, принявших его как своего наставника.
Любопытно, что именно Уистлер отстаивал современный метод экспозиции картин на выставке, когда вокруг каждой картины стремятся оставить как можно больше свободного пространства.
Талант Уистлера проявился и в области декоративного искусства. Здесь немалую роль сыграл его интерес к японскому искусству, где, как известно, не существует такого резкого водораздела между «чистой « живописью и декоративным искусством. Сохранилась его знаменитая «Комната с павлинами», которая в свое время предназначалась для экспозиции коллекции китайского фарфора; это, впрочем, отдельная история. (Советую посмотреть слайд-шоу текущей экспозиции «Комнаты с павлинами» из коллекции Фрира [1].)
В Интернете Уистлер представлен весьма обширно и достаточно качественно. В частности, статья [2] содержит 113 ссылок, имеется сайт, где есть большинство его работ: [3].
- www.asia.si.edu/exhibitions/current/peacockRoom/pano.asp
- http://en.wikipedia.org/wiki/James_Abbott_McNeill_Whistler
- www.jamesabbottmcneillwhistler.org
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
Связанные статьи
Оценить:
Загрузка... trv-science.ru
История одного шедевра: «Мать художника» Уистлера
«Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» — одна из самых известных за пределами США картин, которая была написана художником американского происхождения. Ее даже называют американской «Моной Лизой», хотя изначально отказывались выставлять и называли неудачным экспериментом.
Джеймс Уистлер. Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника. 1871
Холст, масло. Музей Орсе, Париж
Сегодня она, купленная французским правительством в 1891 году и хранящаяся в парижском музее Орсе, — предмет пародий, реплик, аллюзий и, конечно, почитания. Даже сюжет одного из фильмов о мистере Бине разворачивается вокруг приключений с этим полотном.
Сюжет
Портрет Анны Макнейл своей композицией отражает ту роль, которую мать выполнила в жизни художника в трудные для него годы. Переехав к нему в Лондон, где молодой человек жил разгульно, она помогла стабилизировать положение, настроиться на серьезную работу и глубокое осознание искусства. Ее строгий портрет, в котором сбалансированы различные формы — это зеркало характера женщины.
Есть пара историй, почему Уистлер написал свою мать. По одной версии, Анна Макнейл заменила натурщицу, отказавшуюся прийти. По другой, — первоначальный замысел предполагал, что модель будет стоять, однако 67-летняя женщина не выдержала бы этого. Ни первое, ни второе нельзя сегодня ни твердо подтвердить, ни окончательно опровергнуть.
Таинственное название — «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» — объясняется влиянием, которое на Уистлера оказывали Шарль Бодлер и Теофиль Готье. Первый призывал современников вдумчиво исследовать жизнь и писать ее во всей суровости, не прикрытой античными аллегориями. Второй, изучавший в то время связь музыки и живописи, вдохновил Уистлера на придание полотнам музыкальности: художник стал называть свои полотна, в том числе переименовывать созданные ранее, ноктюрнами, симфониями, гармониями, этюдами и аранжировками.
Контекст
Уистлер намеревался представить картину на выставке Королевской академии искусств в Лондоне в 1872 году. По его задумке, это была бы пощечина, которую художник страстно желал нанести снобам и критиканам. Но ничего не удалось — картину не приняли.
Простота и сдержанность в пику викторианству вызвали негативную реакцию. Критики назвали картину скорее неудачным «экспериментом», нежели искусством. Однако позднее, в годы Великой депрессии в США полотно стало гимном материнства и семейных ценностей. Даже на марке, выпущенной в 1934 году, было указано: «В память и с почитанием всех матерей Америки».
Фрагмент фильма «Мистер Бин» (1997) Мэла Смита. Сюжет разворачивается вокруг картины Уистлера
Исследователь американской культуры Марта Тедески приравняла работу Уистлера к «Американской готике» Вуда, «Моне Лизе» да Винчи и «Крику» Мунка на основании того, что, по ее мнению, каждая из этих картин очень быстро «заговорила» с массовым зрителем на одном языке и приобрела популярность.
Судьба художника
Джеймс Уистлер родился в США в семье инженера. Когда мальчику было 7 лет, Уистлеры переехали в Россию — отца пригласили работать на строительстве железной дороги, связывавшей Петербург и Москву. В то время характер Джеймса — капризный, склонный к меланхолии и болезненным состояниям — уже проявился. Единственное, что могло успокоить его, — рисование. Поэтому родители, как только получили положительные отзывы о способностях сына, отдали его учиться в академию художеств.
Первый автопортрет (1858). Аллюзия на Рембрандта. Викисклад
После возвращения в США после более чем 6-летнего отсутствия Джеймс пытался учиться в разных заведениях не художественного профиля, даже в военной академии Вэст-Пойнт, но был отчислен. Первое время после этого он работал картографом, но был со скандалом уволен, когда выяснилось, что на картах он рисовал морских змей, русалок и китов. Оставаться в США Уистлер не хотел — его тянуло в Париж.
Во французской столице, куда он все же переехал в 1855 году, молодой человек быстро освоил богемный образ жизни. Снял студию в Латинском квартале, завел подружку-француженку и портного и занялся самообразованием. Брал он и частные уроки. Так, у Чарльза Габриэла Глера он перенял два принципа, которые пронес через все творчество: линия важнее цвета, и черный — основа гармонии.
Денег не было, нищета страшная. Чтобы хоть как-то жить, он копировал мастеров в Лувре и продавал эти картинки. Алкоголь, курение, непрогретая студия подрывали и без того слабое здоровье.
Мать Уистлера, 1850-е
После Парижа Уистлер отправился в Лондон. Собственно, большую часть жизни Уистлер провел между этими городами. Окончательно он осядет во французской столице в начале 1890-х. (К тому времени он выправит финансовое положение, снимет большую студию в Париже и посвятит себя сибаритству.)
Современники вспоминали о нем, как о воинственном и вместе с тем изысканном денди, талантливом литераторе и эксцентричном завсегдатае самых модных событий Лондона и Парижа. Актриса Эллен Терри писала: «Самыми замечательными мужчинами, которых я когда-либо встречала, были, несомненно, Уистлер и Оскар Уайльд. Оба заключали в себе столько индивидуализма, столько нескрываемой дерзости, что это невозможно описать».
Уистлер был чуть ли не единственным художником, который подал в суд на автора разгромной рецензии. Иск в адрес Джона Раскина последовал после того, как критик заявил о манере, в которой написана картина «Ноктюрн в черном и золоте: падающая ракета», что это горшок краски, брошенный в лицо публики. Самого живописца Раскин окрестил наглым шутом. Уистлеру критика показалась безосновательной.
«Ноктюрн в черном и золоте: падающая ракета» (1874). Википедия
В ходе заседания выясняли, о чем было полотно, сколько времени потрачено на его создание и почему автор просит так дорого (200 гиней) за пустяшную, по мнению суда и критики, работу. На что Уистлер ответил, что цена не за полотно, а за знания, полученные им в течение жизни и выраженные на полотне. Несмотря на отсутствие поддержки и понимания, суд признал победу за художником, правда, внушительной компенсации морального ущерба он не дождался — Раскин отделался штрафом.
Для своих выставок Уистлер писал сценарии, продумывал дизайн выставочной площадки, картинных рам, одежды смотрителей. Он был первым, кто провел выставку в абсолютно белом зале, что сегодня выглядит как норма.
Последние годы жизни Уистлер продолжал писать — в основном минималистские морские пейзажи — и даже занялся открытием художественной школы. Однако реализации планов мешало слабое здоровье, подорванное годами богемной и нищей жизни. Он умер в Лондоне в 1903 году.
Из: Дилетант
www.izbrannoe.com
Джеймс Эббот Макнейл Уистлер Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета: Описание произведения
В 1877 году Джеймс Уистлер выставил в лондонской галерее Гросвенор картину «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета».Маслянистая гладь Темзы. Темное небо в желтых оспинах искр. Дым над водой, за которым смутно угадываются очертания Челси. Это зыбкое, сновидческое, выдержанное в ультимативно мрачных тонах полотно, прекрасно характеризует творческий метод Уистлера, который считал, что предназначение живописи – не фиксировать реальность, а передавать впечатления от нее. Он писал не ночной фейерверк в Креморн-Гарденс, а сон о нем. Воспоминание. Чувство – неуловимое и мимолетное, словно траектория гаснущей ракеты. Уистлер верил, что у него есть право на подобный подход. В противном случае он стал бы фотографом, а не художником.
Разумеется, в 1877-м немногие разделяли его взгляды. Особенно разозлила «падающая ракета» Джона Рескина – художника, писателя, историка живописи и весьма авторитетного арт-критика.
Рескин не был ретроградом – он активно поддерживал прерафаэлитов, он открыл современникам Уильяма Тернера. Но и у прогрессивности Рескина были границы.
«Я много слышал о бесстыдстве и самомнении кокни, – писал Рескин в лондонской прессе. – Но не думал, что мне доведется увидеть, как самодовольный скоморох станет требовать двести гиней за то, что плеснул из горшка с краской в лицо публике».
Уистлер не захотел мириться с публичной поркой и подал на Рескина иск за клевету.
Когда адвокат Рескина спросил в суде, сколько времени Уистлер работал над картиной, тот ответил: «Два дня». «И за два дня работы вы хотите получить 200 гиней?!» - «Нет, - парировал Уистлер, - я хочу получить эту плату за знания, которые добывал всю свою жизнь».
Уистлер рассчитывал, что в суде за него вступятся коллеги, но мало кто стал на его сторону – слишком велик и грозен был авторитет Рескина. Не помогло даже то обстоятельство, что сам критик не явился на слушание по причине душевного нездоровья (в эти годы у Рескина участились приступы психических расстройств, и он практически не выходил из дома).
Суд признал Джона Рескина виновным в клевете: в конце концов, Уистлер никого не обливал из горшка с краской, да и кокни из него - уроженца США - получился так себе. Однако вместо требуемых 1000 фунтов Уистлер получил символическую компенсацию в четверть пенса. Судебные издержки практически разорили Джеймса Уистлера, ему пришлось распродавать имущество и объявить себя банкротом. Позднее Джеймс Уистлер включит воспоминания о тяжбе с Рескином в свою книгу с красноречивым названием «Изящное искусство заводить врагов».
Автор: Андрей Зимоглядов
artchive.ru
Уистлер. Мать художника
Название – «Аранжировка в сером и черном. Мать художника», 1871 г. (холст, масло, 144,3×162,4 см)
Художник – Джеймс Эббот Макнил Уистлер
Музей – музей Орсе, Париж
Любая картина – не важно, была она написана много веков назад или краска еще только подсыхает, – это маленькая история своего времени, кусок эпохи и жизни. Хочет художник этого или нет, но его картина хранит в себе пережитки своего времени, нравов, традиций. И, конечно же, раскрывается она в той степени, в которой пережил и прочувствовал всё это сам художник. Картина – это его эмоциональный всплеск, отпечаток внутреннего мира. Вот почему, только исследовав весь творческий и жизненный путь живописца и проанализировав его работы в сплетении со временем, когда он жил и творил, мы можем понять их и проникнуться ими, буквально прочитать словно книгу, страницу за страницей, очередную историю времени и даже целого поколения. А до этих пор мы судим картину, лишь исходя из своих предпочтений, восприятия цветовой гаммы и наслышанности о всеобщем признании, за которым нередко стоят раздутые и вымышленные тайны. Как бы там ни было, искусство всегда было и будет неисчерпаемым источником вдохновения и сил на новые творческие порывы, а результатом будут новые имена и шедевры, которые спустя какое-то время оставят и свой след в этом большом мире. Сегодня перед нами англо-американский художник и мастер живописного портрета Джеймс Уистлер и его картина, более известная под названием «Мать Уистлера».
История картины
Именуемая в народе «Мать Уистлера», эта картина стала одной из самых известных работ художника. Многим она известна по фильму с участием «Мистера Бина», где он случайно портит картину и второпях дорисовывает ее на свой вкус и лад. Довольно забавный момент. Несмотря на то, что картина стала некоторым символом «культа матери», художник возлагал на нее совсем иные надежды – именно этой картиной он хотел показать свое истинное понимание цвета и чуткое отношение к нему. Он долго над ней работал, чтобы достигнуть нужного сочетания серого и черного оттенков. Вообще, цветовая гамма всегда была для него на первом месте, именно игра цвета составляла основу всей его живописи. Ведь Уистлер был одним из главных тоналистов – предшественников таких ключевых направлений в живописи, как импрессионизм и символизм.
Модель должна была позировать стоя, однако жившая в Лондоне с сыном Анна Макнил Уистлер заменила модель и, в силу своего преклонного возраста, не могла подолгу стоять на ногах. Художник внес в свои планы изменения – и, как видно, не зря. Уистлер изобразил пожилую мать в черном платье, белый кружевной чепец и манжеты оттеняют строгость ее одежды, она изображена в профиль, взгляд устремлен куда-то вдаль. Ноги ее покоятся на скамеечке. Она сидит, задумавшись, и ее образ – не что иное, как символ приближающейся старости, а сочетание серебристо-серого с черным подчеркивает драматизм. Неподвижность этой женщины в летах свидетельствует о том, что человек может лишь смиренно принять свои годы и прожитые дни.
США, 2 мая 1934. Марка, посвященная Дню матери. На марке – портрет матери работы Уистлера.
Несколько строк о художнике
Джеймс Эббот Макнил Уистлер – литограф, офортист, автор портретов в полный рост. Художник родился 10 июля 1834 года в Лоуэлле (штат Массачусетс) в семье инженера-железнодорожника (к слову, того самого, который спроектировал Николаевскую железную дорогу между двумя российскими столицами). Уистлеры какое-то время жили в Петербурге. Широта русской души, знаменитые белые ночи и непревзойденные архитектурные ансамбли внесли свои коррективы и, конечно же, повлияли на формирование творчества Джеймса и его личности в целом. Здесь, в школе он выучил французский язык и посещал Академию художеств, здесь его увлечение рисованием переросло в нечто большее, а в свободное время Уистлер с матерью совершал прогулки по Царскому селу и Петергофу. В 1849 году отец скоропостижно скончался, и мать с детьми и гробом мужа была вынуждена возвратиться в Америку…
Систематические занятия искусством подошли для Джеймса к концу. Он проучился три года в Вест-Пойнтской военной академии, затем работал чертежником в геодезическом управлении, где овладел техникой офорта, которая применяется, в основном, для изготовления карт. Однако в 1855 году Джеймс Уистлер покидает Америку и уезжает в Париж, чтобы стать художником. Долгий путь и усердный труд сделали его одним из самых известных художников своего времени. Он учился живописи у лучших мастеров и на протяжении 14 месяцев делал акварельные зарисовки в Венеции. После чего Лондон встретил его с распростертыми объятиями и назначением на должность президента Общества английских художников. Матерый светский лев, Уистлер до конца жизни принадлежал к престижному столичному обществу – тому же, в котором вращался Оскар Уайльд. Художника похоронили в 1903 году при церкви св. Николая в Чизуике. А знаменитая картина, о которой мы вам рассказали, «путешествует» по всему миру и становится одним из главных объектов выставок в стенах лучших музеев мира.
Уистлер воспринимал собственное творчество как некое подобие музыки и нередко называл свои полотна «ноктюрнами» и «симфониями», возможно, поэтому его отношения с критиками были натянуты словно струны. Непримиримые отношения с известным искусствоведом Джоном Рёскином на фоне картины под названием «Ноктюрн: падающие звезды», написанной Уистлером в 1875 году, переросли из простой дискуссии в судебное разбирательство. Уистлер подал на критика в суд за оскорбление своего достоинства. Адвокат Рёскина спросил художника, сколько времени тот рисовал картину. И на вопрос: «И за два дня работы Вы хотите аж 200 гиней?», – Уистлер ответил: «Я прошу эти деньги за знания и умения, которые получал всю жизнь». Этот диалог вошел в историю.
Название - "Ноктюрн в черном и золотом. Падающие огни", 1875, Детройт института искусств.
«Мать художника» стала последней картиной Джеймса Уистлера, которую согласились разместить на выставке Королевской Академии.
Эльнара Мафусова
nargismagazine.az
«…Искусство Уистлера трудно отнести к какой-нибудь определенной художественной школе. Он воспринял и синтезировал в своем творчестве самые разные течения, не поддавшись ни одному из них.Свои пейзажи и портреты художник часто называл “ноктюрнами”, или “цветовыми гармониями”. Действительно, картины Уистлера отличает виртуозная тонкость и изысканность колорита, построенного, как правило, на сочетании одного-двух основных цветов» (Н. Кирдина).
James Abbot McNeill Whistler
Джеймс Эббот Макнил Уистлер (англ. James Abbot McNeill Whistler, 1834—1903) — англо-американский художник, мастер живописного портрета в полный рост, а также офорта и литографии. Один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма.
Джеймс Эббот Макнил Уистлер родился 10 июля 1834 года в одном из промышленных городов США – Лоуэлле. Осенью 1843 года Джеймс приехал в Санкт-Петербург вместе с отцом, инженером-путейцем, которого пригласило русское правительство для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы. Годы детства и юности, проведенные Джеймсом в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясениями жизни. Снежная русская зима с катанием на коньках по льду Невы, прогулки по Царскому Селу и Петергофу – ярчайшие детские впечатления художника. Мальчик рано пристрастился к рисованию. Уроки первоначально давал А. Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джеймс благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля: «Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В четырнадцать лет он твердо избирает путь художника. Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку… Приходит конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Вест-Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.Джеймс уволился из Геодезического управления в феврале 1855 года. Уистлер рассказывает: «Я писал портреты: кузины Анни Дени, Тома Уиннанса и других знакомых в Стонингтоне. Я сообщил родным, что уезжаю в Париж. Никто не возражал. Да все это уже намечалось с петербургских времен. Мне оставалось взять билет. Мне положили выплачивать в год триста пятьдесят долларов, которые я и получал очень регулярно».Он навсегда покидает Америку. Лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.
James McNeill Whistler (1834-1903), La Vielle aux Loques, 1858, Etching and drypoint | The Metropolitan Museum of Art
В Париже Уистлер учился в мастерской Ш. Глейра, однако большее значение имело для него общение с Фантен-Латуром и с Курбе, а также дружеские связи с Мане, Дега и Моне. В 1858 году Уистлер опубликовал «Французскую Сюиту» из двенадцати гравюр, нарисованных в Париже, на Рейне и в Лондоне: «Ливерден», «Лудильщица», «На солнце», «Непрочная постройка», «Матушка Жерар», «Улица в Саверне», «Маленький Артур», «Тряпичница», «Анни», «Торговка горчицей», «Фюметта» и «Кухня». Офорты, в которых ясно ощущается влияние Рембрандта, принесли художнику известность.
Уистлер занимался своими офортами в самых различных условиях, рисуя прямо на меди, без всякой подготовки или предварительных набросков. Для него медная доска и острие были тем, что бумага, перо или карандаш для других. Поэтому так редки его карандашные рисунки на бумаге, тогда как количество гравюр весьма значительно. Он уверенно владел иглой, каждый штрих попадал точно на свое место.
Speke Hall, No. 1 James McNeill Whistler (American, Lowell, Massachusetts 1834–1903 London) Date: 1870
В 1859 году художник пишет картину «У рояля». На картине, написанной в сдержанной цветовой гамме, изображены близкие ему люди – сестра Дебора и ее дочь Анни.Картина была послана в Салон 1859 года вместе с двумя офортами. Она была отвергнута, а два офорта – приняты. Своеобразие молодого художника, видимо, испугало жюри. Несправедливость этого решения вызвала скандал. Бонвен выставил в своей мастерской отвергнутые полотна, имевшие большой успех. Картина «У рояля» вызвала восторженные отзывы, среди них и Курбе. «Теккерей увидел ее и хвалил выше всякой меры…» В этот единственный раз печать была благосклонна к Уистлеру. С этого времени он стал широко известен…Начиная с 1859 года, в течение нескольких лет Уистлер кочевал между Лондоном и Парижем. В Лондоне он останавливался у своей сестры, леди Хейден, на улице Слоан. Иногда он приводил туда своих друзей.Уистлера привлекала своеобразная прелесть Лондона. Никто не понял и не почувствовал ее лучше его, ни Тёрнер, ни Констебль… Он понемногу совсем обосновался в Лондоне и до самой смерти всегда возвращался туда…С 1859 года он стал изучать Темзу. Он еще датировал свои офорты, и к этому году относятся одиннадцать досок серии Темзы. Он видел реку так, как никто до него не видел: то черной от сажи, то блистающей на солнце со своим лесом мачт, бесконечным рядом шаланд, мрачными пакгаузами, огромными доками с маленькими харчевнями на берегу. Он рисовал ее такой, какой видел, какой она была тогда… Среди этих офортов есть лучшие из того, что он вообще создал: «Набережная Черного Льва», «Тизак».
«Симфония в белом № 1» (1862)
В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом № 1. Девушка в белом». Уистлер выбирает композиции с элементами, которым достоверность не обязательна: музыка, к которой отсылает нас название картины, дарит художнику принципы композиции, базирующиеся на эмоциях, внутреннем темпе, чисто формальных аккордах.Но картина «Салон отверженных» вызвала смех у зрителей, приученных к совсем другой живописи.
«Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях “Принцесса страны фарфора”, “Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма”, “Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок”» (В. Барашкова).
The Athenaeum – La Princesse du pays de la porcelaine (James Abbott McNeill Whistler )
James McNeill Whistler, Purple and Rose: The Lang Leizen of the Six Marks, 1864
В 1864 году Уистлер послал на выставку в Королевскую Академию два полотна – «Уоппинг» и «Длинные Лизен», или «Шесть марок фарфора». С этого момента наступает новый период в его художественном развитии.
![James Abbott McNeill Whistler (American 1834–1903) [Impressionism, Tonalism] Symphony in White, No. 2: The Little White Girl, 1864.:](/800/600/https/s-media-cache-ak0.pinimg.com//564x/0d/ba/aa/0dbaaaa57d427ccb14f7c1efbdbc89cb.jpg)
James Abbott McNeill Whistler (American 1834–1903) [Impressionism, Tonalism] Symphony in White, No. 2: The Little White Girl, 1864.
На следующий год он выставляет «Девочку в белом» – свое самое своеобразное, законченное и совершенное произведение, которое многие художники считают одним из лучших произведений века.
На полотне – Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей – японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора. Мы ощущаем душевную ясность модели. Жемчужно-белые оттенки платья Джо в сочетании с насыщенными цветовыми пятнами – красными, розовыми, золотистыми, черными – создают мажорное, чуть приглушенное звучание этой «симфонии».
Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника, 1871. Музей Орсе, Париж
В 1871 году Уистлер создает замечательный «Портрет матери». Это – одна из драгоценнейших жемчужин американского искусства.«Выдержанный в благородном созвучии серебристых, серых и черных оттенков, осязательно конкретный в передаче объемов и фактуры предметов, ясно уравновешенный в своей простой и непосредственно-естественной композиции, этот портрет был самым наглядным воплощением лучших качеств национальной американской реалистической традиции», – пишет А.Д. Чегодаев.
Такие же четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева) художник применяет и при создании портрета английского историка и философа Томаса Карлейля (1872).
![James Abbott McNeill Whistler (American 1834–1903) [Impressionism, Tonalism] Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander, 1872‑4.:](/800/600/https/s-media-cache-ak0.pinimg.com//564x/e3/d1/c6/e3d1c637062b5cc346ad65b35ac0395d.jpg)
James Abbott McNeill Whistler (American 1834–1903) [Impressionism, Tonalism] Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander, 1872‑4
Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» (1872–1874) Уистлер работал в продолжение 70 сеансов. Это самый очаровательный и самый изящный портрет художника.«Характеру юной грациозной девушки с капризно-печальным выражением лица, легкой, как порхающие над ее головой бабочки, и хрупкой, как стебельки изображенных рядом с ней полевых цветов, точно соответствует изысканное сочетание серых и зеленоватых тонов, в которых решен портрет, хотя художник ввел сюда и золотистые тона, – пишет Н. Кирдина. – Золотой полоской заканчивается черная панель; бантики на туфлях закреплены крошечными золотыми пряжками; волосы заколоты золотой булавкой; золото мы находим и в драпировке, брошенной на стул, и в узоре циновки на полу: картина написана широкими, свободными мазками. Тончайшие сочетания палевых, серых, серовато-зеленых, серовато-розовых оттенков великолепно передают и легкость одежд, и теплоту просвечивающего сквозь материю тела, и мягкость волос. Завершающий штрих этого портрета – подпись самого художника, напоминающая бабочку, окруженную овалом. И хотя портрет писался долго, кропотливая работа художника скрыта за блестящим артистизмом исполнения».
[flickr_set] К этому времени технические приемы художника уже сложились. Сиккерт пишет: «Техника Уистлера очень проста. Некоторые из ранних вещей… были на обыкновенном грунтованном светлом холсте. Позднее он предпочитал специально подготовленный холст, более грубый и тонированный обычно серым… Начиная портрет он сначала тщательно готовил подбор тонов. Палитрой ему служила поверхность овального стола, на котором ему было удобно смешивать краски. Затем он писал прямо без подмалевка. После сеанса он собирал остатки красок со стола мастихином и опускал в блюдце или блюдо с водой, чтобы пользоваться ими на следующий день… Чтобы “не загружать холста”, по его выражению, ему нужно было принимать ряд предосторожностей. Употребление с самого начала полной палитры, включая медленно сохнущие краски, вроде черной жженной слоновой кости и розового краппа, причиняло ему бесконечные трудности. Здесь не трактат по технике живописи, и достаточно сказать, что метод Уистлера не подходил для писания больших картин, требовавших многих сеансов. Это был метод “алла прима”, при котором фактически картина прописывалась заново на каждом сеансе…»
James Abbott McNeill Whistler “Nocturne in Blue and Gold: Valparaiso”
James Whistler, ‘Nocturne: Blue and Gold, Old Battersea Bridge.’
James Abbott McNeill Whistler – Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket, 1875 – oil on wood. Stunning.
Созданная в 1875 году художником картина «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» стала неожиданно причиной громкого суда. Известный критик Д. Рескин обвинил Уистлера в том, «что он швырнул в лицо публике горшок с краской». Уистлер привлек критика к суду за диффамацию и оскорбление. Сказавшийся больным, Рескин прислал вместо себя на суд двух лордов, которых Уистлер, одаренный блестящим остроумием, смог совершенно уничтожить. Но судебный процесс, хотя и выигранный художником, привел к его полному разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции.В том же году Уистлер уехал из Лондона в Венецию, заключив договор с Обществом изящных искусств о создании серии из двенадцати офортов этого знаменитого города. Ему приходилось в Италии очень туго, и иногда он попадал в тягостное положение из-за отсутствия денег, но художник хранил все созданное, собираясь сделать хорошую выставку по возвращении в Лондон. И действительно, выставка венецианских работ прошла с большим успехом, что, впрочем, лишь увеличило враждебность со стороны критики.
The Lady in the Yellow Buskin (James Abbott McNeill Whistler – 1883)
Lady in Gray, ca. 1883 James McNeill Whistler (American, 1834–1903)
Harmony in Blue and Violet: Miss Finch (c. 1885) by James Abbott McNeill Whistler
Milly Finch, 1884 James McNeill Whistler
«…В самом художнике произошел душевный надлом, – считает В. Барашкова. – По-прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла сила, чаще встречаются композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур порой назойливо напоминают о себе.
С годами пришло признание, успех, появились почитатели, богатые заказчики. “Портрет матери” приобрело французское правительство, портрет Т. Карлейля занял почетное место в Художественной галерее в Глазго».
The Peacock Room, designed by James McNeill Whistler, 1876-77, Freer Gallery of Art, Smithsonian.
![[] The Peacock Room ceiling (detail) by James McNeill Whistler, Sackler-Freer Gallery. (SOURCE OF PHOTO: http://simplyturquoise.com/2012/05/19/vintage-vogue/):](/800/600/https/s-media-cache-ak0.pinimg.com//564x/a3/ed/9c/a3ed9cab8060b199836f0b9e3aef778a.jpg)
Не меньше своих картин Уистлер ценил свои работы декоратора. К сожалению, сохранился лишь интерьер знаменитой «Павлиньей комнаты» – столовой в доме Лейландов. Работая почти без эскизов, Уистлер создал нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века.
«…Уистлер не переносил одиночества – до самой смерти… Его дом всегда был открыт для всех… Говорят, один чудак, бедняк-музыкант, которого Уистлер называл “первым эстетом”, зашел однажды поужинать, попросился переночевать и кончил тем, что остался на три года… Дом Уистлера был открыт и для поэтов и писателей молодого поколения. А потом и светское общество стало в нем появляться… Хотя его картины еще не были приняты, сам Уистлер вошел в моду – его словечки, жесты были предметом разговоров на обедах и приемах. Начиная с этого времени публика была всегда в курсе малейших деталей частной жизни Уистлера…Уистлер прекрасно знал цену этой популярности. Среди людей, толпившихся вокруг него, пока он был в моде, он не мог найти друзей, которых он хотел бы иметь. Позднее он посвятил “Изящное искусство создавать себе врагов” “тем редким людям, которые уже смолоду отказались от дружбы многих”… Некоторые считали, что он не мог жить без ссор, что это составляло для него всю прелесть жизни. Но он сражался, только будучи вынужден к этому. А сначала жизнь его текла спокойно и без всяких тайн. Он верил на слово своим друзьям, пока они не доказывали на деле, что были его врагами…» (Пеннель).Умер Уистлер в Лондоне 17 июля 1903 года.
Д. К. Самин
В начале своей карьеры Уистлер удивлял современников плоскостностью и орнаментальностью изображений — в этом отразилось его раннее увлечение японским искусством. С импрессионизмом его сближало стремление запечатлеть первое поэтическое, музыкальное впечатление от предмета, будь то пейзаж или человеческая фигура. Разделяя бодлеровское учение о синестезии, Уистлер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями».
В то же время Уистлер по многим вопросам расходился с импрессионистами. Он не одобрял культ пленэра и говаривал, что «писать с натуры лучше всего дома». Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта. Созвучия тонов, по его мнению, должны соответствовать ритмам линий. В поздних произведениях, особенно «ноктюрнах» с видами Лондона, Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.(википедия)
blog.arthistoryonline.ru
