Музей ЧерномырдинаКартина "Белый Центр" Марка Ротко. Стоимость 72,8 млн $. Картины ротко
Марк Ротко: жизнь и творчество художника
Марк Ротко (англ. Mark Rothko, имя при рождении — Маркус Яковлевич Роткович; 25 сентября 1903, Двинск, Витебская губерния, ныне Даугавпилс, Латвия — 25 февраля 1970, Нью-Йорк) — американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля.
Содержание
Биография Марка Ротко
Творчество Ротко
Интересные факты о работах художника
Картины Марка Ротко
Библиография
Биография Марка Ротко
Марк Ротко – выходец из России. Он родился в 1903 году в Двинске (сейчас – Дугавпилс, Латвия).
Родился и вырос в еврейской семье, где говорили как на идише, так и на русском языке. Глава семейства, Яков (Я́нкель-Бе́ндет Ио́селевич) Роткович, работал аптекарским помощником, но, несмотря на скромный доход, много внимания уделял образованию детей; мать, Хая Мо́рдуховна Роткович (урожд. Гольдина), была домохозяйкой. В возрасте 5 лет Маркус поступил в хедер, где изучал Пятикнижие и древнееврейский язык.
Глава семейства Ротковичей, опасаясь того, что детей заберут на службу в царскую армию, решил эмигрировать в США, следуя примеру многочисленных еврейских семей, бежавших от погромов. В Америку уже уехали двое братьев Якова Ротковича, которые обосновались в Портленде, штат Орегон и занялись производством одежды. Маркус остался в России с матерью и старшей сестрой.
5 августа 1913 года пароход «Царь» вышел из Либавы. Среди пассажиров был и Марк с сестрой и матерью. Они присоединились к Якову и старшим детям позже, зимой 1913 года. Через несколько месяцев отец Маркуса умер. Семья осталась без средств к существованию, и всем детям приходилось работать. Маркус помогал своему дяде, продавая газеты сотрудникам на складе.
В 1913 году Маркус поступил в общеобразовательную школу, и его перевели из третьего в пятый класс. В 17 лет он с отличием закончил школу Lincoln High School[en]. Он в совершенстве овладел английским (четвертый язык Марка) и стал активно участвовать в жизни местного еврейского сообщества, особенно в политических дискуссиях.
Марк поступил в Йельский университет, где первый год учился благодаря полученному за отличный аттестат гранту, а позднее, когда дотация закончилась, работал, чтобы оплачивать учебу.
В университете Марк, вместе с товарищем Аароном Директором, выпускал сатирический журнал, направленный на разоблачения пороков университетского общества WASP («Белых англо-саксонских протестантов»).
Вскоре Марк бросил университет, и вернулся туда только 46 лет спустя, получать почетную степень доктора.
Творчество Ротко
Осенью 1923 года Ротко, навещая друга в школе искусств в Нью-Йорке[en], увидел, как художники рисовали модель. Как позднее говорил сам Ротко, в этот момент он родился как художник. Некоторое время спустя он поступил в «Новую школу дизайна» в Нью-Йорке, где одним из его преподавателей стал один из основателей «абстрактного сюрреализма» Аршиль Горки.
Осенью того же года Ротко ходил на курсы в «Лигу студентов искусств Нью-Йорка» к Максу Веберу, влияние которого сказывается в ранних работах Ротко. Именно с тех пор он стал воспринимать искусство как инструмент эмоционального и религиозного самовыражения.
В 1930-40-х годах Ротко увлекался экспрессионизмом и сюрреализмом, а примерно с 1947 года он начал писать абстрактные картины, где большие прямоугольники располагались параллельно друг другу, обычно вертикально. Эти странные полотна создавали ощущение покоя и сосредоточенности, выражая самые понятные и одновременно сложные категории — трагедию, судьбу, смерть.
С 1929-1952 Ротко преподавал живопись в Центральной академии — еврейской школе в Бруклине. В это время Ротко разработал собственную художественную программу и стал одним из самых интеллектуальных художников Америки.
В 1933 г. состоялась первая персональная выставка Ротко в Портленде, штат Орегон.
С 1936-1939 г. участвовал в художественных программах, разработанных при президенте Ф. Д. Рузвельте.
В 1958 г. Ротко экспонировал свои работы на выставке Бьеннале в Венеции. В 1968 г. Ротко был избран членом Американского института искусств и литературы.
Первые работы Ротко были выдержаны в реалистическом духе («Женщина за шитьем», около 1935 г., «В подземке», 1938). В начале 1940-х гг. Ротко отходит от реализма и создает свои первые художественные «мифологемы» («Антигона», 1941, «Иерархические птицы», 1945). В этих произведениях (как и в выступлениях в печати тех лет) Ротко отстаивает вневременной и иррациональный смысл искусства, стремление приобщиться к архетипическому сознанию.
В области стиля Ротко переходит к сюрреализму, напоминающему работы М. Эрнста и Х. Миро.
В произведениях Ротко 1940-х гг. все сильнее проявляется тяга к беспредметности («Фигура два», 1946). Ротко постепенно отказывается от обозначения сюжетов картин, называя их по годам создания и наделяя номерами.
В 1940-е годы живопись Ротко быстро эволюционировала от мечтательных полуабстрактных композиций на сюжеты из греческих трагедий к абсолютно беспредметным формам.
Entance to Subway 
Underground Fantasy 
Earth & Green К началу 1950-х годов он упростил структуру своих картин до двух, иногда трех зон яркого чистого цвета. С конца 1950-х годов Ротко занимался в основном созданием монументальных композиций для украшения зданий.
В 1958 он получил заказ на создание декоративных панно для небоскреба Сигрем-билдинг. Однако выполненные художником композиции так и не были установлены на предназначенных для них местах. Девять из них были выставлены впоследствии в галерее Тэйт в Лондоне.
Самая значительная работа Ротко – цикл из 14 картин для капеллы экуменической церкви в Хьюстоне (штат Техас). Несмотря на то, что работа принесла ему долгожданный успех, его жизнь была мучением, полным депрессий и алкоголя. Ротко покончил жизнь самоубийством, перерезав себе вены в своей студии в Нью-Йорке 25 февраля 1970 года.
Интересные факты о работах художника
Первоначально Марк Ротко рисовал в самых простых стилях. Это были обычные пейзажи природы или портреты, а потом со временем он начал все чаще меняться в творчестве. Его художественную деятельность можно разделить на несколько этапов:
- 20-30 гг. традиционное творчество.
- 30-37 гг. увлечение древнегреческими традициями и античными мифами.
- 40-48 гг. под влиянием европейского сюрреализма начинает рисовать по-новому.
- 49-50 гг. переход к известному для себя стилю – абстрактному экспрессионизм.
- 50-55 гг. композиции прямоугольного формата, в которых форму объединены колористической гаммой.
- 55-60 гг. полуабстрактные формы из отдельных полос с разными цветовыми зонами.
Шедевры Марка Ротко вошли в историю и продолжают продаваться на мировых аукционах за миллионы долларов. Некоторые из лучших картин расположены в разных городах планеты, что в очередной раз подчеркивает необычный талант американского экспрессиониста. Ниже представляем вашему вниманию описание нескольких самых ярких из них:
В Хьюстоне была создана Часовня Ротко, которая завораживает своей атмосферой, созданной за счет наполнения художественными произведениями великого художника. Человек, который посещает это место, сразу не понимает, где же расположены шедевры, которые очень гармонично расставлены. По замыслам творцов этого места планировалось воспроизвести ощущение узника, который смотрит в небо в надежде на свободу.
В Лос-Анджелесе в современном музее искусства находится картина под названием «Белый центр», хотя на ней абсолютно нет белых цветов. Более чем за 70 миллионов она была продана на аукционе.
В Лондоне можно увидеть один из самых мрачных шедевров под названием «Черное на темно-бордовом». Эта картина вошла в историю также тем, что один из эмигрантов из Польши написал на ней краской свое имя, за что был отправлен в заключение на два года. Данное произведение писалось в период депрессии художника, что выражено в виде темных тонов и мрачной сути.
В Нью-Йорке имеется картина великого художника Марка Ротко, которая имеет название «Четыре отметины на красном». Располагается она в Музее американского искусства Уитни. Она также относится к мрачным картинам и эпохе большой депрессии. Выполнена она в лучших традициях экспрессионизма и часто поддавалась разной критике со стороны мировых специалистов.
Галерея Национального искусства в Вашингтоне имеет удивительное произведение искусства, автором которого также есть Ротко и называется оно «Это о смерти». Именно после написания данной картины он покончил жизнь самоубийством. Этот момент по-особому привлекает туристов к шедевру, будто завораживает, а ценители искусства с трепетом оценивают и восхищаются возможностями американского художника.
Библиография
- Mark Rothko, 1903—1970: a retrospective/ Diane Waldman, ed. — New York: H.N. Abrams, 1978.
- Chave A.C. Mark Rothko, subjects in abstraction. — New Haven: Yale UP, 1989.
- The art of Mark Rothko, into an unknown world/ Marc Glimcher, ed. — London: Barrie & Jenkins, 1992.
- Breslin J. E. B. Mark Rothko: a biography. — Chicago: University of Chicago Press, 1993.
- Davis J. Mark Rothko: The Art of Transcendence. — Kidderminster: Crescent Moon, 1995.
- Golding J. Paths to the absolute: Mondrian, Malevich, Kandinsky, Pollock, Newman, Rothko, and Still. — Princeton: Princeton UP, 2000.
- Ottmann K. The essential Mark Rothko. — New York: Wonderland Press; Harry N. Abrams, 2003.
- Бааль-Тешува Я. Марк Ротко. — М.: Арт-Родник, 2006. — ISBN 5-9561-0192-X
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: yavshoke.net, ru.wikipedia.org
Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы и наши читатели будем вам очень благодарны.
Марк Ротко: картины художника
Творчество. Свобода. Живопись.Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
Марк Ротко: жизнь и творчество художника
4.3 (86.67%) 3 голос(ов)allpainters.ru
Почему картины Марка Ротко такие дорогие?
Сколько вообще должна стоить картина? Если составлять прайс-лист живописи исходя из характера изображенного, сколько будет стоить картина с одной полоской? Двумя? Лошадью? Быки — дороже коров, или так же? Если на картине три человека — считать стоимость по головам, или брать как за группу? Кто дороже — Дева Мария, или Христос, изгоняющих торгующих из храма?
Если вопрос о деньгах, то он решается просто: азы экономики говорят нам, что вещи стоят ровно столько, сколько люди готовы за них платить. Если же вопрос о картинах... ну, поговорим о картинах.
Когда Ротко только начинал заниматься живописью, никакого рынка искусства вообще не существовало. Это были первые послевоенные годы, Европа лежала в руинах, ранний энтузиазм первых меценатов начала века уже смыло Великой Депрессией, и американские художники были предоставлены целиком себе — в стране, которая по их соображениям не имела ни своей традиции, ни своей мифологии, ни культуры. Без галерей, без кураторов, без коллекционеров, без критиков. Нельзя было даже убедительно сформулировать, что теперь нужно писать: старые парадигмы давно отошли, уступив место европейскому авангарду, но ведь и авангард не сумел себя оправдать.
Сейчас — есть рынок, критики, теория, и далее по списку. Десятки статей пишут по поводу продажи каждой картины, и почти ничего не пишут о самих картинах. Как будто все знают, что на них изображено. Как будто с тем, почему одна картина работает, а другая нет, все давно разобрались. Как будто картины оцениваются в связи с каким-то прайс-листом.
На самом деле, если бы все вдруг выяснили, что именно изображено на картинах Ротко... В общем, это была бы совсем другая история. Но это же сложно — за чужим кошельком рассмотреть картину. Да?
В своей знаменитой лекции в Pratt University Ротко говорил, что картины состоят не из холста и масла, а из направленности на смерть и десяти процентов надежды, "чтобы сделать всё немного более терпимым". Это те ингредиенты, которые возвышают её над просто цветом — но не гласно, не очевидно, потому что это не то, о чём следует говорить вслух. И хотя картины всё равно изображают цвет, только цвет, ничего не значащий и не символизирующий — тот опыт, который этот цвет может дать, больше суммы этого цвета. Всё о супергероях Почему в «Дедпуле 2» не было камео Стена Ли?Кому мстят мстители?В чём суть Капитана Америки, ведь у него нет никаких суперспособностей?Узнать больше
Так что Ротко изображал не полоски. Он изображал возможность спасения — через молчание, тишину, смерть. Картины и есть эта возможность. Это та тишина, которую в теперешнем перегруженном утверждениями мире уже почти невозможно найти.
Она бывает синяя, из-под которой кажется желтый. Она бывает красная снизу и сверху, но по-разному красная. Она бывает широкая, ржавая, так что её трудно посмотреть целиком. И она бывает чёрная, совершенно чёрная, но почему-то светящаяся внутри.
Но на картину мало смотреть, нужно на минуту сделать её своей единственной реальностью, кроме которой ничего больше не существует. Перед картиной нужно остановиться, оказаться в отдельном моменте внутреннего молчания, забыть о себе и своих представлениях о себе, о мире, и в том числе и об искусстве, чтобы, возможно, почувствовать или узнать что-то новое, измениться, пережить, вернуться чем-то немного другим. Перед картиной нужно исчезнуть.
Можно конечно списать это всё на синдром поиска глобального смысла — ради бога. Говорят, что искусство субъективно. Что все люди разные. Я не спорю. Люди разные. Разным людям по-разному нужно исчезнуть перед Ротко.
Ну так что — куда это всё засунуть на прайс-листе?
thequestion.ru
Картина "Белый Центр" Марка Ротко. Стоимость 72,8 млн $.
Название: Белый Центр.
Автор: Марк Ротко (Маркус Яковлевич Роткович).
Размер холста: 205 см. на 141 см.
Основа: холст.
Написана: 1950 г.
Продана: 2007 г. Цена: $72,8 млн. Марк Ротко – один из самых знаменитых и дорогих американских художников. В 2007 г. его картина "Белый центр" была продана на аукционе Sotheby`s в Нью-Йорке за 72,8 млн долларов. Это стало рекордно высокой ценой за произведение современного искусства, превысив максимальную стоимость в 22 млн долларов, установленную тем же Ротко в 2005 г. за полотно "Почитание Матисса". В зрелом периоде художник создавал сюрреалистические картины на мифологические и религиозные сюжеты. Наполовину абстрактные формы, рожденные фантазией Ротко, получили название «биоморфные». «Мы начинаем с цвета » -так писал художник, утверждавший, что работа живописца сродни детскому рисованию. Сам Ротко понимал свою творческую задачу как «простое выражение сложной мысли». Работы, прославившие его, представляют собой большие прямоугольные полотна с парящими в пространстве цветовыми плоскостями - элементами «живописи цветового поля».
«Сегодня людям хочется все объяснить. Но если можно объяснить картину, значит это уже не искусство» (Пьер Огюст Ренуар). vilingstore.net
5 выдающихся шедевров Марка Ротко в пяти музеях - Библиотека туриста
Сегодня исполнилось 110 лет со дня рождения знаменитого американского художника литовского происхождения Марка Ротко. В честь этой даты мы решили рассказать о пяти его знаменитых шедеврах абстрактного экспрессионизма и о музеях, где их можно увидеть.
«В башне», Часовня Ротко, Хьюстон, США
Когда посетители заходят в так называемую Часовню Ротко и видят одну из прославленных его работ, они обычно задаются вопросом: «а где, собственно, картины-то?» Серия девственно чёрных полотен, собранных в импровизированную инсталляцию «В башне», действительно не сразу бросаются в глаза – три стены главного зала галереи занимает триптих, а на остальных пяти – по одному полотну. Все картины совершенно чёрные, что по замыслу автора вроде как должно имитировать состояние человека, запертого в башне и смотрящего ввысь.
Сама Часовня Ротко, понятное дело, к культовым сооружениям никакого отношения не имеет. Это центр международного художественного, религиозного и философского диалога, выставочный и конференц-зал, арена для всего, что относится к культуре как таковой. Построенная уже после смерти Ротко, она видела немало именитых персон (например, Нельсона Манделу), а на постоянной основе хвастается работами Марка и скульптурой «Разбитый обелиск» Барнетта Ньюмана.
«№61», Музей современного искусства, Лос-Анджелес, США
Наряду с картиной «Белый центр», до сих пор держащей рекорд по сумме, вырученной на аукционе (почти 73 миллиона долларов), эта работа, известная ещё и под названием «Ржавый и синий», является одним из самых известных и характерных работ позднего периода. Написанная аккуратно перед тем, как на Ротко свалился успех вместе с международным призванием, она, в отличие от «Белого центра», доступна для осмотра всем желающим.
Увидеть картину можно на выставочных площадях Музея современного искусства в Лос-Анджелесе, который является одним из лучших и популярных галерей Соединённых Штатов. Экспозиция этого комплекса искусств, привлекающая сотни тысяч туристов ежегод
www.restbee.ru
Марк Ротко "№ 207 (Красный на темно-синем поверх темно-серого)"
"Следовательно, наша работа, воплощающая наши убеждения, оскорбляет любого духовно настроенного на декорацию интерьера; на картины для дома; на картины поверх обоев; на картины с американскими видами, на социальную живопись; на чистоту в искусстве; на получающих премии халтурщиков; на Национальную академию, на Академию Витни, на Академию Корн Белт; на дешевку, дрянь и так далее и тому подобное".Готтлиб, Ротко и Ньюман, 1943
Мне всегда нравилось выходить за рамки. Принятого, привычного, рутинного, обыкновенного.Я всю жизнь от этого бегу.Мне всегда нравилось смотреть шире. Шире репродукций художников-передвижников.Нравилось формировать свой собственный вкус, чтобы в нем не было ничего навязанного извне, надуманного, поверхностного, чуждого.Если мне нравится что-то, то крепко и надолго. В чужом искусстве я воспринимаю глубоко только то, что меня задело, изменило, потрясло.Сегодня будет рассказ о художнике, который меня удивил более многих. Влюбил в себя, заставил нырнуть в свои картины и завесить ими большую часть внутреннего мира.
(Я покажу вам Марка Ротко, опубликовав картины которого, и, сказав "это круто", я не передам почему же это круто. Поэтому я пригласила на помощь книгу Якоба Бааля-Тешува "Ротко". Текст курсивом оттуда. Фотографии из музеев - Павла Отдельнова)."Марк Ротко (1903 - 1970) принадлежит к тому поколению американских художников, которые совершили революцию в абстрактном искусстве, - они изменили сущность и сам вид этого искусства. Его стилистическая эволюция от фигуративной живописи к абстрактной лежит в активном взаимодействии зрителя и картины, в котором воплотился радикальный взгляд на возрождение живописи. Ротко охарактеризовал это взаимодействие как "завершенный опыт общения между картиной и наблюдателем. Нет ничего, что стоит между моим полотном и зрителем." Действительно, его цветовые формации буквально втягивают зрителя в пространство, наполненное внутренним цветом. И Ротко всегда сопротивлялся попыткам так или иначе интерпретировать его полотна. "Никакие комментарии не в состоянии объяснить живопись, - как-то заметил он. - Все объяснения должны исходить из завершенного опыта переживания между картиной и ее наблюдателем. Оценка искусства - это поистине бракосочетание интеллектов. И искусство - это бракосочетание, и если оно не завершается должным образом, тогда оно бесплодно."
Что он писал? Можно ответить - все и ничего одновременно.Нет формы, нет линий, нет предметов, нет теней, нет света... Есть только цвет. Идеальная по простоте и силе воздействия композиция. И, да, между его картинами и зрителем ничего не стоит. Это не портреты незнакомцев, не чужие города, не яблоки с персиками. Это нечто, что заставляет задуматься о том, как мы воспринимаем искусство живописи, и что ценим в нем. Сюжет? Мастерство владения красками? Раскрученное имя художника?
Представьте, что вы ничего не знаете про американский абстракционизм, не видели картин Поллока, Уорхола, Кандинского, Малевича. Не знаете, что работы Ротко продавались с аукционов за десятки миллионов долларов.Забудьте все это и посмотрите... Чем вам это покажется?
После картин Ротко я пересмотрела все свое прежнее восприятие любого визуального искусства. Я поняла, что всегда есть то, что лежит на поверхности и то, что спрятано глубоко внутри.Американский абстракционизм середины двадцатого века делился на два направления. "Живопись действия" - яркий представитель этого течения Джексон Поллок. Он стелил на пол огромные холсты и экспрессивно разбрызгивал краску. Для такой живописи важно как это создается, а не что получится в результате. Ротко был не живописцем действия, он принадлежал к течению абстрактного экспрессионизма, которое называлось "живопись цветовых полей", где основное эмоциональное воздействие в цвете.Художники того времени активно спорили, как максимально эффектно порвать с живописью прошлых эпох. Придумать свои собственные техники и идеи.Мне вот одно не понятно, почему, если они тогда порвали с ним, сейчас все вернулось к тем же прошлым эпохам? Точнее... Сейчас, конечно, есть все. И абстракционисты, модернисты, и кто-то продолжает идею разрыва с традиционной живописью, но все равно, мне кажется, классика побеждает (по-крайней мере в моей реальности).Давайте посмотрим немножко картин и я продолжу.Раннее.
Автопортрет. 
Период "ташизма".(Википедия: "Ташизм (фр. Tachisme, от Tache — пятно) — течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана"). 
"Для Ротко "зрелый" стиль, ассоциирующийся с его именем, выходит за пределы чистой абстракции. Ротко, для которого "трагический опыт и есть единственный источник искусства", пытался превратить полотна в переживание трагедии и экстаза, основных составляющих бытия."
Он был русским евреем. До переезда в Нью-Йорк в 1923 году его звали Маркус Роткович. "Он перепробовал различные профессии, чтобы оплачивать комнату. По его словам, живописью он начал заниматься совершенно случайно, зайдя однажды к другу в Студенческой лиге искусств и видя, как студенты делали наброски с обнаженной натуры. "И я сразу понял, что в этом моя жизнь", - вспоминал он."
В 30 лет состоялась его первая персональная выставка. До этого он преподавал живопись деткам в нью-йоркской Школе искусств.И дальше, благодаря большой популярности абстрактной живописи и его активной социальной позиции, Ротко быстро становится успешным художником. Его картины продаются все дороже и дороже, поступают крупные заказы. "Несмотря на растущий успех, Ротко часто чувствовал себя недооцененным и жаловался, что его неправильно понимают. Художника раздражала любая попытка интерпретировать работы. Он считал, что живописные формы обладают собственной жизнью, за пределами границ материального мира. "Мое искусство - это не абстракция. Оно живет и дышит", - говорит он. И как взгляд тонкого зрителя оживляет картину, так же он может ее и убить."
Ротко противился тому, что его считали абстракционистом. "Вы должны понять одну вещь. Я не абстракционист... Мне не интересны взаимоотношения цвета и формы или что-то в этом духе. Мне интересно только выражение основных человеческих эмоций - трагедии, экстаза, отчаяния и так далее. И тот факт, что многие люди вдруг теряют себя и раздражаются рыданиями перед моими картинами, означает, что я могу сообщаться с этими основными человеческими эмоциями... Люди, плачущие перед моими полотнами, переживают тот же религиозный трепет, что переживал я, когда рисовал их. А если вас, как вы говорите, тронули только колористические отношения, то вы упустили самое главное".
В 1958 году он получает огромный заказ на оформление росписями комнаты ресторана "Четыре сезона" в небоскребе, где располагались главные офисы компании по производству алкогольных напитков "Джозеф Е. Сигрем и сыновья". Ротко говорил, что взялся за проект для здания Сигрема в надежде "нарисовать что-то такое, что отобьет аппетит у каждого сукиного сына, которые будет есть в этой комнате. Если ресторан откажется повесить мои полотна, это будет лучшим комплиментом. Но они не откажутся. В наши дни люди могут все снести."Эскизы для Сигрема:
Комната Марка Ротко в Галерее Тейт, Лондон. 
Работу для Сигрема Ротко так и не закончил. Разорвал контракт. Следующие его крупные работы были для Гарварда, Капеллы Ротко в Хьюстоне и комнаты в Галерее Тейт.
Интерьер Капеллы Ротко.
Сегодня Марк Ротко занимает место одного из самых значительных живописцев искусства модерна второй половины ХХ века. Основной принцип - отказ от копирования природы - привел его к большеформатным, трепещущим полям цвета. Его работы великолепны своей пространственной глубиной и медитативной силой, которая побуждает зрителя вступать в диалог с ними. "Надо заставить зрителя войи полностью в произведение... и странствовать по его интерьерам", - писал коллекционер Бен Хеллер, который сказал, что его знакомство с живописью Ротко стало для него "самым непосредственным опытом переживания картины", какой он когда-то испытывал. "Как он смог, столь немногочисленным числом вариаций, положить начало дискуссиям между картиной и зрителем, на таком же личностном, прямом и глубоком уровне, как это возможно в камерной музыке? Как он смог всего несколькими комбинациями палитры из теплых и холодных, темных и светлых, сияющих и матовых, восторженных и меланхоличных цветов, вызвать четыре чувства, воссоздающих ширину, разнообразие, драму, глубину и панораму оркестровой музыки, которую он так любил? Кто сможет ответить на эти вопросы? Только сами картины - и каждый смотрящий на них".
Когда я впервые столкнулась с его творчеством, я знала, что он выдающийся художник своего времени. Я смотрела на его работы через призму всемирного признания. Но я не сразу поняла суть его живописи. Ясно было, что это сильно на меня действует. Но почему?Я попробовала остаться с его картинами один на один. Просто цвет, волшебным образом подрагивающая на холсте краска. Потом пришло ощущение вечности, покоя, но вместе с тем и поток информации, который вне сознания, но зато подсознание принимало и понимало это безоговорочно. Я увидела в них все: мировые войны, боль, страх, тишину, смерть, любовь, рождение, счастье, мечту. Каждое полотно рассказывает совершенно разную историю, и воспитывает удивительную тонкость восприятия, чтобы глядя на них не сказать "И все? Я тоже так могу."
Он был таким нервным в своей работе. Все время всем недоволен, хотел большего, чем просто успеха, денег, выставок. Хотел глубокого поражения своим творчеством. Слез радости и боли. А теперь представьте, насколько нужно быть гениальным, чтобы проделывать все это со зрителем, не используя ни линий, ни образов, только цвет...?
Марк Ротко для меня инъекция против посредственного восприятия творчества, против безвкусия, банальности, глупости в искусстве. Своеобразная точка отчета, или наоборот... точка, куда ведут все пути.
Серия постов: "Живопись, которая меня впечатлила"№1 - Edward Munch - Танец жизни№2 - Lora Zombie - Немного смерти, немного любви№3 - Камиль Коро - Орфей ведет Эвридику через царство мертвых№4 - IVAN SLAVINSKY - "Master of time"№5 - Аруш Воцмуш - "Хватит сидеть дома..."
barminova.livejournal.com
Грани Марка Ротко - История искусств
Как правило, нелюбовь к чему-либо возникает от непонимания. На примере искусства это легко проследить. Как часто я слышу: “Не люблю Малевича”, и “Я такое легко сам нарисую!”.Я понимаю, что легко любить, например, импрессионистов – это как любить солнечный день на природе. Ведь приятно же смотреть на солнце, пруд с кувшинками и зелень? Чтобы это нравилось, не нужна специальная подготовка, любой человек, выйдя на залитую солнцем лужайку скажет: “Хорошо!”. Так и с импрессионистами, усилий не нужно – удовольствие само заливается в мозг.
Гораздо сложнее изучать, читать, анализировать и вообще, сделать усилие, чтобы понять, почему художник выбрал именно такую форму для своего творчества. Понимание искусства на рубеже XIX и XX веков и первой половины XX века невозможно без знания истории искусства, контекста и хотя бы основ культуроведения. Так как это мои любимые периоды в искусстве, то я часто слышу такого рода комментарии про моих любимых художников, и особенно про одного из моих самых любимых - Марка Ротко.
Ротко писал свои картины в стиле абстрактного экспрессионизма. Давайте сперва разберемся с терминами. Свое начало экспрессионизм берет от арт-группы “Мост” и ставит перед собой задачу передать эмоциональное, внутреннее состояние художника в момент предельного душевного напряжения. В работах художников, писавшиx в этом стиле, вы не найдете красивой картинки просто по определению.
Почему в принципе мог возникнуть экспрессионизм в том виде, в котором мы его знаем? Это была ответная реакция на беды начала XX века, реакция на Первую мировую войну и революции – общество было подвержено таким эмоциям как постоянный страх, разочарование, боль и тревога. Например, Эвард Мунк, который считается предшественником экспрессионизма, писал в одном из своих дневников:
Болезнь, безумие и смерть – черные ангелы, которые стояли на страже моей колыбели и сопровождали меня всю жизнь.
Экспрессионисты искали художественные способы выразить боль, тревогу и душевный дискомфорт. В их живописи преобладают агрессивные образы с отказом от светотени, которые нанесены, как правило, на необработанную, грубую поверхность холста. Широко применяется контрастность, цвет тоже использован таким образом, чтобы вызвать наибольшее количество эмоций. Экспрессионисты нарочно искажают форму и цвет, чтобы подчеркнуть проявление напряженного чувства.
А теперь давайте об отличии экспрессионизма от абстрактного экспрессионизма. Как бы вы нарисовали высокий депрессивный накал чувств? Если вы представили в этот момент человека, фигура и выражение лица которого передает депрессию, – это экспрессионизм. Я уже писала о своем любимом Шиле, который как раз работал в этом стиле. А теперь отвлекитесь от фигуры человека и представьте безупречное чувство, чистый накал боли, депрессии и разочарования – это абстрактный экспрессионизм. Характерные черты абстрактного экспрессионизма - крупный масштаб работ, хаотичность, экспрессия. Цель художника – быстрое и спонтанное выражение внутреннего мира, в обход логическому мышлению.
Ротко рисовал именно так. На первый вгляд его картины кажутся статичными, но стоит вглядеться в них несколько минут, как изображение начинает двигаться и пульсировать. Сам Ротко считал, что его картины приглашают в “непредсказуемое путешествие в неизвестное измерение”.
Ротко был признан одним из самых выдающихся американских художников, хотя родился он в России (ныне территория Латвии) в 1903 году. В 1913 году семья Ротко эмигрировала в Штаты, чтобы уберечь детей от тяжестей жизни на родине. Однако родителям не удалось полностью оградить своих детей, Ротко и в Америке не чувствовал себя любимым. Взять, к примеру, его годы в Йельском университете, где Ротко не разделял ценности “Белых англо-саксонских протестантов”, или последний период жизни, проведенные в одиночестве после второго развода. Ротко стремился к искусству и считал, что оно способно изменить мир.
Ротко начал рисовать в 1923 году и сформировался как художник под влиянием кубиста Макса Вебера и абстрактного сюрреалиста Аршиля Горки. Первое признание Ротко получил в 1930 годах, однако в то время его картины зачастую называли “недостаточно выразительными”.
Один из ранних циклов картин посвящен зарисовкам из метро (Subway Scenes), 1938-1939. Люди в метро, странно отдаленные друг от друга, будто придавлены надвигающимся роком. Фигуры на картинах больше похожи на изображения душ, нежели людей. Метро становится символом тревоги и переживаний, что и не удивительно (серия написана после Великой депрессии, которая не оставила обществу других настроений). Основная роль на картине отводится цвету, Ротко наполняет его скрытым смыслом. То, как Ротко изображает здесь стены и край платформы, – это первые шаги художника к абстрактной живописи, принесшей ему славу.
Ротко считает, что трагическое содержание картины – это подарок зрителю, подталкивающий его к размышлению. Чтобы лучше понять истоки возникновения трагедии как таковой, Ротко погружается в исследование философии: Ницше, Фрейд, Юнг. Однако теория переместилась в реальность – началась Вторая мировая война, после которой стало невозможным писать, как раньше. На перерождение художника сильно повлияла картина Матисса “Красная Студия”, цветовые акценты которой перевернули его восприятие. После войны Ротко полностью отходит от изображения фигур, отдав свои картины во власть формы, цвета и света. Он стремится передать оттенки чувств, и дать зрителю максимальную эмоциональную нагрузку, стремится отобразить базовые эмоции и невыносимое чувство трагизма.
Ротко освобождает цвет от формы. На его картинах большие контрастные полосы мерцают и переливаются, переходят в друг друга и зовут зрителя в глубину цвета, проникают внутрь сознания. Пульсация цвета достигается за счет грубых границ между цветами на полотнах. На первый взгляд, кажущиеся статичными, картины вскоре начинают двигаться, дышать, наполняться, словно ветром, они сами приходят к зрителю, и зритель, сам того не желая, погружается в их глубину. Таким образом Ротко пытается затронуть и передать богатство внутреннего мира человека, которое он сам ценил больше всего на свете. Цветовые обрамления, рваные границы цветов, плавно возникающие и пропадающие на стыке больших цветовых полос, таинственный и непостижимый свет, который исходит от картин, в течение нескольких часов не уходит из памяти зрителя, даже когда тот покидает выставочный зал.
Ротко был очень требователен к пространству выставочных залов для своих картин: картины должны висеть в темном помещении, невысоко от пола, зритель должен рассматривать их с близкого расстояния, примерно с 45 сантиметров. Картина не существует сама по себе, она живет в окружении других картин и каждая из них является продолжением картины. Ротко хотел заставить людей испытывать тот же духовный опыт, что и он сам испытывал при написании картин, реакция зрителя и есть главное удовлетворение художника.
Давайте проследим эволюцию Ротко и его картин уже после того, как он нашел свой стиль.
1. Без названия, №3/13,1949. Ротко писал: “Эволюция художественного искусства двигается в сторону большей ясности между художником и замыслом, между идеей и зрителем”. Картина иллюстрирует эту ясность. Здесь широкие прямоугольные формы соседствуют с узкими четко очерченными линиями. Оттенки черного, мадженты, зеленого и оранжевого накладываются поверх желтой основы, которую хорошо видно в нижней части картины. Кисть, которой нарисована картина, оставляет пятна, размытые на линиях. Впоследствии Ротко будет использовать технику наложения цветов в попытке достичь уникальный эффект и люминесцирующий свет.
2. Следующая картина написана в 1951-1952 годах, Без Названия. Как раз тогда Ротко стал увеличивать размер своих полотен, при этом сохраняя простоту композиици и делая акцент на цвете. Как я уже говорила, Ротко увлекался Ницше и считал, что искусство обязано своей постоянной эволюцией дуализму Аполлона (сновиденческие миры) и Дионисия (необузданная страсть жизни). Взаимно борясь друг с другом, столкновение приводит к рождению трагедии. Дуализм в этой картине выражается в противопоставлении двух цветов: светлого низа и темного верха. Несмотря на то, что цветовые формы занимают примерно одинаковую площадь картины, очевидно, что приоритет Ротко отдает темному верхнему цвету, что придает особый драматизм произведению. Вглядитесь в картину, здесь видно, что темный цвет наседает над светлым, и Ротко использует безмятежные цвета для усиления трагизма.
3. Уже с 1949 у Ротко появляются оттенки темных тонов, а полностью отказ от светлых и переход к мрачным депрессивным краскам и композициям происходит в творчестве художника в 1957 году. Именно тогда написана следующая картина, Black in Deep Red. Если ранние картины Ротко скорее сами создавали свет за счет тонов и форм, то эти новые картины как бы всасывали в себя свет из окружающего пространства. Такие картины требуют большего внимания от зрителя, потому что найти отличия и выделить различия цвета между темным и более темным гораздо сложнее, чем между светлым и темным. Ротко специально усложняет свое искусство в противовес поп-арту, который он считал суррогатным проявлением творчества. Этот суррогат все больше заполнял выставочные залы, а Ротко все больше отходил от современного искусства, что не могло не сказаться на его полотнах: они становились все депрессивнее, все злее.
4. Mural section Red on Maroon, 1959. В 1958 году к Ротко приходит известность и он получает заказ на изображение четырех полотен для ресторана Four Seasons, расположенного в модном здании Seagram на Манхеттене. Ротко принимает это предложение, но по окончании работы над первой картиной приходит в ресторан и испытывает страшное разочарование. Атмосфера роскоши и денег настолько не подходит к духу его фресок, чересчур живая атмосфера ресторана кардинально не вписывается в ту идею картины, которую Ротко пытался донести до зрителя, что он отказывается от сотрудничества с рестораном и отзывает свое участие.
После этого проекта – снова творческий поиск и снова успех. Однако он не пошел во благо художнику, успех негативно сказался на образе жизни Ротко: алкоголизм, постоянное курение и, как следствие, проблемы с легкими, развод со второй женой… художник погружается в мрачную меланхолию.
5. East Wall triptych, 1966-1967 год. В 1966 году Ротко получает заказ на роспись часовни в Хьюстоне. Он завершает 8 полотен, в том числе и триптих (традиционный формат для христианских религиозных сюжетов, символ Святой Троицы). Триптих весьма мрачен по духу, хотя и прекрасно сочетается с атмосферой святого пространства часовни. В этих фресках нет былой яркости и насыщенности, колеблющиеся грани остались в прошлом, и на смену им пришла черная-черная ночь. Над фресками витает дух трагизма заживо похороненного человека, они словно уводят наблюдателя в глубь могилы…
6. Последняя в моем обзоре картина датирована 1969-1970 и написана за несколько месяцев до самоубийства художника в возрасте 67 лет. На этой картине Ротко отходит от традиционной концепции мягких границ между цветами и жестко разграничивает пространство. Здесь четко видно, как картина делится практически ровно на две части, и уже ни одна из форм не нависает над другой, как это было замечено ранее в его творчестве.
Почему? В позднем творчестве Ротко использует черный, насколько может быть черным цвет, будто изображает вселенную без звезд. Ротко своими поздними картинами словно указывает выход из трагедии, которая сопровождает жизнь, его картины напоминают порталы в космос. Поздние картины Ротко особенно неоднозначные, они обволакивают своей глубиной. Зритель теряет ощущение себя, глядя на них, подсознательно сливаясь с вечностью. От рождения до смерти, они отображают полное содержание жизни человека. И если работы в часовне не оставляют нам никакой надежды, они черны, как могилы, то на самых последних работах в своей жизни художник вплетает полоски молочного серого цвета, как будто лунный свет освещает мир, в который Ротко уходит, и как будто дает нам надежду света в конце. Ротко показывает нам неизвестные измерения, где искусство овладевает человеком и поднимает его до уровня небесных сфер.
Клее, работы которого относят в том числе и к экспрессионизму (помимо кубизма, сюрреализма и абстракционизма) написал гениальную фразу об искусстве:
Искусство не передает только видимое, а делает зримым тайно постигнутое.
Мне кажется, это в полной мере относится к творчеству Ротко. У нас есть возможность прочувствовать то, что постиг и чем поделился с нами великий художник, который тонко чувствовал внутренний мир человека и умел заставить нас откликаться на художественный импульс.
Как музыка, которая заставляет нас радоваться или грустить, картины Ротко, лишенные формы, оставляют простор для переживаний, эмоций и чувств, и дарят нам великолепную возможность прочувствовать жизнь.
history-of-art.livejournal.com
Новый рекорд Ротко и еще 15 самых дорогих арт-объектов — Look At Me
На этой неделе на аукционе Christie's в Нью-Йорке был поставлен новый рекорд для произведения современного искусства. Холст американского художника Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» (1956) был продан за $86,9 миллиона долларов. Вот еще 15 произведений художников 19-20 века, проданных на открытых аукционах и в ходе частных продаж: от "Пруда с кувшинками" Клода Моне до "Игроков в карты" Поля Сезанна.
Эдвард Мунк "Крик", $119,900,000
В мае 2012 года на аукционе Sotheby's картина норвежского художника Эдварда Мунка "Крик", одно из самых узнаваемых произведений искусства, ушла с молотка за рекордную цену - 119,9 миллиона долларов. Её выставил на аукцион сын друга художника Петтер Олсен - единственный частный владелец одного из четырех существующих вариантов картины (остальные три находятся во владении государственных музеев - Национальной галерее Норвегии и Музее Мунка). Над серией "Крик" Эдвард Мунк работал 17 лет - с 1893 по 1910 года. Данная версия картины уникальна тем, что на раме, сделанной самим художником, красной краской написано его стихотворение, раскрывающее истинный смысл картины: "Мои друзья проследовали дальше, / А я остался позади, / Дрожа от тревоги: / Я ощущал оглушительный Крик Природы. Э.М."
Пабло Пикассо "Обнаженная, зеленые листья и бюст", $106,500,000
В 2010 году на аукционе Christie's картина главного модерниста ХХ века и основоположника кубизма Пабло Пикассо "Обнаженная, зеленые листья и бюст" была продана за 106,5 миллиона долларов. На огромном холсте высотой 1,6 метр изображена юная возлюбленная художника Мари-Терез Вальтер, с которой он начал встречаться, когда ей было 17 лет, а ему - 45. Картина была написана всего лишь за один день в 1932 году и стала одним из многочисленных полотен, которые Пикассо нарисовал специально для персональной выставки в галерее Жоржа Пети. Говорят, что темпераментный испанский художник решил организовать ретроспективу своих работ после того, как увидел выставку своего соперника Анри Матисса.
Альберто Джакометти " Шагающий человек I", $104,300,000
В 2010 году впервые в десятку самых дорогостоящих произведений искусства попала скульптура, захватившая сразу же пальму первенства. Работа высотой 1, 83 метр известного швейцарского скультптора-модерниста Альберто Джакометти была продана на торгах за 104, 3 миллиона долларов. Созданная в 1961 году, она является одной из первых статуй из этой серии и считается одной из самых важных работ Джакометти. Скульптура "Шагающий человек I" стала первым экземпляром своей отливки, появившимся на открытых торгах и находящимся в частных руках. Статуи Джакометти с иссохшими, практически эфирмеными человеческими телами символизируют одиночество и беззащитность человека, потерявшего всякую опору, но уверенно державшегося на собственных ногах и взявшего жизнь в свои руки
Пабло Пикассо "Мальчик с трубкой", $104,100,000
Пабло Пикассо стал первым художником в истории, кому удалось преодолеть ценовой рубеж в 100 миллионов долларов на открытых торгах. В 2004 году на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел работу картину "Мальчик с трубкой", написанную им в 1905 году в Париже, за 104,1 иллиона долларов. Это полотно представляет особую ценность для коллекционеров, так как оно знаменует переход художника от "голубого" периода к "розовому" и принадлежит к наиболее ценному периоду творчества Пабло Пикассо - докубистскому.
Пабло Пикассо "Дора Маар с кошкой", $95,200,000
В 2006 году на аукционе Sotheby's ы Нью-Йорке была продана картина Пабло Пикассо "Дора Маар с кошкой" за 95,2 миллионов долларов, написанная художником в 1941 году в оккупированном Париже. Фотограф, поэт и художник, Дора Маар была одной из самых любимых моделей испанского художника и оставалась его музой на протяжении более чем 15 лет. В начале 1940-х годов отношения между Пикассо и Маар начали постепенно ухудшаться, поэтому её образ в этот период - с острыми когтями как у кошки и пронзительным взглядом - стал для художника "персонификацией войны".
Густав Климт "Портрет Адели Блох-Бауэр II", $87,900,000
В 2006 году на аукционе Christie's картина Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр II» (1912) была продана за 87,9 миллиона долларов коллекционеру, пожелавшему остаться неизвестным. Австрийский художник был востребован при жизни и многие его картины становились украшением интерьеров самых роскошных домов начала двадцатого века. Так он оказался постоянным гостей салона богатого семейста Блох-Бауэр и нарисовал несколько потретов хозяйки дома - Адели Блох-Буаэр. Наследники мужа Адели, Фердинанда Блох-Бауэра, которые лишь недавно возрватили себе картины, утраченные в результате немецкой оккупации, редко выставляют произведения Климта на продажу, поэтому всегда ожидается высокий спрос на них.
Марк Ротко "Оранжевое, красное, желтое" $86.900,000
8 мая 2012 на торгах аукционного дома Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое», написанное художником в 1961 году, ушло за 86,9 миллиона долларов с учетом комиссии. Картина стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим призведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах. Прежде всего Ротко известен своими абстрактными картинами, состоящими из нескольких цветовых сегментов. В течение 15 лет он доводил до совершенства свой собственный стиль, работая над нечеткостью границ и растворением цвета в цвете и создавая мощный эффект пульсации цветовых пятен.
Фрэнсис Бэкон "Триптих", $86,000,000
"Триптих 1976" английского экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона, проданный в 2008 году на аукционе Sotheby's, в течение нескольких лет считался самой дорогой картиной, написанной после Второй мировой войны. Причем, картина попала не только в список самых дорогостоящих произведений искусства в мире, но и побила ценовой рекорд для работы художника. Она состоит из трех равных мрачных панелей, на каждой из которых изображены гипертрофированные человеческие фигуры - льется розовая кровь, кружат вороны и внутренние органы выставлены наружу. Специалисты объясняют высокую цену редкостью появления работ Бэкона на рынке - например, данное полотно не меняло владельца более 30 лет - и называют картину "Триптих 1976" пиком творческого гения экспрессиониста, в которой он максимально раскрывает свои собственные внутренние переживания и изображает трагедию существования.
Винсент ван Гог "Портрет доктора Гаше", $82,500,000
Очень долгое время — с 1990 по 2004 год — картина "Портрет доктора Гаше" голландского постимпрессиониста Винсента ван Гога, написанная в 1896 году незадолго до смерти художника и изображающая врача из клиники для душевнобольных, считалась самым дорогим произведением искусства по результатам аукционных торгов. С момента своего создания полотно постоянно переходило из рук в руки, оказавшись в 1990 году в руках японского миллионера Реэи Сато, который завещал похоронить себя вместе с шедевром. После смерти Саито в 1996 году точное местонахождение "Портрета доктора Гаше" остается неизвестным, что породило массу предположений о судьбе картины.
Клод Моне "Пруд с кувшинками", $80,500,000
Практически никто из коллекционеров и журналистов не удивился, когда в 2008 году на торгах Christie's в Лондоне картина Клода Моне "Пруд с кувшинками" была продана за рекордные для французского художника 80,5 миллиона долларов. Традиционный для Моне сюжет - кувшинки - всегда пользовался популярностью среди коллекционеров. Хотя сами организаторы торгов из аукционного дома не ожидали столь высокого результата, так как картина не относится к более ранним или всемирно известным работам, а является лишь одним из многочисленных полотен с изображением кувшинок на водной глади. Эта картина, написанная в 1920 году в эпоху распространения в мире искусства модернизма и кубизма, интересна тем, что она написана всё еще в соответствии с канонами импрессионистов 1870-х годов.
5 картин, купленных в ходе закрытых сделок
Поль Сезанн "Игроки в карты", $250,000,000
Купленная картина "Игроки в карты" является последней из серий работ, написанных французским художником в период 1890 - 1895, и единственной, находящейся в частных руках. Специалисты называют её самой мрачной работой этой серии, а поэтому самой интересной и наиболее ценной. В этом году полотно за рекордные 250 миллионов долларов купила семья эмира Катара для национальной галереи страны, которая сейчас активно пополняется произведениями искусства.
Джексон Поллок "№5", $140,000.000
В 2006 году за 140 миллионов долларов была продана картина американского абстракицониста Джексона Поллока "Номер 5, 1948". По сообщениям прессы её приобрел крупный мексиканский финансист Дэвид Мартинес. Джексон Поллок стал основателем так называемой "капельковой, или льющейся, живописи", когда художник создает картину, даже не прикаясаясь к холсту. Его новаторский подход получил признание еще при жизни самого художника - в 1949 году журнал Life Magazine назвал его величайшим американским художником, - а после смерти Поллока коллекционеры раскупили все его холсты, даже не законченные.
Виллем де Кунинг "Женщина III", $137,500,000
В 2006 году американский миллионер и коллекционер Стивен Коэн заплатил за картину абстрактного экспрессиониста Виллема де Кунинга "Женщина III" 137 миллионов долларов. Американский художник голландского происхождения написал её в 1953 году в рамках серии работ, где центральной темой выступала женщина. В течение долгого времени картина находилась в Тегеранском музее современного искусства, но в 1994 году её продали и вывезли из страны.
Густав Климт "Адель Блох-Бауэр I" $135,000,000
В 2006 году картина Густава Климта "Портрет Адели Блох-Бауэр", известная также как "Золотая Адель" или "Австрийская Мона Лиза" была куплена в 2006 году американским предпринимателем и наследником косметической империи Рональдом Лаудером для основанной им Новой галереи в Нью-Йорке. Данное полотно является одним из самых значимых работ австрийского художника, так как оно было написано в 1907 году - в золотой период творчества Климта, когда он черпал вдохновение в богато украшенных золотом церковных мозаиках в Италии. Высокая цена картин Густава Климта из коллекции Фердинанда Блох-Бауэра объясняется редким появлением их на рынке, поэтому продажа сразу двух полотен в 2006 году вызвала большой ажиотаж в арт-кругах.
Энди Уорхол "Восемь Элвисов", $100,000,000
Уникальная работа Энди Уорхола "Восемь Элвисов" длиной в 3,7 метра была продана за 100 миллионов долларов после 40-летнего нахождения в доме римского коллекционера Аннибале Берлингьери. Картина выполнена в серебряном цвете - любимом у художника - и написана в 1963 году, в наиболее ценный период творчества Уорхола по меркам специалистов. Уорхола часто называют не только королем поп-арта, но и арт-рынка, так как за 26 лет своего творчества он и его помощники создали около 10 тысяч произведений искусства, что не уменьшает ценность его работ.
www.lookatme.ru
