Музей ЧерномырдинаМонна Ванна. Мона ванна картина
35 тайн знаменитых картин
Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.
Музыка на ягодицах
Иероним Босх, "Сад земных наслаждений", 1500-1510.
Фрагмент части триптиха
Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала "песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет".
Обнаженная Мона Лиза
Знаменитая "Джоконда" существует в двух вариантах: обнаженная версия называется "Монна Ванна", ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.
Старый Рыбак
В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.
Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).
А был ли кит?
Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».
Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так - в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.
Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.
Два "Завтрака на траве"
Эдуард Мане, "Завтрак на траве", 1863.
Клод Моне, "Завтрак на траве", 1865.
Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают — ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».
Двойники на "Тайной вечере"
Леонардо да Винчи, "Тайная вечеря", 1495-1498.
Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.
"Ночной дозор" или "Дневной"?
Рембрандт, "Ночной дозор", 1642.
Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.
И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия — не более 14 часов.
Перевернутая лодка
Анри Матисс, "Лодка", 1937.
В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус — это отражение первого на глади воды.Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.
Обман в автопортрете
Винсент ван Гог, "Автопортрет с трубкой", 1889.
О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника - Поля Гогена.
Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.
Чужие мишки
Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.
Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».
Невинная история "Готики"
Грант Вуд, "Американская готика", 1930.
Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.
Месть Сальвадора Дали
Картина "Фигура у окна" написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал "порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие". Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.
В своей книге 1949 года "Сальвадор Дали глазами сестры" она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия". Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с "Фигурой у окна". Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.
Двуликая Даная
Рембрандт Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.
Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии — супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс — любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.
Желтая спальня Ван Гога
Винсент Ван Гог, "Спальня в Арле", 1888 - 1889.
В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.
Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку — средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.
Беззубое совершенство
Леонардо да Винчи, "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо", 1503 - 1519.
Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза — совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, — считает эксперт. — Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».
Майор на фейсконтроле
Павел Федотов, "Сватовство майора", 1848.
Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.
Почему Свобода обнажена
Фердинан Виктор Эжен Делакруа, "Свобода на баррикадах", 1830.
По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки — прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.
Неквадратный квадрат
Казимир Малевич, "Черный супрематический квадрат", 1915.
На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.
Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.
Мелодрама Австрийской Моны Лизы
Густав Климт, "Портрет Адели Блох-Бауэр", 1907.
На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.
Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.
Картина, вернувшая Гогена к жизни
Поль Гоген, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", 1897-1898.
Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).
Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.
112 пословиц на одной картине
Питер Брейгель — старший, «Нидерландские пословицы», 1559
Питер Брейгель — старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».
Другие пословицы отражают человеческую глупость.
Субъективность искусства
Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894
Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.
Скрытая картина
Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901
В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение — портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», — объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.
Недоступные марокканки
Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928
Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение — отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды — он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.
Спонтанное озарение
Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900
Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой... И тут художника осенило — вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.
Опять двойка
© Федор Решетников
Знаменитая картина «Опять двойка» — это всего лишь вторая часть художественной трилогии.
Первая часть — «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.
Вторая часть — «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».
Третья часть — «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».
Как рождаются шедевры
Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844
В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.
Урок анатомии от Микеланджело
Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511
Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.
«Тайная вечеря» Ван Гога
Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888
Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.
Образ памяти у Дали
Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931
Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.
О чем кричит Мунк
Эдвард Мунк, "Крик", 1893.
Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Но что за закат мог так напугать художника?
Есть версия, что идея "Крика" родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау - настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис - один из них и стал источником вдохновения художника.
Писатель в народе
Александр Иванов, "Явление Христа народу", 1837-1857.
Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов "уже давно умер для всего мира, кроме своей работы".
Подагра Микеланджело
Рафаэль Санти, "Афинская школа", 1511.
Создавая знаменитую фреску "Афинская школа", Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти "в роли" Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.
Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.
Зеркало четы Арнольфини
Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 г.
В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них — ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.
Как недостаток превратился в талант
Рембрандт Харменс ван Рейн, "Автопортрет в возрасте 63", 1669.
Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется "стереослепота" - неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.
Безгрешная Венера
Сандро Боттичелли, "Рождение Венеры", 1482-1486.
До появления "Рождения Венеры" изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление - аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.
Лютнист или лютнистка?
Микеланджело Меризи да Караваджо, "Лютнист", 1596.
Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор — это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.
Смотрите также:
Вконтакте
Google+
Одноклассники
cameralabs.org
Монна Ванна Википедия
«Монна Ванна» (также «Belcolore») — картина английского художника-прерафаэлита Данте Габриэля Россетти, созданная в 1866 году. На данный момент картина находится в собрании галереи Тейт.
«Монна Ванна» стала одной из четырёх работ, где Россетти пытался подражать манере старых венецианских мастеров (Тициана, Паоло Веронезе и других)[1]. Изначально Россетти планировал озаглавить картину Venus Veneta («Венецианская Венера»), поскольку, по его же словам, на ней изображён «идеал венецианской красоты», дама в богато расшитом бело-золотом платье[2][3]. Некоторые детали одеяния героини появлялись на других картинах Россетти, в частности, платье — на героине картины «Монна Роза»[3], спиральное украшение в волосах девушки также довольно часто появляется на портретах его авторства[1]. По окончании работы художник решил сменить название на Monna Vanna (изначально от имени героини Джованны, но также художник хотел подчеркнуть значение слова Vanna — «тщеславная женщина»)[1], взяв его из сборника стихотворений Данте Алигьери «Новая жизнь»[3]. По мнению Россетти, картина стала одной из его лучших работ, «по крайней мере, в качестве украшения для комнаты»[2][3]. В качестве модели позировала Алекса Уайлдинг[2].
В 1873 году художник переработал картину, осветлив волосы героини и изменив цвет колец (слишком яркие цвета подверглись негативной критике), а также добавил к ней раму[3]. Тогда же он решил вновь сменить название на Belcolore, решив, что оно будет звучать более современно[3]. Тем не менее, в среде коллекционеров и картинных галерей, а впоследствии — в обществе в целом, ходовым осталось прежнее название[3].
Картина является образцом владения художником цветом и его символизмом — белый и золотой — традиционные цвета святости и невинности, контрастируют с коралловыми и красными тонами, благодаря которым образ девушки становится более земным и чувственным[1].
Впервые картина была выставлена на публику в 1883 году, после чего снискала успех среди посетителей[2]. Сейчас работа находится в галерее Тейт.
Примечания
wikiredia.ru
Монна Ванна — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
К:Картины 1866 года«Монна Ванна» (также «Belcolore») — картина английского художника-прерафаэлита Данте Габриэля Россетти, созданная в 1866 году. На данный момент картина находится в собрании галереи Тейт.
«Монна Ванна» стала одной из четырёх работ, где Россетти пытался подражать манере старых венецианских мастеров (Тициана, Паоло Веронезе и других)[1]. Изначально Россетти планировал озаглавить картину Venus Veneta («Венецианская Венера»), поскольку, по его же словам, на ней изображён «идеал венецианской красоты», дама в богато расшитом бело-золотом платье[2][3]. Некоторые детали одеяния героини появлялись на других картинах Россетти, в частности, платье — на героине картины «Монна Роза»[3], спиральное украшение в волосах девушки также довольно часто появляется на портретах его авторства[1]. По окончании работы художник решил сменить название на Monna Vanna (изначально от имени героини Джованны, но также художник хотел подчеркнуть значение слова Vanna — «тщеславная женщина»)[1], взяв его из сборника стихотворений Данте Алигьери «Новая жизнь»[3]. По мнению Россетти, картина стала одной из его лучших работ, «по крайней мере, в качестве украшения для комнаты»[2][3]. В качестве модели позировала Алекса Уайлдинг[2].
В 1873 году художник переработал картину, осветлив волосы героини и изменив цвет колец (слишком яркие цвета подверглись негативной критике), а также добавил к ней раму[3]. Тогда же он решил вновь сменить название на Belcolore, решив, что оно будет звучать более современно[3]. Тем не менее, в среде коллекционеров и картинных галерей, а впоследствии — в обществе в целом, ходовым осталось прежнее название[3].
Картина является образцом владения художником цветом и его символизмом — белый и золотой — традиционные цвета святости и невинности, контрастируют с коралловыми и красными тонами, благодаря которым образ девушки становится более земным и чувственным[1].
Впервые картина была выставлена на публику в 1883 году, после чего снискала успех среди посетителей[2]. Сейчас работа находится в галерее Тейт.
Примечания
wikipedia.green
Монна Ванна — WiKi
«Монна Ванна» (также «Belcolore») — картина английского художника-прерафаэлита Данте Габриэля Россетти, созданная в 1866 году. На данный момент картина находится в собрании галереи Тейт.
«Монна Ванна» стала одной из четырёх работ, где Россетти пытался подражать манере старых венецианских мастеров (Тициана, Паоло Веронезе и других)[1]. Изначально Россетти планировал озаглавить картину Venus Veneta («Венецианская Венера»), поскольку, по его же словам, на ней изображён «идеал венецианской красоты», дама в богато расшитом бело-золотом платье[2][3]. Некоторые детали одеяния героини появлялись на других картинах Россетти, в частности, платье — на героине картины «Монна Роза»[3], спиральное украшение в волосах девушки также довольно часто появляется на портретах его авторства[1]. По окончании работы художник решил сменить название на Monna Vanna (изначально от имени героини Джованны, но также художник хотел подчеркнуть значение слова Vanna — «тщеславная женщина»)[1], взяв его из сборника стихотворений Данте Алигьери «Новая жизнь»[3]. По мнению Россетти, картина стала одной из его лучших работ, «по крайней мере, в качестве украшения для комнаты»[2][3]. В качестве модели позировала Алекса Уайлдинг[2].
В 1873 году художник переработал картину, осветлив волосы героини и изменив цвет колец (слишком яркие цвета подверглись негативной критике), а также добавил к ней раму[3]. Тогда же он решил вновь сменить название на Belcolore, решив, что оно будет звучать более современно[3]. Тем не менее, в среде коллекционеров и картинных галерей, а впоследствии — в обществе в целом, ходовым осталось прежнее название[3].
Картина является образцом владения художником цветом и его символизмом — белый и золотой — традиционные цвета святости и невинности, контрастируют с коралловыми и красными тонами, благодаря которым образ девушки становится более земным и чувственным[1].
Впервые картина была выставлена на публику в 1883 году, после чего снискала успех среди посетителей[2]. Сейчас работа находится в галерее Тейт.
ru-wiki.org
Монна Ванна — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
«Монна Ванна» (также «Belcolore») — картина английского художника-прерафаэлита Данте Габриэля Россетти, созданная в 1866 году. На данный момент картина находится в собрании галереи Тейт.
«Монна Ванна» стала одной из четырёх работ, где Россетти пытался подражать манере старых венецианских мастеров (Тициана, Паоло Веронезе и других)[1]. Изначально Россетти планировал озаглавить картину Venus Veneta («Венецианская Венера»), поскольку, по его же словам, на ней изображён «идеал венецианской красоты», дама в богато расшитом бело-золотом платье[2][3]. Некоторые детали одеяния героини появлялись на других картинах Россетти, в частности, платье — на героине картины «Монна Роза»[3], спиральное украшение в волосах девушки также довольно часто появляется на портретах его авторства[1]. По окончании работы художник решил сменить название на Monna Vanna (изначально от имени героини Джованны, но также художник хотел подчеркнуть значение слова Vanna — «тщеславная женщина»)[1], взяв его из сборника стихотворений Данте Алигьери «Новая жизнь»[3]. По мнению Россетти, картина стала одной из его лучших работ, «по крайней мере, в качестве украшения для комнаты»[2][3]. В качестве модели позировала Алекса Уайлдинг[2].
В 1873 году художник переработал картину, осветлив волосы героини и изменив цвет колец (слишком яркие цвета подверглись негативной критике), а также добавил к ней раму[3]. Тогда же он решил вновь сменить название на Belcolore, решив, что оно будет звучать более современно[3]. Тем не менее, в среде коллекционеров и картинных галерей, а впоследствии — в обществе в целом, ходовым осталось прежнее название[3].
Картина является образцом владения художником цветом и его символизмом — белый и золотой — традиционные цвета святости и невинности, контрастируют с коралловыми и красными тонами, благодаря которым образ девушки становится более земным и чувственным[1].
Впервые картина была выставлена на публику в 1883 году, после чего снискала успех среди посетителей[2]. Сейчас работа находится в галерее Тейт.
ru.wikiyy.com
Монна Ванна - WikiVisually
1. Россетти, Данте Габриэль – Dante Gabriel Rossetti was an English poet, illustrator, painter and translator. He founded the Pre-Raphaelite Brotherhood in 1848 with William Holman Hunt, Rossetti was later to be the main inspiration for a second generation of artists and writers influenced by the movement, most notably William Morris and Edward Burne-Jones. His work also influenced the European Symbolists and was a precursor of the Aesthetic movement. Rossettis art was characterised by its sensuality and its medieval revivalism and his early poetry was influenced by John Keats. His later poetry was characterised by the complex interlinking of thought and feeling, especially in his sonnet sequence, poetry and image are closely entwined in Rossettis work. Rossettis personal life was linked to his work, especially his relationships with his models and muses Elizabeth Siddal, Fanny Cornforth. The son of émigré Italian scholar Gabriele Pasquale Giuseppe Rossetti and his wife Frances Mary Lavinia Polidori, Rossetti was born in London, England and his family and friends called him Gabriel, but in publications he put the name Dante first in honour of Dante Alighieri. He was the brother of poet Christina Rossetti, critic William Michael Rossetti and his father was a Roman Catholic, at least prior to his marriage, and his mother was an Anglican, ostensibly Gabriel was baptized as and was a practicing Anglican. During his childhood, Rossetti was home educated and often read the Bible, along with the works of Shakespeare, Dickens, Sir Walter Scott, the youthful Rossetti is described as self-possessed, articulate, passionate and charismatic but also ardent, poetic and feckless. Like all his siblings, he aspired to be a poet and attended Kings College School and he also wished to be a painter, having shown a great interest in Medieval Italian art. He studied at Henry Sass Drawing Academy from 1841 to 1845, when he enrolled in the Antique School of the Royal Academy, after leaving the Royal Academy, Rossetti studied under Ford Madox Brown, with whom he retained a close relationship throughout his life. Following the exhibition of William Holman Hunts painting The Eve of St. Agnes, the painting illustrated a poem by the little-known John Keats. Rossettis own poem, The Blessed Damozel, was an imitation of Keats, together they developed the philosophy of the Pre-Raphaelite Brotherhood which they founded along with John Everett Millais. Their approach was to return to the abundant detail, intense colours, the eminent critic John Ruskin wrote, Every Pre-Raphaelite landscape background is painted to the last touch, in the open air, from the thing itself. Every Pre-Raphaelite figure, however studied in expression, is a portrait of some living person. Rossettis first major paintings in oil display the realist qualities of the early Pre-Raphaelite movement and his Girlhood of Mary Virgin and Ecce Ancilla Domini portray Mary as a teenage girl. I saw at once that he was not an orthodox boy, the mixture of genius and dilettantism of both men shut me up for the moment, and whetted my curiosity. Although his work subsequently won support from John Ruskin, Rossetti only rarely exhibited thereafter, in 1850, Rossetti met Elizabeth Siddal, an important model for the Pre-Raphaelite painters
2. Британская галерея Тейт – Tate Britain is an art museum on Millbank in the City of Westminster in London. It is part of the Tate network of galleries in England, with Tate Modern, Tate Liverpool and it is the oldest gallery in the network, having opened in 1897. It is one of the largest museums in the country, the gallery is situated on Millbank, on the site of the former Millbank Prison. Construction, undertaken by Higgs and Hill, commenced in 1893, however, from the start it was commonly known as the Tate Gallery, after its founder Sir Henry Tate, and in 1932 it officially adopted that name. As a consequence, it was renamed Tate Britain in March 2000, the front part of the building was designed by Sidney R. J. Smith with a classical portico and dome behind, and the central sculpture gallery was designed by John Russell Pope. Tate Britain includes the Clore Gallery of 1987, designed by James Stirling, crises during its existence include flood damage to work from the River Thames, and bomb damage during World War II. However, most of the collection was in storage elsewhere during the war. In 1970, the building was given Grade II* listed status, the museum stayed open throughout the three phases of renovation. Completed in 2013, the newly designed sections were conceived by the architects Caruso St John and included a total of nine new galleries, with reinforced flooring to accommodate heavy sculptures. A second part was unveiled later that year, the centrepiece being the reopening of the buildings Thames-facing entrance as well as a new spiral staircase beneath its rotunda, the circular balcony of the rotundas domed atrium, closed to visitors since the 1920s, was reopened. The gallery also now has a dedicated entrance and reception beneath its entrance steps on Millbank. The front entrance is accessible by steps, a side entrance at a lower level has a ramp for wheelchair access. The gallery provides a restaurant and a café, as well as a Friends room and this membership is open to the public on payment of an annual subscription. As well as offices the building complex houses the Prints and Drawings Rooms, as well as the Library. The restaurant features a mural by Rex Whistler, Tate Britain and Tate Modern are now connected by a high speed boat along the River Thames, which runs from Millbank Millennium Pier immediately outside Tate Britain. The boat is decorated with spots, based on paintings of similar appearance by Damien Hirst, the lighting artwork incorporated in the piers structure is by Angela Bulloch. The main display spaces show the permanent collection of historic British art, the gallery also organises career retrospectives of British artists and temporary major exhibitions of British Art. Every three years the gallery stages a Triennial exhibition in which a guest curator provides an overview of contemporary British Art, the 2003 Tate Triennial was called Days Like These
3. Лондон – London /ˈlʌndən/ is the capital and most populous city of England and the United Kingdom. Standing on the River Thames in the south east of the island of Great Britain and it was founded by the Romans, who named it Londinium. Londons ancient core, the City of London, largely retains its 1. 12-square-mile medieval boundaries. London is a global city in the arts, commerce, education, entertainment, fashion, finance, healthcare, media, professional services, research and development, tourism. It is crowned as the worlds largest financial centre and has the fifth- or sixth-largest metropolitan area GDP in the world, London is a world cultural capital. It is the worlds most-visited city as measured by international arrivals and has the worlds largest city airport system measured by passenger traffic, London is the worlds leading investment destination, hosting more international retailers and ultra high-net-worth individuals than any other city. Londons universities form the largest concentration of education institutes in Europe. In 2012, London became the first city to have hosted the modern Summer Olympic Games three times, London has a diverse range of people and cultures, and more than 300 languages are spoken in the region. Its estimated mid-2015 municipal population was 8,673,713, the largest of any city in the European Union, Londons urban area is the second most populous in the EU, after Paris, with 9,787,426 inhabitants at the 2011 census. The citys metropolitan area is the most populous in the EU with 13,879,757 inhabitants, the city-region therefore has a similar land area and population to that of the New York metropolitan area. London was the worlds most populous city from around 1831 to 1925, Other famous landmarks include Buckingham Palace, the London Eye, Piccadilly Circus, St Pauls Cathedral, Tower Bridge, Trafalgar Square, and The Shard. The London Underground is the oldest underground railway network in the world, the etymology of London is uncertain. It is an ancient name, found in sources from the 2nd century and it is recorded c.121 as Londinium, which points to Romano-British origin, and hand-written Roman tablets recovered in the city originating from AD 65/70-80 include the word Londinio. The earliest attempted explanation, now disregarded, is attributed to Geoffrey of Monmouth in Historia Regum Britanniae and this had it that the name originated from a supposed King Lud, who had allegedly taken over the city and named it Kaerlud. From 1898, it was accepted that the name was of Celtic origin and meant place belonging to a man called *Londinos. The ultimate difficulty lies in reconciling the Latin form Londinium with the modern Welsh Llundain, which should demand a form *lōndinion, from earlier *loundiniom. The possibility cannot be ruled out that the Welsh name was borrowed back in from English at a later date, and thus cannot be used as a basis from which to reconstruct the original name. Until 1889, the name London officially applied only to the City of London, two recent discoveries indicate probable very early settlements near the Thames in the London area
4. Масляная живопись – Oil painting is the process of painting with pigments with a medium of drying oil as the binder. Commonly used drying oils include linseed oil, poppy seed oil, walnut oil, the choice of oil imparts a range of properties to the oil paint, such as the amount of yellowing or drying time. Certain differences, depending on the oil, are visible in the sheen of the paints. An artist might use different oils in the same painting depending on specific pigments and effects desired. The paints themselves also develop a particular consistency depending on the medium, the oil may be boiled with a resin, such as pine resin or frankincense, to create a varnish prized for its body and gloss. Its practice may have migrated westward during the Middle Ages, Oil paint eventually became the principal medium used for creating artworks as its advantages became widely known. In recent years, water miscible oil paint has come to prominence and, to some extent, water-soluble paints contain an emulsifier that allows them to be thinned with water rather than paint thinner, and allows very fast drying times when compared with traditional oils. Traditional oil painting techniques often begin with the artist sketching the subject onto the canvas with charcoal or thinned paint, Oil paint is usually mixed with linseed oil, artist grade mineral spirits, or other solvents to make the paint thinner, faster or slower-drying. A basic rule of oil paint application is fat over lean and this means that each additional layer of paint should contain more oil than the layer below to allow proper drying. If each additional layer contains less oil, the painting will crack. This rule does not ensure permanence, it is the quality and type of oil leads to a strong. There are many media that can be used with the oil, including cold wax, resins. These aspects of the paint are closely related to the capacity of oil paint. Traditionally, paint was transferred to the surface using paintbrushes. Oil paint remains wet longer than other types of artists materials, enabling the artist to change the color. At times, the painter might even remove a layer of paint. This can be done with a rag and some turpentine for a time while the paint is wet, Oil paint dries by oxidation, not evaporation, and is usually dry to the touch within a span of two weeks. It is generally dry enough to be varnished in six months to a year, art conservators do not consider an oil painting completely dry until it is 60 to 80 years old
5. Прерафаэлиты – The Pre-Raphaelite Brotherhood was a group of English painters, poets, and critics, founded in 1848 by William Holman Hunt, John Everett Millais and Dante Gabriel Rossetti. The three founders were joined by William Michael Rossetti, James Collinson, Frederic George Stephens and Thomas Woolner to form the seven-member brotherhood and their principles were shared by other artists, including Marie Spartali Stillman and Ford Madox Brown. A later, medievalising strain inspired by Rossetti included Edward Burne-Jones, the groups intention was to reform art by rejecting what it considered the mechanistic approach first adopted by Mannerist artists who succeeded Raphael and Michelangelo. Its members believed the Classical poses and elegant compositions of Raphael in particular had been an influence on the academic teaching of art. In particular, the group objected to the influence of Sir Joshua Reynolds, founder of the English Royal Academy of Arts, to the Pre-Raphaelites, according to William Michael Rossetti, sloshy meant anything lax or scamped in the process of painting. Any thing or person of a commonplace or conventional kind, the brotherhood sought a return to the abundant detail, intense colours and complex compositions of Quattrocento Italian art. The group associated their work with John Ruskin, an English critic whose influences were driven by his religious background, the group continued to accept the concepts of history painting and mimesis, imitation of nature, as central to the purpose of art. The Pre-Raphaelites defined themselves as a movement, created a distinct name for their form of art. The groups debates were recorded in the Pre-Raphaelite Journal, the Pre-Raphaelite Brotherhood was founded in John Millaiss parents house on Gower Street, London in 1848. At the first meeting, the painters John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, Hunt and Millais were students at the Royal Academy of Arts and had met in another loose association, the Cyclographic Club, a sketching society. At his own request Rossetti became a pupil of Ford Madox Brown in 1848, at that date, Rossetti and Hunt shared lodgings in Cleveland Street, Fitzrovia, Central London. Hunt had started painting The Eve of St. Agnes based on Keatss poem of the same name, as an aspiring poet, Rossetti wished to develop the links between Romantic poetry and art. Ford Madox Brown was invited to join, but the more senior artist remained independent but supported the group throughout the PRB period of Pre-Raphaelitism, other young painters and sculptors became close associates, including Charles Allston Collins, Thomas Tupper, and Alexander Munro. The PRB intended to keep the existence of the secret from members of the Royal Academy. The principles were deliberately non-dogmatic, since the brotherhood wished to emphasise the personal responsibility of artists to determine their own ideas. Influenced by Romanticism, the members thought freedom and responsibility were inseparable, nevertheless, they were particularly fascinated by medieval culture, believing it to possess a spiritual and creative integrity that had been lost in later eras. The emphasis on medieval culture clashed with principles of realism which stress the independent observation of nature, in its early stages, the Pre-Raphaelite Brotherhood believed its two interests were consistent with one another, but in later years the movement divided and moved in two directions. The realists were led by Hunt and Millais, while the medievalists were led by Rossetti and his followers, Edward Burne-Jones and William Morris
6. Тициан – Tiziano Vecelli or Tiziano Vecellio, known in English as Titian /ˈtɪʃən/, was an Italian painter, the most important member of the 16th-century Venetian school. He was born in Pieve di Cadore, near Belluno, during his lifetime he was often called da Cadore, taken from the place of his birth. His painting methods, particularly in the application and use of color, would exercise a profound influence not only on painters of the Italian Renaissance, during the course of his long life, Titians artistic manner changed drastically, but he retained a lifelong interest in color. Although his mature works may not contain the vivid, luminous tints of his pieces, their loose brushwork. The exact date of Titians birth is uncertain, when he was an old man he claimed in a letter to Philip II, King of Spain, to have been born in 1474, but this seems most unlikely. Other writers contemporary to his old age give figures that would equate to birthdates between 1473 and after 1482 and he was the son of Gregorio Vecelli and his wife Lucia. His father was superintendent of the castle of Pieve di Cadore, Gregorio was also a distinguished councilor and soldier. Many relatives, including Titians grandfather, were notaries, and the family of four were well-established in the area, at the age of about ten to twelve he and his brother Francesco were sent to an uncle in Venice to find an apprenticeship with a painter. At that time the Bellinis, especially Giovanni, were the artists in the city. There Titian found a group of men about his own age, among them Giovanni Palma da Serinalta, Lorenzo Lotto, Sebastiano Luciani. Francesco Vecellio, his brother, later became a painter of some note in Venice. A fresco of Hercules on the Morosini Palace is said to have one of Titians earliest works. Others were the Bellini-esque so-called Gypsy Madonna in Vienna, and the Visitation of Mary and Elizabeth, now in the Accademia, a Man with a Quilted Sleeve is an early portrait, painted around 1509 and described by Giorgio Vasari in 1568. Scholars long believed it depicted Ludovico Ariosto, but now think it is of Gerolamo Barbarigo, Rembrandt borrowed the composition for his self-portraits. Titian joined Giorgione as an assistant, but many contemporary critics found his work more impressive—for example in exterior frescoes that they did for the Fondaco dei Tedeschi. Their relationship evidently contained a significant element of rivalry, distinguishing between their work at this period remains a subject of scholarly controversy. A substantial number of attributions have moved from Giorgione to Titian in the 20th century, one of the earliest known Titian works, Christ Carrying the Cross in the Scuola Grande di San Rocco, depicting the Ecce Homo scene, was long regarded as by Giorgione. In 1507–1508 Giorgione was commissioned by the state to create frescoes on the re-erected Fondaco dei Tedeschi, Titian and Morto da Feltre worked along with him, and some fragments of paintings remain, probably by Giorgione
7. Паоло Веронезе – Known as a supreme colorist, and after an early period with Mannerism, Paolo Veronese developed a naturalist style of painting, influenced by Titian. His most famous works are elaborate narrative cycles, executed in a dramatic and colorful style, full of architectural settings. Nonetheless, many of the greatest artists, may be counted among his admirers, including Rubens, Watteau, Tiepolo, Delacroix and Renoir. Veronese took his name from his birthplace of Verona, then the largest possession of Venice on the mainland. The census in Verona attests that Veronese was born sometime in 1528 to a stonecutter, or spezapreda, named Gabriele and it was common for surnames to be taken from a fathers profession, and thus Veronese was known as Paolo Spezapreda. He later changed his name to Paolo Caliari, because his mother was the daughter of a nobleman called Antonio Caliari. He was often called Paolo Veronese before the last century to him from another painter from Verona, Alessandro Veronese. By 1541, Veronese was apprenticed with Antonio Badile, who was later to become his father-in-law, although trained in the culture of Mannerism then popular in Parma, he soon developed his own preference for a more radiant palette. In 1552 Cardinal Ercole Gonzaga, great-uncle of the ruling Guglielmo Gonzaga, Duke of Mantua, commissioned an altarpiece for Mantua Cathedral and his panel of Jupiter Expelling the Vices for the former is now in the Louvre. He then painted a History of Esther in the ceiling for the church of San Sebastiano and it was these ceiling paintings and those of 1557 in the Marciana Library that established him as a master among his Venetian contemporaries. Already these works indicate Veroneses mastery in reflecting both the subtle foreshortening of the figures of Correggio and the heroism of those by Michelangelo. By 1556 Veronese was commissioned to paint the first of his monumental banquet scenes, the Feast in the House of Simon, owing to its scattered composition and lack of focus, however, it was not his most successful refectory mural. In the late 1550s, during a break in his work for San Sebastiano, Veronese decorated the Villa Barbaro in Maser, Veroneses decorations employed complex perspective and trompe loeil, and resulted in a luminescent and inspired visual poetry. The encounter between architect and artist was a triumph, the Wedding at Cana, painted in 1562–1563, was also collaboration with Palladio. It was commissioned by the Benedictine monks for the San Giorgio Maggiore Monastery, on an island across from Saint Marks. The contract insisted on the size, and that the quality of pigment. For example, the contract specified that the blues should contain the precious mineral lapis-lazuli, the contract also specified that the painting should include as many figures as possible. There are a number of portraits staged upon a canvas surface nearly ten meters wide
8. Монна Роза – Monna Rosa is the title of two oil paintings by Dante Gabriel Rossetti, both of Frances Leyland, the wife of shipping magnate Frederick Richards Leyland. The earlier and smaller painting was completed in 1862 and its whereabouts is now unknown, the second was completed in 1867 and is now in a private collection. Frederick Leyland displayed the painting in his drawing room with five other Rossetti stunners. Rossetti wrote to Frederick Leyland about the painting on 18 June 1867, Mrs Leylands picture is much advanced and in every way much altered, to begin a fresco as a pocket miniature seems to be my rule in art. The picture is now 29 X21 inches sight measure, I have now given the figure a flowing white and gold drapery, which I think comes remarkably well and suits the head perfectly. Thus the lady, richly dressed, is cutting a rose to put in her hair, Rossetti asked Leyland to return the painting for reworking and soon finished on 3 December 1873 at Kelmscott. About the time Rossetti was painting Monna Rosa, he introduced James Abbott McNeill Whistler to Leyland, Monna Rosas peacock background and blue and white Chinese porcelain are similar to the themes in the Peacock Room that Whistler later created for Leyland. Henry Currie Marillie describe the painting in 1904 as a small but pretty picture, red and gold highlight the roses, Leylands dress, jewellery, and hair, as well as the flower pot and peacock screen in the background. In another modern view, Jessica Feldman stresses the blue and white Chinese pot that has become the emblem of aestheticism itself, the pot should not be viewed as simply decorative, but reflects the textures of the dress, roses and screen. It recalls Rossettis collectors passion for oriental ware and even his penchant for translation – in this case translating a Chinese pot to an English painting, Monna Rosa was among the first of eighteen paintings Leyland commissioned from Rossetti, not counting unfulfilled commissions. Soon after acquiring the painting, they explored the idea of a Rossetti triptych, which was formed with Mnemosyne, The Blessed Damozel. Three additional Rossetti painting were then hung in Leylands drawing room, wildman, Stephen, Laurel Bradley, Deborah Cherry, John Christian, David B. Elliott, Betty Elzea, Margaretta Fredrick, Caroline Hannah, Jan Marsh, waking Dreams, the Art of the Pre-Raphaelites from the Delaware Art Museum
9. Данте Алигьери – Durante degli Alighieri, simply called Dante, was a major Italian poet of the Late Middle Ages. In the late Middle Ages, the majority of poetry was written in Latin. In De vulgari eloquentia, however, Dante defended use of the vernacular in literature, as a result, Dante played an instrumental role in establishing the national language of Italy. In addition, the first use of the interlocking three-line rhyme scheme, Dante has been called the Father of the Italian language and one of the greatest poets of world literature. In Italy, Dante is often referred to as il Sommo Poeta and il Poeta, he, Petrarch, Dante was born in Florence, Republic of Florence, present-day Italy. The exact date of his birth is unknown, although it is believed to be around 1265. This can be deduced from autobiographic allusions in the Divine Comedy, in 1265, the sun was in Gemini between approximately May 11 and June 11. Dante claimed that his family descended from the ancient Romans, but the earliest relative he could mention by name was Cacciaguida degli Elisei, born no earlier than about 1100. Dantes father, Alaghiero or Alighiero di Bellincione, was a White Guelph who suffered no reprisals after the Ghibellines won the Battle of Montaperti in the middle of the 13th century. Dantes family had loyalties to the Guelphs, an alliance that supported the Papacy and which was involved in complex opposition to the Ghibellines. The poets mother was Bella, likely a member of the Abati family and she died when Dante was not yet ten years old, and Alighiero soon married again, to Lapa di Chiarissimo Cialuffi. When Dante was 12, he was promised in marriage to Gemma di Manetto Donati, daughter of Manetto Donati, contracting marriages at this early age was quite common and involved a formal ceremony, including contracts signed before a notary. But by this time Dante had fallen in love with another, Beatrice Portinari, years after his marriage to Gemma he claims to have met Beatrice again, he wrote several sonnets to Beatrice but never mentioned Gemma in any of his poems. The exact date of his marriage is not known, the certain information is that, before his exile in 1301. Dante fought with the Guelph cavalry at the Battle of Campaldino and this victory brought about a reformation of the Florentine constitution. To take any part in life, one had to enroll in one of the citys many commercial or artisan guilds, so Dante entered the Physicians. In the following years, his name is recorded as speaking or voting in the various councils of the republic. A substantial portion of minutes from meetings in the years 1298–1300 was lost, however
10. Новая жизнь (Данте) – La Vita Nuova or Vita Nova is a text by Dante Alighieri published in 1295. It is an expression of the genre of courtly love in a prosimetrum style. Besides its content, it is notable for being written in Italian, rather than Latin, with Dantes other works, it helped to establish the Tuscan dialect as the standard for the Italian language. The prose creates the illusion of continuity between the poems, it is Dantes way of reconstructing himself and his art in terms of his evolving sense of the limitations of courtly love. Beatrice for Dante was the embodiment of this kind of love—transparent to the Absolute, referred to by Dante as his libello, or little book, The New Life is the first of two collections of verse written by Dante in his life. La Vita Nuova is a prosimetrum, a piece which is made up of both verse and prose, in the vein of Boethius Consolation of Philosophy. Dante used each prosimetrum as a means for combining poems written over periods of ten years - La Vita Nuova contains his works from before 1283 to roughly 1293. The first full translation into English was by Joseph Garrow and it was published in 1846, Dantes two-part commentaries explain each poem, placing them within the context of his life. The chapters containing poems consist of three parts, the narrative, the lyric that resulted from those circumstances, and brief structural outline of the lyric. Each separate section of commentary further refines Dantes concept of love as the initial step in a spiritual development that results in the capacity for divine love. Though the result is a landmark in the development of emotional autobiography, the names of the people in the poem, including Beatrice herself, are employed without use of surnames or any details that would assist readers to identify them among the many people of Florence. Only the name Beatrice is used, because that was both her name and her symbolic name as the conferrer of blessing. Ultimately the names and people work as metaphors, in chapter XXIV, I Felt My Heart Awaken, Dante accounts a meeting with Love, who asks the poet to do his best to honour her. Dante does not name himself in La Vita Nuova and he refers to Guido Cavalcanti as the first of my friends, to his own sister as a young and noble lady. Who was related to me by the closest consanguinity, to Beatrices brother similarly as one who was so linked in consanguinity to the lady that no-one was closer to her. La Vita Nuova is essential for understanding the context of his other works — principally La Commedia, the Henry Holiday painting Dante meets Beatrice at Ponte Santa Trinita is inspired by La Vita Nuova, as was Dante Gabriel Rossettis The Salutation of Beatrice. On p.99 of D. M. Thomass The White Hotel and this reference symbolizes Lisas desire for enlightenment at the time of her journey. A modified version of the line of the works Introduction was used on the television show Star Trek
wikivisually.com
Монна Ванна Википедия
«Монна Ванна» (также «Belcolore») — картина английского художника-прерафаэлита Данте Габриэля Россетти, созданная в 1866 году. На данный момент картина находится в собрании галереи Тейт.
«Монна Ванна» стала одной из четырёх работ, где Россетти пытался подражать манере старых венецианских мастеров (Тициана, Паоло Веронезе и других)[1]. Изначально Россетти планировал озаглавить картину Venus Veneta («Венецианская Венера»), поскольку, по его же словам, на ней изображён «идеал венецианской красоты», дама в богато расшитом бело-золотом платье[2][3]. Некоторые детали одеяния героини появлялись на других картинах Россетти, в частности, платье — на героине картины «Монна Роза»[3], спиральное украшение в волосах девушки также довольно часто появляется на портретах его авторства[1]. По окончании работы художник решил сменить название на Monna Vanna (изначально от имени героини Джованны, но также художник хотел подчеркнуть значение слова Vanna — «тщеславная женщина»)[1], взяв его из сборника стихотворений Данте Алигьери «Новая жизнь»[3]. По мнению Россетти, картина стала одной из его лучших работ, «по крайней мере, в качестве украшения для комнаты»[2][3]. В качестве модели позировала Алекса Уайлдинг[2].
В 1873 году художник переработал картину, осветлив волосы героини и изменив цвет колец (слишком яркие цвета подверглись негативной критике), а также добавил к ней раму[3]. Тогда же он решил вновь сменить название на Belcolore, решив, что оно будет звучать более современно[3]. Тем не менее, в среде коллекционеров и картинных галерей, а впоследствии — в обществе в целом, ходовым осталось прежнее название[3].
Картина является образцом владения художником цветом и его символизмом — белый и золотой — традиционные цвета святости и невинности, контрастируют с коралловыми и красными тонами, благодаря которым образ девушки становится более земным и чувственным[1].
Впервые картина была выставлена на публику в 1883 году, после чего снискала успех среди посетителей[2]. Сейчас работа находится в галерее Тейт.
Примечания[ | код]
ru-wiki.ru
