Музей ЧерномырдинаАмериканские пейзажи, художник Albert Bierstadt. Картины сша
АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ – 5 (Реалистические традиции в 20 веке)
В отзывах о выставке сыпались обвинения в безнравственности, непрофессионализме, безумии, шарлатанстве, многие работы называли карикатурами и пародиями на живопись, а Теодор Рузвельт сказал: «Это вообще не искусство!»
Гражданские власти, однако, не вмешивались и не пытались закрыть выставку, а скандалы вокруг неё только способствовали успешной распродаже многих работ, которые сегодня можно увидеть в американских музеях, а МоМА (The Museum of Modern Art) так вообще можно считать наследником и продолжателем той первой выставки современного искусства.
Она косвенно повлияла и на художников реалистического направления, а реалистические традиции никогда не умирали в Америке, она не только способствовала изменениям в технике рисунка, в тематике сюжетов, но и даже породила такие новые направления в живописи как, «магический реализм»*
и его ответвление – «прецизионизм»**, характерные именно для американских художников,
и рожденное в Америке художественное направление «регионализм»*** (или риджионализм).
Вот о художниках, представителях разных направлений реалистического искусства Америки 20 века, мы и поговорим.
Чарльз Берчфильд (1893-1967), один из самых выдающихся акварелистов Америки, писавший свои картины у мольберта в технике «сухой кисти», рано (уже к 1915 году) разработал свой неореалистический стиль, сочетающий модернистские тенденции, традиционную китайскую живопись и элементы фовизма.
На протяжении своей творческой жизни он менял направления и техники, писал пейзажи и картины на исторические сюжеты, сцены, наблюдаемые из окна его дома, и цветы, «галлюцинаторные», в духе магического реализма, виды природы и ее божественной силы.
В его честь в 1966 году в Буффало создан Центр природы и искусств, названный «Берчфильд Пенни Арт-центр», включающий в себя также крупнейшую в мире коллекцию работ художника.
Реджинальд Марш (1898-1954), родился в Париже, в обеспеченной семье художников, был учеником Д.Слоана, известен прежде всего, как живописец и иллюстратор городских сцен, уличной жизни, пляжей Нью-Йорка.
Его картины отличаются документалистской тщательностью, пронизаны ироничной любовью к персонажам, он много рисовал для бурлеска и водевилей, считая их «театром простого человека, выражающим юмор и фантазии бедных, старых и некрасивых».
Он работал в масле и тушью, акварелью, яичной темперой, а начинал свою творческую жизнь с литографии. Его стиль можно характеризовать как «социальный реализм», особенно ярко проявившийся в годы Великой депрессии, а преданность старым мастерам, творчеству которых он поклонялся, привела к созданию работ, содержащих религиозные метафоры.
Незадолго до своей смерти от сердечного приступа Марш получил Золотую медаль графического искусства Американской академии искусств.
Ферфилд Портер (1907-1975) родился в семье архитектора и поэтессы, учился в Гарварде и Лиге американских студентов, всю жизнь придерживался реалистического направления, писал в основном пейзажи и портреты семьи и друзей, стараясь выявить необычность в обычной жизни, сделать ее красивее.
В его работах чувствуется влияние отца-архитектора, работ Веласкеса, а позже художников Боннара и Вюйара, он считал, что «импрессионизм способен живописно воссоздать присутствие реальности».
Возможно, отсутствие хороших учителей масляной живописи, настороженное отношение к чувственности и натурализму, присущее многим американцам тех лет, помогает объяснить несколько примитивный характер работ Портера, неловкость, скованность его фигур, их статичность.
И только в поздних своих работах он начинает пересекать границу между импрессионизмом и фовизмом, его рисунок становится более свободным, краски ярче, а в его работах больше света.
Эдвард Хоппер (1882-1967) родился в Наяке, в центре яхтостроения на реке Гудзон, в зажиточной семье голландского происхождения. Художественный талант проявился у Хоппера уже в 5 лет, родители привили ему любовь к французскому и русскому искусству, поощряли его увлечение живописью и разнообразные интересы.
Хоппер работал пером и чернилами, углем, акварелью, маслом и в литографии, рисовал портреты и морские пейзажи, политические карикатуры и рисунки с натуры. В творчестве Хоппера угадываются влияния Роберта Генри, одного из его учителей, и Мане с Дега,
Уильяма Чейза и Рембрандта, особенно его «Ночной дозор», а живя в Париже, рисуя сценки на улицах, в кафе и театрах, он оставался в традициях реалистического искусства, хотя некоторые исследователи относят его творчество к прецизионизму из-за характерных для его работ четких геометрических форм, механистичности, стерильности и пустоты пространства.
Он говорил, что его «любимая вещь в живописи – солнечный свет на стене дома». Во время Великой депрессии Хопперу повезло больше, чем многим другим художником – он продолжал ежегодно выставляться и хорошо продавался на протяжении всей последующей жизни.
Его творчество оказало большое влияние не только на изобразительное искусство, но и на кино своими кинематографическими композициями и драматическим использованием света и темноты.
Пол Кадмус (1904-1999), представитель направления «магический реализм» объединил в своем творчестве элементы эротики и социальной критики,
приобрел скандальную известность благодаря откровенным гомосексуальным мотивам в своих картинах и изображению обнаженных мужских фигур.
Он родился в небогатой семье художника, отец поощрял занятия мальчика рисованием, в 14 лет он поступил на курсы при национальной академии дизайна, а затем и в Академию. Он много путешествовал со своими друзьями, писал большие полотна, отображавшие его впечатления от Европы, рисовал многофигурные картины из жизни рыбаков, моряков, сцены городской жизни,
а после знакомства с импресарио и балетоманом Кирстеном у Кадмуса появилось много работ на балетные темы, в основном изображавшие танцовщиков.
Пол Кадмус прожил долгую жизнь и умер в возрасте 95 лет на руках у своего друга и постоянной модели, который был с ним рядом на протяжении последних 35 лет жизни. Кадмус любил повторять слова Энгра: «Люди говорят, что мои картины не подходят этому времени. Возможно, они ошибаются, и я единственный кто идет со временем в ногу».
Айвен (Иван) Олбрайт (1897-1983), один из самых известных представителей магического реализма, родился со своим братом- близнецом в семье художника.
Братья большую часть своей жизни были неразлучны, оба учились в Чикагском институте искусств, брат Малвин стал скульптором, а Айвен – художником, но начинал как архитектор, а во время Первой мировой войны выполнял для больницы в Нанте медицинские рисунки. Он всегда очень требовательно относился к своей работе, тщательно выписывая все детали и посвящая многие свои работы таким сложным темам, как жизнь и смерть, материальность и дух, воздействие времени на внешность и внутренний мир человека.
Такая работа требовала много времени и поэтому продажи были редкими, многие картины оставались в его собственности. Олбрайт изготовлял собственные краски и угли, был одержим освещением до такой степени, что носил черную одежду и покрасил свою студию в черный цвет, чтобы предотвратить блики.
Он писал в реалистичной, но преувеличенно детализированной манере, он любил наблюдать течения времени и написал более 20 автопортретов только в последние 3 года жизни, чтобы отразить изменения, происходящие в человеке.
Джордж Клер Тукер-младший (1920-2011), работы которого представляют направления соцреализма и магического реализма, родился в семье с англо-франко-испано-кубинскими и американскими корнями, по настоянию родителей изучал в Гарварде английскую литературу, но большую часть времени посвящал живописи.
После службы в морской пехоте, откуда был уволен из-за слабого здоровья, посещал курсы Лиги студентов-художников, много работал в технике яичной темперы, восхищался искусством времен итальянского Возрождения.
Картины Тукера изображают сцены повседневной американской жизни, человеческие фигуры на них часто не имеют определенной расовой и сексуальной принадлежности, выражают одиночество, изолированность и анонимность.
Он много внимания уделял соблюдению геометрических пропорций и симметрии, из-за этого очень медленно писал – не более двух картин в год. После его первой крупной выставки в 1951 году Тукер постоянно успешно выставлялся, его работы есть в крупнейших музеях Америки.
Петер Блуме (Питер Блюм) – (1906-1992), художник и скульптор, в работах которого есть элементы прецизионизма, пуризма, кубизма, сюрреализма и народного искусства. Он родился в России в еврейской семье, эмигрировавшей в Америку в 1912 году и поселившейся в Бруклине.
После изучения искусства в разных учебных заведениях он открыл собственную студию при покровительстве семьи Рокфеллера. Как и многие его современники-реалисты, он был поклонником Ренессанса, путешествовал по Италии, его первая картина, получившая признание в 1934 году - «Вечный город», в ней угадывается образ Муссолини, как чертик из коробки, выходящего из Колизея.
Его работы, часто изображающие разрушение, тем не менее могут быть истолкованы как символы восстановления и обновления после Второй мировой войны, об этом говорят камни, новые балки, фигурки работающих людей.
Художественный стиль Блуме представлял собой интересный гибрид разных художественных направлений американского и европейского искусства, его называют «художником сказочной повествовательности».
Эндрю Ньюэлл Уайет (1917-2009), представитель преимущественно регионалистического стиля в реализме, родился в семье художника-иллюстратора, внимательно относившегося к развитию талантов у своих пятерых детей, приучавшего их к хорошей литературе, музыке, изучению природы. Отец сам обучал дома своих детей, и все они были талантливы: художники, музыкант, композитор, изобретатель.
В их доме царила творческая обстановка, часто бывали знаменитости, такие как Скотт Фицджеральд и Мэри Пикфорд. Сам Уайет, как ни странно, считал себя абстракционистом, придавал большое значение осознанию глубинного смысла в простых объектах, любимыми темами его картин были земля и люди вокруг него.
Самая известная его картина «Мир Кристины» изображает девушку с соседней фермы, ставшую инвалидом после полиомиелита, одиноко ползущую к дому вдалеке.
Одной женщине Хельге Тесторф было посвящено 247 картин и рисунков, он изучал ее в различных условиях и эмоциональных состояниях, что является уникальным опытом в американском искусстве.
Несмотря на то, что у Уайета много технически прекрасных произведений и у него было много последователей, искусство его считается спорным, а искусствовед Розенблюм охарактеризовал его как «самого переоцененного и недооцененного» художника.
Грант Вуд (1891-1942), один из самых известных представителей регионализма, родился в Айове, рано потерял отца, работал в магазине металлоизделий, учился в художественной школе, а потом в Чикагском художественном институте.
Молодой Грант 4 раза ездил в Европу для изучения живописных стилей, уделяя особое внимание импрессионизму и постимпрессионизму, но восхищался работами Ван Эйка и мечтал объединить в своем творчестве современные методы и ясность, четкость, глубину средневекового искусства.
Недаром самая знаменитая его картина называется «Американская готика», она отражает традиционный еще для 19 века взгляд на роли мужчины и женщины в Америке, картина была принята неоднозначно, некоторые считали ее карикатурой, а газеты пародировали ее на разные лады.
Позже, преподавая живопись в Университете Айовы, Вуд становится ключевой фигурой культурного общества университета, но из-за слухов о его гомосексуальной связи со своим личным секретарем Вуд был уволен и вскоре умер от рака поджелудочной железы.
Томас Гарт (Харт) Бентон (1889-1975) родился в семье политиков, его отец, полковник, адвокат и меценат, четырежды был избран в Конгресс. Отец хотел, чтобы сын шел по его стопам, но мальчика интересовало искусство, мать поддерживала его выбор, и он поступил в Художественный институт Чикаго, а потом уехал в Париж, продолжить обучение в Академии Жулиана.
Вернувшись в Америку, продолжая рисовать, он служил во время Первой мировой войны в ВМС США, работал над созданием камуфляжных образов кораблей и верфей, что требовало реалистического документального изображения и повлияло в дальнейшем на его стиль. В начале 20-х годов Бентон объявил себя «врагом модернизма», стал одним из ведущих представителей регионализма и придерживался «левых» взглядов.
Он увлекся Эль Греко, влияние его творчества видно в работе над огромными фресками, отображающими разные этапы и события в жизни страны.
Бентон преподавал в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, многие его студенты стали известными художниками (Хоппер, Поллак, Марш), но был уволен за осуждающие высказывания о чрезмерном влиянии гомосексуалистов в художественном мире. После Второй мировой войны регионализм как направление утерял свою актуальность, Бентон продолжал писать фрески,
работал активно еще около 30 лет, но не имел уже былой популярности.
Джон Стюарт Кэрри (1897-1946) родился на ферме в штате Канзас, ухаживал за животными, увлекался легкой атлетикой, с детства был окружен репродукциями картин Рубенса и Доре, которые сыграли свою роль в последующем выборе им художественного стиля.
Джон учился в Институте искусств Чикаго, работал иллюстратором в журналах, провел год в Париже, изучая работы Курбе, Домье, Тициана и Рубенса. Вернувшись в США некоторое время работал в своей мастерской, путешествовал с цирком, был назначен первым художником в Университет Висконсин-Мэдисон, ездил по стране для содействия развитию искусства в фермерских общинах.
Он выполнял роспись для Департамента юстиции в Вашингтоне и для Капитолия в Канзасе. Кэрри был одним из трех (Бентон и Вуд) столпов американского регионализма, который был особенно актуален в годы Великой депрессии.
Он изображал сцены труда, семьи и земли, борьбы со стихийными бедствиями, чтобы продемонстрировать миру настойчивость, работоспособность и веру людей, что Кэрри считал сутью американской жизни.
Если честно, меня не очень вдохновляют художники-реалисты вообще, с некоторым интересом я отношусь к творчеству только отдельных представителей магического реализма (Кадмус, Блуме, Хоппер), но в целом мне этот период в американском искусстве не близок, что поделать.Следующая и последняя часть будет посвящена современному американскому искусству. Окончание следует... Как всегда, слайдшоу, в котором гораздо больше картин и хорошая музыка:
* Магический реализм - Как художественное направление магический реализм сложился на американской почве, став эквивалентом европейского сюрреализма. Во многом отвечая вкусам и потребностям американского зрителя, произведения мастеров магического реализма носили эпатирующий, шокирующий своей откровенностью характер, при этом сочетая его с анекдотичностью ситуаций и карикатурностью персонажей, реальность скорее напоминала беспокойный сон или галлюцинаторный бред.**Прецизионизм, или пресижинизм (англ. precision — точность, чёткость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов — изображение города, Главная тема — механистическая эстетика, пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нём нет человека. ***Риджионализм или регионализм (от англ. regional – местный) - художественное направление в искусстве США 1920-1940 годов, в основе которого лежало стремление создать подлинно американское искусство в противовес идущим из Европы авангардным течениям. Вдохновленные идеями национальной самобытности, художники-риджионалисты сосредоточились на изображении «подлинной» Америки. Темами их произведений стали американские пейзажи, сцены из жизни фермеров, быт маленьких городков, эпизоды из истории, местных легенд и фольклорных рассказов.
Ссылки: http://www.izostili.ru/index.phphttp://en.wikipedia.org/wiki/Armory_Showhttp://www.darkgrot.ru/cult/zhivopisy/article/643/ http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page http://www.nbmaa.org/index.php?option=com_content&task=view&id=111
history-of-art.livejournal.com
АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ. Часть 2. Вторая половина XIX века.
К середине 19 века пейзаж становится господствующим жанром американской живописи. Многих художников того времени объединяют в группу «Школа реки Гудзон», в которую входило более 50 пейзажистов двух поколений.
Наиболее известным американским художником-пейзажистом тех лет можно считать Томаса Коула (1801-1848),
родившегося в Англии и переехавшего в 17 лет с родителями в Америку. Живописи он обучался у бродячего художника, был самоучкой, много путешествовал по стране, побывал в Англии и Италии,
но американскую природу считал гораздо более живописной, чем европейская.
Наиболее близким к манере Коула был его друг Эшер Дюран (1796-1886), начинавший как график,
но после путешествия с другом по горам Америки он увлекся пейзажем, очень много рисовал с натуры.
Эту картину художник написал в память об умершем друге, на аукционе в 2007 году за нее было уплачено 35 миллионов долларов.
Одной из центральных фигур в «Школе реки Гудзон» был Фредерик Эдвин Чёрч, уже в 18 лет ставший учеником Коула. С весны до осени он путешествовал по стране и по миру,
сначала один, а потом и с семьей, часто пешком, делал эскизы, а зимой рисовал свои большие яркие картины и успешно продавал их.
Альберт Бирштадт (1830-1902) тоже много путешествовал по стране и по Европе, охотно рисовал Альпы, но настоящей его любовью были Скалистые горы,
Дикий Запад, индейцы.
Эту любовь ему удавалось передать на своих больших полотнах, мастерски используя эффект света и тени.
Томас Моран (1836-1926), ребенком эмигрировал с родителями из Англии, подростком работал подмастерьем резчика по дереву, рано начал рисовать пейзажи.
Большое влияние во время учебы в Англии оказали на него работы Уильяма Тернера, его умение наполнять свои полотна светом.Моран рисует пейзажи Англии, виды Венеции,
но большинство его работ посвящено Дикому Западу и любимым Скалистым горам. Его участие в исследовательской экспедиции в эти места и его рисунки способствовали превращению Йелоустона в национальный парк.
Джон Фредерик Кенсетт (1816-1872), представитель «люминизма» * в американской пейзажной живописи «Школы реки Гудзон». Первое свое художественное образование он получил у своего отца, работая в его граверной мастерской, но мечтал писать пейзажи.
Он отправляется в Англию, затем во Францию, восхищается голландской и английской пейзажной живописью, путешествует по Италии.
Вернувшись в Америку, продолжая писать спокойные, наполненные чистым светом и выполненные в изысканной манере пейзажи, Кенсетт приобретает популярность у коллекционеров, успех и богатство.
Джон Ф.Френсис (1808 -1906), художник-самоучка, начинавший как портретист, известен своими натюрмортами.
Именно портретная живопись пробудила в нем интерес к мелким деталям, который он так успешно развил в своих работах.
Натюрморт был популярен в то время, картины Френсиса пользовались спросом, он стал ведущим художником в жанре «столового» натюрморта, изображая фрукты, орехи, сыр, печенье и другие продукты.
Мартин Джонсон Хид (1819-1904), родился в семье кладовщика, начинал тоже как портретист, поддерживал дружеские отношения с художниками «Школы реки Гудзон» и писал романтические морские пейзажи,
путешествовал по Европе, странствовал по американским берегам. После поездок по тропикам главными темами его работ стали флоридские пейзажи,
тропические птицы (только с колибри около 40 картин) и цветы, особенно магнолии.
Он не стал признанным и известным художником при жизни, но сегодня его работы можно найти в крупнейших музеях, а иногда даже в гаражах и на блошиных рынках.
Томас Икинс (1844-1916), один из основоположников реалистического направления, живописец, график, скульптор, фотограф, педагог,
одним из первых обратился к изображению городской жизни Америки. Он получил образование в Филадельфии, продолжил его в Париже, путешествовал по Европе, восхищался работами испанских мастеров-реалистов Веласкеса и Риберы, эффектом света и тени у Рембрандта.
Именно у них он научился изображать обнаженное тело в движении, драматизм происходящего действия, противопоставлять темный интерьер в портрете напряженному свету, направленному на лицо и фигуру.
При жизни Икинс не получил большого признания, но позже потомки по достоинству оценили его реалистический стиль.
Уинслоу Хомер (1838-1910), выдающийся американский художник- пейзажист и гравер, работавший в реалистическом стиле.
Начальное художественное образование он получил от матери, писавшей талантливые акварели, от нее же унаследовал волевой общительный характер и чувство юмора. Началась его карьера с графики, в течение 20 лет работал иллюстратором, во время Гражданской войны делал эскизы и рисунки о войне и ее последствиях, на основании которых позже создавал картины.
Вскоре после войны Хомер отправляется в Париж, продолжает там писать пейзажи и сцены городской жизни, его творчество близко к Барбизонской школе. Хотя он и использует активно игру света в своих картинах, характерную для импрессионистов, нет никаких доказательств их влияния на его творчество, у него к тому времени сложился уже свой независимый стиль.
Наибольшую известность ему принесли картины морской тематики,
сценки из сельской жизни, а из путешествия в Англию он привез картины, рассказывающие о жизни рыбацких деревень, морские пейзажи и акварели.
Он много путешествует по США и Центральной Америке, рисуя тропические и снежные пейзажи, детей и животных. Считается, что Хомер был одним из поколения тех художников, которые создали собственную художественную американскую школу.
Джеймс Уистлер (1834-1903), родился в семье известного инженера,
в восьмилетнем возрасте он переехал с родителями в Петербург, куда его отец был приглашен на работу в управление железной дороги. Там молодой Уистлер сначала брал частные уроки рисования, а в 11 лет поступил в Императорскую Академию художеств. Некоторое время он с матерью жил в Лондоне, продолжая изучать искусство, рисовать и собирать книги о живописи.
После смерти от холеры отца, семья Уистлера вернулась в Америку, жила скромно, и он поступил в Военную Академию в Вест-Пойнте, но ни физически, ни внешне, ни морально он не был готов к военной карьере и был отчислен. Тогда же он твердо решил, что искусство будет его будущим, начал создавать офорты, уехал в Париж и уже никогда не возвращался на родину. Там Уистлер арендовал студию в Латинском квартале, вел богемную жизнь, много курил и пил, но и писал копии с картин великих мастеров в Лувре для заработка, изучал искусство, поклонялся Курбе и Коро, восхищался японской графикой и вообще восточным искусством.
После переезда в Лондон и удачного участия в выставке Уистлер вскоре сделал себе имя не только как художник, но и приобрел много друзей в среде художников и литераторов благодаря своему остроумию, умению одеваться и щедрости. Он много ездил для изучения творчества великих мастеров и написания картин, с 1869 года начал подписывать свои картины монограммой – бабочки, состоящей из его инициалов.
Любимыми его цветами становятся серый, черный и коричневый. Уистлер проповедовал «искусство ради искусства», чистое, не обремененное идеями, обращающееся к художественным чувствам, а не эмоциям, и часто давал своим картинам музыкальные названия.
Считается, что он был близок к импрессионизму по настроению в своих картинах, но не по цветовой гамме и световым эффектам. В предлагаемом слайдшоу можно увидеть больше картин всех упомянутых художников.
Наконец, я подошла к своей любимой теме - "Импрессионисты", но это уже в следующий раз. Продолжение следует.
*Люминизим – направление в американской пейзажной живописи, характеризуется насыщенностью светом, использованием воздушной перспективы и сокрытием видимых мазков. (http://en.wikipedia.org/wiki/Luminism_(American_art_style)Ссылки:http://allpainters.ru/hudozhniki-po-alfavitu.htmlhttp://www.wikipaintings.org/ru/alphabethttp://en.wikipedia.org/wiki/
vanatik05.livejournal.com
АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ – 5 (Реалистические традиции в 20 веке)
В 1913 году Ассоциацией американских художников и скульпторов была организована первая большая Международная выставка современного искусства, Арсенальная выставка (Armory Show), в помещении оружейных складов Национальной гвардии на Лексингтон-авеню. Она стала важным событием в истории американского искусства, вызвала разные эмоции: удивление, восхищение, возмущение, поклонение и полное неприятие у американской публики, привыкшей к реализму, в какой-то мере к импрессионизму, но не к тому авангардному европейскому искусству, которое она увидела на этой выставке. 1300 картин, скульптур и декоративных работ более 300 современных европейских и американских художников побывали не только в Нью-Йорке, но и в Чикаго и Вашингтоне.В отзывах о выставке сыпались обвинения в безнравственности, непрофессионализме, безумии, шарлатанстве, многие работы называли карикатурами и пародиями на живопись, а Теодор Рузвельт сказал: «Это вообще не искусство!»
Гражданские власти, однако, не вмешивались и не пытались закрыть выставку, а скандалы вокруг неё только способствовали успешной распродаже многих работ, которые сегодня можно увидеть в американских музеях, а МоМА (The Museum of Modern Art) так вообще можно считать наследником и продолжателем той первой выставки современного искусства.
Она косвенно повлияла и на художников реалистического направления, а реалистические традиции никогда не умирали в Америке, она не только способствовала изменениям в технике рисунка, в тематике сюжетов, но и даже породила такие новые направления в живописи как, «магический реализм»*
и его ответвление – «прецизионизм»**, характерные именно для американских художников,
и рожденное в Америке художественное направление «регионализм»*** (или риджионализм).
Вот о художниках, представителях разных направлений реалистического искусства Америки 20 века, мы и поговорим.
Чарльз Берчфильд (1893-1967), один из самых выдающихся акварелистов Америки, писавший свои картины у мольберта в технике «сухой кисти», рано (уже к 1915 году) разработал свой неореалистический стиль, сочетающий модернистские тенденции, традиционную китайскую живопись и элементы фовизма.
На протяжении своей творческой жизни он менял направления и техники, писал пейзажи и картины на исторические сюжеты, сцены, наблюдаемые из окна его дома, и цветы, «галлюцинаторные», в духе магического реализма, виды природы и ее божественной силы.
В его честь в 1966 году в Буффало создан Центр природы и искусств, названный «Берчфильд Пенни Арт-центр», включающий в себя также крупнейшую в мире коллекцию работ художника.
Реджинальд Марш (1898-1954), родился в Париже, в обеспеченной семье художников, был учеником Д.Слоана, известен прежде всего, как живописец и иллюстратор городских сцен, уличной жизни, пляжей Нью-Йорка.
Его картины отличаются документалистской тщательностью, пронизаны ироничной любовью к персонажам, он много рисовал для бурлеска и водевилей, считая их «театром простого человека, выражающим юмор и фантазии бедных, старых и некрасивых».
Он работал в масле и тушью, акварелью, яичной темперой, а начинал свою творческую жизнь с литографии. Его стиль можно характеризовать как «социальный реализм», особенно ярко проявившийся в годы Великой депрессии, а преданность старым мастерам, творчеству которых он поклонялся, привела к созданию работ, содержащих религиозные метафоры.
Незадолго до своей смерти от сердечного приступа Марш получил Золотую медаль графического искусства Американской академии искусств.
Ферфилд Портер (1907-1975) родился в семье архитектора и поэтессы, учился в Гарварде и Лиге американских студентов, всю жизнь придерживался реалистического направления, писал в основном пейзажи и портреты семьи и друзей, стараясь выявить необычность в обычной жизни, сделать ее красивее.
В его работах чувствуется влияние отца-архитектора, работ Веласкеса, а позже художников Боннара и Вюйара, он считал, что «импрессионизм способен живописно воссоздать присутствие реальности».
Возможно, отсутствие хороших учителей масляной живописи, настороженное отношение к чувственности и натурализму, присущее многим американцам тех лет, помогает объяснить несколько примитивный характер работ Портера, неловкость, скованность его фигур, их статичность.
И только в поздних своих работах он начинает пересекать границу между импрессионизмом и фовизмом, его рисунок становится более свободным, краски ярче, а в его работах больше света.
Эдвард Хоппер (1882-1967) родился в Наяке, в центре яхтостроения на реке Гудзон, в зажиточной семье голландского происхождения. Художественный талант проявился у Хоппера уже в 5 лет, родители привили ему любовь к французскому и русскому искусству, поощряли его увлечение живописью и разнообразные интересы.
Хоппер работал пером и чернилами, углем, акварелью, маслом и в литографии, рисовал портреты и морские пейзажи, политические карикатуры и рисунки с натуры. В творчестве Хоппера угадываются влияния Роберта Генри, одного из его учителей, и Мане с Дега,
Уильяма Чейза и Рембрандта, особенно его «Ночной дозор», а живя в Париже, рисуя сценки на улицах, в кафе и театрах, он оставался в традициях реалистического искусства, хотя некоторые исследователи относят его творчество к прецизионизму из-за характерных для его работ четких геометрических форм, механистичности, стерильности и пустоты пространства.
Он говорил, что его «любимая вещь в живописи – солнечный свет на стене дома». Во время Великой депрессии Хопперу повезло больше, чем многим другим художником – он продолжал ежегодно выставляться и хорошо продавался на протяжении всей последующей жизни.
Его творчество оказало большое влияние не только на изобразительное искусство, но и на кино своими кинематографическими композициями и драматическим использованием света и темноты.
Пол Кадмус (1904-1999), представитель направления «магический реализм» объединил в своем творчестве элементы эротики и социальной критики,
приобрел скандальную известность благодаря откровенным гомосексуальным мотивам в своих картинах и изображению обнаженных мужских фигур.
Он родился в небогатой семье художника, отец поощрял занятия мальчика рисованием, в 14 лет он поступил на курсы при национальной академии дизайна, а затем и в Академию. Он много путешествовал со своими друзьями, писал большие полотна, отображавшие его впечатления от Европы, рисовал многофигурные картины из жизни рыбаков, моряков, сцены городской жизни,
а после знакомства с импресарио и балетоманом Кирстеном у Кадмуса появилось много работ на балетные темы, в основном изображавшие танцовщиков.
Пол Кадмус прожил долгую жизнь и умер в возрасте 95 лет на руках у своего друга и постоянной модели, который был с ним рядом на протяжении последних 35 лет жизни. Кадмус любил повторять слова Энгра: «Люди говорят, что мои картины не подходят этому времени. Возможно, они ошибаются, и я единственный кто идет со временем в ногу».
Айвен (Иван) Олбрайт (1897-1983), один из самых известных представителей магического реализма, родился со своим братом- близнецом в семье художника.
Братья большую часть своей жизни были неразлучны, оба учились в Чикагском институте искусств, брат Малвин стал скульптором, а Айвен – художником, но начинал как архитектор, а во время Первой мировой войны выполнял для больницы в Нанте медицинские рисунки. Он всегда очень требовательно относился к своей работе, тщательно выписывая все детали и посвящая многие свои работы таким сложным темам, как жизнь и смерть, материальность и дух, воздействие времени на внешность и внутренний мир человека.
Такая работа требовала много времени и поэтому продажи были редкими, многие картины оставались в его собственности. Олбрайт изготовлял собственные краски и угли, был одержим освещением до такой степени, что носил черную одежду и покрасил свою студию в черный цвет, чтобы предотвратить блики.
Он писал в реалистичной, но преувеличенно детализированной манере, он любил наблюдать течения времени и написал более 20 автопортретов только в последние 3 года жизни, чтобы отразить изменения, происходящие в человеке.
Джордж Клер Тукер-младший (1920-2011), работы которого представляют направления соцреализма и магического реализма, родился в семье с англо-франко-испано-кубинскими и американскими корнями, по настоянию родителей изучал в Гарварде английскую литературу, но большую часть времени посвящал живописи.
После службы в морской пехоте, откуда был уволен из-за слабого здоровья, посещал курсы Лиги студентов-художников, много работал в технике яичной темперы, восхищался искусством времен итальянского Возрождения.
Картины Тукера изображают сцены повседневной американской жизни, человеческие фигуры на них часто не имеют определенной расовой и сексуальной принадлежности, выражают одиночество, изолированность и анонимность.
Он много внимания уделял соблюдению геометрических пропорций и симметрии, из-за этого очень медленно писал – не более двух картин в год. После его первой крупной выставки в 1951 году Тукер постоянно успешно выставлялся, его работы есть в крупнейших музеях Америки.
Петер Блуме (Питер Блюм) – (1906-1992), художник и скульптор, в работах которого есть элементы прецизионизма, пуризма, кубизма, сюрреализма и народного искусства. Он родился в России в еврейской семье, эмигрировавшей в Америку в 1912 году и поселившейся в Бруклине.
После изучения искусства в разных учебных заведениях он открыл собственную студию при покровительстве семьи Рокфеллера. Как и многие его современники-реалисты, он был поклонником Ренессанса, путешествовал по Италии, его первая картина, получившая признание в 1934 году - «Вечный город», в ней угадывается образ Муссолини, как чертик из коробки, выходящего из Колизея.
Его работы, часто изображающие разрушение, тем не менее могут быть истолкованы как символы восстановления и обновления после Второй мировой войны, об этом говорят камни, новые балки, фигурки работающих людей.
Художественный стиль Блуме представлял собой интересный гибрид разных художественных направлений американского и европейского искусства, его называют «художником сказочной повествовательности».
Эндрю Ньюэлл Уайет (1917-2009), представитель преимущественно регионалистического стиля в реализме, родился в семье художника-иллюстратора, внимательно относившегося к развитию талантов у своих пятерых детей, приучавшего их к хорошей литературе, музыке, изучению природы. Отец сам обучал дома своих детей, и все они были талантливы: художники, музыкант, композитор, изобретатель.
В их доме царила творческая обстановка, часто бывали знаменитости, такие как Скотт Фицджеральд и Мэри Пикфорд. Сам Уайет, как ни странно, считал себя абстракционистом, придавал большое значение осознанию глубинного смысла в простых объектах, любимыми темами его картин были земля и люди вокруг него.
Самая известная его картина «Мир Кристины» изображает девушку с соседней фермы, ставшую инвалидом после полиомиелита, одиноко ползущую к дому вдалеке.
Одной женщине Хельге Тесторф было посвящено 247 картин и рисунков, он изучал ее в различных условиях и эмоциональных состояниях, что является уникальным опытом в американском искусстве.
Несмотря на то, что у Уайета много технически прекрасных произведений и у него было много последователей, искусство его считается спорным, а искусствовед Розенблюм охарактеризовал его как «самого переоцененного и недооцененного» художника.
Грант Вуд (1891-1942), один из самых известных представителей регионализма, родился в Айове, рано потерял отца, работал в магазине металлоизделий, учился в художественной школе, а потом в Чикагском художественном институте.
Молодой Грант 4 раза ездил в Европу для изучения живописных стилей, уделяя особое внимание импрессионизму и постимпрессионизму, но восхищался работами Ван Эйка и мечтал объединить в своем творчестве современные методы и ясность, четкость, глубину средневекового искусства.
Недаром самая знаменитая его картина называется «Американская готика», она отражает традиционный еще для 19 века взгляд на роли мужчины и женщины в Америке, картина была принята неоднозначно, некоторые считали ее карикатурой, а газеты пародировали ее на разные лады.
Позже, преподавая живопись в Университете Айовы, Вуд становится ключевой фигурой культурного общества университета, но из-за слухов о его гомосексуальной связи со своим личным секретарем Вуд был уволен и вскоре умер от рака поджелудочной железы.
Томас Гарт (Харт) Бентон (1889-1975) родился в семье политиков, его отец, полковник, адвокат и меценат, четырежды был избран в Конгресс. Отец хотел, чтобы сын шел по его стопам, но мальчика интересовало искусство, мать поддерживала его выбор, и он поступил в Художественный институт Чикаго, а потом уехал в Париж, продолжить обучение в Академии Жулиана.
Вернувшись в Америку, продолжая рисовать, он служил во время Первой мировой войны в ВМС США, работал над созданием камуфляжных образов кораблей и верфей, что требовало реалистического документального изображения и повлияло в дальнейшем на его стиль. В начале 20-х годов Бентон объявил себя «врагом модернизма», стал одним из ведущих представителей регионализма и придерживался «левых» взглядов.
Он увлекся Эль Греко, влияние его творчества видно в работе над огромными фресками, отображающими разные этапы и события в жизни страны.
Бентон преподавал в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, многие его студенты стали известными художниками (Хоппер, Поллак, Марш), но был уволен за осуждающие высказывания о чрезмерном влиянии гомосексуалистов в художественном мире. После Второй мировой войны регионализм как направление утерял свою актуальность, Бентон продолжал писать фрески,
работал активно еще около 30 лет, но не имел уже былой популярности.
Джон Стюарт Кэрри (1897-1946) родился на ферме в штате Канзас, ухаживал за животными, увлекался легкой атлетикой, с детства был окружен репродукциями картин Рубенса и Доре, которые сыграли свою роль в последующем выборе им художественного стиля.
Джон учился в Институте искусств Чикаго, работал иллюстратором в журналах, провел год в Париже, изучая работы Курбе, Домье, Тициана и Рубенса. Вернувшись в США некоторое время работал в своей мастерской, путешествовал с цирком, был назначен первым художником в Университет Висконсин-Мэдисон, ездил по стране для содействия развитию искусства в фермерских общинах.
Он выполнял роспись для Департамента юстиции в Вашингтоне и для Капитолия в Канзасе. Кэрри был одним из трех (Бентон и Вуд) столпов американского регионализма, который был особенно актуален в годы Великой депрессии.
Он изображал сцены труда, семьи и земли, борьбы со стихийными бедствиями, чтобы продемонстрировать миру настойчивость, работоспособность и веру людей, что Кэрри считал сутью американской жизни.
Если честно, меня не очень вдохновляют художники-реалисты вообще, с некоторым интересом я отношусь к творчеству только отдельных представителей магического реализма (Кадмус, Блуме, Хоппер), но в целом мне этот период в американском искусстве не близок, что поделать.Следующая и последняя часть будет посвящена современному американскому искусству. Окончание следует... Как всегда, слайдшоу, в котором гораздо больше картин и хорошая музыка:
* Магический реализм - Как художественное направление магический реализм сложился на американской почве, став эквивалентом европейского сюрреализма. Во многом отвечая вкусам и потребностям американского зрителя, произведения мастеров магического реализма носили эпатирующий, шокирующий своей откровенностью характер, при этом сочетая его с анекдотичностью ситуаций и карикатурностью персонажей, реальность скорее напоминала беспокойный сон или галлюцинаторный бред.**Прецизионизм, или пресижинизм (англ. precision — точность, чёткость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов — изображение города, Главная тема — механистическая эстетика, пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нём нет человека. ***Риджионализм или регионализм (от англ. regional – местный) - художественное направление в искусстве США 1920-1940 годов, в основе которого лежало стремление создать подлинно американское искусство в противовес идущим из Европы авангардным течениям. Вдохновленные идеями национальной самобытности, художники-риджионалисты сосредоточились на изображении «подлинной» Америки. Темами их произведений стали американские пейзажи, сцены из жизни фермеров, быт маленьких городков, эпизоды из истории, местных легенд и фольклорных рассказов.
Ссылки: http://www.izostili.ru/index.phphttp://en.wikipedia.org/wiki/Armory_Showhttp://www.darkgrot.ru/cult/zhivopisy/article/643/ http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page http://www.nbmaa.org/index.php?option=com_content&task=view&id=111
vanatik05.livejournal.com
АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ - 6. MODERN ART.
В предыдущих пяти частях нашего обзора истории американской живописи мы говорили о периоде с 18 по начало 20 веков, о становлении и развитии разных направлений в американской живописи, о наиболее известных ее представителях. Осталось кратко пробежаться по истории современного искусства Америки и показать репродукции работ художников, ставших не только знаменитостями, но и законодателями «художественной моды» в мире современного искусства.
Первая мировая война и экономический кризис привели к массовому переезду, пусть для некоторых и временному, многих художников из Европы и России (Дали, Шагал, Танги, Бурлюк, Мондриан), давших толчок развитию разных направлений модернистского искусства.Одним из них был экспрессионизм*, расцветший в Америке накануне Второй мировой войны. Этому способствовало и то внимание, которое оказывали американские магнаты творчеству художников-абстракционистов. Миллионер Гуггенхайм в 1937 году пожертвовал средства на создание Музея беспредметной живописи. Затем семья Рокфеллеров выделила огромные средства на создание Музея современного искусства (МоМА, о посещении которого расскажу отдельно). В США было выпущено много альбомов и периодических изданий, пропагандирующих разные виды абстрактного искусства.
Макс Вебер (1881-1961), один из первых художников Америки, работавших в стиле кубизма. Он родился в Белостоке (в Польше, входившей позже в состав России) в ортодоксальной еврейской семье, в возрасте 10 лет эмигрировал с родителями в Америку. Первые годы своего творчества находился под сильным влиянием Сезанна и Матисса, с работами которых познакомился в Париже, 
а после возвращения в Америку стал последовательным пропагандистом кубизма, и сегодня он считается одним из наиболее значимых ранних американских кубистов. 
Первое время Вебер получал резкие отзывы критики, неприятие зрителей, но со временем его работы нашли большее понимание, в 1948 году в опросе среди искусствоведов он был признан величайшим из живущих художников, «пионером современного искусства в Америке», а у студентов, которым он преподавал в Лиге студентов- художников, он считался «живым хранилищем современного искусства». В послевоенное время Вебер обратился к более фигуративным еврейским темам, к экспрессионистическому изображению жизни еврейских семей и раввинов.
Ясуо Куниёси (1893-1963) родился в Японии, в 14 лет эмигрировал один в Америку, учился в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке. 
Он работал не только в разных направлениях живописи от сюрреализма до реализма, но известен и своими гравюрами, был прекрасным фотографом. 
Вторая мировая война, вызвавшая прилив патриотизма, национализма и антияпонских настроений в США, отразилась и на творчестве Куниёси,в его произведениях много болезненно-красного цвета, они становятся темнее, в них проглядывает разочарование и трудности существования в двух культурах в то время, его стиль становится все боле экспрессионистическим. 
Элтон (Олтон) Пиккенс (1917-1991) родился в Сиэтле, его юность прошла под тенью Великой депрессии, прихода Гитлера к власти, гражданской войны в Испании. Со своими одноклассниками он наблюдал за тем, как загружаются военные корабли, обсуждал угрозу японского или большевистского вторжения. У него не было возможности обучаться живописи, но он учился, посещая музеи и изучая работы старых мастеров, зарабатывая себе на тушь для рисунков на случайных работах. 
Только в 1956 году состоялась его первая персональная выставка картин со странными, тревожными, вызывающими жалость образами. 
Пол Джексон Поллок (1912-1956), главная фигура абстрактного экспрессионизма** был младшим из пяти сыновей в семье фермеров, пресвитерианцев ирландского происхождения. Его дважды исключали из разных художественных школ, но после переезда в Нью-Йорк он учился у Томаса Бентона в Лиге студентов-художников, оказавшего на него некоторое влияние, но не сумевшего справиться с его стремлением к ритмическому и необычному использованию краски.
. В 1938 году ему был установлен диагноз алкоголизма, он проходил курс психотерапии, есть предположение, что у него могло быть биполярное расстройство. Примерно тогда же он стал разрабатывать свою уникальную «капельную» технику и технику «заливки» работы с краской, которые принесли ему всемирную славу, этот способ получил термин «живопись действия». 
Он рисует на огромных холстах, натянутых на стену или лежащих на полу, разбрызгивая по ним краску или просто разливая и размазывая разными инструментами. Позже, в 50-е годы, он начал просто нумеровать свои произведения, не желая давать им названия. 
Погиб Поллок в автомобильной катастрофе в состоянии сильного алкогольного опьянения.
Марк Ротко (Маркус Яковлевич Роткович) (1903-1970), ключевая фигура в абстрактном экспрессионизме, родился в Даугавпилсе (тогда – Двинск) в еврейской семье фармацевта, его детство было пронизано страхом погромов. Родители стремились дать детям светское образование, в семье много читали. Опасаясь призыва сыновей в армию, в 1913 году отец увозит семью в США, дети с раннего возраста начинают работать, а Маркус увлекается политикой левого толка. Окончив с отличием школу, он учится 2 года в Йельском университете, бросает, работает в швейной мастерской, поступает в Нью-Йорке в Школу дизайна, где впервые знакомится с американским авангардным искусством, заражается им и берет курс Макса Вебера в Лиге студентов-художников.
. В 1933 году состоялась его первая персональная выставка, он экспериментирует с цветом, пишет акварелью и маслом, изучает примитивное искусство и детские рисунки и считает, что живопись начинается не с рисунка, а с цвета, используя «поля цвета» в своих акварелях и городских сценках. В 1940 году, обеспокоенный ростом антисемитизма, Маркус берет псевдоним, не имеющий явного еврейского звучания. В эти годы он увлекается мифологией, он называл себя «мифотворцем», занимающимся «восстановлением картинной плоскости, разрушением иллюзий, раскрытием правды».
В послевоенное время Ротко вырабатывает свой зрелый фирменный стиль "multiforms", который, по его словам, содержит «дыхание жизни», наполнен возможностями, по его мнению, «цветовое поле – это простое выражение сложной мысли». 
Через два года после обнаружения у него артериальной аневризмы его состояние усугубилось алкоголизмом, курением, семейным кризисом и разводом, и он покончил жизнь самоубийством, приняв большую дозу антидепрессантов и вскрыв вены. Марк Ротко входит в число самых продаваемых и дорогих художников 20 века.
Марк Джордж Тоби (1890-1976), родился в семье плотника, учился два года в Художественном институте в Чикаго, но в основном был самоучкой. После переезда в Нью-Йорк работал иллюстратором в модном журнале и зарабатывал, рисуя портреты.В начале 20-х годов Тоби много путешествует – Париж, Барселона, Афины, Ближний Восток, интересуется арабской и персидской каллиграфией, работает учителем рисования в школе, изучает индейское искусство.
В 1928 году он создает свою художественную школу в Сиэтле, а затем переезжает по приглашению в Англию для преподавания. Путешествие в Китай и Японию отразилось в его работах, там он изучал восточное искусство, философию Дзэн и каллиграфию в монастыре в Киото. 
В 1944 году Тоби впервые представляет свои «белые» картины, написанные в новой технике: носитель изображения, бумага или холст, покрываются многими слоями белой или светлой краски – это начало «всей» живописи, все более абстрактной, созерцательной, медитативной. Марк Тоби принадлежит к числу самых важных зачинателей абстрактного экспрессионизма.
Виллем де Кунинг (1904-1997) родился в рабочем районе Роттердама (Нидерланды), 8 лет учился в Академии художеств, а в 22 года безбилетным пассажиром на грузовом судне перебрался в США. Вскоре его в составе 38 художников пригласили участвовать в создании 105 фресок для всемирной ярмарки. До середины 40-х годов он создавал не только фигуративные работы, но и серии лирических цветных абстракций, 
а позже эти две тенденции начинают сливаться, и де Кунинг стал все более отождествляться с движением абстрактного экспрессионизма, был признан одним из его лидеров. В 1948 году состоялась его первая персональная выставка из черно-белых композиций, а в 1950 году он подписал открытое письмо 17 художников, обвинив Метрополитен-музей во враждебности по отношению к «передовому искусству».
Интересна его многолетняя работа над образом женщины, прошедшим через бесчисленные метаморфозы - агрессивная манера письма, яркие стратегически расположенные цветовые пятна сочетаются с изображением зубастых, перезрелых, с увеличенными глазами, отвислыми грудями и изуродованными конечностями «женщин». 
Я думаю, как же надо было ненавидеть и бояться Женщину, чтобы так ее изображать, хотя в жизни он был женат на известной художнице, разделявшей его пристрастия. К концу жизни де Кунинг страдал болезнью Альцгеймера, его жена и дочь умерли и он находился под опекой адвокатов. Его произведения сегодня имеются в крупнейших музеях мира и очень дорого продаются, он – второй по дороговизне художник.
Роберт Мазервелл (Мотеруелл), (1915-1991), родился в Абердине в семье банкира, большую часть детства провел из-за астмы в Калифорнии. Там он полюбил широкие пространства и яркие цвета, характерные для его раннего творчества.
Он недолго обучался живописи, получил степень бакалавра философии, увлекался всю жизнь символистской литературой, что вместе с озабоченностью темой смерти (из-за слабого здоровья) стало главной темой его поздних рисунков. Большое влияние на Мазервелла в начале его творческого пути в 40-х годах оказали эмигранты-сюрреалисты и путешествие по Мексике.
В 1944 году состоялась его первая персональная выставка, он становится одним из самых молодых представителей «йоркской школы Нью» (неформальная группа американских представителей разных видов авангардного искусства в 50-60 годы). Он много путешествует по Европе, участвует в выставках, проводит лето в колонии художников и все время очень много рисует.
Последние 20 лет жизни Мазервелл посвятил своей «открытой» серии, изображающей сопоставление большого и малого холстов.
Франц Йозеф Клайн (1910-1962), родился в Пенсильвании, в семье эмигрантов из Германии и Англии, учился в Бостонском университете, начинал с городских пейзажей, портретов и фресок по заказу. 
Наиболее известные его работы, однако, выполнены в черно-белом цвете, изображение мостов, тоннелей, промышленных объектов часто является содержанием его картин, относят нас к японской каллиграфии.
Клайн был красивым, обаятельным и общительным человеком, но влияние представителей абстрактного экспрессионизма, особенно де Кунинга, а также трудный брак с балериной, страдавшей депрессией и шизофренией, наложили неизгладимый отпечаток на его творчество.
Его репутация художника стала быстро расти после нескольких удачных выставок в 50-е годы, но ему не удалось насладиться ни славой, ни достатком – ревмокардит и алкоголизм привели к его ранней смерти.
Аршил Горки (Востаник Манук Адоян) (1904-1948) родился в Армении в бывшей Османской империи, его отец, убежав от призыва в армию, эмигрировал в Америку, бросив семью. Востаник с матерью и тремя сестрами бежал от геноцида в 1915 году на территорию, контролируемую русскими, а в 1920 году уехал в США,
изменив позже имя и фамилию и выдавая себя иногда за родственника Максима Горького. В начале своей карьеры он был под влиянием импрессионизма, затем постимпрессионизма, Сезанна и Пикассо.
Известные картины того времени представляют собой пейзажи и портреты, позже он работает в стиле кубизма и переходит к сюрреализму. В 30-е годы Горки пишет серию сложных работ в сюрреалистическом стиле, в некоторых из которых есть ностальгические намеки на его армянское прошлое.
Горки претерпел ряд личных драм в 40-е годы, у него был диагностирован рак, он попал в автомобильную катастрофу, перелом позвоночника и временный паралич правой руки лишил его возможности рисовать, от него ушла жена, забрав с собой детей. Аршил Горки повесился в возрасте 44 лет на взлете карьеры и славы. Его картины и рисунки висят в каждом крупном музее, а его родственники создали в 2005 году фонд Аршила Горки, имеющий свой вебсайт. 
Энди Уорхолл (Андрей Вархола)(1928-1987), ведущая фигура американского поп-арта***, родился в Питтсбурге в семье эмигрантов из Словакии (бывшей тогда в составе Австро-Венгрии), отец был шахтером. Маленький Энди был болезненным ребенком - после скарлатины у него обнаружили хорею (заболевание нервной системы, вызывающее непроизвольные движения конечностей), у него появляется страх перед больницей и врачами, развивается ипохондрия. В это время он много рисует, слушает радио, собирает фотографии кинозвезд, читает о них. Окончив среднюю школу, Уорхолл изучает коммерческое искусство в Технологическим институте Карнеги, а переехав в Нью-Йорк, работает в журнальной иллюстрации и рекламе и получает степень бакалавра.
Вскоре он приобретает известность как рекламный художник в обувной промышленности и изготовлении обложек для пластинок. Уорхолл разработал метод применения фотографически полученной шелкографии в живописи, это было сродни процессу изготовления эстампа, но с участием инновационных методов.
В 1962 году в Лос-Анджелесе состоялась дебютная выставка поп-арта, включавшая много работ Уорхолла, на которых были изображены знаковые американские объекты и знаменитости. В эти годы он организовал свою студию «Фабрика», собрал вокруг себя многих людей искусства, представителей контркультуры, богемы, многие из которых стали его помощниками и друзьями.
В 1968 году Уорхолл был тяжело ранен в результате покушения, еле выжил, всю жизнь был вынужден носить корсет. Энди Уорхолл пережил периоды неприятия своего искусства, признания и поклонения, критики за коммерциализацию живописи и использования ее на потребу рекламе, за гомосексуальные связи и использование своих знаменитых друзей в личных целях.
Умер Уортхолл от внезапной аритмии после операции на желчном пузыре, он оставил след не только в живописи, гравюре, шелкографии, скульптуре, музыке, кино и литературе, но и в использовании компьютерной техники.
В Питтсбурге, на его родине, находится самый большой музей в США, посвященный одному художнику.
Роберт Раушенберг (1925-2008), родился в Техасе в семье христиан-фундаменталистов, отец был выходцем из Германии. Роберт учился в Художественном институте Канзас-Сити и в Академии Жулиана в Париже, а затем в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке.
После женитьбы и скорого развода у него были романтические гомосексуальные отношения с другими художниками. Он путешествовал по Европе, побывал в Марокко, создает композиции всякого мусора, коробок, старых велосипедов и домашней утвари, утверждая, что хочет работать «в промежутке между искусством и жизнью», ставя под сомнение различия между произведениями искусства и предметами быта.
Его произведения включают в себя не только всякие мусорные объекты, но и изображения, переданные на холст с помощью фотографии (как у Уорхолла),
он способствует сотрудничеству между инженерами и художниками, создает серию литографий, включавших в себя собственные живописные работы и материалы из архивов НАСА. В последние десятилетия он начал использовать технологические инновации, применять биоразлагаемые растительные красители, подчеркивая свою заботу об окружающей среде.
Раушенберг более 40 лет плодотворно работал на художественном рынке, имел много наград, и умер от сердечной недостаточности, уединившись на острове во Флориде.
Джаспер Джонс (1930), ныне живущий живописец и гравер, в детстве из-за развода родителей часто переезжал с места на место, живя то с мамой, то с дедушкой или тетей, не имея никакого понятия об искусстве вообще. Он немного учился в Университете Южной Каролины, немного в Школе дизайна в Нью-Йорке, в 1954 году встретил Раушенберга, они не только стали жить вместе, но и развивать свои художественные идеи.
В 1958 году состоялась первая персональная выставка Джонса и МоМА приобрел 4 картины с неё. Ранние его живописные работы построены по простой схеме – флаги, карты, буквы и цифры.
В течение 20 лет он изображал американский флаг в разных видах, в первую очередь как визуальный объект, в отрыве от своего символического значения, эти картины принесли ему первую известность. Джонс также известен как график и скульптор, помогал создавать декорации и перформанс, писал тексты для авангардной музыки. Самая его дорогая работа, «Фальстарт», была продана за 80 миллионов долларов.
Рой Лихтенштейн (1933-1997) родился в Нью-Йорке в обеспеченной еврейской семье брокера по недвижимости, до 12 лет получал домашнее воспитание. Во время обучения в школе заинтересовался искусством и дизайном, стал горячим поклонником джаза, часто посещал концерты в Гарлеме и рисовал музыкантов. Рой начинал изучать искусство в Лиге студентов-художников, потом в Университете штата Огайо, а затем три года служил в Армии во время Второй мировой войны. Вернувшись в университет, прошел аспирантуру и получил степень магистра изобразительных искусств. Его творчество тех лет сочетало элементы кубизма и экспрессионизма,
а в конце 50-х он обратился к абстрактному экспрессионизму, начал включать образы героев мультфильмов и комиксов в свои работы. 
В следующем десятилетии он приобретает известность не только в Америке, оставляет преподавательскую работу, переезжает в Нью-Йорк, чтобы полностью посвятить себя работе над картинами. Во всех его работах-комиксах просвечивает ирония, как будто он не относится серьёзно к тому, что рисует. 
В конце 60-х Лихтенштейн перешел к использованию своих характерных методов в создании сложных образов знакомых архитектурных сооружений, картин и узоров, напоминающих уже ар-деко. Позже в его творчестве проявляются не только элементы, заимствованные у немецких экспрессионистов, но и сюрреалистов, китайской живописи,
Лихтенштейн много рисует карандашом, увлекается гравюрой. В 1997 году его жизнь неожиданно оборвалась от воспаления легких.
Том Вессельман (1931-2004), психолог по образованию, 2 года служил в армии, после нее учился рисованию в Академии художеств Цинциннати, рисовал мультфильмы и успешно продал первые из них. Сначала он восхищался работами Мазервелла и де Кунинга, но вскоре отверг абстрактный экспрессионизм, он понял, что должен найти собственный стиль, идти в противоположном направлении.
После окончания Академии Вессельман занимается созданием коллажей и преподаванием. Впервые на него обратили внимание в мире искусства после серии «Великая американская ню», над продолжением которой он будет работать долгие годы.
Он работает в рекламе, изготавливает коллажи из старых журналов и плакатов, еще не определив для себя свое направление, считает необходимым «сделать прыжок, который выходит за рамки самого искусства». Вассельман не любил, когда его называли представителем поп-арт, указывая, что он использует повседневные объекты в эстетических, а не потребительских целях.
Он пробует себя в живописном и коллажном натюрморте, сопоставляя различные элементы и изображения, пишет маслом пейзажи, 
экспериментирует с формой женского тела, работает над серией «Спальня», увлекается скульптурой, особенно из металла. Последние годы его жизни были омрачены болезненным состоянием из-за сердечной недостаточности, и он умер после операции на сердце.
Итак, мы вкратце ознакомились с основными современными направлениями живописи США и наиболее известными ее представителями (85 художников). Мы закончили путешествие в мир американской живописи, я открыла для себя много нового, неожиданного, и хотя в основном американские художники 18-19 веков шли в арьергарде мирового изобразительного искусства, в 20 веке им удалось выйти на авансцену и даже стать ведущими и родоначальниками в некоторых направлениях живописи, графики, дизайна. И как всегда, клип к последней части,в котором гораздо больше репродукций.*Экспрессионизм (в переводе с латинского «выражение») – направление в мировом искусстве возникшее в Европе (преимущественно в Германии и Австрии) в первых десятилетиях 20 века. Экспрессионизм выражает эмоциональный и чувственный мир художника, часто в абстрактных (отвлеченных), не связанных с непосредственным восприятием реального мира формах.**Абстрактный экспрессионизм течение в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х годах. «Беря истоки в раннем творчестве В. Кандинского, отчасти в экспрессионизме и дадаизме, абстрактный экспрессионизм сформировался под влиянием сюрреализма и его основополагающего принципа психического автоматизма, воспринятого американскими художниками от европейских мастеров, продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний.*** Поп-арт (популярное искусство) – «направление в искусстве 1950-1960-х годов, для которого характерны использование и переработка символических и знаковых объектов рекламной продукции и массовой культуры. Поп-арт, возникнув как реакция на засилье абстрактного искусства, провозгласил своей целью возвращение к реальности и «раскрытие эстетической ценности» образцов популярной культуры. Абстракционистскому отказу от действительности он противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Каждая вещь в определенном контексте теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства».Ссылки: http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Pagehttp://arshilegorkyfoundation.org/http://www.izostili.ru/index.phphttp://char.txa.cornell.edu/art/fineart/modernus/modernus.htmhttp://char.txa.cornell.edu/art/fineart/modernus/modernus.htmhttp://allpainters.ru/hudozhniki-po-alfavitu.html
vanatik05.livejournal.com
АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ – 5 (Реалистические традиции в 20 веке)
В 1913 году Ассоциацией американских художников и скульпторов была организована первая большая Международная выставка современного искусства, Арсенальная выставка (Armory Show), в помещении оружейных складов Национальной гвардии на Лексингтон-авеню. Она стала важным событием в истории американского искусства, вызвала разные эмоции: удивление, восхищение, возмущение, поклонение и полное неприятие у американской публики, привыкшей к реализму, в какой-то мере к импрессионизму, но не к тому авангардному европейскому искусству, которое она увидела на этой выставке. 1300 картин, скульптур и декоративных работ более 300 современных европейских и американских художников побывали не только в Нью-Йорке, но и в Чикаго и Вашингтоне.В отзывах о выставке сыпались обвинения в безнравственности, непрофессионализме, безумии, шарлатанстве, многие работы называли карикатурами и пародиями на живопись, а Теодор Рузвельт сказал: «Это вообще не искусство!»
Гражданские власти, однако, не вмешивались и не пытались закрыть выставку, а скандалы вокруг неё только способствовали успешной распродаже многих работ, которые сегодня можно увидеть в американских музеях, а МоМА (The Museum of Modern Art) так вообще можно считать наследником и продолжателем той первой выставки современного искусства.
Она косвенно повлияла и на художников реалистического направления, а реалистические традиции никогда не умирали в Америке, она не только способствовала изменениям в технике рисунка, в тематике сюжетов, но и даже породила такие новые направления в живописи как, «магический реализм»*
и его ответвление – «прецизионизм»**, характерные именно для американских художников,
и рожденное в Америке художественное направление «регионализм»*** (или риджионализм).
Вот о художниках, представителях разных направлений реалистического искусства Америки 20 века, мы и поговорим.
Чарльз Берчфильд (1893-1967), один из самых выдающихся акварелистов Америки, писавший свои картины у мольберта в технике «сухой кисти», рано (уже к 1915 году) разработал свой неореалистический стиль, сочетающий модернистские тенденции, традиционную китайскую живопись и элементы фовизма.
На протяжении своей творческой жизни он менял направления и техники, писал пейзажи и картины на исторические сюжеты, сцены, наблюдаемые из окна его дома, и цветы, «галлюцинаторные», в духе магического реализма, виды природы и ее божественной силы.
В его честь в 1966 году в Буффало создан Центр природы и искусств, названный «Берчфильд Пенни Арт-центр», включающий в себя также крупнейшую в мире коллекцию работ художника.
Реджинальд Марш (1898-1954), родился в Париже, в обеспеченной семье художников, был учеником Д.Слоана, известен прежде всего, как живописец и иллюстратор городских сцен, уличной жизни, пляжей Нью-Йорка.
Его картины отличаются документалистской тщательностью, пронизаны ироничной любовью к персонажам, он много рисовал для бурлеска и водевилей, считая их «театром простого человека, выражающим юмор и фантазии бедных, старых и некрасивых».
Он работал в масле и тушью, акварелью, яичной темперой, а начинал свою творческую жизнь с литографии. Его стиль можно характеризовать как «социальный реализм», особенно ярко проявившийся в годы Великой депрессии, а преданность старым мастерам, творчеству которых он поклонялся, привела к созданию работ, содержащих религиозные метафоры.
Незадолго до своей смерти от сердечного приступа Марш получил Золотую медаль графического искусства Американской академии искусств.
Ферфилд Портер (1907-1975) родился в семье архитектора и поэтессы, учился в Гарварде и Лиге американских студентов, всю жизнь придерживался реалистического направления, писал в основном пейзажи и портреты семьи и друзей, стараясь выявить необычность в обычной жизни, сделать ее красивее.
В его работах чувствуется влияние отца-архитектора, работ Веласкеса, а позже художников Боннара и Вюйара, он считал, что «импрессионизм способен живописно воссоздать присутствие реальности».
Возможно, отсутствие хороших учителей масляной живописи, настороженное отношение к чувственности и натурализму, присущее многим американцам тех лет, помогает объяснить несколько примитивный характер работ Портера, неловкость, скованность его фигур, их статичность.
И только в поздних своих работах он начинает пересекать границу между импрессионизмом и фовизмом, его рисунок становится более свободным, краски ярче, а в его работах больше света.
Эдвард Хоппер (1882-1967) родился в Наяке, в центре яхтостроения на реке Гудзон, в зажиточной семье голландского происхождения. Художественный талант проявился у Хоппера уже в 5 лет, родители привили ему любовь к французскому и русскому искусству, поощряли его увлечение живописью и разнообразные интересы.
Хоппер работал пером и чернилами, углем, акварелью, маслом и в литографии, рисовал портреты и морские пейзажи, политические карикатуры и рисунки с натуры. В творчестве Хоппера угадываются влияния Роберта Генри, одного из его учителей, и Мане с Дега,
Уильяма Чейза и Рембрандта, особенно его «Ночной дозор», а живя в Париже, рисуя сценки на улицах, в кафе и театрах, он оставался в традициях реалистического искусства, хотя некоторые исследователи относят его творчество к прецизионизму из-за характерных для его работ четких геометрических форм, механистичности, стерильности и пустоты пространства.
Он говорил, что его «любимая вещь в живописи – солнечный свет на стене дома». Во время Великой депрессии Хопперу повезло больше, чем многим другим художником – он продолжал ежегодно выставляться и хорошо продавался на протяжении всей последующей жизни.
Его творчество оказало большое влияние не только на изобразительное искусство, но и на кино своими кинематографическими композициями и драматическим использованием света и темноты.
Пол Кадмус (1904-1999), представитель направления «магический реализм» объединил в своем творчестве элементы эротики и социальной критики,
приобрел скандальную изве
art-links.livejournal.com
Немного об американской живописи 19-го века
Хочется немного рассказать о начальном периоде становления американской школы живописи, про которую нам известно совсем немного. В первые годы существования США американских художников нельзя назвать чисто американскими, потому что, не имея возможности получить художественное образование и творчески развиваться, они в большинстве своем переезжали в Европу и становились художниками европейскими. По большей части английскими. Однако, в начале 19-го века открылись первые американские академии художеств, дававшие студентам профессиональную подготовку и принимавшие самое непосредственное участие в организации выставок: Пенсильванская академия художеств в Филадельфии (1805) и Национальная академия рисунка в Нью-Йорке (1825), первым президентом которой был С.Р.Морзе, о котором я писал совсем недавно. В 1820–1830-е годы Джон Трамбалл (1756–1843) и Джон Вандерлин (1775–1852) написали огромные композиции на сюжеты из американской истории, украсившие стены ротонды Капитолия в Вашингтоне.Джордж Бинхем. Торгова пушниной на Миссури
В 1830-e годы пейзаж стал господствующим жанром американской живописи. Томас Коул (1801–1848) писал девственную природу севера (шт. Нью-Йорк). Он утверждал, что обветренные горы и яркий осенний лес – более подходящие сюжеты для американских художников, чем живописные европейские руины. Коул написал также несколько пейзажей, проникнутых этико-религиозным смыслом; среди них четыре больших картины Жизненный путь (1842, Вашингтон, Национальная галерея) – аллегорические композиции, на которых изображена спускающаяся по реке лодка, в которой сидит мальчик, затем юноша, затем мужчина и наконец старик. Многие пейзажисты последовали примеру Коула и изображали в своих работах виды американской природы; их часто объединяют в одну группу под названием «школа реки Гудзон» (что не соответствует действительности, так как они работали по всей стране и писали в разной стилистике).
Из американских жанристов наиболее известны Уильям Сидни Маунт (1807–1868), писавший сцены из жизни фермеров Лонг-Айленда, и Джордж Калеб Бинхэм (1811–1879), картины которого посвящены жизни рыбаков с берегов Миссури и выборам в маленьких провинциальных городках.
Перед Гражданской войной самым популярным художником был Фредерик Эдвин Чёрч (1826–1900), ученик Коула. Он писал работы в основном крупного формата и использовал подчас слишком натуралистические мотивы, чтобы привлечь и ошеломить публику. Чёрч путешествовал по самым экзотическим и опасным местам, собирая материал для изображения южноамериканских вулканов и айсбергов северных морей; одно из его самых известных произведений – картина Ниагарский водопад (1857, Вашингтон, галерея Коркоран).
В 1860-е годы огромные полотна Альберта Бирштадта (1830–1902) вызывали всеобщее восхищение красотой изображенных на них Скалистых гор, с их чистыми озерами, лесами и башнеподобными пиками.
Джордж Иннес. Долина Лакаванна
zhenya-ru.livejournal.com
Американские пейзажи, художник Albert Bierstadt
Известный американский пейзажист 19 века, один из наиболее ярких представителей школы неоромантизма и Школы реки Гудзон.
Первый покоритель горы Колорадо.
Albert Bierstadt родился в 1830 году в Германии в городе Золингене. Когда Альберту был один год, семья будущего художника перебралась в Америку. Художник прославился своими пейзажами. Он рисовал Скалистые горы, Дикий Запад, а после поездки в Европу – Альпы и альпийские долины.
источник
s30696534344.mirtesen.ru
