Музей ЧерномырдинаДжеймс Уистлер — У рояля. Джеймс уистлер картина
Уистлер, Джеймс (1834 - 1903). Картины художников — Журнал по дизайну и культуре
Композиция в сером (автопортрет). Д.Уистлер. 1871-1873 гг. Институт искусств в Детройте.
В истории живописи был художник, родившийся в США, проведший юность в России, и проработавший большую часть жизни в Париже. Поэтому, вероятно, наиболее полное представление о его творчестве можно получить лишь приехав с туром во Францию. Джеймс Уистлер родился 10 июля 1834 года в Лоуэлле, промышленном городе США. Пребывание в России во многом сказалось на формировании таланта и стилистики картин художника. В Петербург Уистлер приехал подростком осенью 1843 года, когда его отец, инженер-путеец, был, в числе других, приглашен Российским правительством для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы. Годы детства и юности, проведенные будущим художником в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясений жизни. Северная Пальмира предстала перед ним в великолепии дворцов, блеске военных парадов, огнях фейерверков, освещавших вечернее небо столицы мириадами падающих звезд. Дом, где жили Уистлеры, находился близ величественных архитектурных ансамблей города.
Уистлер рано пристрастился к рисованию.
Уроки мальчику начал давать А.Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джимми Уистлер благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Академию тех лет принято называть брюлловской. Корицкий, у которого Уистлер продолжал заниматься, был одним из близких учеников Брюллова. В 14 лет он твердо избирает путь художника. Но, в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку. Систематические занятия искусством приходится прекратить. Отдав дань семейным традициям, Уистлер проучился три года в Уэст-Пойнтской военной академии, затем работал чертежником в Геодезическом управлении, где овладел техникой офорта, необходимой для изготовления карт.
Девушка в белом (Джоан Хифернан). Д.Уистлер. 1864, Галерея Тейт, Лондон.
Осенью 1855 года Джеймс Уистлер с согласия родных переехал в Париж, чтобы стать профессиональным художником.
Он навсегда покинул Америку, лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять место в музеях. В Париже Уистлер посещал мастерскую Ш.Глейра, сторонника академизма. Он пользовался уважением учеников, среди которых в 60-х годах были такие художники как О.Ренуар, К.Моне, А.Сислей. Соученик Уистлера Д.Дюморье описал в романе Трильби мастерскую Глейра и изобразил Джеймса ленивым учеником, королем бродяг, которому все прощалось за его обаяние. Однако ленивец всегда находил время, чтобы, находясь в Лувре, поучиться благородной сдержанности колорита и пристальному вниманию к живому человеку на произведениях Рембрандта, Веласкеса, Хальса. Он сумел оценить реалистический пафос полотен Г.Курбе, и воздействие их оказалось чрезвычайно благотворным.
Гармония в сером и зеленом (мадемуазель Сесиль Александер). 1872-1874 гг. Д.Уистлер.
Уже в 1858 году Уистлер опубликовал свои первые Двенадцать офортов с натуры, сделанных в Париже, Лондоне и на Рейне, в которых ясно ощущалось влияние Рембрандта. Офорты сразу же завоевали популярность, а их автор предстал сложившимся мастером художественной гравюры, переживавшей в те годы период глубокого упадка. Приемы Уистлера в работе над офортами были своеобразны и требовали повышенной остроты глаза и твердости руки. Обычно, он рисовал непосредственно с натуры на небольших медных досках, работая в технике сухой иглы, позволявшей достигать особой насыщенности и изящества красочных линий.
В Лондоне в 1859 — 1860 годах Уистлер создал серию офортов Темза.
Художник стремился увидеть и отразить поэзию труда. Особенно удачен офорт Пристань Черного Льва. Полотно У рояля 1859 года получило одобрение Курбе. На нем изображены близкие Уистлеру люди сестра Дебора и ее дочь Анни. Тему домашнего музыкального концерта, часто встречающуюся в голландской живописи, художник решил по-своему, совместив ее с темой материнства. Картина художника написана в сдержанной цветовой гамме. Целостность восприятия достигалась тонко прочувствованной градацией света и тени, гармонией чуть приглушенных контрастов, одновременно тональных и цветовых (черного и белого, темно-красного и светло-зеленого). Композиция была выстроена в соответствии с классическими канонами: фигуры матери и дочери, склоненные к роялю, вписаны в треугольник, вершина которого выходит за край полотна. Повторы горизонтальных линий пола, корпуса рояля, рам на стене создают второй, слабее намеченный ритм.
Симфония в белом No 1. Девушка в белом. Д.Уистлер. 1862 г.Вашингтон. Национальная Галерея.
В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом No 1».
Девушка в белом», решенная в необычайной для тех лет осветленной гамме. Сейчас уже трудно поверить, что эта работа, выставленная вместе с «Завтраком на траве» Э.Мане в Салоне отверженных, вызывала смех у зрителей, приученных к поверхностно — литературному восприятию живописи. Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, при сдержанности колорита.
Увлечение экзотическим Востоком Уистлер стремится передать в своих произведениях:
- Принцесса страны фарфора,
- Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма,
- Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок.
- Симфония в белом № 2.
Девочка в белом, созданная в 1864 году завершила цикл картин художника. На полотне Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей: японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора, ветки цветущей азалии. Работу отличают ясность и декоративность. Общее впечатление от картины сдержанно радостное.
Портрет матери. Д.Уистлер. 1871-1873 гг.
Глубоко психологичным выглядит «Портрет матери», созданный Уистлером в 1871 году.
Ее колорит решен в серых и черных тонах. Композиция картины построена с использованием прямоугольных плоскостей: стен, рамки висящей картины, темной драпировки. Черное платье пожилой женщины вписывается в треугольник, одна из сторон которого совпадает с диагональю картины, ритм восходящих светлых пятен ведет взгляд зрителя к центру картины ясному профилю лица. Художник сознательно повторил выбранные композиционное и колористическое решения в работе над портретом английского историка и философа Томаса Карлейля. В людях, проживших большую трудную жизнь, он ощутил и смог передать сохраненную молодость души вечно женственной на портрете матери, и мятежной на портрете Карлейля.
Композиция в сером и черном No 2. Портрет Томаса Карлейля. Д.Уистлер.
Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» Уистлер работал в течение 70 сеансов.
Создавая образ девушки, Уистлер, несомненно, шел от инфант Веласкеса. Поэтичностью проникнут и портрет миссис Лейланд, выдержанный в светлых оттенках розоватых тонов. Художник постепенно вырабатывал тип светского портрета, который развивал в дальнейшем. К этому времени технические приемы мастера уже сложились. Он писал большими кистями на длинных рукоятях и наносил мазки сильными быстрыми ударами. Вместо палитры, художник пользовался маленьким столиком, в центре которого располагал белила, слева от них лимонно-желтую, кадмий, охру светлую, сиену натуральную, умбру натуральную, кобальт, ультрамарин и разновидность берлинской лазури; справа киноварь, венецианскую красную, индийскую красную, краплак и черную жженую слоновую кость. Зеленые краски отсутствовали. Разбеленную слоновую кость, дающую в красивый перламутровый тон, Уистлер, по примеру Ш.Глейра, использовал в качестве всеобщего гармонизатора, вводя ее почти во все красочные смеси. Холсты грунтовались смесью белил и слоновой кости.
Гармония в красном, розовом и фиолетовом. Д.Уистлер. 1883 — 1884 гг. Охайо, Музей искусств.
Следуя советам Глейра, и передавая их затем своим ученикам, Уистлер сначала, тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды, фона в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках, заливая сверху водой. Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение по частям. При нарушении правильного соотношения тонов в своих симфониях и аранжировках он не довольствовался частичными исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.
Зелено-розовый ноктюрн. Д.Уистлер. 1861 г. Галерея искусства Фрир, Вашингтон
Творчество декоратора, Уистлер ценил не меньше своих картин.
Одним из первых он понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок, перегруженности мебелью. При оформлении выставок художник ввел принцип разреженного развешивания картин. Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая Павлинья комната столовая в доме Лейландов. Там должна была висеть картина художника Принцесса страны фарфора, и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное. Роспись Павлиньей комнаты предвещает возникновение панно стиля модерн конца XIX начала XX века. В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями глазков, в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах.
Комната с павлинами. 1867-1877 гг. Д.Уистлер.
К поэтическому отображению вечерней и ночной Темзы, ее старых мостов, огней над рекой Уистлер шел от петербургских впечатлений юности, и от гравюр японских мастеров.
Так, в «Ноктюрне в синем и золотом» сказалось знакомство Уистлера с гравюрой Хиросигэ «Склады бамбука у моста Кёбаси». Первоначально, он пытался делать наброски мелом на коричневой бумаге, но впоследствии полагался только на зрительную память. Для работы Уистлер использовал небольшие холсты или дощечки с красным, темно-красным, темно-синим и черным грунтом. Он писал маслом, но очень жидко, как бы в технике акварели, добиваясь нужных эффектов освещения.
Комната с павлинами. 1867-1877 гг. Д.Уистлер.
Созданные Уистлером произведения были не только фактами биографии, но во многом определяли саму его жизнь.
Картина художника «Ноктюрн в черном и золотом», «Падающая ракета» 1875 года вызвала нападки известного критика Д.Рескина, обвинившего автора в том, что он бросил в лицо публике горшок с краской. В результате — судебный процесс, хотя и выигранный Уистлером, но приведший к его разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции. В эти месяцы Уистлер жил в Венеции, работая над офортами и пастелями. Хотя выставки венецианских работ, которым была присуща особая воздушность и мягкость, прошла в Лондоне с большим успехом, агрессивное отношение со стороны критики не прекращалось. Постепенно, в художнике произошел душевный надлом. По-прежнему, все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла энергия, стали чаще встречаться композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур, порой, назойливо напоминали о себе.
Но, постепенно, пришли признание и успех, появились почитатели и заказчики. «Портрет матери» приобрело французское правительство, «Портрет Т.Карлейля» занял почетное место в Художественной галерее в Глазго. Как когда-то в юности, на склоне лет в жизнь Уистлера еще раз вошла Россия. В январе 1899 года художница А.Остроумова, ученица Репина по Академии художеств, пришла в живописную мастерскую Уистлера в Париже. Однако, художник, к тому времени уже не брал учеников. Поэтому, на вопрос, у кого ей учиться искусству гравюры, он лишь сказал: «…Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине, или не постигают совсем».
При подготовке публикации были использованы материалы статьи«Я художник и родился в Петербурге» В.Барашкова, М.1983 г.
Читайте также:
www.5arts.info
Джеймс Уистлер — У рояля
«У рояля» — первая большая картина Уистлера, работа над которой была начата в Лондоне в ноябре 1858 года, а закончена весной следующего года. На картине мы видим сестру художника Дебору и ее дочь Анну. Идея создания полотна была навеяна детскими впечатлениями Уистлера о жизни в России. Маленькая Дебора была одаренной пианисткой и часто выступала с концертами в Петербурге. Меланхоличное настроение картины объясняется, скорее всего, именно этими лирическими воспоминаниями о счастливом детстве. Уистлер намеревался представит картину на Салоне в 1859 году, но она была названа «слишком оригинальной» и отвергнута, однако художник Франсуа Бонвен был другого мнения, поэтому он выставляет картину Уистлера в своей парижской мастерской. Увидев эту работу, выдающийся мастер реализма Гюстав Курбе поздравляет американца с успешным дебютом в живописи.
«У рояля» впечатляет изысканным подбором взаимодополняющих цветовых оттенков. Сложные серо-зеленый и серо-охристый цвета контрастируют с локальными пятнами: чернотой платья Деборы, белым цветом наряда ее дочери, а также красным цветом дивана. Картина написана широкими размашистыми мазками, напоминающими манеру Курбе.
Уистлера вдохновляет традиционная для живописи Востока фрагментарная композиция. Прием «усечения» висящих на заднем плане картин делает построение полотна совершенно оригинальным, в отличие от композиций реалистов, которые с той же целью — максимально расширить картинное пространство — использовали только перспективу и игру света. В картине «У рояля» можно заметить также влияние голландской живописина творчество Уистлера. Коллекционер, который собирался купить это полотно, объяснял, что она «будет чудесно смотреться рядом с (его) Вермеером». Дега именно эту картину имел в виду, когда вспоминал начало своего творческого пути: «Фонтен, Уистлер и я шли одной дорогой — голландской».
Смотрите также
painteropedia.ru
Джеймс уистлер
(1834–1903)
«…Искусство Уистлера трудно отнести к какой‑нибудь определенной художественной школе. Он воспринял и синтезировал в своем творчестве самые разные течения, не поддавшись ни одному из них.
Свои пейзажи и портреты художник часто называл "ноктюрнами", или "цветовыми гармониями". Действительно, картины Уистлера отличает виртуозная тонкость и изысканность колорита, построенного, как правило, на сочетании одного‑двух основных цветов» (Н. Кирдина).
Джеймс Эббот Макнил Уистлер родился 10 июля 1834 года в одном из промышленных городов США – Лоуэлле.
Осенью 1843 года Джеймс приехал в Санкт‑Петербург вместе с отцом, инженером‑путейцем, которого пригласило русское правительство для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы.
Годы детства и юности, проведенные Джеймсом в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясениями жизни. Снежная русская зима с катанием на коньках по льду Невы, прогулки по Царскому Селу и Петергофу – ярчайшие детские впечатления художника.
Мальчик рано пристрастился к рисованию. Уроки первоначально давал А. Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джеймс благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля: «Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В четырнадцать лет он твердо избирает путь художника.
Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку… Приходит конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Вест‑Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.
Джеймс уволился из Геодезического управления в феврале 1855 года. Уистлер рассказывает: «Я писал портреты: кузины Анни Дени, Тома Уиннанса и других знакомых в Стонингтоне. Я сообщил родным, что уезжаю в Париж. Никто не возражал. Да все это уже намечалось с петербургских времен. Мне оставалось взять билет. Мне положили выплачивать в год триста пятьдесят долларов, которые я и получал очень регулярно».
Он навсегда покидает Америку. Лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.
В Париже Уистлер учился в мастерской Ш. Глейра, однако большее значение имело для него общение с Фантен‑Латуром и с Курбе, а также дружеские связи с Мане, Дега и Моне. В 1858 году Уистлер опубликовал «Французскую Сюиту» из двенадцати гравюр, нарисованных в Париже, на Рейне и в Лондоне: «Ливерден», «Лудильщица», «На солнце», «Непрочная постройка», «Матушка Жерар», «Улица в Саверне», «Маленький Артур», «Тряпичница», «Анни», «Торговка горчицей», «Фюметта» и «Кухня». Офорты, в которых ясно ощущается влияние Рембрандта, принесли художнику известность.
Уистлер занимался своими офортами в самых различных условиях, рисуя прямо на меди, без всякой подготовки или предварительных набросков. Для него медная доска и острие были тем, что бумага, перо или карандаш для других. Поэтому так редки его карандашные рисунки на бумаге, тогда как количество гравюр весьма значительно. Он уверенно владел иглой, каждый штрих попадал точно на свое место.
В 1859 году художник пишет картину «У рояля». На картине, написанной в сдержанной цветовой гамме, изображены близкие ему люди – сестра Дебора и ее дочь Анни.
Картина была послана в Салон 1859 года вместе с двумя офортами. Она была отвергнута, а два офорта – приняты. Своеобразие молодого художника, видимо, испугало жюри. Несправедливость этого решения вызвала скандал. Бонвен выставил в своей мастерской отвергнутые полотна, имевшие большой успех. Картина «У рояля» вызвала восторженные отзывы, среди них и Курбе. «Теккерей увидел ее и хвалил выше всякой меры…» В этот единственный раз печать была благосклонна к Уистлеру. С этого времени он стал широко известен…
Начиная с 1859 года, в течение нескольких лет Уистлер кочевал между Лондоном и Парижем. В Лондоне он останавливался у своей сестры, леди Хейден, на улице Слоан. Иногда он приводил туда своих друзей.
Уистлера привлекала своеобразная прелесть Лондона. Никто не понял и не почувствовал ее лучше его, ни Тёрнер, ни Констебль… Он понемногу совсем обосновался в Лондоне и до самой смерти всегда возвращался туда…
С 1859 года он стал изучать Темзу. Он еще датировал свои офорты, и к этому году относятся одиннадцать досок серии Темзы. Он видел реку так, как никто до него не видел: то черной от сажи, то блистающей на солнце со своим лесом мачт, бесконечным рядом шаланд, мрачными пакгаузами, огромными доками с маленькими харчевнями на берегу. Он рисовал ее такой, какой видел, какой она была тогда… Среди этих офортов есть лучшие из того, что он вообще создал: «Набережная Черного Льва», «Тизак».
В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом № 1. Девушка в белом». Уистлер выбирает композиции с элементами, которым достоверность не обязательна: музыка, к которой отсылает нас название картины, дарит художнику принципы композиции, базирующиеся на эмоциях, внутреннем темпе, чисто формальных аккордах.
Но картина «Салон отверженных» вызвала смех у зрителей, приученных к совсем другой живописи.
«Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях "Принцесса страны фарфора", "Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма", "Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок"» (В. Барашкова).
В 1864 году Уистлер послал на выставку в Королевскую Академию два полотна – «Уоппинг» и «Длинные Лизен», или «Шесть марок фарфора». С этого момента наступает новый период в его художественном развитии. На следующий год он выставляет «Девочку в белом» – свое самое своеобразное, законченное и совершенное произведение, которое многие художники считают одним из лучших произведений века.
На полотне – Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей – японский веер, китайская ваза сине‑белого фарфора. Мы ощущаем душевную ясность модели. Жемчужно‑белые оттенки платья Джо в сочетании с насыщенными цветовыми пятнами – красными, розовыми, золотистыми, черными – создают мажорное, чуть приглушенное звучание этой «симфонии».
В 1871 году Уистлер создает замечательный «Портрет матери». Это – одна из драгоценнейших жемчужин американского искусства.
«Выдержанный в благородном созвучии серебристых, серых и черных оттенков, осязательно конкретный в передаче объемов и фактуры предметов, ясно уравновешенный в своей простой и непосредственно‑естественной композиции, этот портрет был самым наглядным воплощением лучших качеств национальной американской реалистической традиции», – пишет А.Д. Чегодаев.
Такие же четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева) художник применяет и при создании портрета английского историка и философа Томаса Карлейля (1872).
Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» (1872–1874) Уистлер работал в продолжение 70 сеансов. Это самый очаровательный и самый изящный портрет художника.
«Характеру юной грациозной девушки с капризно‑печальным выражением лица, легкой, как порхающие над ее головой бабочки, и хрупкой, как стебельки изображенных рядом с ней полевых цветов, точно соответствует изысканное сочетание серых и зеленоватых тонов, в которых решен портрет, хотя художник ввел сюда и золотистые тона, – пишет Н. Кирдина. – Золотой полоской заканчивается черная панель; бантики на туфлях закреплены крошечными золотыми пряжками; волосы заколоты золотой булавкой; золото мы находим и в драпировке, брошенной на стул, и в узоре циновки на полу: картина написана широкими, свободными мазками. Тончайшие сочетания палевых, серых, серовато‑зеленых, серовато‑розовых оттенков великолепно передают и легкость одежд, и теплоту просвечивающего сквозь материю тела, и мягкость волос. Завершающий штрих этого портрета – подпись самого художника, напоминающая бабочку, окруженную овалом. И хотя портрет писался долго, кропотливая работа художника скрыта за блестящим артистизмом исполнения».
К этому времени технические приемы художника уже сложились. Сиккерт пишет:
«Техника Уистлера очень проста. Некоторые из ранних вещей… были на обыкновенном грунтованном светлом холсте. Позднее он предпочитал специально подготовленный холст, более грубый и тонированный обычно серым…
Начиная портрет он сначала тщательно готовил подбор тонов. Палитрой ему служила поверхность овального стола, на котором ему было удобно смешивать краски. Затем он писал прямо без подмалевка. После сеанса он собирал остатки красок со стола мастихином и опускал в блюдце или блюдо с водой, чтобы пользоваться ими на следующий день… Чтобы "не загружать холста", по его выражению, ему нужно было принимать ряд предосторожностей. Употребление с самого начала полной палитры, включая медленно сохнущие краски, вроде черной жженной слоновой кости и розового краппа, причиняло ему бесконечные трудности. Здесь не трактат по технике живописи, и достаточно сказать, что метод Уистлера не подходил для писания больших картин, требовавших многих сеансов. Это был метод "алла прима", при котором фактически картина прописывалась заново на каждом сеансе…»
Созданная в 1875 году художником картина «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» стала неожиданно причиной громкого суда. Известный критик Д. Рескин обвинил Уистлера в том, «что он швырнул в лицо публике горшок с краской». Уистлер привлек критика к суду за диффамацию и оскорбление. Сказавшийся больным, Рескин прислал вместо себя на суд двух лордов, которых Уистлер, одаренный блестящим остроумием, смог совершенно уничтожить. Но судебный процесс, хотя и выигранный художником, привел к его полному разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции.
В том же году Уистлер уехал из Лондона в Венецию, заключив договор с Обществом изящных искусств о создании серии из двенадцати офортов этого знаменитого города. Ему приходилось в Италии очень туго, и иногда он попадал в тягостное положение из‑за отсутствия денег, но художник хранил все созданное, собираясь сделать хорошую выставку по возвращении в Лондон. И действительно, выставка венецианских работ прошла с большим успехом, что, впрочем, лишь увеличило враждебность со стороны критики.
«…В самом художнике произошел душевный надлом, – считает В. Барашкова. – По‑прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла сила, чаще встречаются композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур порой назойливо напоминают о себе.
С годами пришло признание, успех, появились почитатели, богатые заказчики. "Портрет матери" приобрело французское правительство, портрет Т. Карлейля занял почетное место в Художественной галерее в Глазго».
Не меньше своих картин Уистлер ценил свои работы декоратора. К сожалению, сохранился лишь интерьер знаменитой «Павлиньей комнаты» – столовой в доме Лейландов. Работая почти без эскизов, Уистлер создал нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века.
«…Уистлер не переносил одиночества – до самой смерти… Его дом всегда был открыт для всех… Говорят, один чудак, бедняк‑музыкант, которого Уистлер называл "первым эстетом", зашел однажды поужинать, попросился переночевать и кончил тем, что остался на три года… Дом Уистлера был открыт и для поэтов и писателей молодого поколения. А потом и светское общество стало в нем появляться… Хотя его картины еще не были приняты, сам Уистлер вошел в моду – его словечки, жесты были предметом разговоров на обедах и приемах. Начиная с этого времени публика была всегда в курсе малейших деталей частной жизни Уистлера…
Уистлер прекрасно знал цену этой популярности. Среди людей, толпившихся вокруг него, пока он был в моде, он не мог найти друзей, которых он хотел бы иметь. Позднее он посвятил "Изящное искусство создавать себе врагов" "тем редким людям, которые уже смолоду отказались от дружбы многих"… Некоторые считали, что он не мог жить без ссор, что это составляло для него всю прелесть жизни. Но он сражался, только будучи вынужден к этому. А сначала жизнь его текла спокойно и без всяких тайн. Он верил на слово своим друзьям, пока они не доказывали на деле, что были его врагами…» (Пеннель).
Умер Уистлер в Лондоне 17 июля 1903 года.
studfiles.net
ДЖЕЙМС УИСТЛЕР : Самин - 100 великих художников : Художественная литература
(1834–1903)
«…Искусство Уистлера трудно отнести к какой-нибудь определенной художественной школе. Он воспринял и синтезировал в своем творчестве самые разные течения, не поддавшись ни одному из них.
Свои пейзажи и портреты художник часто называл "ноктюрнами", или "цветовыми гармониями". Действительно, картины Уистлера отличает виртуозная тонкость и изысканность колорита, построенного, как правило, на сочетании одного-двух основных цветов» (Н. Кирдина).
Джеймс Эббот Макнил Уистлер родился 10 июля 1834 года в одном из промышленных городов США – Лоуэлле.
Осенью 1843 года Джеймс приехал в Санкт-Петербург вместе с отцом, инженером-путейцем, которого пригласило русское правительство для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы.
Годы детства и юности, проведенные Джеймсом в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясениями жизни. Снежная русская зима с катанием на коньках по льду Невы, прогулки по Царскому Селу и Петергофу – ярчайшие детские впечатления художника.
Мальчик рано пристрастился к рисованию. Уроки первоначально давал А. Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джеймс благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля: «Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В четырнадцать лет он твердо избирает путь художника.
Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку… Приходит конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Вест-Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.
Джеймс уволился из Геодезического управления в феврале 1855 года. Уистлер рассказывает: «Я писал портреты: кузины Анни Дени, Тома Уиннанса и других знакомых в Стонингтоне. Я сообщил родным, что уезжаю в Париж. Никто не возражал. Да все это уже намечалось с петербургских времен. Мне оставалось взять билет. Мне положили выплачивать в год триста пятьдесят долларов, которые я и получал очень регулярно».
Он навсегда покидает Америку. Лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.
В Париже Уистлер учился в мастерской Ш. Глейра, однако большее значение имело для него общение с Фантен-Латуром и с Курбе, а также дружеские связи с Мане, Дега и Моне. В 1858 году Уистлер опубликовал «Французскую Сюиту» из двенадцати гравюр, нарисованных в Париже, на Рейне и в Лондоне: «Ливерден», «Лудильщица», «На солнце», «Непрочная постройка», «Матушка Жерар», «Улица в Саверне», «Маленький Артур», «Тряпичница», «Анни», «Торговка горчицей», «Фюметта» и «Кухня». Офорты, в которых ясно ощущается влияние Рембрандта, принесли художнику известность.
Уистлер занимался своими офортами в самых различных условиях, рисуя прямо на меди, без всякой подготовки или предварительных набросков. Для него медная доска и острие были тем, что бумага, перо или карандаш для других. Поэтому так редки его карандашные рисунки на бумаге, тогда как количество гравюр весьма значительно. Он уверенно владел иглой, каждый штрих попадал точно на свое место.
В 1859 году художник пишет картину «У рояля». На картине, написанной в сдержанной цветовой гамме, изображены близкие ему люди – сестра Дебора и ее дочь Анни.
Картина была послана в Салон 1859 года вместе с двумя офортами. Она была отвергнута, а два офорта – приняты. Своеобразие молодого художника, видимо, испугало жюри. Несправедливость этого решения вызвала скандал. Бонвен выставил в своей мастерской отвергнутые полотна, имевшие большой успех. Картина «У рояля» вызвала восторженные отзывы, среди них и Курбе. «Теккерей увидел ее и хвалил выше всякой меры…» В этот единственный раз печать была благосклонна к Уистлеру. С этого времени он стал широко известен…
Начиная с 1859 года, в течение нескольких лет Уистлер кочевал между Лондоном и Парижем. В Лондоне он останавливался у своей сестры, леди Хейден, на улице Слоан. Иногда он приводил туда своих друзей.
Уистлера привлекала своеобразная прелесть Лондона. Никто не понял и не почувствовал ее лучше его, ни Тёрнер, ни Констебль… Он понемногу совсем обосновался в Лондоне и до самой смерти всегда возвращался туда…
С 1859 года он стал изучать Темзу. Он еще датировал свои офорты, и к этому году относятся одиннадцать досок серии Темзы. Он видел реку так, как никто до него не видел: то черной от сажи, то блистающей на солнце со своим лесом мачт, бесконечным рядом шаланд, мрачными пакгаузами, огромными доками с маленькими харчевнями на берегу. Он рисовал ее такой, какой видел, какой она была тогда… Среди этих офортов есть лучшие из того, что он вообще создал: «Набережная Черного Льва», «Тизак».
В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом № 1. Девушка в белом». Уистлер выбирает композиции с элементами, которым достоверность не обязательна: музыка, к которой отсылает нас название картины, дарит художнику принципы композиции, базирующиеся на эмоциях, внутреннем темпе, чисто формальных аккордах.
Но картина «Салон отверженных» вызвала смех у зрителей, приученных к совсем другой живописи.
«Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях "Принцесса страны фарфора", "Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма", "Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок"» (В. Барашкова).
В 1864 году Уистлер послал на выставку в Королевскую Академию два полотна – «Уоппинг» и «Длинные Лизен», или «Шесть марок фарфора». С этого момента наступает новый период в его художественном развитии. На следующий год он выставляет «Девочку в белом» – свое самое своеобразное, законченное и совершенное произведение, которое многие художники считают одним из лучших произведений века.
На полотне – Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей – японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора. Мы ощущаем душевную ясность модели. Жемчужно-белые оттенки платья Джо в сочетании с насыщенными цветовыми пятнами – красными, розовыми, золотистыми, черными – создают мажорное, чуть приглушенное звучание этой «симфонии».
В 1871 году Уистлер создает замечательный «Портрет матери». Это – одна из драгоценнейших жемчужин американского искусства.
«Выдержанный в благородном созвучии серебристых, серых и черных оттенков, осязательно конкретный в передаче объемов и фактуры предметов, ясно уравновешенный в своей простой и непосредственно-естественной композиции, этот портрет был самым наглядным воплощением лучших качеств национальной американской реалистической традиции», – пишет А.Д. Чегодаев.
Такие же четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева) художник применяет и при создании портрета английского историка и философа Томаса Карлейля (1872).
Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» (1872–1874) Уистлер работал в продолжение 70 сеансов. Это самый очаровательный и самый изящный портрет художника.
«Характеру юной грациозной девушки с капризно-печальным выражением лица, легкой, как порхающие над ее головой бабочки, и хрупкой, как стебельки изображенных рядом с ней полевых цветов, точно соответствует изысканное сочетание серых и зеленоватых тонов, в которых решен портрет, хотя художник ввел сюда и золотистые тона, – пишет Н. Кирдина. – Золотой полоской заканчивается черная панель; бантики на туфлях закреплены крошечными золотыми пряжками; волосы заколоты золотой булавкой; золото мы находим и в драпировке, брошенной на стул, и в узоре циновки на полу: картина написана широкими, свободными мазками. Тончайшие сочетания палевых, серых, серовато-зеленых, серовато-розовых оттенков великолепно передают и легкость одежд, и теплоту просвечивающего сквозь материю тела, и мягкость волос. Завершающий штрих этого портрета – подпись самого художника, напоминающая бабочку, окруженную овалом. И хотя портрет писался долго, кропотливая работа художника скрыта за блестящим артистизмом исполнения».
К этому времени технические приемы художника уже сложились. Сиккерт пишет:
«Техника Уистлера очень проста. Некоторые из ранних вещей… были на обыкновенном грунтованном светлом холсте. Позднее он предпочитал специально подготовленный холст, более грубый и тонированный обычно серым…
Начиная портрет он сначала тщательно готовил подбор тонов. Палитрой ему служила поверхность овального стола, на котором ему было удобно смешивать краски. Затем он писал прямо без подмалевка. После сеанса он собирал остатки красок со стола мастихином и опускал в блюдце или блюдо с водой, чтобы пользоваться ими на следующий день… Чтобы "не загружать холста", по его выражению, ему нужно было принимать ряд предосторожностей. Употребление с самого начала полной палитры, включая медленно сохнущие краски, вроде черной жженной слоновой кости и розового краппа, причиняло ему бесконечные трудности. Здесь не трактат по технике живописи, и достаточно сказать, что метод Уистлера не подходил для писания больших картин, требовавших многих сеансов. Это был метод "алла прима", при котором фактически картина прописывалась заново на каждом сеансе…»
Созданная в 1875 году художником картина «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» стала неожиданно причиной громкого суда. Известный критик Д. Рескин обвинил Уистлера в том, «что он швырнул в лицо публике горшок с краской». Уистлер привлек критика к суду за диффамацию и оскорбление. Сказавшийся больным, Рескин прислал вместо себя на суд двух лордов, которых Уистлер, одаренный блестящим остроумием, смог совершенно уничтожить. Но судебный процесс, хотя и выигранный художником, привел к его полному разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции.
В том же году Уистлер уехал из Лондона в Венецию, заключив договор с Обществом изящных искусств о создании серии из двенадцати офортов этого знаменитого города. Ему приходилось в Италии очень туго, и иногда он попадал в тягостное положение из-за отсутствия денег, но художник хранил все созданное, собираясь сделать хорошую выставку по возвращении в Лондон. И действительно, выставка венецианских работ прошла с большим успехом, что, впрочем, лишь увеличило враждебность со стороны критики.
«…В самом художнике произошел душевный надлом, – считает В. Барашкова. – По-прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла сила, чаще встречаются композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур порой назойливо напоминают о себе.
С годами пришло признание, успех, появились почитатели, богатые заказчики. "Портрет матери" приобрело французское правительство, портрет Т. Карлейля занял почетное место в Художественной галерее в Глазго».
Не меньше своих картин Уистлер ценил свои работы декоратора. К сожалению, сохранился лишь интерьер знаменитой «Павлиньей комнаты» – столовой в доме Лейландов. Работая почти без эскизов, Уистлер создал нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века.
«…Уистлер не переносил одиночества – до самой смерти… Его дом всегда был открыт для всех… Говорят, один чудак, бедняк-музыкант, которого Уистлер называл "первым эстетом", зашел однажды поужинать, попросился переночевать и кончил тем, что остался на три года… Дом Уистлера был открыт и для поэтов и писателей молодого поколения. А потом и светское общество стало в нем появляться… Хотя его картины еще не были приняты, сам Уистлер вошел в моду – его словечки, жесты были предметом разговоров на обедах и приемах. Начиная с этого времени публика была всегда в курсе малейших деталей частной жизни Уистлера…
Уистлер прекрасно знал цену этой популярности. Среди людей, толпившихся вокруг него, пока он был в моде, он не мог найти друзей, которых он хотел бы иметь. Позднее он посвятил "Изящное искусство создавать себе врагов" "тем редким людям, которые уже смолоду отказались от дружбы многих"… Некоторые считали, что он не мог жить без ссор, что это составляло для него всю прелесть жизни. Но он сражался, только будучи вынужден к этому. А сначала жизнь его текла спокойно и без всяких тайн. Он верил на слово своим друзьям, пока они не доказывали на деле, что были его врагами…» (Пеннель).
Умер Уистлер в Лондоне 17 июля 1903 года.
загрузка...
www.ngebooks.com
