Музей ЧерномырдинаУчимся разбираться в искусстве. Картины активная живопись
Учимся разбираться в искусстве
Итак, уважаемые дамы и господа, леди и джентльмены, сегодня мы расскажем и покажем Вам как не заблудиться в классификационных лабиринтах искусства, поможем научиться хоть чуточку разбираться в колорите живописных направлений.
Первым добровольцем, вступающим в этот информационный и весьма познавательный арт-батл, станет реализм.
Реализм. Копнем немножко в глубинки научно-художественной терминологической этимологии. Согласно трактовке мировых словарей, реализм в живописи – эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. Грубо говоря, реализм – талант воспроизводить окружающий нас с вами мир всевозможными художественными способами с максимальной точностью. Скромная (на первый взгляд) «персона» реализма на самом деле невероятно сложна и противоречива, многолика и многовариантна. Гранями этой эстетической позиционной догматы можно смело считать преционизм Эдварда Хоппера, нюненские работы Ван Гога, импрессионизм Мане и Дега ну и естественно барочный иллюзионизм Караваджо, Вермеера и Веласкеса.
Исторические данные о реализме: Впервые термин «реализм» был употреблен неким Шанфлёри (если мне не изменяет память, то это был один из весьма влиятельных французских литературных критиков 19 века) дабы обозначить искусство, противостоящее двум творческим ипостасям – романтизму и академизму. Но сам факт рождения реализма (как направления живописи) привязывают к периоду становления творчества французского живописца, пейзажиста, жанриста и портретиста Гюстава Курбе.
Поехали дальше. Экспонат номер два – импрессионизм.
Если реализм – художественная подача внешней оболочки мира, то импрессионизм – талантливое изображение его души. В кругах творцов искусства импрессионизм известен как направление живописи, позволяющее передать жизнь в живой, непосредственной форме, как отражение собственных впечатлений. Если судить по картинам мировых импрессионистов, то человеческое существование — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении. Сторонники этого направления всячески отрицают существенность религиозных, исторических, литературных и мифических сюжетов, присущих официальному академизму. Важней всего чувственно-эмоциональный аспект бытия, а не строгий практицизм и ограниченный прагматизм. В свое время эти мастера отказались од душных стен мастерской, выпустили себя и собственное творчество на волю (то есть начали рисовать непосредственно на воздухе, избегая любых доработок в мастерской). Кстати, вот таким образом и возник пленэр, ребятки. Еще одна черта, отличающая импрессионизм от академической живописи – замена строгости контура мелкими, раздельными и контрастными мазками, которые художники накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда (деление цветов на основные и сдвоенные: голубой — оранжевый; красный — зелёный; жёлтый — фиолетовый). И на этом мы заканчиваем с первичными азами импрессионизма.
Фовизм. Поскольку это направление живописи просуществовало не очень-то долго (с 1898 по 1908 г), то и особо разглагольствовать о нем не буду. Скажу единственное, что вам нужно знать о фовизме: если Вы смотрите на полотно и в нем точно можете подчеркнуть такие черты, как упрощенные формы и яркие цвета, будьте уверенны – перед вами один из представителей школы фовизма.
История*. Вообще история фовизма началась с группы художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Экспонированные полотна оставляли у зрителя настолько сильные ощущения энергии и страсти, что французский критик Луи Восель ну просто не смог не назвать этих живописцев дикими зверями (в конце то концов, а как еще он мог отреагировать на поразительную экзальтацию цвета и «дикую» выразительность палитры?). Вот так вот случайное высказывание и закрепилось как название всего живописного течения. Сами же художники никогда не признавали данного метафорического эпитета, как точное определение результатов их творчества.
Кстати, вдохновителями развития фовистского направления живописи послужили два знаменитых импрессионисты – Ван Гог и Гоген (предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному).
Модерн (ар-нуво, югендстиль). Основными контрапунктами, объединявшие все полотна этого направления в одну творческую касту, являются: четко выраженный символизм представленных в сюжетной линии образов, специфическая плавность форм, отсутствие уже привычного для каждого из нас эффекта глубины. Так, если приглядеться к картине, созданной рукой модерниста, то можно узреть филигранную плоскость, присущую каждой фигуре, яркие контуры, поданные на одноцветной, немного скучноватой поверхности. Культовыми представителями школы модернизма являются такие мировые классики холста и кисти, как П. Гоген и П. Боннар, Г. Климт и Э. Мунк, М. Врубель и В. Васнецов.
Экспрессионизм. О, наверное, и днем с фонариком трудно найти более эмоционально и чувствительно насыщенное направление живописи, нежели экспрессионизм. Во все века он символизирует остроту восприятия мира, выражает тонкую грань драматизма социальной конфликтологии, микрокосм своеобразного бунта против уготовленных миром стандартов. В общих чертах – живописный анархизм во всей своей красоте. Картину экспрессионистов Вы узнаете с легкостью – каждый холст насыщенный эфемерными деформациями, грубыми, слегка вычурными резкими диссонансами, предельной контрастностью цветов и крохами кричащего колорита. Им так же присущая угловатость линий и фамильярная быстрота мазков. Творения, которые точно не оставят равнодушными.
Кубизм. Как распознать полотна, принадлежащие к данному направлению живописи? Все очень просто! В композиции кубистических произведений воплощено совершенство геометризованных условных форм, наблюдается «раздробление» реально существовавших объектов на стереометрические примитивизмы. Концептуальная основа картины превалирует над ее художественной ценностью. Одним словом, кубизм – художественное проявление суровости аналитической системы математики, геометрия сквозь вуаль живописи.
Футуризм. Это символическое движение авангардизма черпает собственные целевые идеи из страниц литературы. В его формах затаился ярко выраженный переплет цветовых находок фовизма и художественных форм кубизма. В каждом произведении авторы стремятся разорвать банальную цепь стереотипов, вырваться из объятий пережитков прошлых столетий, с максимальной точностью представить современному зрителю возможный вариант урбанистического будущего. Живописным произведениям футуристов присуща энергичность композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение
Абстракционизм. Являясь направлением нефигуративного искусства, абстракционизм отрицает любую приближенность к действительности изображения форм. Цель, которую преследует каждый абстракционист в собственных произведениях – достичь гармонизации единения цветовых сочетаний и геометрических форм. И, как свидетельствует художественная практика и научные исследования, во всем мире нет прелестнее катализатора ассоциативного развития человеческого разума, нежели живописные абстракции.
Дадаизм. Хотите – верьте, хотите – нет, но гарантирую – Вы точно пересекались с этим понятием! Как вы думаете, к какой творческой категории принадлежит популярный нынче коллаж? Правильно, коллаж – одна из самых распространенных форм творчества именно дадаистов! Для тех, кто не в курсе, что собой являет этот «коллаж», даю краткую наводку: в изобразительно искусстве коллаж – это один из технических приемов создания произведения путем компоновки и наклеивания на плоскую основу (холст, картон, бумагу) кусочков разнообразных материалов: бумаги, ткани и т. д.
Супрематизм. Разновидность абстракционизма, идеология которой концентрируется на комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Проще говоря, картины из серии супрематизма – талантливое сочетание разноцветных и разнообразных геометрических фигур, которое образует целый ряд ассиметричных супрематических композиций. В свое время именно эти произведения и стали крохотным шажочком к «чистому творчеству», то есть художественным проявлением акта, уравнивавшего творческую силу человека и природы.
Метафизическая живопись. О метафизической живописи можно говорить невероятно долго и очень-очень много. Но ведь нам нужно главное, не правда ли? Так вот, о главном. Даже если взглянуть на полотно, являющееся произведением метафизической живописи, неопытным взглядом отдаленного от живописи человечка – можно подчеркнуть несколько особенных изюминок. Первое – этим творениям свойственно изобилие ассоциаций и художественных аллегорий. Абсолютный эклектизм мечты и метафоры становится основным рычагом преодоления реальностью любых границ логики. Второе – интенсификация ирреального эффекта. Достигается за счет усиления контраста между реалистичной подачей предмета и абстрактной лирикой иллюзорной атмосферы. Творцы метафизических произведений всячески стремятся отыскать метафизический рубеж между двумя мирами: миром живого и неживого. Поэтому в их картинах живое похоже на неодушевленное, а неодушевленные предметы живут своей тайной жизнью.
Сюрреализм. Направление в искусстве, занимающее первое место в рейтинге мировой анормальности. От всех остальных живописных течений отличается парадоксальностью сочетаемых форм и динамичным использованием аллюзий. Каждый художник, который хотя бы на миллиграмм считает себя сюрреалистом, всецело отдается художественному исследованию бессознательного. Жонглируя собственным подсознанием, они создают полотна, полны чудных галлюцинаций. Главный смысл композиционной линии картины – совмещение сна и реальности, абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов и сюжетов, которые являются всего лишь плодом воображения, результатом восприятия окружающей среды создателем сего произведения. Игры чьего-то безумного разума или стопроцентная свобода иррациональности…как этот процесс назвать, решать уже Вам.
Активная живопись. Весьма специфическое течение западноевропейского абстракционизма 50-60-х годов. Почему специфическое? Все дело в технике исполнения произведений, принадлежащих к этой творческой нише. Активная живопись – живопись пятнами, которые не воссоздают реальных образов, а формализуют активность художника на бессознательном уровне души и разума. Каждое пятно, мазок или линия наносится на холст быстрым движением руки без каких либо планов или зарисовок. Творческая экспрессия во всей своей прелести.
Поп-арт. Самый яркий представитель массовой культуры. Талантливое сочетание символических и знаковых объектов рекламной продукции или любых других элементов массовой культуры – вот она, душа и основа поп-арта! Каждый представитель этого течения пытается сотворить «естественное, популярное искусство» из самых банальных, привычных для нас предметов быта и потребления. Источниками вдохновения творческим гениям служат глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Результатами соединения (даже если это единение – пик абсурда) всех этих объектов являются коллажи, ассамбляжи, комиксы, комбинированные картины, карикатуры и прочие весьма затейливые произведения. Следовательно, поп-арт можно смело рассматривать как логическое продолжение канонов дадаизма. Именно благодаря поп-арту обыкновенные предметы обрели свою этическую ценность.
Ну вот, уважаемые, мы и добрались до последнего километра нашего пути. Поприветствуем бурными аплодисментами – минимализм!
Минимализм (известный еще под амплуа минимал-арта) – течение живописи, которое проповедует минимальную трансформацию используемых во время творения промышленных и природных материалов, поддерживает простоту и монохромное однообразие форм, нейтральность поверхности, ограничение сюжетной композиции. Являясь самым экономным видом живописи, минимал-арт очищен от всякого метафорического символизма и повторяемости, иллюзионизма и репрезентации, дарит великолепную возможность создать поистине оригинальное пространственное решение.
madeart.biz
Деградация технологии живописи: sibved
Именно технологии, а не техники. Статья от elgreco:Как известно, во времена Страдивари и Рембрандта происходил так называемый «малый ледниковый период».
Страдивари в это время вырезал свои удивительные скрипки из очень плотной древесины с узкими годовым кольцами, которые формировались в холодном климате, а Рембрандт писал свои картины на густых лаках, которые делали из живицы тех же деревьев. А в России это же время стало "годами без лета".
Занимаясь живописью, я могу предоставить некий факт, вряд ли известный автору и читателям этого блога.
Масляная живопись знатно деградировала после эпохи Ренессанса в Европе. Условно, точкой расцвета можно считать 1600-тый год. Максимальная деградация началась после 1800-того года. В чём это состояло?
В двух словах вообще о том, как возникла масляная живопись. Первоначально рисовали всякими цветными глинами — например, охрой на стене в пещерах. В античности уже были развиты несколько направлений: это и искусство росписи амфор и мозаика из смальты и самое интересное — фрески.
Краски были всё ещё жёлто-красно-чёрными. Самые редкие цвета, кстати — синие и зелёные — тогда ценились дороже веса золота и во многих культурах для них даже не было слов-обозначений, а в некоторых других, например, синее и зелёное называли одним словом цвета.
Фрески, как известно, это роспись по штукатурке. В древней Греции уже было развито более живописное (то есть яркое в смысле красок) направление — энкаустика. Это роспись в горячем воске. Процесс слишком трудоёмкий: например, в московском Пушкинском Музее есть буквально три-пять греческих портретов в этой технике; они удивительно красочно сохранились (потому что ни минеральные пигменты, ни воск не потеряли своих свойств со временем), но эти картины — весьма скромного размера, расписать таким способом стену чрезмерно трудоёмко.
Поэтому, когда было открыто свойство льняного масла полимеризоваться, это начали использовать в живописи, т.к. полимеризовавшееся масло давало тонкий прозрачный слой. Отсюда идея классической живописи — писать картину слоями, которая блестяще реализована в картинах эпохи Ренессанса. Работа занимала уйму времени, но картины, написанные в такой технике, почти не потеряли своих качеств и через 400 лет, дойдя уже в нашей время до музеев и аукционов.
Однако масляную живопись нельзя называть только масляной. Скорее, это процесс лаковый. А лаки появились в связи с технологическим расцветом эпохи Возрождения (Ренессанса), когда появился технический процесс разделения древесной живицы на компоненты: смолы, канифоли и скипидары. Соединяя это всё обратно на картине, можно было добиться временного растворения твёрдых и густых компонентов в скипидаре, который затем высыхал, после чего начинался процесс полимеризации масел, образующий прозрачный маслянно-лаковый композит с красочными пигментами в картине.
Но вернёмся к деградации. После расцвета эпохи Возрождения, картины начали сперва упрощаться: вместо семи слоёв начали делать сначала три, потом кто-то отказался от лаков (чисто масляные картины без лаков оказались нестойкими, т.к. масло полимеризуется до состояния осыпания красочного слоя пылью всего через 100–150 лет), затем, начиная с 1800-тых гг. начинаются так называемые "тёмные века живописи".
В это время уже (почему-то; я напишу ниже, почему) потеряли секреты Ренессанса, но ещё не начали производить качественные краски из нефти. В первых нефтяных красках оказалось слишком много примесей, что заставляло картины активно темнеть. Завершилось всё это появлением "быстрой" однослойной живописи импрессионистов и только некоторые потомственные художники передали своим внукам какие-то частичные знания.
С появлением компьютеров в 1970-тые гг. химическая промышленность стала прецизионной; краски стали великолепными; старая многослойная живопись стоит теперь запредельно дорого, но не сказать, чтобы сильно возрождается.
Вопрос: картины активно писали всё время — с Ренессанса и до появления качественной цветной фотографии (уже во второй половине XX-го века), что же заставило художников потерять свои секреты?
Вернёмся к климатическим бедам той эпохи. Вероятно предположение, что качественная живопись продержалась ровно настолько, пока ещё сохранялись деревья эпохи малого ледникового периода. И процесс падения качества, можно заметить, в точности совпадает со снижением доступности густой, качественной древесной живицы — основы химической и лако-красочной промышленности тех лет. То же самое — в музыке, скрипки Страдивари по звуку сумели повторить лишь буквально в конце XX-го столетия.
Тогда возникает второй вопрос: но если в России несколько лет (и даже десятилетий) подряд не было лета, то куда (и когда!) делась вся та огромная масса накопленного снега, который начал таять?
Снег является водой, которая сама по себе — самый ёмкий аккумулятор тепловой энергии. Процесс таяния забирает ещё больше. Поэтому есть такая точка стабилизации — ровно ноль градусов по Цельсию, в котором потепление удержится на некоторое время (до те пор, пока не растает весь снег).
Теперь становится понятно, откуда взялись те массы воды, которые сформировали углублённые первые этажи домов постройки тех лет; возможно, более поздние постройки уже начали строить с подземными окнами первого этажа уже просто "потому что так деды делали".
Если посмотреть, то окна бывших первых этажей более старых зданий заглублены наполовину (или на полторы высоты, т.е. в любом случае, на не кратное первому этажу расстояние), а вот зданий более поздних — уже ровно на расстояние первого этажа (как будто так планировалось).
Многослойная живопись 400-летней давности. «Второй Леонардо Да Винчи» — Бернардино Луини. Отчётливо видно тонкослойность картины (а попробуйте увеличить пальцы и посмотреть внимательно вокруг их краёв):
На что смотреть:
Современная однослойная живопись. Художник Игорь Сахаров. Картина "играет" и кажется привлекательной, потому что составлена из характерных ярких пятен, "как на телевизоре", но по сравнению с классивой выше это полнейший примитив:
sibved.livejournal.com
Michael O'Toole. Акриловая живопись | Usenkomaxim.ru
Привет всем входящим на usenkomaxim.ru
Сегодня еще один автор из моих давних поисковых архивов. Michael O‘Toole художник из Канады. Его любимая техника акриловая живопись, которая, надо сказать, очень нечасто встречается в сети на таком качественном уровне. Когда увидел впервые эти работы, то был очень вдохновлен на свои дальнейшие художественные изыскания. Меня просто потрясло то, как художник мощно и уверено использует цвет в своих работах. Чистота тонов, большие контрасты создают очень сильное впечатление. На примере этих работ еще раз осознаешь, что живопись сильна именно цветом, и никакая черно-белая графика, скульптура и прочие бесцветные виды искусств не дадут подобного мощного влияния на человека. Приятие или неприятие конкретной картины определяется в большой мере в первые мгновения ее созерцания именно эффектом цвета. Композиция и содержание уже потом воспринимаются как дополнительные подробности, позволяющие еще более насладится работой художника, его задумкой. Цвет же дает моментальный эффект, как музыка. В одно мгновение вы ощущаете – «мое» или «не мое».
Для примера можно привести еще пару галерей художников, которые применяют цвет, не стесняясь его большой декоративной интенсивности. Можно упомянуть китайского художника Cunde Wang с его декоративными работами, и американца Paul Stone, с его красочным минимализмом.
Биография Michael O’Toole
Michael O‘Toole родился в 1963 году в городе Ванкувер, который расположен на Западном побережье Канады в одной из крупнейших провинций Британская Колумбия. Вырос среди красот каньона Capilano, и настолько был восхищен его красотою, что очень захотел передать его величие на бумаге и холсте. Это было одно из первых эмоциональных переживаний Майкла, поселившие в нем любовь к природе.
Мать художника была в свое время известной художницей, и Michael O’Toole с ранних лет наблюдал ее художественную работу, изучал технику, методы, разрабатывал свои приемы. Несколько лет спустя, страстью Майкла стала архитектура, и после окончания средней школы он поступил в технический институт на обучение архитектурному проектированию. После окончания проработал в этой области несколько лет в сотрудничестве с разными фирмами.
После переезда в 1985 году в Торонто в поисках работы по архитектурному проектированию Майкл осознал, что сможет объединить архитектуру с искусством, создавая работы-иллюстрации в формате процесса, который называют рендерингом. Это позволяло детально изучать перспективу и пропорции.
В 1991 году он получил приз за «Лучший Home Design».
В 1992 году Michael O‘Toole вернулся в Ванкувер и посвятил весь свой рабочий день художеству. Это был поворотный момент в его жизни, о котором никогда не придется жалеть. Он активно начал писать в широком спектре техник: акрил, акварель, перо и чернила, графит, аэрография и гуашь. Сфера его интересов в изобразительном искусстве также была широка: пейзаж, морской и городской пейзаж, архитектура и портрет. Все они создавались в импрессионистской манере. Его работы получали немедленное признание. Поклонники его искусства были поражены цветами, текстурой, эффектом света в его работах.
Когда Майклу было 14 лет, он представил портрет Леонарда Бернстайна на FCA (Федерация канадских художников) и получил высокие награды как лучший портрет на выставке. В 2001 году Майкл был избран в статусе подпись члена Федерации канадских художников.
К сожалению, в сети мало материала на этого замечательного художника. Хотелось бы узнать побольше о его жизни и творчестве, технике живописи.
Другие материалы из этой категории:
usenkomaxim.ru
“Живая” живопись
Инсталляции американской художницы Валери Хегарти (Valerie Hegarty) выглядят странно даже для современного искусства – это обгоревшие, сломанные, расстрелянные или каким-то другим образом деформированные арт-объекты.
Валери Хегарти не типичный художник, ведь радость ее работы заключается в разрушения, а не в создании. Благодаря радикальному вмешательству Хагерти, многие копии знаковых американских картин действительно «пережили» свой сюжет, они выглядели, как будто были уничтожены по своей природе, как будто природа сделала работу более реальной. Вот такая живая живопись.
«В более ранних работах, я брала картины и скульптуры из истории искусства и разбивала их так, чтобы они выглядели, как будто они прошли через стихийное бедствие, чтобы подчеркнуть еще больше историзм исторической живописи.»
В последнее время художницастала развивать свою идею разрушения дальше, спрашивая, что еще может произойти, теперь фрагменты ее работ разлагаются до такой степени, что в конце концов начинают восстанавливаться. Теперь, отбросив планирование ее живой живописи, как она это делала в прошлом, Хегарти позволяет своим работам развиваться спонтанно, с долей импровизации.
«Стихийное бедствие само возвышенное событие.»
Художница считает, что ее картины обладают большим правдоподобием, чем их идеализрованные версии, она считает, что они в буквальном смысле рождаются из природы. Но ее живая живопись на этом не останавливается, в будущем художница планирует экспериментировать и находить новые ключевые моменты, которые бы обозначали новые шаги в будущее.
valeriehegarty.com
kartinca.ru
