Музей ЧерномырдинаТрадиционная японская живопись и гравюра. Картина японская
Виды живописи в Японии | Магия Востока
Абуна-э (Abuna-e, あぶな絵) – эротическая живопись и гравюра, здесь изображали частично обнаженных женщин, участвующих в повседневной деятельности, например – купание, мытье волосы, наслаждение вечерней прохладой, или накладка макияжа. Часто внезапный порыва ветра, маленький ребенок, или даже животные, такие, как обезьяна или кошка, игриво тянули у женщины одежду, обнажая ее ноги, бедра или грудь. Считается, что Abuna-е было создано в 1772 году, после того как правительство запретило сексуальные картинки, а пик их популярности пришелся на середину 18 века. Вероятно, Abuna-е скорее аналог современной эротики по сравнению с откровенно сексуальной сюнга.
Айдзури-э – печать анилиновым красителем синего цвета. Также известна как техника “аи-э” или синяя печать. Гравюры печатались с нескольких досок различными оттенками основного цвета. Появление и широкое распространение этого типа гравюры укиё-э в конце периода Токугава связано с изданием указа об ограничении роскоши.
Атэнаси-бокаси – техника, при которой чернила смешивали с жидкостью, благодаря чему они свободно растекались по всей поверхности картины. Часто применялась для изображения облаков и водной глади, как, например, в серии гравюр Хиросигэ “Сто знаменитых видов Эдо”.
Барэн – плоский круглый диск около 10-12 см в диаметре, оплетенный бамбуковыми волокнами, при помощи которого печатник, последовательно накладывая на каждый из выгравированных блоков чистый лист рисовой бумаги, печатал гравюру вручную.
Бидзин-га (Bijinga, 美人画) — общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии, например — в печати с деревянных досок художественного направления укиё-э, являвшегося своего рода предшественником фотографии. Обозначение бидзинга может использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило одетой в кимоно. Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре бидзинга, бывшие одной из центральных тем этого направления японского искусства. В узком смысле это жанр гравюры укиё-э.
Бундзинга – живопись образованных людей, школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Японские художники бундзинга в основном уделяли внимание традиционным жанрам китайской живописи – пейзаж, «цветы-птицы» и «четыре благородных мужа» ( слива, орхидея, хризантема и бамбук). Смотри также Ханга (Hanga).
Бокасидзури – плавная, мягкая градация цветовых оттенков и полутонов, достигаемая в процессе печати гравюры.
Бэни-э — розовая гравюра. Тип гравюры укиё-э, раскрашенной от руки кистью, для которой вместо охристой минеральной краски тан применялась розовая растительная краска бэни с добавлением к ней желтого, оливкового и коричневого цветов.
Бэнигирай-э — синяя гравюра. Вид полихромной печати без использования красного цвета. Основные краски, применяющиеся в этой гравюре, – синяя, серая и фиолетовая. Её появление связано с выходом одного из указов Правительства в период эры Ансэй.
Бэнидзури-э – первые цветные гравюры, напечатанные в два цвета – розовым (бэни) и зеленым (аой). Техника многоцветной печати была изобретена китайцем по имени Сисэн и в Японии стала использоваться со времен эры Энкё (1744-1748).
Бэроай – синий пигмент, полученный из растения индиго, ввезенного в Японию с Запада в конце периода Эдо. Его называют “Берлинская лазурь”. Бэроай был особенно популярен в годы эры Бунсэй (1818-1830) и эры Тэмпо (1830-1844). Яркий пример использования этой краски – серия гравюр Хокусая “36 видов Фудзи”.
Дзицубуси – заполненная цветом гравюра. Техника, при которой оставшиеся белыми участки изображения заполняются цветными чернилами. Обычно применяются желтый, индиго и темно-красный оттенки. Как пример использования желтого цвета – гравюра Утамаро “Шитьё”.
Ёко-нага-эбан – картина особо широкого горизонтального формата.
Ёко-обан – разновидность пейзажного формата обан.
Ёко-тандзаку-бан – разновидность пейзажного формата тандзаку-бан.
Ёко-хадзама-бан – хадзама-бан, но горизонтальный.
Итимондзи-бокаси – техника печати, при которой верхняя половина изображения заштриховывается тонкими отчетливыми линиями-полосами. Облака на большинстве гравюр Хиросигэ исполнены именно в этой технике. Итимондзи-бокаси применяется, главным образом, на первом этапе печати ксилографии.
Какэмоно – вертикальные свитки.
Какэмоно-эбан – название, данное гравюрам портретного формата.
Кара-э (Kara-e ) – китайский живописный стиль. Примерно до десятого века в японской живописи доминировало китайское направление кара-э, c распространением буддизма вместе с ним получил распространение и этот стиль. Китайский стиль, преобладавшей в 9 веке, был вытеснен стилем ямато-э, который первоначально указывал на японский характер тематики росписей в отличие от стиля кара-э.
Кано (狩野派, Kano) – одна из самых известных художественных школ в японской живописи. Школа была основана художником Кано Масанобу (1434-1530), современником Сэссю и учеником мастера Сюбуна. Школа Кано формировалась из художников, принадлежавших к роду Кано. В Период Адзути-Момояма эта школа достигает своего расцвета. Художники школы кано часто работали с большими формами, они создавали картины природы, сцены птиц, растений, воды и животных на раздвижные двери или экраны на фоне сусального золота. Наиболее замечательные из этих работ хранятся в замке Нидзё в Киото. Мастера Кано известны также своими замечательными монохромными росписями чернилами по шёлку. Для их работ характерны комбинации из реальных предметов и животных, выступающих на первом плане картины, и из абстрактных, совершенно отвлечённых элементов заднего плана, например, облаков. Наибольшего развития в школе Кано достигает совершенствование изображённых в китайском стиле неба, облаков, моря и тумана.
Кимэдаси или кимэкоми – техника печати многокрасочной ксилографии, при которой готовую гравюру плотно прижимали лицевой стороной вниз к первой контурной печатной доске и усиленно проглаживали. В результате проявлялись бесцветные рельефные линии контуров, а отпечатанные цветовые участки становились выпуклыми, и таким образом достигался эффект рельефной картины. Этот способ часто использовали для изображения мускулов на руках борцов или округлого женского тела. Харунобу и Бунтё были большими приверженцами техники кимэдаси.
Кира-э или киракакэ – слюдяная печать. Техника печати укиё-э с использованием в качестве пигмента слюдяного порошка, придающего изображению мерцающий серебряный фон. Для этого приготавливали две доски, одну из которых покрывали основным цветом, в то время как другую – клеем или пастой. Затем, слюдяной порошок посыпали на влажную бумагу, а остатки стряхивали. Техника кира-э была популярна у Утамаро и Сяраку.
Мэйсё-э – изображение знаменитых или прославленных красотой мест. Традиционный жанр японского искусства.
Моцукоцухо — печать без контура. Техника монохромной и полихромной печати гравюры, при которой вокруг цветовых участков не наносятся контурные линии.
Муся-э – станковые гравюры с изображениями воинов или буси.
Нагасаки-э (Нагасаки-е) – старинные японские цветные деревяные гравюры по дереву, которые изображают иностранцев, в основном голландцев, их корабли или их экзотические животные и подарки. Нагасаки-э еще более редки, чем Йокогама-э.
Нисики-э – многокрасочная ксилография. Парчовые, то есть многоцветные картины, которые печатались с нескольких досок на самой лучшей по качеству, хорошо впитывающей краску бумаге хосо, украшались тиснением, золотым, серебряным и перламутровым порошком. Глубокие и мягкие водяные краски, покрывая всю поверхность листа, создавали эффект, подобный парче, что и дало им название “парчовые картины” или нисики-э. Они – дальнейшее развитие бэнидзури-э. Введение новой техники печати объясняется распространением во 2-й год Мэйва (1765) поздравительных гравюр “суримоно” и календарей, которые издавались малыми тиражами, и приобрести которые могли далеко не все, а лишь узкий круг ценителей искусства. Появление и дальнейшее развитие нисики-э связывают с именем величайшего мастера укиё-э Харунобу.
Нуномэ-дзури — тканевая печать. Техника, при которой доску обтягивали тонким как бумага шелком или газовой материей, а затем притирали по поверхности при помощи жесткого диска барэна. В результате структура ткани отпечатывалась на доске. Этот метод был очень популярен среди резчиков гравюры в конце периода Токугава (1603-1867).
Обан — большой формат. Приблизительный размер 39,5 х 26,8 см. Ообан Особо большой формат.Окуби-э — тип больших погрудных портретов. Так называемые “большие головы”. Яркий пример окуби-э – бидзин-га Утамаро (первый ввел этот тип гравюры в укиё-э) и якуся-э Сяраку.
О-тандзаку-бан – гравюра с поэтическими строками в формате обан.
Сансуйга (Sansuiga) – пейзажной живописи, “картины гор и вод”, один из трех главнейших жанров живописи, наряду с дзимбуцуга (портретная и жанровая живопись) и катега (картины цветов и птиц). Пейзажи сансуйга, несущие философский смысл, японские художники стали рисовать, только начиная с 15 века. Вместе с дзэн-буддизмом в Японию попала китайская культура династий Сун и Юань, в том числе и так ценимая дзэнскими монахами китайская монохромная живопись тушью. Первые художники-пейзажисты использовали мотивы, заимствованные у китайских художников-монахов и художников придворной академии живописи, изображая идеализированные лирические пейзажи.
Син Ханга (Shin Hanga ) буквально переводится как новая графика. Это направление в японском искусстве характеризуется обновлением традиционной японской гравюры. Временные рамки шин ханга можно обозначить с 1915 по 1962. Развитие син ханга привело к реннесансу традиционного искусства укиё-э (Ukiyo-e). Направление Син Ханга соединило элементы позаимствованные с Запада и технические приемы японской гравюры. Вместо бездумного копирования западного исскуства художники шин ханга фокусировались на традиционном изображении пейзажей,красивых женщин и портретов актеров. Вдохновленные французкими импрессионистами, художники шин ханга также приняли эффекты света и тени а также выраженний личных эмоций. В результате получился синтез великопной графики и обновленного стиля.
Сёдзури – первый этап изготовления ксилографии, во время которого гравером вырезалась первая печатная форма, так называемая ключевая доска. С нее потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал иероглифами задуманные цвета. На первом этапе больше внимания уделялось раскраске изображения, нежели каким-то признакам и предметам одежды, поэтому эти отпечатки сёдзури считаются наиболее ценными. Все последующие этапы называются “атодзури”.
Сёмэн-дзури – глянцевая печать. Также известна как “цуя-дзури”. Все нисики-э притираются с задней стороны изображения, но в данном случае притирание производится с лицевой стороны гравюры. Таким образом, использующаяся для этого доска становится как бы зеркальным отображением печатного блока, который притирают при обычном печатании. После того, как процесс цветной печати полностью завершен, поверхность гравюры отшлифовывается до блеска при помощи бамбукового диска барэна или чашечки для сакэ.
Сикиси-бан — традиционный формат плотного картона. Почти квадратный формат. Различают два стандартизированных размера: большой и маленький. Большой – приблизительно 19,4х17 см. Первоначально сикиси использовались для написания поэтических строф.
Сумидзури-хиссай – черно-белые гравюры сумидзури, впоследствии тонированные от руки.
Сумидзури-э – ранние черно-белые ксилографии, напечатанные с одной доски черной краской суми, получаемой из сажи и клея.
Суримоно – поздравительные благопожелательные гравюры. Обычно небольшие, квадратного формата, они печатались на дорогой и высококачественной бумаге. Издавались маленькими тиражами для частных заказчиков и были предметами коллекционирования.
Суми-э (Sumi-e) – японская монохромная живопись тушью, это направление возникло в XIV веке и было заимствовано из Китая. Слово суми-э представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе означают “тушь” (суми) и “живопись” (э). То есть суми-э – это тип монохромной живописи, похожей на акварель. Культивируемая в крупных дзэнских монастырях Камакура и Киото, суми-э очень ценилась дзэнскими художниками и их покровителями. Дзэнские монахи-художники рисовали портреты тиндзо, но к концу XIV века монохромная пейзажная живопись стала основным и наиболее почитаемым в дзэнских монастырях жанром изобразительного искусства. В наши дни на Западе принято называть суми-э любое изображение, написанное тушью с использованием технических приемов работы кистью, традиционно принятых в Азии.
Суйбокуга (Suibokuga) – живопись тушью, китайский стиль, заимствованный японскими художниками в XIV в. Это искусство импровизации, другое название – суми-э. Искусство возникло в Китае около 6000 лет назад, каллиграфия дала развитие живописи. Живопись тушью является художественной формой, которой свойственна высочайшая степень свободы.
Сюнга (Shunga) – весенние картины, одно из направлений японской ксилографии, изображающее эротические сцены. Гравюры на эту тему приобрели большую популярность в конце XVIII – начале XIX века. Как правило, подобные гравюры издавались анонимно, художники не рисковали их подписывать. В Японии сюнга официально запрещена уже около полутора столетий.
Тандзаку-бан – печатный формат. Вертикальные листы наподобие узких полос бумаги, на которых писали стихи. Размер такого формата – приблизительно 44х7,6 см.
Тан-э – гравюры, раскрашенные от руки охристой минеральной краской “тан”. Так как охра (тан) была самым распространенным и наиболее часто используемым пигментом, она и дала название этому типу гравюры. Иногда к охре добавляли оливковый и приглушенный желтый тона.
Тюбан – средний формат гравюры. Размер 29,3 х 19 см.
Тю-тандзаку-бан – ксилография среднего формата с рядами поэтических строк.
Укиё-э (Ukiyo-e) – картины “бренного мира”. Особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Формируется в 17 веке, в эпоху Токугава. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как “бренный и быстротекущий мир”. В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово “э” означает “картина, изображение”. Поэтому название искусства “укиё-э” говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугава. В процессе создания ксилографии принимали участие художник, резчик и печатник. Для многоцветных гравюр порой изготавливали свыше тридцати печатных форм. Пигменты наносили кистью или кончиком пальца. Картины печатались на японской мягкой, впитывающей влагу бумаге, а затем отшлифовывались при помощи бамбукового диска барэна. У японцев было несколько жанров гравюры укиё-э – бидзин-га ( изображение красавиц), якуся-э (портреты актёров театра), сюнга (эротические картинки), муся-э (изображения самураев), фукэй-га ( пейзаж) и катё-га — цветы и птицы.
Уки-э – перспективная печать. Вид гравюры укиё-э, в которой применялся заимствованный с Запада прием перспективы. В перспективе изображали интерьеры театров, комнат, а позднее и пейзажи. Первым, кто начал использовать эту технику, был Окумура Масанобу. Затем ее усовершенствовал Тоёхару.
Уруси-э – лаковые картины. Техника печати, при которой на самые заметные части гравюры наносили японский лак – уруси. Иногда лаком покрывались светлые плоскости гравюры, что придавало листам особый блеск и сходство с изделиями из лака. Но чаще тот же эффект получали путем смешивания черной краски (суми) с густым клеем.
Утива-эбан – картины в виде круглых вееров. Гравюра, на которой контур круглого веера образует своего рода обрамление для изображения.
Фукибокаси – техника печати полуподцвеченной (подкрашенной) ксилографии. Такой тип гравюры создается сначала путем протирания нужной части печатной доски с помощью кусочка материи, предварительно смоченного в воде. Затем эта увлажненная поверхность слегка подцвечивается кистью от руки.
Ханга (Hanga) – Южная школа живописи. Это школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Художниками этого направления по-новому осмыслены цели и задачи искусства, осознана ценность личности художника, что нашло отражение в формировании образа жизни художника, или «знаменитости», «интеллектуала», как часто называли адептов Южной школы. Художниками этой школы являлись ученые-конфуцианцы. Их творчество отличалось широким диапазоном тем и приемов. Они привнесли в живопись поэтическую непосредственность, оригинальность видения и трактовки пейзажей. В основном они писали тушью монохромные картины в китайском стиле и обычно дополняли их китайскими стихами, написанными каллиграфически. Рождение китайской Южной школы в Японии связано с приездом китайских художников в Нагасаки около 1720 года. Смотри также бундзинга.
Ханги — печатная доска. Обычно использовалась древесина вишни, иногда груши или самшита. Рисунок, сделанный художником на тонкой, прозрачной бумаге, гравер наклеивал лицевой стороной на доску продольного распила и вырезал первую печатную форму.
Хасира-э – гравюра длинного и узкого формата, наклеивавшегося на столбы. Размер – приблизительно 70 х 20 см. Для хасира-э обычно использовали специальную плотную бумагу.
Хадзама-бан – портретный формат. Размер – приблизительно 33 х 23 см. Хособан Узкий формат. Размер – приблизительно 30-35,5 х 15,5 см.
Э (E) – символом “e” означается картина или гравюра в японском языке, или просто “живопись”.
Якуся-э – жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Возник в конце 17 века как оформление плаката, афиши, театральной программы. Ранние произведения якуся-э, выполненные в технике ксилографии с яркой подкраской оттисков, создавали героический образ актера — исполнителя остродраматических ролей, привлекали захватывающей стремительностью действия и роскошью театральных одежд. Затем появляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артистической уборной.
Ямато-э (Yamato-e, 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств. Японские художники освобождались от сильного китайского влияния, вместо прокитайского стиля кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле. Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией. Расцвет ямато-э наступил в 12-14 веках, появилось много выдающихся по технике исполнения произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы создавали картины только на светские темы, такие картины изображали и на складных ширмах и сёдзи. Позднее многие характерные черты мастеров этой школы (орнаментальные формы облаков, приёмы параллельной перспективы) вошли составными элементами в произведения школ кано и укиё-э(Ukiyo-e)
magic-orient.ru
Выставка в Бонне "Любовь Японии к импрессионизму. От Моне до Ренуара"
О любви европейцев к Японии, о японизме в европейском искусстве, об увлечении французских импрессионистов японской гравюрой укиё-э известно и написано много. Гораздо меньше знают европейцы об ответной любви Японии к Западу и о том, как японские художники осваивали импрессионизм, а японские коллекционеры собирали картины французских живописцев. Именно об этом рассказывает выставка "Любовь Японии к импрессионизму. От Моне до Ренуара" (Japans Liebe zum Impressionismus. Von Monet bis Renoir’). Более ста произведений французских художников из японских собраний и картины японских импрессионистов были выставлены с октября 2015 по февраль 2016 года в Bundeskunsthalle немецкого города Бонна. "Полотна импрессионистов впервые за сто лет гостят в Европе," – растрогано писала немецкая пресса. "Японское признание в любви" называлась одна из статей о выставке.
Шинтаро Ямашита. Читающая женщина.1908Эдуард Мане. Прогулка.1880Foto: http://www.express.de/bonn/-geheime--japan-sammlungen-bundeskunsthalle--eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208
При входе в первый зал посетителей выставки встречают две картины: портрет дамы на прогулке кисти Эдуарда Мане (справа) и портрет читающей женщины, выполненный японским художником Шинтаро Ямашита. Он учился в Париже и настолько успешно овладел техникой импрессионистов, что его работу устроители выставки отважились поместить рядом с полотном Мане. Картина японского художника символична еще и потому, что моделью стала европейская женщина, а не японка.
Шинтаро Ямашита. Читающая женщина.1908. Фрагмент.
Небольшой, но очень занятный раздел выставки развивает тему "европейцы глазами японских художников". После столетий почти полной изоляции Япония в середине 19 века постепенно начала контактировать с западным миром. Темы прибывающих в Японию европейцев, европейской техники, европейских обычаев и образа жизни отразились в традиционной японской гравюре. Заметьте, что европейских дам художник Утагава Садахидэ стремится нарисовать "реалистически", в духе европейского искусства, а японки изображены по канонам японской гравюры.
Утагава Садахидэ.1861
Европейцы приезжали в Японию, а молодые, хорошо образованные японские художники, подобно своим собратьям из других стран, отправлялись на исходе 19 века учиться в Париж - культурную столицу Европы. Высшим шиком считалось у них одеваться по-европейски с парижским шармом, чтобы не отличаться от завсегдатаев бульваров.
Японские художники в Париже
Во Франции японские художники старательно перенимали манеру письма европейских живописцев, привозили ее домой и "пересаживали" на местную почву, обращаясь в своем творчестве к национальным мотивам. Характерный пример – картина Икуносуке Сиратаки “Занятия”.
Икуносуке Сиратаки. Занятия. 1898.© Tokyo University of Arts, The University Art Museum, Tokio
Среди самых эффектных произведений на выставке – два полотна Кодзима Торадзиро. Художник не просто переносит импрессионистическое видение на национальную почву - он выбирает классический сюжет, близкий и понятный каждому, кто воспитан в традициях японской культуры: прекрасная японка в саду среди цветов. Сколько изысканных гравюр, сколько совершенных трехстиший-хокку написано на эту тему! И вот теперь японский живописец смело, даже дерзко интерпретирует истинно японский мотив средствами европейской живописи!
Кодзима Торадзиро. Радость утра (Ипомеи). 1920
Кодзима Торадзиро. Радость утра (Ипомеи). 1920© Ohara Museum of Art, Kurashiki
Картина пронизана солнцем, сверкает каждый листок, насквозь просвечивает тонкая ткань на рукаве, небрежными мазками брошены на полотно пламенеющие цветы... Вот истинный последователь импрессионистов! Но характерная, несколько нарочитая поза девушки отсылает нас к эстетике японской гравюры.
Эдуард Мане. Хризантемы. 1881© 2015 The Museum of Modern Art, Ibaraki
Работа Эдуарда Мане "Хризантемы" в форме веера явно навеяна японским искусством. "Мальчик среди цветов" - картина, которую японцы особенно ценят и любят. Дитя в цветущем саду, на лоне природы – это мотив не мог не найти отклика в Японии.
Эдуард Мане. Мальчик среди цветов. 1876.The National Museum of Western Art Tokyo
Созерцание, любование, слияние с природой... традиционная для японского искусства тема сближает полотноСейки Курода "Отдых под яблоней" с картиной Мане "Мальчик среди цветов" .
Сейки Курода. Отдых под яблоней. 1898© Wood One Museum, Hiroshima
Foto: http://www.express.de/bonn/-geheime--japan-sammlungen-bundeskunsthalle--eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208
Foto: David Ertl, 2015 © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH
Мотив волны, столь любимый мастерами японской гравюры, вдохновлял Огюста Родена, сплетающего человеческие фигуры наподобие волн. И японцы оценили пластические находки французского скульптура – в собрании Коиро Мацуката 59 работ Родена, небольшую часть которых можно было увидеть в Бонне.
Огюст Роден
Огюст Роден. Поцелуй. 1882–1887© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection
Огюст Роден. ХанакоМолодая японская актриса Ханако была любимой моделью Родена.Он изобразил ее, в рисунках и скульптуре, 58 раз!
Эмиль-Антуан Бурдель. Лежащий Селен. 1917© The National Museum of Western Art, Tokio
Камиль Писсарро. Зима. 1875. © Courtesy of Yoshino Gypsum Art Foundation
Снег... Как проникновенно изображают заснеженные пейзажи японские мастера гравюры!Японцы не могли не оценить поэтичную "Зиму" Писсарро.
Эдгар Дега. Месье и Мадам Мане. 1868-69© Kitakyushu Municipal Museum of Art
Густав Курбе. Джой, прекрасная ирландка. 1866© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd.
Случайно ли на выставке собрали несколько портретов рыжеволосых красавиц?Возможно, женщина с золотыми волосами - идеал европейской красавицы для японцев?
Пьер Огюст Ренуар. Голова девушки. 1877© Toyota Motor Corporation
Пьер Огюст Ренуар. Женщина с розой. 1910© The National Museum of Western Art, Tokyo. Donated by Mr. Ryuzaburo Umehara
Пьер Огюст Ренуар. Читающая женщина с собачкой в саду. 1874(© Yoshino Gypsum Co. LTD., Mr. Eisaku Sudo, President, Tokio/Tokyo)
Особый раздел выставки посвящен коллекционерам, благодаря которым Япония стала обладательницей великолепного собрания французской живописи. Одним из первых коллекционеров из Японии был Тадаси Хаяси, прибывший в Париж в 1878 году. Хаяси был знатоком японского искусства и быстро стал известен во Франции как торговец художественными произведениями. Французские импрессионисты обменивали у него свои полотна на японские гравюры. Хаяси провел во Франции 23 года и вернулся в Японию с обширной коллекцией полотен европейских художников. Лишь небольшая часть этих работ демонстрировалась на выставке в Бонне!
На выставкеFoto: http://www.wdr2.de/kultur/kritiker/kritiker-bundeskunsthalle-impressionismus-100.html
Френк Бренгвин. Портрет коллекционера Коиро Мацуката © The National Museum of Western Art, Tokyo
Японские индустриальные магнаты активно покупали произведения импрессионистов в 1900-е годы. Предприниматель Коиро Мацуката, президент концерна Kawasaki-Werft, был близко знаком с Клодом Моне и покупал картины непосредственно у него в мастерской. Коллекция Мацуката, которая счастливо сохранилась в Париже в годы Второй мировой войны, была возвращена Японии только в 1958 году. Специально для этой коллекции и был построен в 1959 году "Национальный музей западного искусства" в Токио, один из самых популярных музеев в стране.
Foto: https://www.linkedin.com/pulse/iconic-image-exhibition-japans-liebe-zum-now-show-hiroshi-kumazawa
Такеко Куроки, Клод Моне и его семья с картиной "Заснеженный дом и гора Колсаас"(1895)Uehara Museum of Modern
На фотографии Такеко Куроки, племянница Коиро Мацуката, в гостях у Моне и его семьи.А вот и картина, которую мы видим на фотографии.
Клод Моне. Заснеженный дом и гора Колсаас. 1895© Tokyo Fuji Art Museum, Tokyo, Japan / Bridgeman Images
Эдмон-Франсуа Аман-Жан. Портрет госпожи Такеко Куроки.1922 The National Museum of Western Art, Tokyo© Ohara Museum of Art, Kurashiki
Такеко Кукори, Клод Моне, Лилли Батлер, Бланш Хошеде и Джордж Клемансо в Живерни, июнь 1921Фотография Анри Мартини. Музей Клемансо, Париж.
Клод Моне и его коллекция японских гравюр в Живерни
Клод Моне был увлечённым собирателем японских гравюр. В своем доме в Живерни он хранил коллекцию из 230 оттисков! Раздел выставки с несколькими гравюрами из собрания Моне вызвал у меня особые чувства – вспомнился наш проект 2014 года "ГОД ЯПОНСКОЙ КОШКИ" и сотни гравюр, которые мы с соавторами, подготавливая ежемесячные выпуски котокалендаря, увлеченно рассматривали на своих мониторах.
Японские гравюры из коллекции Клода Моне Foto: http://www.rantlos.de/feingeist/japanische-liebeserklaerung.html
"Большая волна в Канагаве" Хокусая, пожалуй, самая известная в Европе японская гравюра. Имеется ее оттиск и в коллекции Моне. Морские мотивы – волны, причудливые скалы, изрезанные берега, нависающие над водой изогнутые деревья – равно близки и обитателям японских островов, и жителям французского Средиземноморья. Клод Моне создал целые серии морских пейзажей со скалами. Сравнение пейзажей Моне и гравюр из его коллекции красноречиво свидетельствует: художник вдумчиво осмыслял японскую "эстетику моря". А японский импрессионист Шигеру Аоки вернулся к морской теме уже вслед за Моне. Такая вот волна творческих взаимодействий…
Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве. 1832Оттиск гравюры из коллекции Клода Моне в Живерни
Клод Моне. Скалы в Бель-Илль под дождем. 1886Bridgestone Museum of Art, Ishibashi Foundation, Tokyo
Утагава Хиросигэ. Из серии "Пятьдесят три станции Токайдо". Ок. 1833 г. Оттиск гравюры из коллекции Клода Моне в Живерни
Серии Хиросигэ вдохновили Моне на создание живописных серий "Стога", "Тополя", "Руанский собор","Кувшинки" и других, которые стали новым словом в европейском искусстве.
Клод Моне. Грот, Port-Domois. 1886© 2015 The Museum of Modern Art, Ibaraki
Шигеру Аоки. Морской ландшафт. Мера. 1904Bridgestone Museum of Art, Ishibashi Foundation, Tokyo
Клод Моне. В лодке. 1887The National Museum of Western Art, Tokyo, Matsukata Collection
Картина Моне "В лодке" стала символом выставки и была воспроизведена на ее афишах.
Клод Моне. Вестминстерский дворец. Симфония розового. 1900© Pola Museum of Art
Клод Моне. Закат. 1880
"Кувшинки"! Японцы обожают эту серию Моне. Если в каком-нибудь музее есть хотя бы один из бесчисленных вариантов "Кувшинок", то вы наверняка увидите перед полотном группку медитирующих японцев. На выставке представлены два варианта "Кувшинок" - нежно-перламутровый и неистово яркий, почти абстрактный 1914 года.
Клод Моне. Кувшинки (Нимфеи). 1908© Tokyo Fuji Art Museum, Tokyo, Japan / Bridgeman Images
Искусство изображать воду – не только морскую стихию, но и тихую поверхность пруда или гавани –японские художники переняли у Моне, Сислея, Синьяка. Такеши Фуджишима достиг в этом совершенства.
Такеши Фуджишима. Пруд на вилле д'Эсте, Тиволи, 1909 Tokyo University of Arts, The University Art Museum Tokyo
Альфред Сислей. Moret-sur-Loing. 1888© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd. (deposited at Yamagata Museum of Art)
Поль Синьяк. Гавань. 1896© Pola Museum of Art
На выставкеFoto:http://www.wdr2.de/kultur/kritiker/kritiker-bundeskunsthalle-impressionismus-100.html
Поль Сезанн. Четыре купальщицы. 1877/78© Pola Museum of Art
Сотаро Ясуи. Женщина с павлином. 1912
Винсент Ван Гог. Собиратели хвороста на снегу. 1884. © Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd. (deposited at Yamagata Museum of Art)
Поль Гоген. Две бретонские девочки у моря. 1889 (© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection)
К сценам из жизни европейских крестьян Кеихиро Куме обратился вслед за ранними Ван Гогом и Гогеном.Та же грубоватая, немного неуклюжая пластика.
Кеихиро Куме. Сбор яблок. 1892© Kume Museum of Art, Tokio
Пьер Боннар. Сидящая девушка с кроликом. 1891© The National Museum of Western Art, Tokyo
И самое приятное в финале. Читателям ЯПОНСКОГО КОТОКАЛЕНДАРЯ 2014 и котоальманаха "КОТЫ ЧЕРЕЗ ВЕКА"известно, как японские мастера гравюры и французские художники, в том числе Пьер Боннар, любят кошек. На выставке представлена прелестная работа Боннара с котами на балюстраде.
Пьер Боннар. Коты на балюстраде. 1909© Ohara Museum of Art, Kurashiki
Морис Дени.Танцующие девушки.1905© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection
Морис Дени. Волна.1916© Ohara Museum of Art, Kurashiki
Каталог выставки
Фотографировать на выставке строго запрещено.Фотографии отсюда:Quellen:
http://www.bundeskunsthalle.de/ausstellungen/von-monet-bis-renoir.htmlhttp://www.bundeskunsthalle.de/presse/pressebilder/pressebilder-japans-liebe-zum-impressionismus-von-monet-bis-renoir.htmlhttp://www.kunstausstellungen.de/ausstellung/792-Bundeskunsthalle-Bonn-/http://fifty2go.de/08/10/2015/japan-trifft-europafernoestlicher-impressionismus/http://saskiasflowers.com/2015/12/11/japans-love-for-impressionism/http://www.express.de/bonn/-geheime--japan-sammlungen-bundeskunsthalle--eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208http://www.kunstverein-frechen.de/veranstaltungen2016.htmhttp://kultur-online.net/node/29521http://www.allemagne-service.com/Manif/ausstellungen.htmlhttps://www.bundesregierung.de/Content/DE/Artikel/2015/10/2015-10-07-gruetters-ausstelllung-japan.htmlhttp://www.rantlos.de/feingeist/japanische-liebeserklaerung.html#!prettyPhotohttp://www.radio-am-alex.de/index.php/kunst-und-kultur/2958-japans-liebe-zum-impressionismushttp://www.art-magazin.de/kunst/11680-rtkl-impressionismus-bonn-erwiderte-leidenschafthttp://www.dw.com/de/japans-liebe-zu-französischer-kunst-eine-wechselbeziehung/a-18775283
japan-painting.livejournal.com
от истоков до наших дней
Японское искусство вообще и японская живопись в частности многим людям Запада кажется сложным и малопонятным, собственно как и культура Востока в целом. Тем более редко кто различает стили японской живописи. Но культурному человеку, особенно если он ценитель прекрасного, неплохо было бы разбираться в этой теме.
Японская культура и живопись в древние времена
Представители ранней культуры дземон (около 7000 г. до н.э.) занимались изготовлением глиняных фигурок, в основном это были фигурки женщин. В более поздний период пришлые люди начали изготавливать медное оружие, бронзовые колокола со схематично нарисованными на них фигурками и примитивную керамику. Настенная роспись древних гробниц и контурные изображения на колоколах считаются наиболее ранними образцами японской живописи.
Влияние буддизма и китайской культуры
Развитие изобразительного искусства в Японии получило серьезный толчок с приходом на территорию Японии буддизма из Кореи и Китая. Особый интерес к буддизму проявляли люди, облаченные властью. Живопись 7-9 веков практически полностью копировала китайскую изобразительную традицию, основными сюжетами того времени был Будда, все, что с ним связано, и сценки из жизни буддистских божеств. В 10 веке живопись Японии ощутила сильное влияние буддистской школы «Чистой Земли».
В 6-7 веке по всей территории Японии началось строительство храмов и монастырей, которые требовали особой тематической отделки. Настенная храмовая живопись - один из начальных этапов развития японского изобразительного искусства. Яркими примерами храмовой живописи являются фрески в храмах Асука-дера, Шитеноджи и Хорюдзи. Одни из наиболее выдающихся работ того времени находятся в Золотом зале храма Хорюдзи. Помимо настенной росписи в храмах устанавливали статуи Будды и других божеств.
В середине периода хэйнань на смену китайской школе живописи в Японии появился собственный стиль под названием ямато-э. Роспись в стиле ямато-э украшала раскладные ширмы и скользящие двери, как правило основным сюжетом ямато-э выступал Киото и сцены из жизни города. Альбомный лист и иллюстрации на свитках (эмаки) как основные форматы живописи появились практически одновременно с ямато-э. Самые известные работы в стиле эмаки можно увидеть в японском эпосе «Повести о Гендзи», который датируется 1130 годом, хотя написан мог быть и раньше.
В период перехода власти от аристократии к самураям, аристократы, опасаясь потерять свое богатство, нередко вкладывали свои средства в произведения искусства, всячески покровительствуя известным художникам того времени. Классические образцы работ, которые выбирали аристократы, как правило, были выдержаны в стиле консерватизма. Самураям больше по душе был реализм, в период Камакуры (1185-1333) именно эти два направления превалировали в изобразительном искусстве Японии.
В 13 веке культура Японии почувствовала на себе достаточно сильное влияние дзен-буддизма. В монастырях Камакуры и Киото широко практиковалась живопись тушью, чаще всего рисунки тушью украшали свитки, настенный или трубчатые. Рисунки тушью были выдержаны в простом монохромном стиле, по сути, этот стиль живописи пришел в Японию из Китая империи Сун (960-1279) и Юань (1279-1368). К концу 1400 года особенно популярны стали монохромные пейзажи тушью под названием сибокуга.
Живопись периода Эдо
В 1600 году к власти пришел сегунат Токугава, и в стране воцарился относительный порядок и стабильность, причем проявлялось это во всех сферах жизни – от экономики до политики. Сословие купцов начало стремительно богатеть и проявлять интерес искусству.
Живописные работы периода 1624-1644 годов изображают представителей самых разных классов и сословий японского общества, собиравшихся в одном из районов Киото у реки Камогава. Подобные районы существовали и в Осаке, и в Эдо. В живописи появился отдельный стиль укие-э, в фокус его сюжетов попадали злачные места и театр кабуки. Работы в стиле укие-э стали популярны по всей стране, к началу 18 века стиль укие-э чаще всего был представлен в виде ксиллографии. Первые печатные картинки в этом стиле были посвящены чувственным и эротическим сюжетам или текстам. В концу 18 века центр живописной активности в стиле укие-э сместился из района Киото-Осака в Эдо, где центральное место в галерее сюжетов заняли портреты актеров театра кабуки и изображения японских красавиц.
Конец 18 века считается золотой эрой стиля укие-э. В это время творил замечательный японский художник Тории Киенага, изображавший в основном грациозных японских красавиц и обнаженную натуру. После 1790 года на художественной сцене начали появляться новые направления и художники, среди которых наиболее известными стали Китагава Утамаро, Кацухика Хокусаи, Андо Хирошиге и Утагава Куниеши.
Для представителей западной художественной школы японский стиль укие-э стал не просто одним из экзотических стилей живописи, а настоящим источником вдохновения и заимствования определенных деталей. Такие художники как Эдгар Дега и Винсент ван Гог использовали в своих работах заимствованные в укие-э стилистические композиции, оформление перспективы и использование цвета. В западном искусстве тема природы была не очень популярна, а вот в Японии природу и животных рисовали достаточно часто, что в свою очередь несколько расширило тематику западных мастеров. Французский художник и мастер по стеклу Эмиль Галле использовал в декоре своих ваз эскизы рыбок работы Хокусаи.
В эпоху императора Мейджи (1868-1912) и его прозападной политики стиль укие-э, всегда тесно связанный с народной национальной культурой, существенно замедлил свое развитие и практически пришел в упадок. В работах японских художников появлялось все больше западных мотивов, стиль европейского искусства во многом повлиял на творчество таких японских художников, как Маруяма Окио, Мацумара Гошун и Ито Якусю, которые при всей европеизации умело совмещали в своих работах традиции японской, китайской и западной живописи.
Современная японская живопись
В период Мейджи культура Японии пережила достаточно радикальные трансформации: повсеместно внедрялись западные технологии, и этот процесс не обошел стороной и изобразительное искусство. Правительство отправляло на учебу в Европу и США многих художников, при этом в культуре отмечалась довольно заметная борьба западных нововведений и традиционных японских стилей. Так продолжалось несколько десятилетий, и в конечном итоге в период Тайсе (1912-1926) влияние Запада в японском искусстве стало превалирующим.
Такие художники, как Умехара Рюзабуро и Ясуи Сотаро изучали и всячески пропагандировали стиль Поля Сезанна, Пьера Огюста Ренуара и Камиля Писарро. В годы, предшествующие Второй мировой войне, в работах Ясуи и Умехара появились элементы японского стиля, и это веяние подхватили и другие художники того времени.
Современное развитие японского изобразительного искусства продолжилось в работах Ясуда Тукиико и Кобаяси Кокеи, многие художники всячески пытались привлечь внимание мировой общественности к японскому искусству: чаще стали проводиться тематические выставки работ художников из Страны восходящего солнца, а в сюжетах картин популярные темы обыгрывались с национальным японским колоритом.
Годы войны негативно сказались на продуктивности японского искусства, но с другой стороны этот период застоя поспособствовал возрождению оригинальности японского стиля и формированию современной японской культуры. Несмотря на достаточно сильное влияние культурных традиций других стран, японская живопись сохранила свою самобытность и тонкость стиля.
Статьи по теме
www.luxemag.ru
Японская живопись – акварель Абе Тошиюки
Дорогие друзья! За окном не пойми что, а так хочется солнца и тепла. И зеленых красок! И цветов!) Особенно сейчас, когда очень холодно.. Живопись акварелью японского художника Абе Тошиюка хрупка, нежна и воздушна, она буквально погружает в атмосферу лета и тепла. Все его картины просто залиты светом!
Абе Тошиюки (с)
Многие, когда видят живопись Абе Тошиюки, утверждают, что это работы фотомастера, настолько реально всё, что изображено на них. А ведь это – акварель! Прозрачная, нежная, дышащая акварель!
(с) Абе Тошиюки
Некоторые люди с сомнением относятся к гиперреализму в картинах. Зачем так тщательно копировать природу, когда для этого есть фотоаппарат? Зачем использовать такую сложную и кропотливую технику акварели? Ведь акварельная живопись – это, прежде всего, недосказанность, тонкость и текучесть. В картинах Абе Тошиюки реалистичность сочетается с легкими акварельными мазками, его живопись дает ощущение воздушной перспективы и солнца.
Абе Тошиюки (с)
Мне кажется, если картины несут свет и тепло, если мы чувствуем их настроение, если они цепляют, то они имеют право на существование. А у этого японского художника картины именно такие. В них много солнца, бликовые переливы, игра цвета и тени… Они живые. Кто-то сказал, что живопись позволяет увидеть окружающее в тот момент, когда на него смотришь с любовью. Акварель Абе Тошиюки наполнена любовью, и мы с удовольствием входим в мир красок художника. Этот прием дает акварели глубину и создает ощущение солнечного света и воздушной перспективы.
Абе Тошиюки
Абе Тошиюки родился в 1959 году в Японии. Он 20 лет преподавал рисование, но всегда мечтал стать художником и творить. В 49 лет Абе решил изменить свою жизнь и довериться мечте. Еще один пример, что наши желания имеют способность исполняться. Надо только очень захотеть)) В течение долгих 2-х десятилетий он был рядовым учителем рисования (хоть, думаю, многие его ученики с благодарностью вспоминают своего преподавателя), и за какие-то 5 лет японский художник прославился как живописец. А может надо сначала отдать частичку себя, чтобы Вселенная стала помогать тебе?) Японская акварельная живопись приобрела еще одно известное имя.
Абе Тошиюки
За 5 лет Абе Тошиюки заслужил несколько наград, у него – персональные выставки, он стал известным мастером. Особенно он проникся акварельной техникой живописи. Японский художник Абе Тошиюки говорит, что через свою акварель, изображающую течение реки, хрупкость цветов, блики света художник выражает изменчивость и быстротечность нашего мира. А японцы, особенно чутко относятся к таким философским вопросам. Каждая картина, по мнению Abe Toshiyuki, обязана тронуть сердце человека, иначе она не выполняет своего предназначения.
Абе Тошиюки
Так ли это, смог ли затронуть все струны Вашей души японский художник и дотронуться до Вашего сердца, Вы можете проверить прямо сейчас. Вашему вниманию предлагаю выборку из картин японского мастера. А для того, чтобы создать особую восточную атмосферу и подчеркнуть японский колорит, я постаралась подобрать к картинам строки Басё.
Акварельная живопись – картины Абе Тошиюки
(с) Абе Тошиюки
Внимательно вглядись!Цветы пастушьей сумкиУвидишь под плетнем.Басё
Абе Тошиюки (с)
Ива склонилась и спит.И кажется мне, соловей на ветке –Это ее душа.Басё
Абе Тошиюки (с)
Чистый родник!Вверх побежал по моей ногеМаленький краб.Басё
Абе Тошиюки (с)
Опала листва,Весь мир одноцветен.Лишь ветер гудит.Басё
Абе Тошиюки (с)
Наскучив долгим дождем,Ночью сосны прогнали его…Ветви в первом снегу.Басё
(с) Абе Тошиюки
Видно кукушку к себеМанят колосья в поле:Машут словно ковыль…Басё
Абе Тошиюки (с)
Бабочки полетБудит тихую полянуВ солнечном свету.Басё
Абе Тошиюки (с)
Вот здесь в опьяненьеУснуть бы на этих речных камнях,Поросших гвоздикой…Басё
Абе Тошиюки (с)
О священный восторг!На зеленую, на молодую листвуЛьется солнечный свет.Басё
Дорогие друзья! Надеюсь, что акварель японского художника подарила тепло и напомнила, что лето еще не кончилось :)из
alionushka1.livejournal.com
Японская живопись — WiKi
Сэссю. Осенний пейзаж. Национальный музей, Токио. Первая живопись в Японии датируется периодом японского палеолита.
Период Ямато
В периоды Кофун и Асука (IV — VII века) наряду с внедрением китайской письменности (иероглифы), создания государственного режима по китайскому образцу и распространения буддизма, из Китая в Японию были завезены и многие произведения искусства. После этого в Японии начали воспроизводить произведения живописи в стиле аналогичном китайскому.
Период Нара
С дальнейшим развитием буддизма в VI и VII веке в Японии процветала религиозная живопись, используемая для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией, но в целом в период Нара в Японии вклад в развитие искусства и скульптуры был больше, чем в живопись. Ранние из сохранившихся картин этого периода включают росписи на внутренних стенах храма Хорю-дзи в префектуре Нара. Эти росписи включают рассказы о жизни Будды Шакьямуни.
Период Хэйан
Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.
Период Муромати
В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.
Адзути-Момояма
В резком контрасте с живописью периода Муромати выступает живопись периода Адзути-Момояма (1573—1603). Ей характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги. В то время большой известностью и престижем пользовалась школа Кано. Её основатель Эйтоку Кано занимался росписью стен потолка и раздвижных дверей для разделения комнат. Такие расписные элементы служили украшением замков и дворцов военной знати.
Период Эдо (1603—1868)
В этот период искусство впервые обращается к темам повседневности - мир чайных домов, театра Кабуки, борцов сумо. Появление гравюры на дереве было связано с демократизацией культуры, поскольку гравюре свойственна тиражность, дешевизна и доступность. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называться укие-э. Развитие гравюры связано с художником Хасикава Миранобу, который изображал незамысловатые сцены из жизни обитателей чайных домов, ремесленников, совмещая на одной гравюре разнообразные не связанные между собой события. Японская гравюра в 1780-1790 гг. вступает в период расцвета. Судзуки Харанобу впервые применил прием раската, создающий переход от темного к светлому тону, варьировал толщину и фактуру линий. Он не заботился о реальной расцветке, море на его гравюрах розовое, небо песочное, трава голубая, все зависит от общего эмоционального настроя сцены.
Период Мэйдзи
Со второй половины XIX века было отмечено разделение искусства на конкурирующие европейский и традиционный стили. Во время периода Мэйдзи Япония подверглась большим политическим и социальным изменениям в процессе европеизации и модернизации, организованной правительством. Западный стиль живописи официально продвигался правительством. Перспективные молодые художники были посланы за границу для учебы, а иностранные художники приезжали в Японию для разработки школьной программы по искусству.
Тем не менее, после первоначального всплеска интереса к западному художественному стилю, маятник качнулся в противоположную сторону, произошло возрождение традиционного японского стиля. В 1880 году западный стиль искусства был запрещен на официальных выставках и подвергался резкой критике.
Период Тайсё (1912–1926)
Эпоха Тайсё приходится на краткий период времени, лежащий между ускоренной модернизацией Японии в эпоху Мэйдзи (1868–1912 гг.) и агрессивным милитаризмом первых лет эпохи Сёва (1926–1989 гг.).
Период Тайсё начался 30 июля 1912 со смертью императора Муцухито (Мэйдзи, 1852–1912 гг.) и восхождением на престол наследного принца Ёсихито (1879–1926 гг.). Девизом своего правления новый император выбрал Тайсё, что означает «Великая справедливость». Слабое здоровье вынудило его удалиться от дел в 1921 году, и принцем-регентом был провозглашен его старший сын Хирохито (1901–1989 гг.), будущий император Сёва
В то же время, новый виток получило и развитие живописи. Традиционные жанры продолжали существовать, однако испытали значительное влияние Запада. Одновременно с этим, многие молодые художники увлеклись импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом, фовизмом и другими художественными направлениями, развивающимися в западных странах.
В общем, период Тайсё можно назвать временем смешения японских и западных черт и приемов практически во всех видах искусства и творчества.
Период Сёва (1926–1989)
Эпоха Сёва — период в истории Японии с 25 декабря 1926 года по 7 января 1989 года, когда императором был Хирохито (1901–1989 гг.). Девизом своего правления он выбрал Сёва, что можно перевести как «Просвещённый мир».
В истории послевоенной живописи одними из самых известных художников были Окумура Тогю (1889–1990 гг.), прославившийся изображением ста видов горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи (1908–1999 гг.), ставший известным, в частности, благодаря тому, что создал и отреставрировал стенные росписи многих японских дворцов и храмов (Императорского дворца, храма Тосёдайдзи и т. д.). В живописи на западный манер наиболее известным художником является Хаяси Такэси (1896–1975 гг.), в чьих работах можно проследить сильное влияние Сезанна, Пикассо, Модильяни.
ru-wiki.org
Японская живопись - Вспомнить, подумать...
Японский художник Kishida Ryūsei
Японский художник Kishida Ryūsei (1891-1929) принадлежит к западному стилюяпонской живописи йоги-ка (yoga-ka)
Свои картины он создавал в период Тайсе (1912-26) и ранний Сева. Родился он в 1891году в Токио, был сыном журналиста Кисида Гинко. В 1908 году окончил школу, в возрасте15 лет он стал христианином и посвятил себя церковной деятельности, затем KishidaRyūsei изучал западные стили искусства в студии Хакубакай (Hakubakai) под руководствомСейки Курода (1866-1924), который был одним из основателей Академии искусств в Японии.Уже в 1910 году молодой художник начал выставлять свои работы на ежегоднойгосударственной выставке Бантен. Его ранние произведения, особенно пейзажи, написаныпод большим влиянием и повторяют стиль его учителя Курода Сейки.
Портрет Рейко
Позже художник познакомился и подружился с Мусанокой Санеатцу (Mushanokoji Saneatsu),который ввел художника в общество Сиракаба (Белая береза) и познакомил с европейскимифовизмом и кубизмом. Становление Kishida Ryūsei как художника произошло в первоедесятилетие двадцатого столетия, когда многие японские молодые художники уехали изучатьживопись за границу, прежде всего, в Париж. Kishida Ryūsei никогда не был в Европе ине обучался у европейских мастеров, но влияние европейского постимпрессионизма на негобыло огромнейшим, особенно творчество Ван Гога и Сезанна. С конца 1911 года до начала1912 он был вдохновлен работами современных французских художников, с работами которыхзнакомился в журнале Сиракаба и через иллюстрированные книги. Его ранние работы явносозданы под влиянием Анри Матисса и фовистов.
Автопортрет в шляпе, 1912 год,стиль: фовизм
В 1912 году в возрасте двадцати одного года Kishida Ryūsei дебютировал какпрофессиональный художник, состоялась его первая персональная выставка вхудожественной галерее Rokando. В этом же году художник организовал свойхудожественный кружокФуйзанкай (Fyizankai), чтобы изучать и пропагандироватьпостимпрессионизм.
Сад Президента Южной Маньчжурской железнодорожной компании 1929
Вскоре кружок распался из-за внутренних конфликтов после проведения двух выставок.Примерно с 1914 года художник отказался от фовизма, своего раннего стиля. В 1915году Кисида Рейсай создал группу Сёдоса, в которой его главным товарищем, ученикоми последователем был художник Мичисай Коно.
Path in Early Summer 1917стиль: yoga-ka
С этого времени у него сложился свой неповторимый стиль большого мастера, на японскомязыке его называют "shajitsu" или "shasei", на русский переводят обычно как реализм.Художник упрощает формы, находит неповторимый колорит, все это идет от искусстваСезанна. Хотя Кисида Рейсай высоко ценил искусство Франции, но в поздний период онрассматривал восточное искусство намного выше западного искусства.
Road Cut Through a Hill, 1915 год,стиль: yoga-ka
Портрет Бернарда Лича , 1913 год,стиль: фовизм
Автопортрет, 1915 год,стиль: yoga-ka
Автопортрет, 1913 год,стиль: yoga-ka
Автопортрет, 1917 год,стиль: yoga-ka
Портрет мужчины,стиль: yoga-ka
Примерно с 1917 года художник переехал в Кугенума Фудзисава в район Канагавы. Он начализучать стили и методы северных европейских художников эпохи Возрождения, таких какДюрер и Ван Дейк. В этот период он написал свою знаменитую серию картин дочери Рейко,которые сочетают в себе почти фотографический реализм с сюрреалистическимидекоративными элементами. В начале 1920-х годов Kishida Ryūsei проявил интерес кэлементам восточного искусства, в частности, к китайским картинам «Песни» и«Династия Юань».
"Портрет Санада Hisakichi"
Во время Великого землетрясения Канто в 1923 году дом художника в Кугенуме былразрушен, Kishida Ryūsei переехал на короткий период в Киото, после чего в феврале1926 года вернулся жить в Камакура. В 1920-х годах художник писал многочисленныестатьи по эстетике и истории японской живописи.
Tea Cup Tea Bowl and Three Green Apples, 1917 год,стиль: сезаннизм
Натюрморт, 1918 год,стиль: сезаннизм
Two Red Apples, Tea-cup, Tea-bowl and a Bottle, 1918 год,стиль: сезаннизм
В 1929 году при содействии Южно-Маньчжурской железной дороги Kishida Ryūsei совершилединственное в своей жизни зарубежное путешествие, посетив Далянь, Харбин и Фэнтяньв Маньчжурии. На обратном пути домой он сделал остановку в городе Токуяма, районаЯмагучи, где скоропостижно умер от острого самоотравления организма. Kishida Ryūseiсоздавал свои портреты, пейзажи и натюрморты до своей ранней смерти в возрасте38 лет. Могила художника находится на кладбище Тама Рейен в Токио. После смертиKishida Ryūsei двум его картинам Агентство японского правительства по делам культурыприсвоило звание «Национальная культурная ценность». В декабре 2000 года один изего портретов дочери Рейко с платком на плечах был продан за 360 миллионов йен, чтостало самой высокой ценой на аукционах японской живописи.
Улыбающаяся Рейко с зеленым плодом в руках, 1921 год,стиль: shasei
Молодая девушка Рейко, 1918 год,стиль: shasei
Молодая девушка Рейко, 1922 год,стиль: shasei
Молодая девушка Рейко, 1923 год,стиль: shasei
Рейко Играя сямисэн, 1923
Девушка Ведущая Собаку 1924
Источник: japanesedolls.ru
***
Кто любит бегать по утрам лучшей обуви, чем представит вамитернет магазин мега турник не найти.Удобные, стильные, отличного качества и разных расцветок, на любой вкускроссовки по приемлемым ценам.
ngasanova.livejournal.com
Живопись Японии — история | Искусство в Узбекистане
Живопись Японии — история
14.03.2008 Рубрики: Без рубрики Метки: Япония 22 849 просм. комментария 3
Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в странах Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В Японии, в частности, существует понятие единства каллиграфических и живописных принципов. Соответственно в японской живописи, как и в 
китайской, издавна большую роль играет линия и распространены 
монохромные картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского средневековья довольно долго основным течением в живописи было суйбокуга. Произведения в стиле суйбокуга создавались тушью, при этом показывалась игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и туши.
Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры, имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики создавали определенный спрос на произведения этих видов искусства. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.
Японская живопись в VII веке была весьма еще проста и безыскусна. Представления о ней дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма Хорюдзи, отображавшие те же сцены, которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи выполнены красной, зеленой и желтой краской на черном фоне. Некоторые росписи на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего с аналогичными росписями в Индии.
По мере дальнейшего распространения буддизма возник массовый спрос на культовые изображения. В связи с этим профессия художника стала очень распространенной, причем уже в VII веке среди мастеров, занятых созданием картин, развивалась даже специализация: одни делали общий набросок рисунка, другие раскрашивали его, третьи обводили контуры. Рисунки на полотнищах эмакимоно в VII-VIII веках имели весьма простой, близкий к символическому характер, изображениям не хватало динамики. Однако с течением времени художественное качество рисунков эмакимоно возросло, и лучшие из них весьма выразительны и совершенны.
С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи. До наших дней дошла ширма под условным названием «Женщина с птичьими перьями«. На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно ее украшены перьями. Рисунок исполнен легкими, струящимися линиями.
Для буддийской живописи с IX века характерными являются изображения мандалы, что на санскрите
означает алтарь. При создании мандал использовались дорогостоящие материалы. Например, «Такао мандала», хранящаяся в монастыре Дзингодзи, написана золотом и серебром на плотном фиолетовом шелке.
Своеобразным стимулом для развития японской живописи в IX веке явилось учение одной из махаянистских сект (мёо) о том, что для избавления мира от страданий и горестей необходимо лишь… создать изображение бодисатвы определенного, но неизвестно какого вида.
Творческое воображение художников заработало вовсю. Примером такой картины является изображение бодисатвы, сохраняющего государство, из храма Кон-гобудзи. На дошедшей до нас части этой картины передано стремительное движение охваченной пламенем фигуры божества.
Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или стиле кара-э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле, или стиле ямато-э (живопись Ямато). В Х-XII веках стиль ямато-э стал господствующим в живописи, хотя произведения сугубо религиозного характера все еще писались в китайском стиле. В этот период получила распространение техника нанесения контуров рисунка мельчайшей золотой фольгой.
В XI-XII веках появилось много выдающихся по технике исполнения произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы создавали картины только на светские темы, такие картины изображали и на складных ширмах и сёдзи.
Мы уже говорили о живописи на эмакимоно. Особенно большое распространение эмакимоно получили с XII века, когда художники, создавая их, стали работать в японском национальном стиле ямато-э. Религиозное содержание живописи на эмакимоно постепенно уступает место светским мотивам. Объектами изображения тут могли уже стать события японской истории, но трактуемые с точки зрения буддийской морали.
Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является знаменитый свиток XIII века «Хэйдзи-моногатари«, на котором запечатлено восстание, поднятое в 1159 г. главой крупного самурайского клана Ёситомо Минамото. Как и миниатюры в древнерусских летописях, свитки, подобные «Хэйдзи-моногатари«, являются не только выдающимися памятниками искусства, но и историческими свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они воспроизводили по горячим следам бурные события княжеских усобиц второй половины XII века, воспевали военные подвиги и высокие моральные качества вышедшего на арену истории нового военно-дворянского сословия — самураев.
О художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно (свитков) указанного времени можно судить по фрагменту из «Хэйдзи-моногатари» с изображением одного из эпизодов войны — «Битвы у Рокухара«. При яростном динамизме сцены и яркости ее художественного решения не устаешь удивляться степени проработанности отдельных деталей. А ведь это лишь один из фрагментов свитка!..
Ярким свидетельством появления светских мотивов в живописи стало состоящее из четырех свитков известное эмакимоно «Тёдзю гига» — сцены из жизни животных, в том числе животных, подражающих людям. Это эмакимоно написано тушью. Выдающимся по экспрессивности и технике исполнения является относящееся к XIII веку эмакимоно «Ямай-но соси«, изображающее людей, пораженных различными болезнями. Рисунки на этих свитках проникнуты своеобразным юмором.
Известно историческое эмакимоно «Повесть о монгольском нашествии”. В период Муромати (1392-1578) соотношение между буддийской живописью, живописью в японском стиле и монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней. Но с течением времени в ней появляются контурные линии. В буддийской живописи также появляются новые формы. Например. выдающийся мастер монохромной живописи Као Нин-га писал сильными, грубыми мазками. Стиль известного художника Минтё, писавшего свитки на буддийские темы, представляет собой нечто среднее между традиционной буддийской живописью и монохромной живописью.
Величайшим художником периода Муромати является Сэссю (1420-1506), который создал свой собственный стиль. Ему принадлежит выдающееся произведение японской живописи «Длинный 
пейзажный свиток», датированное 1486 г., имеющее в длину 17 м при ширине 4 м. На свитке изображены четыре времени года. Сэссю был отличный портретист, о чем свидетельствует написанный им портрет Масуда Канэтака.
В последние десятилетия периода Муромати происходит процесс интенсивной профессионализации живописи. В начале XVI века возникает знаменитая школа Кано, основанная Кано Масанобу (1434-1530), который заложил основы декоративного направления в живописи. Одним из ранних произведений жанровой живописи школы Кано является роспись художником Хидэёри ширмы на тему «Любование кленами в Такао».
С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись, картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных панно — да-ми-э. Такие панно писали сочными красками на золотой фольге.
Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку. Сога, Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат не только известным живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам.
В течение XVII-XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но их место занимают новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы Маруяма-Сидзе, Нанга, европейской живописи, а также школа, ратовавшая за возрождение в живописи стиля ямато-э, т. е. старого японского стиля. Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др.
Расцвет специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства определил основное направление развития японского искусства в XVII-XIX веках. При этом подверглись изменению как формы «бытования» искусства, так и его общественная функция. Например, в архитектуре утратило свою ведущую роль культовое зодчество, зато была создана четкая отработанная форма жилого дома, имеющая не только практический, но и несомненный художественный смысл. Соответственно в живописи возросла роль декоративных интерьеров, росписей. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве, ставшая в XVIII-XIX веках главных видом японского искусства.
Вообще искусство эпохи Эдо (1615-1868) характеризуется особым демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан — третьего сословия) и сочетанием художественного и 
функционального. Примером такого сочетания является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное функциональное назначение в интерьере японского жилища, предмет быта. Одновременно это — картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» — самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.
Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое время, в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру впервые познакомились с феноменом японского искусства. Между тем в самой Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством, таким, как живопись на ширмах или на свитках. Возникшая на стыке искусства и ремесла, японская гравюра действительно имела все признаки массовой культуры — тираж, доступность, дешевизну. Не случайно ее так и назвали — «укиё-э» (слово «укиё» означает в переводе темное, мирское, обиходное»).
Мастера укиё-э добивались максимальной простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из повседневной жизни города и его обитателей: торговцев, артистов, гейш.
Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд первоклассных мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава Моронобу (1618-1694). Первым мастерам многоцветной гравюры был Судзуки Харунобу, творивший в середине XVIII
века. Главные мотивы его творчества — лирические сцены с преимущественным вниманием не к действию, а к передаче чувств и настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему изысканному искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой городской среде своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только разницей, что вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали изящные гейши из увеселительных кварталов Эдо.
Художник Утамаро (1753-1806) представляет собой, может быть, уникальный в истории мировой живописи пример мастера, безраздельно посвятившего свое
творчество изображению женщин — в разных жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших его работ — «Гейша Осама» находится в Москве, в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно тонко передано художником единство жеста и настроения, освещения и выражения лица.
Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая (1760-1849). Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве полнота охвата жизни, интерес ко всем ее сторонам — от случайной уличной сцены до величественных явлений природы. Творческая судьба Хокусая необычна. Плодовитейший мастер, — ему принадлежит свыше 30 тысяч гравюр и рисунков, более 500 иллюстрированных книг, — он обрел творческую индивидуальность лишь в преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь великое множество знаний, навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в видении мира и человека.
В возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую знаменитую серию гравюр «36 видов Фудзи«, за нею последовали серии «Мосты», «Большие цветы», «Путешествия по водопадам страны», альбом «100 видов Фудзи». Каждая гравюра — ценный памятник живописного искусства, а серии в целом дают глубокую, своеобразную концепцию бытия, мироздания, места человека в нем, традиционную в лучшем смысле слова, т. е. укорененную в тысячелетней истории японского художественного мышления, и совершенно новаторскую, временами дерзкую, по средствам исполнения.
«36 видов Фудзи«, представляющие священную гору японцев в разные времена года и суток, при разном освещении, из различных мест страны — издалека, вблизи, с моря, сквозь заросли бамбука, явились по существу первым в японском искусстве образом родины, одновременно конкретным и обобщенно-символическим.
Творчество Хокусая достойно связывает многовековые художественные традиции Японии с современными установками художественного творчества и его восприятия. Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие шедевры, как «Зимний пейзаж» Сэссю Хокусай вывел его из канона средневековья прямо в художественную практику XIX-XX веков, оказав и оказывая влияние не только на французских импрессионистов и постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на русских художников «Мира искусства» и другие, уже современные нам школы.
Искусство цветной гравюры укиё-э явилось в целом прекрасным итогом, и, может быть, даже своеобразным завершением неповторимых путей японского изобразительного творчества.
Статья взята из http://visaginart.nm.ru/DR/japo.htm , изобразительный ряд из разных источников, включая http://foto.rambler.ru/users/kissasoul/japan
art-blog.uz
