Музей ЧерномырдинаМилые сердцу штучки. Франц кляйн картины
Франц Клайн | Artifex.ru
If you're a painter, you're not alone.There's no way to be alone.© Franz Kline
Он умел формировать уникальные «ломающиеся» образы, вдохновляться полуразрушенными или недостроенными сооружениями, мостами, строительными лесами, ограничивался только тремя цветами — белым, черным и серым, — но при этом затягивал зрителя в бездну полотна и не оставлял ему ни малейшего шанса вернуться обратно. Франц Клайн (Franz Kline) — ярчайший представитель абстрактного экспрессионизма, ставший знаменитым еще при жизни и оставивший миру свои уникальные полотна, которые и в наши дни уходят с молотка за миллионы долларов.
Родился Франц Клайн в Алмазном городке Уилкс-Барр, Пенсильвания, 23 мая 1910 года в семье эмигрантов из Германии и Англии. Изучать живопись он начал с филадельфийской школы, ориентировался на работы голландского художника Харменса ван Рейна Рембрандта и французского живописца Эдуарда Мане. Поэтому ранний Клайн — это по большей части фигуративная живопись: пейзажи, портреты.
Картина «Горячий джаз» (Hot Jazz, 1940), написанная для одного из нью-йоркских баров, стала отправной точкой для мастера. Само полотно, несмотря на нечетко прорисованные фигуры людей и детали интерьера, передает главное: зажигательную атмосферу джаза и его свободу. Игривость и изящность солистки заманивает зрителя «зайти в бар» и погрузиться в африканские ритмы, фольклор и европейскую гармонию.
Франц Клайн был общительным и обаятельным человеком, но влияние представителей абстрактного экспрессионизма, создание Художественной школы в Нью-Йорке и особенно дружба с Виллемом де Кунингом, лидером абстрактного экспрессионизма и архитектором, существенно повлияли на его творчество.
С 40-х годов творчество Клайна становится все более абстрактным. Многие полагают, что его четкие широкие мазки черной краски, парящие на белом фоне, напрямую связаны с произведениями китайской каллиграфией. Но это не так, потому что он черпал вдохновение из простых образов.
Переживший урбанистическое потрясение послевоенный Нью-Йорк не мог не будоражить воображение мастера. Лабиринты лестниц, недостроенные массивные конструкции, железнодорожные рельсы — весь этот «набор» в работах Клайна указывает на отсутствие границ и ломающийся образ, который как бы уходит за края холста.
Цветовое ограничение полотна «Белые формы» (White forms, 1955) призвано усилить зрительское впечатление. Для художника было важно, чтобы зритель наблюдал, как изменяется белый фон под влиянием черных мазков. Ощущение парения возникает из-за безграничного белого пространства, в котором словно из ниоткуда появляются широкие черные мазки.
Спонтанность жеста, энергичные прямые мазки типичны для абстрактного экспрессионизма, поэтому для Клайна существовала опасность стать «очередным». Но выразительность полотен художника с плотной конфигурацией черного цвета и раскрытым белым пространством делает его узнаваемым, имеющим «фирменный знак».
Ярким образцом расцвета творчества Клайна является полотно «Махонинг» (Mahoning, 1956). Крупные черные мазки на белом фоне противопоставляются миру, который перенасыщен стандартными картинами. Здесь же с предельной силой выражаются живые движения человеческой руки. «Понятны ли эмоции художника зрителю?» — такой вопрос задал Франц сам себе, завершая картину.
После выставки в США, успеха на Биеннале в Сан-Паулу и Венеции к Клайну пришла известность. Тогда же художник стал добавлять в свою трехцветную палитру яркие цвета, почувствовав стремление к сглаживанию резких контрастов, которые до тех пор преобладали в его искусстве. Полотна не потеряли свою живость и экспрессивность, напротив, использование иной гаммы позволило Клайну создать иллюзию трехмерности.
Работа «Черные размышления» (Black reflections, 1959) - поздняя цветная картина художника, она кажется намного продуманнее и глубже. Добавление охры и красного воспроизводит тональные градации и создает зримое впечатление интеллектуального вклада автора.
Долгое время творчество Франца Клайна не находило понимания у критиков, которые упрекали его в отсутствии вкуса, ритма, гармонии. Но истинных ценителей «знаковой» экспрессии, внутренней наполненности и контрастных композиций все же было больше. Сегодня основными покупателями полотен знаменитого абстрактного экспрессиониста являются американцы. На аукционах в Нью-Йорке цены на его работы колеблются от одного-двух до 30-40 миллионов долларов!
Автор: Екатерина Луценко
artifex.ru
Живопись Клайн Франц, «Белые формы», описание картины
Живопись XX в.
Франца Клайна, известного американского художника, можно назвать одним из наиболее ярких представителей абстрактного экспрессионизма. Большое влияние на творчество Клайна оказала восточная каллиграфия и печатные иллюстрации. От первых было взято ограничение цветовой палитры тремя цветами – белым, черным и серым, от вторых – фактурные модуляции, обостряющие ощущение пространства.
Так, в его работе «Белые формы» – белое пространство, на котором возникли из «ниоткуда» широкие черные мазки, создающие видимость парения в свободном пространстве. Клайн старался привлечь внимание зрителя не только к черным мазкам, но и к тому, как меняется под их влиянием белый фон. В нижней части картины сохранена девственно-чистая белая поверхность, которая словно затягивает зрителя в глубину полотна.
Клайн искал свои образы в полуразрушенных или недостроенных сооружениях – железнодорожных балках, мостах, строительных лесах, передавая выразительность «ломающегося» образа решительными неожиданными штрихами кисти и контрастным соотношением плотного черного и белого.
Творчество Клайна не находило понимания со стороны критиков, его работам даже отказывали во всяком наличии чувства, гармонии и ритма. Однако, безусловно, особая внутренняя наполненность и напряженность абстрактной живописи Клайна нашли своего почитателя, яркая «кричащая» экспрессия контрастных летучих композиций не оставили равнодушными истинных поклонников современной живописи.
В более позднем творчестве Клайн обогащает палитру, начиная в полной мере применять яркие цвета, однако это не делает полотна Клайна менее экспрессивными или менее живыми. Использование нескольких цветов позволило Клайну воспроизвести некоторые тональные градации, которые возникают при энергичном нажиме кистью и вызывают у зрителя иллюзию трехмерности. Клайн стремится противопоставить миру, наполненному стандартными картинами, уникальность полотен, которые с предельной силой выражают движение живой человеческой руки.
jivopis.org
Франц Клайн - Онлайн галерея изобразительного искусства
Художник родился в мае 1910 года в населенном пункте Уилкс-Барре, штат Пенсильвания, США.
Начальное образование он получил в колледже Джирард, находящемся в Филадельфии. Затем последовала учеба в Бостонском университете, где он находился с 1931 по 1935 годы. Клайн проявил интерес к европейскому искусству, что привело его в Школу искусств Хезерли, находящуюся в Лондоне. Там он провел два года (1937-1938), насыщенные плодотворным трудом.
На первом этапе своего творчества художник писал работы, находясь под влиянием авторитета известных мастеров - Рембрандта и Веласкеса. К концу сороковых годов двадцатого столетия художник попробовал себя в абстракционизме. Его первые работы выделяются контрастным и широкоформатным стилем. Источником особого вдохновения для него будут урбанизированные города-мегаполисы. Особенно часто художник пользовался сочетанием черно-белых красок, чтобы усилить впечатление производимое полотном на зрителя. Его стиль поражает простотой и изяществом. Постепенно мастер перенес свою интуицию в более крупные масштабы, уделяя особое внимание динамике исполнения. Манере письма Клайн уделяет такое же внимание, как и равновесию света и тени на своих полотнах.
Франц Клайн был одним из основателей Художественной школы в Нью-Йорке, созданной после завершения Второй мировой войны. Среди его соратников были Джексон Поллок, Адольф Готлиб и Марк Ротко. Начиная с 1952 года, он начал преподавание в колледже Блэк Маунтин, расположенном в штате Северная Каролина. В 1954 году продолжил преподавание в школе при Музее искусств в г. Филадельфия.
Франц Клайн заслуженно считается одним из ярких представителей абстрактного экспрессионизма североамериканского континента. В его творчестве часто используются элементы восточной каллиграфии и печатных иллюстраций. От каллиграфии он взял правило насыщать фон тремя цветами - черным, серым и белым. От иллюстраций - фактурные модуляции, позволяющие острее ощущать пространство на полотне.
В его работе "Белые формы" - основным фоном служит белое пространство, где неожиданно появляются черные мазки, дающие ощущение парения в пространстве. Художник постарался сделать так, чтобы зритель обратил внимание на изменение белого фона под влиянием мазков. Внизу полотна сохранена идеально - белая поверхность, как бы затягивающая зрителя вглубь пространства полотна.
Часто он находил образы для будущих работ среди городского ландшафта: недостроенные или разрушенные сооружения. Мастеру удавалось передать следы энтропии при помощи решительных штрихов кисти и контрастным сочетанием белого и черного цветов.
Взлеты и падения в искусстве
Некоторые критики подвергали художника яростным нападкам, считая, что в его работах отсутствует гармония и ритм. Но глубокая внутренняя наполненность его полотен и напряженность сюжета, помогли художнику найти своих почитателей. Экспрессивность работ художника, не оставила равнодушными истинных поклонников его таланта.
В период творческой зрелости мастер начинает применять более яркие цвета, но это никак не умаляет его работы, и не делает их менее живыми. Клайн так использует несколько цветов, что их сочетание вызывает у зрителя иллюзию трехмерного пространства. Мастер противопоставил миру стандартных картин уникальные полотна, ярко выражающие силу движения человеческой руки.
Работы художника успешно выставлялись в Сан-Паулу, Венеции и США.
В 1962 году великий художник оставил этот мир.
Полотна Франца Клайна - благодаря созданной им концепции - гармоничны и понятны в той действительности, которая придумана художником. Каждое движение кисти, запечатленное на полотне, несет на себе отпечаток физического и интеллектуального труда мастера.
history-of-arts.ru
Клайн, Франц - это... Что такое Клайн, Франц?
В Википедии есть статьи о других людях с такой фамилией, см. Клайн.Франц Клайн (англ. Franz Kline; 23 мая 1910, Уилкс-Барре, Пенсильвания — 13 мая 1962, Нью-Йорк) — американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма.
Жизнь и творчество
Изучал искусство в Бостоне, Филадельфии и Лондоне. В начале Ф. Клайн рисует настенную живопись и портреты, ориентируясь на работы «старых мастеров» — Веласкеса, Рембрандта и Мане. В конце 40-х годов ХХ столетия появляются его первые абстрактные полотна, бросающиеся в глаза своим широкоформатным, контрастным стилем. Художник ограничивает себя-дабы усилить впечатление у зрителя — чисто чёрно — белым сочетанием красок, которые смешиваются до жидкостно-быстросохнущей концентрации, оставляющей видимой «письмо кисти».
Совместно с Марком Ротко, Виллемом де Кунинг, Джексоном Поллок и Адольфом Готлибом, Франц Клайн в послевоенные годы создаёт Художественную школу в Нью-Йорке. С 1952 года он, совместно с некоторыми из этих художников, преподаёт в колледже Блэк Маунтин в Северной Каролине, а с 1954 года — в школе при филадельфийском Музее искусств. Впоследствии с успехом выставлялся в США и на Биеннале в Сан-Паулу и Венеции.
NoИскусство Ф. Клайна — благодаря разработанной им идее абстрактного форменного и цветового соответствия — гармоничны в своей собственной, изобретённой художником действительности. Каждый шаг его кисти при этом, что типично для абстрактного экспрессионизма, создаёт зримое впечатление от интеллектуального и физического вклада мастера.
Избранные работы
- «Шеф», 1950, Нью-Йорк, Музей современного искусства
- «Мэрион», 1960, Лондон, галерея Тейт
- «Скрантон», 1960, Кёльн, музей Людвиг
- Без названия, 1957, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия.
Литература
- Barbara Hess Abstrakter Expressionismus. - Köln, 2005.
- Dietmar Elger Abstrakte Kunst. - Köln, 2008.
dic.academic.ru
Дегенеративизм - Владимир Семенов
Картина Марка Ротко "№ 1 (Королевский красный и голубой)" (No. 1 Royal Red and Blue), написанная в 1954 году, была продана 13 ноября на аукционе Sotheby's за 75,1 миллиона долларов. На сайте аукционного дома сообщается, что произведение искусства, которое оценивалось в 35-50 миллионов долларов, стало топ-лотом торгов современным искусством, а также осенней серии аукционов в Нью-Йорке.
Картина Ротко помогла провести Sotheby's самые успешные торги в 268-летней истории аукционного дома - общая выручка составила 375 миллионов долларов, что стало рекордным показателем не только для торгов современным искусством.
Произведение Ротко, с 1982 года находившееся в частной коллекции и все это время не выставлявшееся на публике, считается одной из наиболее характерных работ для творчества ведущего представителя абстрактного экспрессионизма. Эта картина была выбрана самим художником для его персональной выставки в чикагском Институте искусств (1954), где всего было представлено восемь работ.
Кроме того, на Sotheby's были установлены рекорды аукционной стоимости на произведения Джексона Поллока - его картина "№ 4, 1951" была продана за 40,4 миллиона долларов. При этом известно, что самой дорогой работой художника является "№ 5, 1948", проданная частным образом за 140 миллионов долларов в 2006 году. 13 ноября рекорды также были установлены на работы таких авторов, как Франц Кляйн, Ганс Гофман, Аршиль Горки, Роберт Мотеруэлл и Вейд Гайтон.
Несмотря на то что картина Ротко стала самым дорогим лотом прошедших торгов, рекорд цены на произведения художника принадлежит его картине "Оранжевое, красное, желтое". В мае этого года полотно ушло за 86,9 миллиона долларов на Christie's.
http://www.lenta.ru/news/2012/11/14/rotkho/
*
Давайте посмотрим на работы упомянутых выше авторов, а заодно и на некоторые другие, также баснословной ценности, и поговорим об этом «искусстве»…
Проданная за 75, 1 млн. долларов картина «Королевский красный и голубой»:
Проданная в мае за 86,9 млн. долларов картина «Оранжевое, красное, жёлтое»:
Картина Дж. Поллока «№4, 1951», проданная за 40,4 млн долларов:
Картина Дж. Поллока «№5, 1948», проданная за 140 млн:
И взглянем на «творчество» художников, чьи работы также установили рекорды:
Картина Франца Кляйна:
Картина Ганса Хофманна:
Картина Вэйда Гайтона:
Картина Роберта Мотеруэлла:
Это искусство? Нас учили в школе, что искусство - одна из форм общественного сознания, составная часть духовной культуры человечества, специфический род практически-духовного освоения мира. Разве можно эту «живопись» отнести к духовной культуре человечества? Как картина, которую легко может нарисовать обезьяна, духовно осваивает мир? Хотя согласен, что это «искусство» - форма общественного сознания, но только очень больного общественного сознания.
И эту болезнь настойчиво вбивают в головы человечеству, доводя его до неразличения плохого и хорошего, добра и зла, идиотизируя человека.
На сайтах, посвященных современному искусству пишут: «Не воспринимаешь современное искусство? Ничего страшного, оно и не рассчитано на быдло». Т.е. нормального, психически здорового человека, отказывающегося принимать мазню за искусство, причисляют к быдлу, а о себе пишут, что «это искусство привилегированных, искусство утонченной нервной организации, искусство аристократического инстинкта». Видимо у «творцов» этого «искусства» нервная организация настолько утончена, что её не мешало бы подлечить. Кстати, Энди Уорхолл, один из столпов современного искусства, так и говорил: «Им занимаются или больные, или аферисты от искусства».
Несомненно был болен на голову и Марк Ротко (настоящее имя Маркус Роткович), который неоднократно подавал в суд на всевозможных своих обидчиков, ни разу при этом не выиграв процесса, часто ссорился с коллегами, впадал в депрессии и в конце концов покончил с собой.
Вот ещё работы Марко Ротко:
«№15», проданная за 40 млн. долларов:
Картина «Белый центр», принадлежавшая Рокфеллеру, и проданная в мае 2007 года за 72, 8 млн. долларов:
«Почитание Матисса», стоимостью 20 млн. долларов:
Это надо же умудриться – делать из людей идиотов, притом неплохо зарабатывая на этом. Вот ещё пара «гениальных картин» от современного искусства:
Виллем де Кунинг, «Полицейская газета», стоимость 63, 5 млн долларов:
Фрэнсис Бэкон, «Триптих», стоимостью 86, 3 млн. долларов:
И - Мастер современного искусства работает над созданием новых шедевров:
o2journal.ru
Цветущий сад Катарины Кляйн (Catharina Klein)
Catharina Klein родилась в 1861 в маленьком городке Eylau (Эйлау, Восточная Пруссия, Германия, с 1946 года - Багратионовск, Калининградская область, Россия). Затем она переехала в Берлин и поступила в художественное училище (аналог ПТУ), где обучалась искусству рисования в разных техниках (гуашь, акварель, масло). Окончив училище, Катарина начала карьеру профессионального художника. Она упорно работала, активно участвовала в художественных выставках и к тридцати годам не только стала модной художницей в среде немецкого дворянства, но и прославилась как одна из самых известных «рисовальщиц цветов и фруктов». 
Свои самые лучшие работы Катарина Кляйн создала в период с 1890 по 1906 год. В это время она была на пике популярности, ее картины произвели фурор на художественной выставке в Чикаго (1893), работы были очень востребованы, и она даже открыла в своей студии «курсы по обучению рисованию для женщин». В 1911 году Катарина Кляйн выпустила две книги: первая о том, как рисовать цветы, вторая о том, как рисовать фрукты. 
Тем не менее, художественная элита относилась к ее творчеству весьма скептически, считая исключительно коммерческим художником (не следует забывать, что Катарина была женщиной, которая зарабатывала на жизнь рисованием картин, а для того времени это был довольно смелый шаг, который требовал немалого мужества и твердости характера в отстаивании своих прав). Может быть поэтому, основной выставочной площадкой для Catharina Klein стали не художественные галереи, а несколько крупных издательств из Германии («Meissner & Buch», Leipzig, для них было создано около 1000 работ и «Obpacker Brothers», Munich), Англии («Adolphe Tuck») и Швейцарии. Именно благодаря растиражированным ими открыткам, закладкам, рекламкам, альбомам и календарям, она не только стала самой популярной немецкой художницей-флористкой конца XIX начала XX века (ее работы даже использовались в художественных школах, как образцы для подражания), но и не канула в лету вслед за сотнями остальных художников-прикладников, работавших в эти годы. 
Весомое наследие Катарины Кляйн (около 2250 работ), оригиналы которого были практически полностью утрачены во время второй мировой войны, сохранилось до наших дней лишь только потому, что было массово растиражировано в довоенные годы (не только печатная продукция, но также деколи для чашек, образцы для вышивки подушек и др.). Кроме художественной привлекательности, которую так активно эксплуатировали вышеназванные издательства, акварели C.Klein приобрели со временем еще и некоторую научную ценность. Дело в том, что художница всегда писала картины только с натуры, благодаря чему на рисунках сохранилось достоверное ботаническое изображение не только существующих сортов ягод, фруктов и цветов, но тех, что уже утрачены или встречаются крайне редко. Начинала она как флористка, а затем перешла к написанию всевозможных плодов и птиц, но совершенства достигла в написании роз.
Огромная популярность картин Catharina Klein сыграла с ними злую шутку – их стали тиражировать не только не соблюдая каких-либо авторских прав, но и без должного уважения к целостности произведения. Картины кромсались, переворачивались, «перекрашивались», дорисовывались, перекомпоновывались и переименовывались по желанию издательства. Поэтому нынешние открытки с надписью C.Klein могут быть весьма далеки от оригинала. Особенно это касается образцов, вышедших уже после смерти художницы в1929 году. 
Поскольку умерла Катарина, очевидно, в полном одиночестве, не оставив никаких наследников (по этой причине не сохранилась даже ее могила), то и заниматься сохранением и систематизацией ее творчества было совершенно некому. Поэтому не следует удивляться, что в различных источниках одни и те же работы могут и называться, и выглядеть по-разному. Например, популярный букет сирени, который рукодельницы любят использовать для вышивки лентами и крестом, где-то называется «Сирень и фиалки» (Lilacs and violet), а где-то «Лавандовая и белая сирень».
Где-то сирень действительно лавандовая, а где-то совершенно розовая, где- то букет лежит справа налево, где-то - наоборот и т.д. и т.п. Викторианский шарм и декоративная привлекательность акварелей Катарины Кляйн, сделала ее сюжеты очень популярными среди рукодельниц всех мастей. Вышитые гладью, лентами или крестиком картины, созданные по мотивам произведений этой замечательной немецкой художницы, уже не одно десятилетие приносят в дом ту особую нежность, тепло и уют, которых нам так, порой, не хватает! ГАЛЕРЕЯ
РОЗЫ
Поскольку в то время тыльная сторона открытки предназначалась исключительно для написания адреса, Катарина Кляйн очень часто компоновала свои сюжеты таким образом, чтобы оставалось достаточно место для текста.
Еще несколько работ Катарины Кляйн
Источники: Antiquetrader.comMadamkartinki.blogspot.com
irinapetrenko.blogspot.com
Ив Кляйн - французский художник-новатор
Ив Кляйн родился 28 апреля 1928 в Ницце, в доме бабушки и дедушки по материнской линии. Оба его родителя были художниками. Его отец, Фред Кляйн, голландец индонезийского происхождения, писал картины в стиле постимпрессионизма, а мать, Мари Раймон, была заметной фигурой в ташизме.
В 1928—1946 Ив Кляйн жил в Париже, но проводил каждое лето в Кань-Сюр-Мер, где жила сестра его матери, Роза Раймон. Ив буквально обожал свою тетю, которая опекала и поддерживала его. С 1942 по 1946 год Кляйн учился в Высшей школе торгового мореходства и Высшей школе восточных языков, художественного образования он не получил и большую часть жизни зарабатывал как инструктор по дзюдо.
Розенкрейцеры
В конце 1947 — начале 1948, по воспоминаниям друга художника, Клода Паскаля, Кляйн открыл для себя книгу «La Cosmogonie des Rose-Croix» («Космогония Розенкрейцеров»), которая стала для него настольной книгой, которую Ив изучал ежедневно на протяжении следующих четырех-пяти лет. Позднее Кляйн с Клодом Паскалем зарегистрировались в обществе розенкрейцеров.
1948-1950 (Италия, Германия, Англия, Ирландия)
В течение лета 1948 Кляйн посетил Италию (Геную, Портофино, Пизу, Рим, Капри и Неаполь). В ноябре он уехал на одиннадцать месяцев на военную службу в Германию. В конце 1949 Клод Паскаль и Ив Клян временно переехали в Лондон, где продолжили занятия дзюдо. Кляйн создал несколько монохромов на бумаге и картоне, используя пастель и гуашь. С апреля по август 1950 Ив Кляйн и Клод Паскаль находились в Ирландии, в клубе верховой езды.
Испания, 1951
В 1951 Кляйн уехал в Мадрид изучать испанский язык. Изначально Паскаль и Кляйн планировали совершить кругосветное путешествие, но проблемы со здоровьем сделали невозможным для Паскаля принять в нем участие. В Испании Кляйн записался в клуб дзюдо, подружился с директором школы, Фернандо Франко де Сарабия, чей отец был издателем.
Япония, 1952-1953
В 1952 Кляйн приехал в Йокогаму, вскоре перебрался в Токио и зарегистрировался в Институте Кодокан, наиболее престижном центре дзюдо. Он провел пятнадцать месяцев в Японии, деля свое время между институтом и уроками французского языка, которые он давал американским и японским студентам. Во время своего пребывания в Японии, он написал книгу о дзюдо и получил черный пояс. В 1953 Кляйн отменил свое членство в обществе розенкрейцеров.
1954 (Париж-Мадрид-Париж, издание книги монохромов)
После возвращения в Париж в 1954 надежды Кляйна занять положение во французской федерации дзюдо не оправдались, несмотря на публикацию его книги «Основы дзюдо». Ив решил покинуть Францию и переехал в Испанию по приглашению Фернандо Франко де Сарабия. Там Ив Кляйн опубликовал две коллекции монохромов в гравировальной студии Фернандо около Мадрида. Предисловие Паскаля Клода состояло из черных линий вместо текста. Десять цветных пластин состояли из одноцветных прямоугольников, вырезанных на бумаге и сопровождавшихся указанием их размеров миллиметрах. Каждая пластина указывала разные места создания: Мадрид, Ницца, Токио, Париж. Эта работа стала первым публичным жестом Кляйна, в ней он поднял вопрос об иллюзии в искусстве. В конце 1954 Кляйн вернулся из Испании в Париж.
1955-1956, первые выставки, Орден лучников святого Себастьяна
Весной 1955 он предложил оранжевый монохром, озаглавленный «Expression de l’univers de la couleur mine orange», на Салон Réalités Nouvelles, посвященный абстрактной живописи. Прямоугольная деревянная панель была равномерно покрыта матовой оранжевой краской, подписана монограммой YK, датирована маем 1955. Работа была отклонена жюри. В октябре 1955 состоялась первая публичная выставка работ Кляйна в Club des Solitaires, частном салоне издательсткого дома Lacoste. В 1956 Ив Кляйн встретил Iris Clert, у которой была маленькая, двадцать квадратных метров, студия в Париже.
В феврале-марте 1956 состоялась выставка «Yves, Propositions Monochromes» в галерее Colette Allendy в Париже. Pierre Restany написал радикальный и провокационный текст для пригласительных. На вернисаже Кляйн встретил Marcel Barillon de Murat, рыцаря Ордена лучников святого Себастьяна, который пригласил его присоединиться к Ордену. В марте Кляйна назвали кавалером Ордена в церкви Saint-Nicolas-des-Champs в Париже. Он выбрал девиз: «За цвет! Против линии и рисунка!»
1957, начало синего периода
В 1957 Ив Клян выставил одиннадцать синих картин идентичного формата (78 x 56 см) в галерее в Милане. Работы висели на кронштейнах на расстоянии 20 см от стены. Впервые Кляйн представил комнату синих монохромов, один из которых купил Лючио Фонтана.
В мае 1957 Кляйн представил двойную выставку в Париже: одна часть в галерее Iris Clert — «Yves, Propositions monochromes», вторая часть в галерее Colette Allendy — «Pigment pur». В галерее Iris Clert Кляйн решил презентовать монохромы как в Милане. Начало синего периода было отмечено запуском 1001 синего воздушного шара в небо Парижа, Кляйн назвалл это аэростатической скульптурой. В галерее Colette Allendy Ив представил серию работ, обозначающих пути его дальнейшего творческого развития: скульптуры, энвайронменты, чистый пигмент, первую огненную живопись «Feux de Bengale-tableau de feu bleu d’une minute» и первый «Immatériel» — пустую комнату. Один пригласительный на обе выставки включал текст Пьера Рестани и синюю печать, сделанную Ивом Кляйном.
Летом 1957 выставка монохромов Ива Кляйна была показана в Gallery One в Лондоне. Во время дебатов в Институте современного искусства, в которых принимали участие Кляйн и Рестани, полемика вспыхнула с неожиданной силой, а английская пресса подхватила скандал, вызванный выставкой.
Тем же летом 1957, в Ницце, Ив Кляйн встретил Rotraut Uecker, молодую немецкую художницу, которая стала его ассистенткой, а впоследствии женой.
1958 (оформление оперного театра в Германии, выставка Le Vide, паломничество)
В 1958 Ив Кляйн был приглашен для оформления оперного театра в Германии. Весной он возвращается в Париж, в апреле совершает первое паломничество в монастырь святой Риты в Cascia в Италии. В конце апреля Ив Кляйн присутствует при экспериментальной подсветке синим Обелиска на Place de la Concorde. Кляйн хотел сопроводить вернисаж предстоящей выставки в галерее Iris Clert иллюминацией монумента. Разрешение на это в конечном счете не было дано художнику. Через два дня состоялось открытие легендарной выставки Le Vide (Вакуум) в галерее Iris Clert.
Летом 1958 прошли первые эксперименты с антропометриями.
Осенью 1958 Кляйн совершил второе паломничество в монастырь святой Риты в Cascia в Италии, подарив синий монохром монастырю.
В 1958 также прошла совместная выставка Кляйна и Жана Тэнгли Vitesse pure et stabilité monochrome ("Чистая скорость и монохромная стабильность") в Галерее Iris Clert. Оба художника представили работы, сделанные из металлических дисков, покрытых "международным синим цветом Кляйна", приведенных в движение высокоскоростными двигателями.
1959
В 1959 Кляйн принял участие в выставке Vision in Motion в Hessenhuis в Антверпене, работал с архитектором Claude Parent над проектом фонтана воды и огня, разработал проект аэромагнитной скульптуры. В мае 1959 Галерея Iris Clert презентовала выставку Collaboration internationale entre artistes et architectes dans la réalisation du nouvel Opéra de Gelsenkirchen (Международное сотрудничество между художниками и архитекторами, работающими над проектом новой оперы Гельзенкирхена).
В июне 1959 Ив Кляйн выступил с лекцией L’évolution de l’art vers l’immatériel ("Эволюция искусства к нематериальному") в Сорбонне.
Во второй половине июня 1959 прошла выставка барельефов из губок Bas-reliefs dans une forêt d’éponges в Галерее Iris Clert в Париже.
В октябре на первой Парижской биеннале Пьер Рестани (Pierre Restany) представил монохром большого формата среди работ, выбранных жюри молодых критиков. Работы Жана Тэнгли, Раймонда Хайнса (Raymond Hains), Жака де ла Вилежле (Jacques de la Villeglé) и Франсуа Дюфрена (François Dufrêne) также были включены. Это стало важным шагом в формировании группы новых реалистов.
В октябре-ноябре 1959 Ив Кляйн принял участие в двух выставках в Германии ("Kunstsammler am Rhein und Ruhr: Malerei 1900-1959" в Музее Städtisches в Леверкузене, "Dynamo 1" в Галерее Renate Boukes в Висбадене) и в выставке Works in Three Dimensions в Галерее Лео Кастелли в Нью-Йорке.
В декабре Ив Кляйн публикует Le Dépassement de la problématique de l’art (Преодоление проблематики искусства) в Бельгии.
1960
В январе-феврале 1960 Кляйн принял участие в выставках La nouvelle conception artistique ("Новая концепция искусства") в Галерее Azimut в Милане (вместе с другими художниками) и Antagonismes, организованной Музеем декоративных искусств в Париже, на которой он показал Monogold frémissant.
23 февраля у себя дома в присутствии Пьера Рестани, Ив Кляйн сделал отпечатки Rotraut и Жаклин, оставив синие отпечатки их тел на большом листе белой бумаги, закрепленном на стене. Участники назвали работу Célébration d’une nouvelle Ere anthropométrique ("Празднование нового антропометрического периода").
В марте состоялась публичная демонстрация антропометрий в Париже (под Монотонную симфонию, три обнаженные модели покрыли себя синей краской и оставили отпечатки тел на белых листах на стенах и полу галереи). После этого официально одетая аудитория, состоящая из многочисленных художников, коллекционеров и критиков, была приглашена принять участие в общей дискуссии.
В апреле Кляйн принял участие в выставке Les Nouveaux Réalistes в Галерее Apollinaire в Милане, вместе с Арманом, Хайнсом, Дюфреном, Villeglé и Тэнгли. В предисловии к каталогу Пьер Рестани использовал выражение New Realism (новый реализм) впервые. 27 октября группой художников была подписана декларация группы нового реализма в доме Ива Кляйна (Арман, Дюфрен, Хайнс, Ив Кляйн (Ив Монохром), Raysse, Spoerri, Тэнгли, Villeglé). Девять копий, написанные от руки Рестани и подписанные всеми художниками были розданы участникам события. 28 октября Кляйн собрал Армана, Хайнса, Raysse, Рестани для создания Anthropométrie suaire (антропометричесской плащаницы). При помощи этого жеста Кляйн интегрировал новых реалистов в свое произведение.
В мае Кляйн зарегистрировал формулу международного синего цвета Кляйна (International Klein Blue, IKB) и получил патент.
Летом Ив Кляйн создал первые Космогонии - "Cosmogonies at Cagnes-sur-Mer".
19 октября Кляйн совершил "Le Saut dans le vide" (Прыжок в пустоту), а в ноябре, во время Фестиваля авангардного искусства в Париже, опубликовал его снимок.
1961
После публичной демонстрации антропометрий в 1960, на которую критика отреагировала неоднозначно, Кляйн стал знаменитостью в Европе. Однако выставка "le Monochrome" в Галерее Лео Кастелли в Нью-Йорке в 1961 закончилась провалом.
В 1961 выставка "Ив Кляйн: монохромы и огонь" состоялась в Музее Haus Lange в Крефельде, Германия. Это была самая большая прижизненная выставка художника. Он показал синие, розовые и золотые монохромы, архитектурные рисунки, "Mur de feu" (стену огня), которая состояла из пятидесяти горелок, расположенных в пять рядов. В день окончания выставки Кляйн создал первую огненную живопись, а чуть позднее - монументальные работы такого же плана в исследовательском центре французской газовой компании около Парижа.
В мае-июне 1961 Ив Кляйн принял участие в первой выставке нового реализма, организованной Пьером Рестани - "A quarante degrés au-dessus de Dada" (сорок градусов выше Дада), которая прошла в J Gallery в Париже. В выставке принимали участие Арман, Сезар, Хайнс, Тэнгли, Villeglé, Дюфрен, Rotella и Spoerri. Рестани опубликовал текст, который Кляйн не принял. Позднее в этом же году прошел Первый фестиваль нового реализма в Галерее Muratore в Ницце и аббатстве Roseland. После этого Кляйн, Raysse и Хайнс объявили о роспуске группы Нового реализма.
17-18 июля Ив Кляйн устроил сессии антропометрий в Париже, которые были сняты Paolo Vavera для фильма Gualterio Jacopetti Mondo Cane ("Собачий мир"), который должен был быть показан на Каннском фестивале.
21 ноября прошла выставка Кляйна "Monochrome: Il nuovo realismo del colore" в галерее Apollinaire в Милане.
1962
21 января 1962 Ив Кляйн и Rotraut Uecker поженились, каждый аспект свадебной церемонии в церкви Saint-Nicolas-des-Champs в Париже был скрупулезно разработан художником.
На Каннском фестивале Кляйн посетил показ «Mondo Cane», он был унижен тем, в каком ключе в фильме были представлены он сам и его работа. Вечером у него случился первый сердечный приступ, а в день вернисажа выставки «Donner à voir» в Creuze gallery в Париже — второй. Умер Кляйн от следующего сердечного приступа 6 июня 1962 в своем доме в Париже, успев создать большое количество работ и оказав заметное влияние на развитие искусства. Его сын, Ив, родился после смерти отца в Ницце в августе 1962. Кляйн похоронен на маленьком кладбище в La Colle-Sur-Loup (Альпы).
Творчество
Монохромные работы и международный синий цвет Кляйна
Хотя Кляйн начал создавать монохромные работы еще в 1949, а показал их впервые в 1950, первая демонстрация широкой публике состоялась в 1955—1956: в Club des Solitaires (1955) и в Gallery Colette Allendy (1956). На этих выставках были представлены оранжевые, желтые, красные, розовые и синие монохромные полотна. Кляйн был разочарован реакцией публики, которая восприняла окрашенные одним цветом холсты как вид яркой абстрактной интерьерной живописи. С этого момента он решил использовать только синий цвет. Следующая выставка «Proposte Monochrome, Epoca Blu» в Gallery Apollinaire, Милан, январь 1957, включала 11 одинаковых синих холстов, окрашенных пигментом ультрамарин разведенным с синтетической смолой «Rhodopas». Обнаруженный с помощью дилера Эдуарда Адама, эффект заключается в том, что сохранялась яркость пигмента, который, как правило, становился тусклым, когда использовался с льняным маслом. Кляйн позднее, в мае 1960, даже запатентовал этот рецепт и получил патент. Формула включала в себя определенное количество "Rhodopas MA", состоящего из этилового спирта и этилового ацетата. Изменяя концентрацию пигмента и типа растворителя, краски могут быть применены с помощью кисти, валика или распыления. Этот цвет, напоминающий ляпис лазурь, которую использовали в средневековой живописи, стал знаменитым «международным синим цветом Кляйна» (англ. International Klein Blue, IKB, шестнадцатеричный код #002FA7). Выставка получила положительный отклик критиков и имела коммерческий успех, была показана затем в Париже, Дюссельдорфе и Лондоне. Парижская выставка в Iris Clert Gallery в мае 1957 сопровождалась хеппенингом: 1001 синий воздушный шар был запущен в честь открытия, синие почтовые карточки были разосланы в качестве приглашения.
Пустота
Для следующей выставки в Iris Clert Gallery в апреле 1958 Кляйн решил показать пустоту — «Le Vide» («Вакуум»). Он убрал все из галерейного пространства, за исключением большого шкафа, покрасил все поверхности белым, затем установил сложную процедуру входа в день вернисажа. Окно галереи было закрашено синим, синий занавес висел в вестибюле, рядом стояли гвардейцы в синем. Более 3000 человек были вынуждены стоять в очереди, чтобы посетить пустое пространство.
Космогонии
Кляйн создавал картины самыми разными способами, включая неортодоксальные. Например, подставлял под дождь специальным образом подготовленную бумагу. Полученные в результате картины он назвал космогониями. Первые Космогонии Кляйн создал летом 1960. Холст, покрытый синей краской, был закреплен на крыше автомобиля на протяжении поездки из Парижа в Cagnes-sur-Mer, и был подвергнут воздействию ветра, дождя и пыли. Ив сделал и другие работы такого рода, используя следы тростника, дождя и т.п.
Огненная живопись
Также Кляйн использовал огонь(Огненная живопись). Первую огненную живопись художник создал в 1961, в день закрытия своей выставки в Крефельде, Германия, поднося большие листы бумаги или картона к огню газовых горелок (из них состояла одна из работ на выставке - "Стена огня"). Чуть позднее Кляйн создает огненную живопись большого формата в исследовательском центре французской газовой компании около Парижа. Как и в космогониях и антропометриях, огненная живопись является отпечатком (в данном случае - следы огня). Кляйн использовал укрепленный картон, который горел медленнее обычного. Кроме того он объединил действия воды и огня таким образом, чтобы печать пламени включал также следы воды.
Monogolds
В 1960 Кляйн на выставке Antagonismes, организованной Музеем декоративных искусств в Париже, впервые показал "Monogold frémissant". Кляйн создал серию Monogolds между 1960 и 1961, используя золото как драгоценный и символический материал. Некоторые работы объединяли серию прямоугольников в композицию; некоторые были сделаны из подвижных листов золота, закрепленных на панели, которые двигались при малейшем дыхании; третьи были рельефами с полированной поверхностью.
Антропометрии
Антропометриями Кляйн называл картины, созданные при помощи отпечатков человеческого тела на полотне. Первые эксперименты с техникой «живых кистей» прошли летом 1958 — Кляйн покрывал синей краской обнаженное тело молодой женщины, которая оставляла отпечатки своего тела на листах бумаги, расстеленных на полу. В 1960 он провел публичную демонстрацию антропометрий — девушек, вымазанных «международным синим цветом Кляйна» волочили по лежащему на полу холсту под аккомпанемент Монотонной симфонии (произведение исполнялось на одной ноте в течение десяти минут, потом следовала пауза также десять минут).
Прыжок в пустоту
19 октября Кляйн совершил Le Saut dans le vide ("Прыжок в пустоту") в Fontenay-aux-Roses, сфотографированный Harry Shunk и John Kender, которые сделали множество различных снимков (репетиция "прыжка" прошла до этого в Париже). 27 ноября, во время Фе стиваля авангардного искусства в Париже, Ив Кляйн опубликовал Dimanche - четыре страницы в формате воскресного выпуска парижской ежедневной газеты Франс-Суар (France-Soir). На первой странице была фотография Saut dans le vide, озаглавленная "Un homme dans l’espace! Le peintre de l’espace se jette dans le vide" (Человек в космосе! Художник космоса бросает себя в пустоту).
Оформление оперного театра Гельзенкирхена
Для оперного театра, который был разработан и декорирован интернациональной командой художников и архитекторов, Кляйн создал шесть монументальных произведений, играющих важное значение в его творчестве: четыре синих, высотой десять метров, работы с рельефом-губкой (две предназначались для длинной стены главного зала, две - для помещения на нижнем уровне) и два 7х20 метров монохрома для боковых стен главного зала. Работы были дополнены армированными рельефами, покрытыми натуральной губкой и окрашенными синим.
biozvezd.ru
