Музей Черномырдина Музей Бахрушина Центральный музей
    Вооруженных Сил РФ Валютная биржа Центральная детская
    библиотека Музей Есенина Политехнический музей Дворец спорта Видное Педагогический
    колледж Музей спорта Музей памяти воинов Библиотека 214 МузШкола Радость Самбо 70 Частная коллекция

Альтернативный взгляд. 7 картина

Музей Прадо. 7 картин, которые стоит увидеть

Диего Веласкес. Менины (фрагмент). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид

[sg_popup id=”1″ event=”onload”][/sg_popup]

Свое знакомство с музеем Прадо я начала с книжного подарочного издания. В те стародавние времена проводной интернет был лишь мечтой и увидеть работы художников реальнее было именно в напечатанном виде.

Тогда я и узнала, что музей Прадо считается одним из самых выдающихся музеев мира и входит в двадцатку самых посещаемых.

Появилось жгучее желание его посетить, хотя на тот момент поездка в Испанию казалась чем-то недостижимым (перемещалась я исключительно на поездах, даже если на поездку из одного города в другой требовалось двое суток! Самолет был слишком роскошным средством передвижения).

Однако спустя 4 года после приобретения книги о музее, я увидела его воочию.

Да, я не была разочарована. Особенно меня поразили коллекции Веласкеса, Рубенса, Босха и Гойи. В общем, в этом музее есть, от чего впечатлиться любителю живописи.

Хочу поделиться своей мини-коллекцией самых любимых работ.

1.Франсиско Гойя. Молочница из Бордо. 1825-1827 гг.

Франсиско Гойя. Молочница из Бордо. 1825-1827 гг. Музей Прадо, Мадрид.

Гойя написал картину “Молочница из Бордо” в последние годы своей жизни, когда уже жил во Франции. Картина грустная, минорная и в то же время гармоничная, лаконичная. Для меня эта картина – то же, что прослушать приятную и легкую, но грустную мелодию.

Картина написана в стиле импрессионизма, хотя до его расцвета еще пройдет полвека. Творчество Гойи серьезно повлияло на формирование художественного стиля у Мане и Ренуара.

2. Диего Веласкес. Менины. 1656 г.

Диего Веласкес. Менины. 1656 г. Музей Прадо, Мадрид

“Менины” Веласкеса – один из немногих заказных семейных портретов, при создании которого художника никто не ограничивал. Поэтому она так необычна и интересна. Так мог себя вести разве что Франсиско Гойя: спустя 150 лет он нарисовал портрет другой королевской семьи, также позволяя себе вольности, пусть и другого толка.

А что собственно интересного в сюжете картины? Предполагаемые главные герои находятся за кадром (королевская чета) и отображаются в зеркале. Мы же видим то, что видят они: рисующего их Веласкеса, его мастерскую и свою дочь с девушками служанками, которых и называли менинами.

Интересная деталь: в комнате нет люстр (только крюки для их подвески). Получается, что художник работал только при дневном свете. А вечером был занят придворными делами, которые сильно отвлекали его от живописи.

О шедевре читайте также в статье «Менины» Веласкеса. О картине с двойным дном».

3. Клод Лоррен. Отплытие святой Паулы из Остии. 1639-1640 гг. Зал 2.

Клод Лоррен. Отплытие святой Паулы из Остии. 1639-1640 гг. музей Прадо, Мадрид.

Впервые познакомилась с Лорреном в … съемной квартире. Там висела репродукция этого пейзажиста. Даже она передавала, насколько художник умел изображать свет. Лоррен, кстати, первый художник, который досконально изучал свет и его преломление.

Поэтому не удивительно, что, несмотря на чрезвычайную непопулярность пейзажной живописи в эпоху Барокко, Лоррен тем не менее был известным и признанным мастером еще при жизни.

4. Питер Пауль Рубенс. Суд Париса. 1638 г. Зал 29.

Питер Пауль Рубенс. Суд Париса. 1638 г. Музей Прадо, Мадрид.

В музее Прадо хранится одна из самых значительных коллекций работ Рубенса (78 работ!). Его пасторальные работы очень приятны глазу и созданы в первую очередь для удовольствия от созерцания.

С эстетической точки зрения среди работ Рубенса сложно выделить какую-то одну. Однако особенно мне нравится картина “Суд Париса” скорее из-за самого мифа, сюжет которого изобразил художник – выбор “самой прекрасной женщины” привел к длительной Троянской войне.

О другом шедевре мастера читайте в статье «Охота на львов» Рубенса. Эмоции, динамика и роскошь в одной картине».

5. Эль Греко. Басня. 1580 г. Зал 8b.

Эль Греко. Басня. 1580 г. Музей Прадо, Мадрид.

Несмотря на то, что у Эль Греко есть гораздо более известные полотна, мне больше всего импонирует именно эта картина. Она не совсем типична для художника, который чаще писал на библейские темы с характерными вытянутыми телами и лицами изображенных персонажей (живописец, кстати, похож на героев своих картин – такой же худощавый с длинным лицом).

Судя по названию, это картина-аллегория. На сайте музея Прадо выдвигается гипотеза, что разгорающийся от небольшого дуновения уголек означает легко вспыхивающее сексуальное влечение.

6. Иероним Босх. Сад земных наслаждений. 1500-1505 гг. Зал 56а.

Иероним Босх. Сад земных наслаждений. 1505-1510 гг. Музей Прадо, Мадрид.

Если вам нравится Босх, в музее Прадо вы найдете самую большую коллекцию его работ (12 работ).

Конечно, самая знаменитая из них – Сад земных наслаждений. Перед этой картиной можно простоять очень долго, рассматривая большое количество деталей на трех частях триптиха.

Босх, как и многие его современники в средневековье, был очень набожным человеком. Это еще более удивительно, что от религиозного живописца никак не ожидаешь такой игры воображения!

Более подробно о картине читайте в статьях: “Сад земных наслаждений” Босха: в чем смысла самой фантастической картины Средневековья”.

7. Роберт Кампен. Святая Варвара. 1438 г. Зал 58.

Роберт Кампен. Святая Варвара. 1438 г. Музей Прадо, Мадрид.

Я, конечно, была потрясена этой картиной (это правая створка триптиха; левая створка также хранится в Прадо; центральная же часть утеряна). Мне было сложно поверить, что в 15 веке создавали буквально фотографическое изображение. Это же сколько нужно мастерства, времени и терпения!

Сейчас я, конечно, полностью согласна с версией английского художника Дэвида Хокни о том, что подобные картины рисовали с помощью вогнутых зеркал. Они проецировали на холст отображаемые предметы и просто обводились мастером – отсюда такая реалистичность и детализированность.

Ведь недаром работы Кампена так похожи на работы другого более знаменитого фламандского художника Яна ван Эйка, который также владел этой техникой.

Однако от этого картина не теряет своей ценности. Ведь перед нами по сути фотографическое изображение быта людей 15 века!

***

Только поставив в ряд свои любимые работы музея Прадо, поняла, что временной охват получился серьезным – 15-19 века. Это сделано не предумышленно, цели показать разные эпохи у меня не было. Просто шедевры, которые сложно не оценить, создавались во все времена.

Вам также могут понравиться статьи:

“Пушкинский музей. 7 шедевров старых мастеров”

“Картины Эрмитажа. 7 шедевров, которые стоит увидеть”

Автор: Оксана Копенкина

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Одноклассники

Google+

Похожее

arts-dnevnik.ru

Музей д'Орсе в Париже. 7 картин постимпрессионистов, которые стоит увидеть

Анри Руссо заклинательница змей

Музей д’Орсе славится своими шедеврами импрессионистов. О самых интересных из них я рассказала в статье “Прогулка по музею д’Орсе”.

Однако не менее значительны работы постимпрессионистов. Без них не было бы искусства 20 века. Именно они “навели мосты” от академизма и рафинированного реализма к новым стилям и направлениям. Ван Гог проложил путь к экспрессионизму. Сезанн – к абстракционизму и кубизму. Гоген – к символизму.

Помимо этих ключевых постимпрессионистов я решила сюда же причислить неоимпрессионистов (Сера и Синьяк), а также Тулуз-Лотрека с Анри Руссо. Они тоже наводили мосты между старым и новым искусством. Между устоявшимися канонами и новым мировоззрением.

1. Винсент Ван гог. Церковь в Овере

Винсент Ван Гог. Церковь в Овере. 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

Ван Гог прибыл в Овер в мае 1890 году. В июле этого же года он выстрелил себе в грудь. За эти два месяца он написал 70 картин. По одной картине в день. В том числе “Церковь в Овере”. Феноменальная работоспособность. Невероятная красочность картины. Учитывая, что её создатель задумывал самоубийство.

Ван Гог не ставил себе задачи передать реалистичные очертания здания. Он хотел вызывать эмоции. Отсюда – яркие цвета, густые мазки, искажение линий. Церковь больше похожа на сказочный замок. Освещение тоже не реалистичное. Небо кажется ночным. На самом деле изображен день. Судя по лужайке и дорожкам, залитым солнцем.

Именно на почве, возделанной Ван Гогом, потом и родится экспрессионизм в 20 веке. Как можно дальше от реализма. Как можно ближе к внутренним переживаниям и эмоциям. Обратите внимания, как эта работа откликается в шедеврах Мунка и Кокошки.

Слева: Эдвард Мунк. Крик. 1910 г. Национальная галерея Осло, Норвегия. Справа: Эрнест Кокошка. Невеста ветра. 1914 г. Художественный музей Базеля, Швейцария

2. Поль Сезанн. Игроки в карты

Поль Сезанн. Игроки в карты. 1890-1895 гг. Музей д’Орсе, Париж

Сезанну позировали сельские жители. Это редкий случай, когда моделями были не члены семьи художника. Ведь он работал очень медленно. 1-2 года над одной картиной.

Возможно, Сезанн неспроста выбрал сюжет с картами. Во время карточной игры люди сидят достаточно долго в одной позе. К тому же крестьяне умели терпеливо позировать.

За 5 лет Сезанн создал 5 картин с игроками в карты. Та, что в музее д’Орсе – одна из самых известных.

Поль Сезанн. Игроки в карты. 1890-1895 гг. Слева: Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Справа: Институт искусства Корто, Лондон

Как всегда, поражает цветовая гамма Сезанна. Пиджак игрока слева не просто коричневый. Он соткан из зелёных, фиолетовых, бежевых мазков. А шляпа игрока справа – из белых, желтых, красных и голубых.

Сезанн тоже не гнался за реалистичностью. Фигуры мужчин сильно вытянуты. Стол перекошен. Правая его ножка и вовсе частично не прорисована. Как будто художник вёл кисточкой по холсту, и краска закончилась. Почему именно так он нарисовал стол, сложно понять. Это как обьяснить какую-нибудь мелодию.

Творчество Сезанна вдохновляло абстракционистов. Пикассо, Кандинского. В чьих работах вы тем более не сможете понять все до конца.

Анри Тулуз-Лотрек. Женщина в перчатках (Портрет Онорины Плетцер). 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

“Женщина в перчатках” не совсем типична для Тулуз-Лотрека. В основном он писал танцовщиц и проституток. В кабаре. В публичном доме.

Тулуз-Лотрек стремился выразить в рисунке психологический портрет изображённого. Никогда не приукрашивал своих моделей. Наоборот, показывал их с самой неприглядной стороны.

Здесь же ситуация иная. Аристократка позирует художнику на открытом воздухе. Видимо, она была настолько красива внешне и благородна внутренне, что мастер не стал искажать её облик.

Это, пожалуй, самая приятная модель Тулуз-Лотрека. Вот вам для сравнения портреты других женщин. Вполне себе милых в реальной жизни. Их внешний облик Тулуз-Лотрек несколько исказил, дабы подчеркнуть их характер и темперамент. Смешливая и ироничная певица Иветт Гилберт. Замкнутая и утонченная танцовщица кабаре Джейн Авриль.

Рисунки Тулуз-Лотрека. Слева: Иветт Гилберт у занавеса. 1892 г. Музей Тулуз-Лотрека в Альби. Справа: Джейн Авриль танцует. 1892 г. Музей д’Орсе, Париж.

Тулуз-Лотрек был одним из самых ярких законодателей плакатной живописи. Минимализм. Резкость и скупость линий. Яркие цвета. Он внёс значительную лепту в развитие современного искусства.

Выставка литографий Тулуз-Лотрека проходит в Радищевском музее в Саратове (до 1 декабря 2016 г.).

4. Жорж Сера. Цирк

Жорж Сера. Цирк. 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

Картина “Цирк” очень необычна. Ведь она написана с помощью точек. К тому же Сера использовал всего 3 основных цвета и нескольких дополнительных цветов.

Дело в том, что Сера решил привнести в живопись науку. Он опирался на теорию оптического смешения. Которая гласит, что размещенные рядом чистые цвета смешиваются уже в глазу зрителя. То есть их не нужно смешивать на палитре. Такой способ живописи называется пуантилизм (от фр. слова “пуант” – “точка”).

Обратите внимания, что люди на картине “Цирк” скорее похожи на кукол. Это не из-за того, что они изображены с помощью точек. Сера сознательно упрощал лица и фигуры. Чтобы создать вневременные образы. Как это делали египтяне, изображая человека очень схематично. Когда нужно было, Сера мог нарисовать человека вполне “живого”. Даже точками.

Сера умер в 32 года от дифтерии. Неожиданно. Он так и не успел завершить свой “Цирк”.

Пуантилизм, который изобрел Сера, просуществовал недолго. Зато этот метод лег в основу телевизионной передачи изображения. Ведь именно разноцветные точки, пиксели, и составляют картинку не только телевизора, но и любого нашего гаджета. Заглядывая в телефон, я невольно вспоминаю именно Жоржа Сера.

5. Поль Синьяк. Красный буй.

Поль Синьяк. Красный буй. 1895 г. Музей д’Орсе, Париж

Поль Синьяк был другом и верным последователем Жоржа Сера. Правда он предпочитал точки покрупнее, скорее короткие мазки. Но так же, как и Сера пользовался чистыми цветами.

“Красный буй” – одна из лучших работ Синьяка. Точки как нельзя лучше подходят для изображения водной ряби. Чтобы подчеркнуть зыбкость водной поверхности, Синьяк изображает дома, яхты и небо не точками, а мазками.

Сейчас в стиле пуантилизма художники работают крайне редко. Однако это направление привело к появлению нового витка в развитии живописи – фовизму. Основные черты которого – упрощенная форма, ритмичный мазок, яркие цвета.

Обратите внимание, насколько Поль Синьяк “виден” в работе фовиста Андре Дерена.

Андре Дерен. Просушка парусов. 1905 г. Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А.С. Пушкина), г. Москва

6. Поль Гоген. Белая лошадь.

Поль Гоген. Белая лошадь. 1898 г. Музей д’Орсе, Париж

Гоген последние годы жизни провёл на Полинезийских островах. Будучи сам наполовину перуанцем, он однажды решил убежать от цивилизации. Как ему казалось, в рай. Рай обернулся нищетой и одиночеством. Однако именно здесь он создал свои самые известные полотна. В том числе “Белую лошадь”.

Лошадь пьёт из ручья. На заднем плане – двое нагих таитянина едут верхом. Без седел и поводьев. Экзотические растения. Гоген, так же, как и Ван Гог не боялся экспериментировать с цветом. Его ручей с оранжевыми переливами. Лошадь зеленоватого оттенка от падающей на неё тени листвы.

Такая “варварская” раскраска не пользовалась спросом. Гоген был очень беден. Однажды один из его кредиторов, владелец местных аптек, пожелал поддержать художника. И попросил продать ему картину. Но с условием, что это будет незамысловатый сюжет.

Гоген принёс “Белую лошадь”. Он считал её простой и понятной. Хотя, к слову, одинокое животное у таитян означает душу. А белый цвет и вовсе ассоциировался со смертью. Но возможно, заказчик картины этой местной символики не знал.

Картину он не принял по другой причине. Лошадь была слишком зеленой. Он же предпочёл бы видеть белую лошадь. Чтобы это соответствовало названию. Знал бы тот аптекарь, что сейчас за эту Зеленую, вернее Белую лошадь отдали бы несколько сот миллионов долларов!

О художнике читайте также в статье “Поль Гоген. Гений, не дождавшийся славы”.

7. Анри Руссо. Заклинательница змей

Анри Руссо. Заклинательница змей. 1907 г. Музей д’Орсе, Париж

“Заклинательница змей” завораживает зрителя. Своей декоративностью. Магичностью. Самое интересное, что Анри Руссо никогда не выезжал за пределы Франции. Экзотичные растения и животные он наблюдал и копировал в зоопарке и ботаническом саду Парижа.

Все считали его чудаком. Ведь он нигде не учился живописи. При этом очень хотел, чтобы его считали настоящим художником. Другие художники над ним частенько посмеивались. Никто не верил, что его картины однажды воспримут всерьёз. А уж тем более никто и представить не мог, что Руссо назовут отцом целого направления в живописи. Примитивизма.

Только сам Руссо верил, что однажды так наивно и примитивно будут писать все. В том числе и Пикассо. И Матисс. А пока они стоят перед его картиной “Заклинательница змей”. Молодые, амбициозные. И лишь смехом заливаются.

Кстати, сколько змей вы видите? Они не сразу все бросаются на глаза.

Читайте также о картине мастера в статье «Спящая цыганка Руссо».

***

Представленные художники – очень разные. Объедняет их одно. Они бросили вызов сложившимся канонам в живописи. Они посмели отойти от реализма. Так же, как и импрессионистов, их не любили современники. Так уж сложилось, что передовое, переломное шло вразрез со вкусами публики. Публика оценила их позже. Недаром их работы – одни из самых дорогих в мире.

Кстати, не менее значительная коллекция постимпрессионистов хранится в Москве, в Галерее искусства Европы и Америки 19-20 вв. (Отдельное здание Пушкинского музея).

Автор: Оксана Копёнкина

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Одноклассники

Google+

Похожее

arts-dnevnik.ru

7 картин, тайна которых до сих пор не раскрыта — Альтернативный взгляд Salik.biz

Порой можно испытать сильные эмоции или ощутить настоящий страх при одном лишь взгляде на картину. И это объяснимо, ведь художник вкладывает определенную энергетику в свою работу. И чем талантливее художник, тем больше силы он может передать своему творению.

Айзелуортская Мона Лиза

90 % посетителей Лувра приходят туда лишь ради того, чтобы взглянуть на самую загадочную картину в мире — легендарную «Мону Лизу». До сих пор остается множество нераскрытых тайн картины. Кроме того, известно, что она способствует возникновению синдрома Стендаля. Это расстройство, при котором человек очень остро воспринимает произведения искусства: дезориентируясь в пространстве, люди буквально переносятся внутрь картины. Что можно увидеть по ту сторону «Джоконды», неизвестно, но факты говорят за себя: она доводила посетителей как до агрессии, так и до самоубийства.

Но мало кто знает, что существует еще одна версия «Джоконды» — «Айзелуортская Мона Лиза», которая, вероятно, принадлежала кисти того же Леонардо да Винчи и была написана годами ранее. Либо она и вовсе представляла оригинал картины, а всем известный вариант был написан Леонардо спустя 20 лет в его мастерской. Это полотно было найдено более века назад в частной коллекции, сейчас же оно представлено в музее Прадо в Мадриде. Возможно, когда-нибудь именно эта картина поможет расшифровать все тайны знаменитой «Джоконды».

Почтовый дилижанс

Эта картина была написана художницей Лаурой П. с фотографии. Причем автор фотографии Джеймс Кидд утверждает, что никакого человека, стоящего слева от дилижанса, он не снимал. Он неожиданно возник в процессе проявления фотографии (оригинал фотографии вы можете посмотреть здесь).

Завершенную работу художница повесила в офисе, но ее попросили немедленно забрать оттуда полотно. Именно с появлением картины в помещении будто завелся полтергейст, а сама она всегда висела криво, несмотря на то что ее поправляли каждый раз. Далее история повторялась в других домах, которые «приютили» картину. В конце концов ее пришлось сжечь.

Плачущий мальчик

Существует целая серия картин плачущих детей итальянского художника Бруно Амадио. Это портреты 65 детей-сирот, которые художник продавал туристам после Второй мировой войны.

Самой знаменитой картиной этой серии является «Плачущий мальчик», которая официально признана проклятой в нескольких регионах Англии. По легенде, автор полотна зажигал перед позирующим мальчиком спичку, чтобы тот плакал. С тех пор репродукции этой картины поучаствовали в 50 пожарах по всей Англии.

Венера с зеркалом

Картина Диего Веласкеса «Венера с зеркалом» сама по себе представляет тайну: искусствоведы теряются в догадках, почему же отражение лица настолько красивой и молодой богини нарисовано довольно старым. И почему здесь неправильная перспектива? Что имел в виду автор?

Помимо этих тайн картине приписывают также и мистическую силу. Получилось так, что всех ее владельцев преследовали несчастья: разорения, пожары и грабежи. Где бы она ни оказалась, от нее пытались тут же избавиться. В начале XX века картина попала в Национальную галерею Лондона, казалось бы, найдя успокоение. Но в 1914 году британская активистка по борьбе за права женщин нанесла ей пять ударов тесаком, растерзав красавицу Венеру. Больше с картиной ничего странного не случалось.

Женщина дождя

Картина «Женщина дождя», написанная винницкой художницей Светланой Телец, также производит крайне странное впечатление. Художница признается, что нарисовала картину всего за 5 часов, и при этом будто кто-то водил ее руку. Все покупатели полотна возвращали его обратно, жалуясь на бессонницу, беспокойство и ощущение, что за ними кто-то постоянно следит.

Портрет испанского генерала Бернардо де Гальвеса

Если вы пишете роман о привидениях, вам определенно стоит посетить отель «Гальвеc» в Галвестоне (Техас, США). Постояльцы зачастую жалуются на портрет испанского генерала Бернардо де Гальвеса, чей взгляд, как они утверждают, пристально следует за ними по коридору и лестнице. При этом многих не покидает чувство, что генерал следует за ними и после — настолько живо он изображен. Самое удивительное, что эту картину не получается сфотографировать. Снимок на камеру обычно выходит с пятнами, засвеченным либо искаженным.

Вообще про этот отель ходит множество таинственных слухов и легенд.

Руки противятся ему

Художник Билл Стоунхэм утверждает, что картину он писал со своей детской фотографии. Кукла, что стоит рядом с ним, выступает тут проводником в мир снов, которая находится за дверью. Но в мир каких снов...

Неприятные истории случились в семье уже одних из первых ее владельцев. Семья, которая приобрела картину, повесила ее в детской. В итоге маленькая дочка стала каждую ночь с плачем прибегать в спальню родителей и кричать, что дети на картине дерутся. Последующие обладатели полотна также жаловались на странные обстоятельства, плохое самочувствие и жуткие трансформации картины. На нее и правда дольше минуты спокойно не посмотришь.

salik.biz

Музей русского импрессионизма в Москве. 7 картин, которые стоит увидеть

Этюд Серова

Считается, что в живописи импрессионизм неизбежен. Он всегда приходит на смену классицизму. Он всегда предшествует авангарду. Импрессионизм – это переход от жёстких догм и строгих нравов к свободомыслию и буйству фантазии.

Ярче всего увлечение импрессионизмом прошло во Франции. Все знают импрессионизм американский, английский.

А вот русский импрессионизм прошёл незаметно. Как эпизод. Работ чисто импрессионистских откровенно мало. Скорее есть картины с элементами этого стиля. И таких работ в музее русского импрессионизма около 80.

Музей однозначно интересный. Хотя неожиданный. Нет в России музея русского авангарда. Хотя весь мир знает Кандинского, Малевича. А музей русского импрессионизма теперь есть.

Вот лишь 7 картин музея, перед которыми однозначно стоит задержаться.

1. Константин Коровин. В парке. 1880 г.

Константин Коровин. В парке. 1880 г. Музей русского импрессионизма

Константин Коровин – импрессионист “до мозга костей”. Он писал картины в этом стиле на протяжении всей своей жизни. Причём пришёл он к этому стилю сам.

Как-то его учитель Василий Поленов воскликнул “А вы, оказывается, импрессионист!” Коровин сильно удивился такому определению. Ведь он никогда до этого работ импрессионистов не видел.

Картина “В парке” создана, когда Коровин ещё был студентом Московского училища живописи. В ней уже прослеживается импрессионистская манера. Написана она широкими мазками. А фигура “не растворяется” в атмосфере лишь за счёт яркой одежды.

Хотя лишь через 3 года он напишет свою знаменитую “Хористку”. Именно эта работа, созданная на открытом воздухе, будет признана первой картиной русского импрессионизма.

О мастере читайте подробнее в статье “Константин Коровин. Наш импрессионист”.

2. Валентин Серов. Окно. 1887 г.

Валентин Серов. Окно. 1887 г. Музей русского импрессионизма, Москва.

“Окно” Валентина Серова – это этюд. Так художник готовился к созданию картины “У окна” – портрета своей возлюбленной Ольги Трубниковой.

Картина получилась невероятно воздушной и свежей. Она напомнила мне работы Берты Моризо, одной из самых выдающихся женщин-импрессионистов. Она тоже писала в таком этюдном стиле. Милая небрежность и незаконченность только радует глаз. Как будто мы смотрим на окно, а все остальное размывается, так как мы видим это периферийным зрением.

Картина очень согласуется со словами самого Серова “В нынешнем веке пишут все тяжёлое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать отрадное”.

О главном шедевре мастера читайте в статье «Девочка с персиками. Жизнь и талант Серова в одной картине».

3. Константин Юон. Ворота Ростовского Кремля. 1906 г

Константин Юон. Ворота Ростовского Кремля. 1906 г. Музей русского импрессионизма, Москва

Константин Юон был всегда успешен. Уже на студенческих выставках его работы хвалили. Их охотно покупали. На вырученные деньги он путешествовал по Европе. Там он и познакомился с работами Моне, Сислея и Писсарро.

Его Ростовский кремль заполняет все пространство картины. Стены выложены крупными мазками. И он как будто немного не в фокусе. Всем этим он напоминает Руанский собор Клода Моне.

Удивительно, что в зрелые годы Юон, наоборот, будет недолюбливать импрессионистов. И высмеивать тех, кто стремился писать на французский манер, когда по его словам “на Волге рисуется розовая почва, похожую на ту, что на Гаити рисовал Гоген”.

4. Борис Кустодиев. Венеция. 1913 г.

Борис Кустодиев. Венеция. 1913 г. Музей русского импрессионизма

Бориса Кустодиева сложно назвать импрессионистом. Но его роднит с этим направлением присущее ему жизнелюбие. Его картины очень позитивны и красочны.

На картине “Венеция” этот волшебный город изображен ночью. Но даже ночная тьма не затмевает праздника. Салют, огни, толпы людей. Праздник жизни. Радость бытия.

У художника вы не найдёте печальных сюжетов. И сложных вопросов он тоже в своих картинах не задавал.

Поражает то, что Борис Кустодиев был сильно болен. В 1911 году у него обнаружили туберкулёз позвоночника. Болезнь прогрессировала. Но это не лишило его умения радоваться жизни. Наоборот, его картины стали ещё более яркими с момента, когда его парализовало.

5. Пётр Кончаловский. Всякие цветы. 1939 г.

Пётр Кончаловский. Всякие цветы. 1939 г. Музей русского импрессионизма, Москва

Пётр Кончаловский был жизнерадостным человеком. Он стремился к самым прекрасным проявлениям природы. Поэтому у него так много натюрмортов с цветами.

От его цветов как-будто исходит запах. Настолько естественно он их изображал. Он наслаждался их красотой. И мы вместе с ним. Здесь он очень созвучен Ренуару, который тоже считал, что “боль проходит, а красота остаётся”.

Причем писал натюрморты он очень быстро. Чтобы не упустить впечатление. В этом его тоже можно назвать импрессионистом.

Его жена, дочь великого художника Сурикова, рассказывала, что художник старался писать по одному натюрморту в день. А сам он по этому поводу рассуждал: “Вот пройдёт время и будут мои цветы висеть по разным музеям. И кто-то воскликнет “Кончаловский создавал по натюрморту в день, поэтому так и хорошо!” А кто-то скажет “Поэтому так и плохо!”

6. Игорь Грабарь. Зимний пейзаж. 40-50-ые года 20 века.

Игорь Грабарь. Зимний пейзаж. 40-ые года 20 века. Музей русского импрессионизма, Москва

Игорь Грабарь был большим почитателем французского импрессионизма. Он даже целых 4 года колесил по Европе в изучении этого направления. Но по возвращении как будто заново полюбил русскую природу. Писал её с упоением. Как он сам признавался, он был ошеломлён русской зимой. Хотел рисовать сверхъестественное дерево, дерево-сказку, берёзу.

Как и импрессионисты, любил работать на открытом воздухе. Даже зимой. Даже в сильный мороз. Только так он мог передать впечатление от увиденного и изобразить прозрачный зимний воздух.

Сравните его работу с зимними пейзажами Клода Моне.

7. Юрий Пименов. Афиши под дождём. 1973 г.

Юрий Пименов. Афиши под дождём. 1973 г. Музей русского импрессионизма, Москва

Юрия Пименова роднит с импрессионизмом стремление поймать мгновение жизни. И показать всю красоту даже самого обыденного. Как он сам говорил “За любой вещью, увиденной с душой, встанет красота жизни”.

Его картина “Афиша под дождём” чем-то похожа на работы Эдгара Дега. На ней мы видим как бы “вырванный” из происходящего кусок. Углы обрезаны. Прохожие не умещаются полностью в “кадр”. Голова идущей девушки в правом углу картины как бы едва успела появится, чтобы быть запечатленной художником.

Кстати, афиши – не случайный сюжет для Пименова. Он был признанным сценографом. Работал для Малого театра и Ленкома. Поэтому тема театра и кино ему была близка.

***

Коллекция музея – это частная коллекция Бориса Минца. Кто-то фыркнет, что не тот размах. Всего-то 80 работ. Да и то работы не самые краеугольные в творчестве мастеров. Мол, все их главные шедевры давно висят в других музеях.

Время покажет, получится ли размах. А он может получится. Это же не первый музей, который начался с одной частной коллекции. Третьяковская галерея, Национальная галерея Вашингтона или музей Прадо – тоже когда-то были музеями одной частной коллекции. Правда должен пройти не один десяток лет.

Также Вам могут понравится статьи про русских импрессионистов. Чьи работы хранятся в музее русского импрессионизма.

“Константин Горбатов. Русские города в стиле импрессионизма”

“Валентина Диффинэ-Кристи. Миражи импрессионизма”

Автор: Оксана Копенкина

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Одноклассники

Google+

Похожее

arts-dnevnik.ru

7 Картина

№44 “У Лоренцо” – сопоставляются темы Лоренцо и Джульетты, а в момент, когда монах даёт снотворное Джульетте, впервые звучит тема смерти – музыкальный образ, точно соответствующий шекспировскому: “Холодный томный страх сверлит мне вены. Он замораживает жизни жар”,-

автоматически пульсирующее движение передаёт оцепенение, глухо вздымающиеся басы – растущий “томный страх”.

№45 “Интерлюдия” – рисует сложную внутреннюю борьбу Джульетты – звучит 3 тема любви и в ответ ей тема рыцарей и тема вражды.

8 Картина

№46 “Снова у Джульетты” - продолжение сцены – страх и смятение Джульетты выражены в застылой теме Джульетты из вариаций и 3 тема Джульетты-девушки.

№47 “Джульетта одна (решается)” – чередуются тема напитка и 3 тема Джульетты, её роковой судьбы.

№48 “Утренняя серенада”. В IIIакте жанровые элементы характеризуют обстановку действия и использоются очень скудно. Две изящные миниатюры – “Утренняя серенада” и “Танец девушек с лилиями” введены для создания тончайшего драматического контраста.

№50 “У постели Джульетты” – начинается с 4 темы Джульетты (трагической). Мать и Кормилица идут будить Джульетту, но она мертва – в самом высоком регистре скрипок печально и невесомо проходит 3 тема Джульетты.

IV акт – Эпилог

9 Картина

№51 “Похороны Джульетты” – этой сценой открывается Эпилог – замечательная музыка траурного шествия. Тема смерти (у скрипок) приобретает скорбный характер. Появление Ромео сопровождает 3 тема любви. Смерть Ромео.

№52 “Смерть Джульетты”. Пробуждение Джульетты, её гибель, примирение Монтекки и Капулетти.

Финал балета– светлыйгимн любви, основанный на постепенно возрастающем, ослепительном звучании 3 темы Джульетты.

Произведение Прокофьева продолжило классические традиции русского балета. Это выразилось в большой этической значимости избранной темы, в отражении глубоких человеческих чувств в развитой симфонической драматургии балетного спектакля. И вместе с тем балетная партитура “Ромео и Джульетты” была такой необычной, что потребовалось время для “вживания” в неё. Возникла даже ироническая поговорка: “Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете”. Лишь постепенно всё это сменилось восторженным отношением артистов, а затем и публики к музыке. Необычным прежде всего явился сюжет. Обращение к Шекспиру было смелым шагом советской хореографии, так как по общему мнению считалось, что воплощение столь сложных философских и драматических тем невозможно средствами балета. Прокофьевская музыка и спектакль Лавровского проникнуты шекспировским духом.

Список литературы.

Советская музыкальная литература под редакцией М.С. Пекелиса;
И. Марьянов “Сергей Прокофьев жизнь и творчество”;
Л. Далько “Сергей Прокофьев популярная монография”;
Советская музыкальная энциклопедия под редакцией И.А.Прохоровой и Г.С. Скудиной.

studfiles.net

Радищевский музей в Саратове. 7 картин, которые стоит увидеть

Айвазовский корабль у берега

Радищевский музей в Саратове старше Третьяковки и Пушкинского музея. Это первый музей, открытый в русской провинции. До сих пор является одним из лучших европейских музеев.

Все благодаря его основателю Боголюбову Алексею Петровичу. Внук Радищева, автора знаменитого “Путешествия из Петербурга в Москву”. Профессор Академии художеств. Он собрал уникальную коллекцию работ европейских и русских художников и передал её в дар городу.

Его всячески поддерживал в этом начинании Александр III. И даже подарил несколько работ из Эрмитажа. Поэтому музей уникален. И провинциальным его сложно назвать. Так что решила написать об этом музее не только потому что сама родилась и выросла в Саратове.

1. Джорджо Вазари. Триумф Вакха

Джорджо Вазари. Триумф Вакха. Около 1560 г. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Вазари, младший современник Рафаэля, Леонардо да Винчи и Микеланджело. Архитектор и художник. Но мы его больше знаем, как создателя знаменитых жизнеописаний мастеров Возрождения. Благодаря Вазари мы достаточно хорошо знаем о творческом пути и жизни Рафаэля.

Картины Вазари – очень редкое явление в русских музеях. Поэтому Радищевский музей заслуженно гордиться этим шедевром.

Кстати, картина была куплена у итальянских владельцев с аукциона для Эрмитажа. Когда был построен Радищевский музей, Александр III разрешил Боголюбову забрать ее из запасников Эрмитажа. Тогда в её подлинности сомневались. Однако в 21 веке химический анализ подтвердил авторство Вазари.

Картина написана в стиле маньеризма. Отсюда – нагромождение фигур. Повышенный эротизм. Поучительный сюжет. Посередине – Бог Дионисий. Он молод. Но уже утомлён от вечного праздника. Слева от него молодые девы. Справа – женщина-сатир в возрасте и не менее молодой сельский бог Силен с ослом.

Вазари как бы пытается донести, что если в молодости алкогольные возлияния уместны, то с возрастом они выглядят нелепицей. И если в возрасте человек продолжает злоупотрелять возлияниями, то представляет из себя жалкое зрелище.

О мастере читайте в статье “Джорджо Вазари. Художник и искусствовед в одном лице”.

2. Коро Жан-Батист-Камиль. Замок Пьерфон

Жан Батист Камиль Коро. Замок Пьерфон. 1865 г. Саратовский Государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Работы знаменитого французского живописца 19 века Коро также редко встретишь в русских музеях. Но в Радищевский музей картина попала не случайно. Боголюбов искренне восхищался художником и по возможности приобретал его работы.

Работы Коро ни с чем не спутаешь. Они являются классикой барбизонской школы. Барбизонцы были предшественниками импрессионистов. Они первыми начали работать на открытом воздухе. Предпочитали писать пейзажи и сельскую жизнь. Все это импрессионисты у них и позаимствуют.

Однако барбизонцы в отличие от импрессионистов предпочитали сдержанные тона. Вернее они пользовались несколькими тонами одного цвета. В результате работа получалась чуть ли не монохромной. Такова и картина “Замок Пьерфон”. Импрессионисты, в том числе Клод Моне и Ренуар будут тяготеть куда к более ярким краскам.

Коро изобразил раннее утро. Очертания замка только-только проступили из темноты. Невероятным образом художник передал свет зарождающегося дня. На переднем плане – два стражника. Это добавляет в пейзаж сказочности и таинственности. Ведь Коро – художник-поэт. А его работы называют “пейзажами настроения”.

Работа является авторским повторением работы Коро “Пароль или воспоминания о замке Пьерфон”, которая хранится в Пушкинском музее в Москве.

3. Айвазовский И.К. Корабль у берега

Айвазовский И.К. Корабль у берега. Первая половина 19 в. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

“Корабль у берега” – классическая работа Айвазовского. Он любил писать морскую разбушевавшуюся стихию. На картине как раз изображен начинающийся шторм. Корабль накренило. Паруса крепко надуты. Море бежевого цвета от поднятого со дна песка.

Поразительно, что Айвазовский писал картину на одном дыхании, пока не высохнет краска. За один день. Иногда за полдня. Невероятное мастерство. Не удивительно, что Айвазовский оставил поистине огромное художественное наследие. Более 6000 работ. Три из них и хранятся в Радищевском музее.

Вам не кажется, что на таком расстоянии от берега корабль слишком мелкий? Либо он должен быть больше. Либо находиться дальше. Уверена, что Айвазовский осознанно сделал корабль такого размера. Немного пренебрегая реалистичностью. Чтобы подчеркнуть превосходство природной стихии над кораблем.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Девятый вал” Айвазовского. Почему это шедевр?”

4. Репин И.Е. Портрет Нади Репиной

Репин И.Е. Портрет Нади Репиной. 1881 г. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Портрет Нади Репиной или “Девочка в розовом” – визитная карточка Радищевского музея. Это шедевр, известный многим. И понятно почему.

Она очень жизненна и естественна. Девочка только проснулась. Но ещё пребывает во власти сновидений. Её взгляд отрешён. Руки опущены. Картина написана в импресионистской манере. Широкими мазками. В виде выхваченного “кадра” из повседневной жизни.

Репин не был импрессионистом. И даже осуждал их за пренебрежение деталями. Но видимо для такого сюжета только импрессионизм и подходил. Чтобы подчеркнуть сиюминутность происходящего. Хотя на самом деле Репин работал над картиной долго. Его дочери пришлось не раз попозировать. Не в самой удобной позе.

Боголюбов в Париже всячески поддерживал молодых русских художников. В том числе молодого Репина. Поэтому не удивительно, что тот выбрал Боголюбова крестным отцом Нади. А потом и подарил портрет шестилетней девочки. Так картина вместе с остальной коллекцией Боголюбова и попала в Радищевский музей.

5. Левитан И. И. Буря. Дождь.

Левитан И.И. Буря. Дождь. 1899 г. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Картину “Буря. Дождь” Левитан писал будучи смертельно больным. Это его последняя крупная работа. Врачи не скрывали от него, что его болезнь сердца смертельна. Поэтому несомненно его душевное состояние проявилось на этой картине.

Силы леса на исходе. От него остались лишь пни и поленицы дров. Да несколько тоненьких берёзок. Им крайне тяжело устоять в буре. Ведь они огалены. Более крепкие соседи срублены. Без их защиты им не устоять. Смирения со смертью здесь нет. Наоборот, она воспринимается как всеразрушающая стихия. С которой нет сил бороться.

Тонкие березки часто появляются на картинах Левитана. Скорее всего, они отражают его собственный склад характера. Ранимый, застенчивый и непрактичный человек. Очень талантливый, но мало приспособленный к жизни.

6. Борисов-Мусатов В.Э. Осенний мотив

Борисов-Мусатов В.Э. Осенний мотив. 1899 г. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Никак я не могла обойти вниманием картины уроженца Саратова, Борисова-Мусатова.

В Саратове он жил до поступления в Московское художественное училище. И каждое лето проводил именно здесь. Тогда Саратов был городом садов. Поэтому не удивительно, что пышная зелень и яркие краски детства взрастили в художнике тягу к импрессионизму.

На картине “Осенний мотив” – постановочный сюжет. Сестра Елена в платье начала 19 века. Кто-то из друзей в костюме 18 века. Разговор прерван. Грустное молчание. Тёплый осенний день. Тоска по ушедшей эпохе. Скорее сновидение, чем реальность.

7. Кустодиев Б.М. Троицын день

Кустодиев Б.М. Троицын день. 1920 г. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Картина “Троицын день” красочна, мажорна. Впрочем как и большинство работ Кустодиева. На переднем плане – купчихи. Они не раз появляются на картинах художника.

Ведь такая добротная женщина с пышными формами и розовыми щеками – олицетворение сытой, счастливой жизни. После революции художник не раз голодал. Поэтому назло действительности изображал жизнь сытую и приятную. Дореволюционную. Купеческую.

Кустодиев уже был сильно болен, когда писал “Троицын день”. 9 лет до этого ему поставили страшный диагноз, туберкулёз позвоночника. Он уже не ходил. Испытывал постоянные боли. Тем удивительнее красочность и декоративность его картин.

О работах Кустодиева также читайте в статье “Музей русского импрессионизма в Москве”.

PS.

В Радищевском музее хранится около 1500 картин и рисунков основателя музея, Алексея Петровича Боголюбова. Конечно, его имя не такое “раскрученное”, как имена Репина или Левитана. Однако его картины хранятся также во многих музеях.

Одна из лучших его работ:

Боголюбов А.П. Зима. Снежный занос. 1870 г. Саратовский государственный художественный музей им А.Н. Радищева

Автор: Оксана Копенкина

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Одноклассники

Google+

Похожее

arts-dnevnik.ru

Живопись в кино: 7 картин, процитированных в фильмах

Кино и Сериалы Творчество 27 апреля

Многие режиссеры при создании своих фильмов вдохновляются шедеврами мировой живописи. Отсылки или прямое цитирование можно найти у Тарковского, Звягинцева, Гиллиама и других великих кинематографистов. Если некоторые заимствования довольно очевидны, то другие часто остаются незамеченными для большинства зрителей.

Посмотрите нашу подборку картин и кинокадров, возможно, о каких-то из этих цитат вы раньше не догадывались.