Музей ЧерномырдинаПабло Пикассо. Период сюрреализма (4). Пабло пикассо картины сюрреализм
Биография Пикассо. Сюрреализм. Художник Пикассо. Биография. Описание картин
Пикассо никогда не был приверженцем одного стиля в искусстве, вся его жизнь прошла в творческих исканиях. В 1925 году поиски новых способов, форм и приемов отображения мира глазами художника привели его к сюрреализму.
Во многом этому повороту способствовала атмосфера разрушающейся семейной жизни испанского художника и русской балерины. Ольга Хохлова, получившая воспитание в лучших традициях высокого общества, требовала от Пикассо соблюдения подобных же правил приличия при посещении светских мероприятий. Но просьбы жены встречали резкий отпор у привыкшего к богемной жизни художника, в результате чего скандалы и конфликты стали частыми гостями в их доме. Вдобавок ко всему, в 1927 году Пикассо встречает свою новую музу – Марию-Терезу Вальтер, с которой практически сразу и начинает встречаться, несмотря на двадцатилетнюю разницу в возрасте. К слову, с первой женой Пикассо так и оставался в официальном браке, вплоть до ее смерти в 1955 году. Все перипетии взаимоотношений с двумя женщинами в дальнейшем и станут объяснением переменчивого настроения его работ периода сюрреализма.
В условиях сложных отношений личного характера художник и знакомится с группой поэтов и живописцев во главе с Андре Бретоном, именующих себя сюрреалистами. Бретон и его последователи пропагандировали идеи постижения скрытых глубин творчества через погружение в мир бессознательного и снов. Эти идеи отчасти привлекли Пикассо, но вместе с тем, он не отдался им до конца, сохранив свою индивидуальность и свободу дальнейшего развития творчества.
Первой картиной, написанной в духе сюрреализма, стала работа «Танец» (1925). Фигуры, изображающие подобие танца, деформированы, искажены до болезненного состояния, граничащего с агрессией. Последующие работы мастера показывают зрителю мир ирреальный, в котором созданные галлюцинациями образы бьются в конвульсиях и истерике. Складывалось представление, что теперь Пикассо способен изображать лишь диких монстроподобных существ, тела которых разорваны на части и составлены в понятную лишь одному художнику комбинацию. Истошно кричащие, неимоверно раздутые, несущие агрессивный эротический подтекст – таковы персонажи картин «Фигуры на берегу моря (поцелуй)» (1931), «Купальщица» (1928), «Женщина в кресле» (1929). Большинство сюрреалистичных женских образов Пикассо – это пугающие машины с причудливыми деталями вместо конечностей и оскалом, заменяющим улыбку. И прототипом этих ужасающих хищных созданий для художника стала жена, Ольга Хохлова.
Однако, параллельно из-под кисти мастера выходят по-прежнему сюрреалистичные, но, в то же время, чувственные женские образы с плавным очертаниями и мягкими линиями искаженных тел. Источником вдохновения этих работ была юная Мария-Тереза Вальтер. Она стала моделью картин «Обнаженная на красной подушке (Мария Тереза)» (1932), «Женщина с цветком» (1932), «Лежащая женщина (Мария Тереза)» (1932) и многих других.
С Марией-Терезой связано и возникновение цикла графических работ, объединивших сюрреализм и наследие античных мастеров: серия гравюр «Любовь Юпитера и Семелы» (1930).
С началом 30-х годов наступает период увлечения Пикассо скульптурой. Художник, вдохновляемый красотой молодой девушки, создает сюрреалистическую скульптуру, бюсты и ню — «Лежащая женщина» (1932), «Женщина с вазой» (1933). Появляются статуэтки и металлические конструкции абстрактных форм — «Мужчина с букетом» (1934), «Конструкция» (1931, совместно с Х. Гонсалесом).
Разноплановость, разнонаправленность художника подчеркивают создаваемые в этот же период гравюры к классическим произведениям мировой культуры – «Метаморфозам» Овидия (1933).
Тогда же в работах Пикассо впервые появляется образ человека-быка – Минотавра («Минотавромахия», 1935). Минотавр Пикассо выступил символом вечной борьбы светлого и темного, разума и слепого инстинкта. Мастер словно предчувствует неотвратимость трагедии, которая вскоре обрушится на весь мир и изменит его навсегда.
Образ несущего смерть и разрушение быка завершает собой сюрреалистический период в живописи Пикассо.
Картины Пикассо. Сюрреализм
picasso-picasso.ru
Пабло Пикассо. Сюрреализм (1925-1936) | Фото | Журнал | RETROBAZAR
28, Октябрь 2011 13:49 | 23 фото | просмотров 20144
В 1925 году Пикассо пишет картину «Танец», которая стала переходным моментом в его творчестве, впрочем, как и в его жизни. Как раз в это время набирает силу новое течение – сюрреализм – основоположник которого Андре Бретон ставил своей целью постижение глубин творчества путем проникновения в подсознание и сны. Именно так можно трактовать «Танец» Пикассо. Характер картины агрессивный и даже несколько болезненный, что правдиво отражает тяжелый период в семейной жизни художника. Работа близка к сюрреалистам, но в то же время Пабло Пикассо всегда остается верен себе и своей индивидуальности. Это было время новой любви и новых разочарований. Будучи женатым на Ольге Хохловой, Пикассо погружается в отношения с Марией Терезой Вальтер. Он даже купил ей замок Буажелу, в котором она и стала его единственной моделью и главной героиней многих его работ. С 1930 по 1934 год Пикассо увлекается скульптурным творчеством и создает несколько скульптурных работ в духе сюрреализма: «Лежащая женщина», «Мужчина с букетом». В сотрудничестве со своим испанским другом Хулио Гонсалесом создает всевозможные металлические абстрактные конструкции. Также 30-е годы стали периодом написания ряда гравюр к «Метаморфозам» Овидия, произведениям Аристофана. А это уже прямое доказательство того, что Пабло Пикассо всегда умел находить вдохновение в классике.
Танец. 1925 г.
Купальщица, открывающая кабинку. 1928 г.
Обнажённая на пляже. 1929 г.
Обнажённая на пляже. 1929 г.
Обнаженная в кресле. 1929 г.
Распятие. 1930 г.
Фигуры на пляже. 1931 г.
Девушка, бросающая камень. 1931 г.
Обнажённая в кресле. 1932 г.
Натюрморт. 1932 г.
Женщина с цветком. 1932 г.
Обнаженная. 1932 г.
Обнаженная на красной подушке (Мария Тереза). 1932 г.
Лежащая обнаженная. 1932 г.
Обнаженная на фоне цветов. 1932 г.
Обнаженная. 1932 г.
Скульптура «Голова женщины», 1932 г.
retrobazar.com
Пабло Пикассо. Период сюрреализма (4)
В феврале 1921 года Ольга родила сына, которого назвали Поль. Пикассо, в сорок лет впервые ставший отцом, был на седьмом небе от счастья. Он бесконечно рисовал Ольгу с малышом, помечая не только день, но и час. Ольга любила сына с почти болезненной страстью, надеясь что ребенок поможет укрепить начавший рушиться брак...
Увы, мать Пикассо была права, когда в свое время сказала Ольге:
"С моим сыном, который создан только для самого себя и ни для кого другого, не может быть счастлива ни одна женщина".
Пабло был слишком независим, слишком своеволен, чтобы долго терпеть нормы светских приличий, чье-то руководство или чьи-то претензии. Ольга, после родов ставшая гораздо требовательнее к семейной жизни, все больше и больше раздражала его: он начал протестовать, надолго покидать его, что вызывало все новые и новые упреки и ссоры... Они были слишком разными во всем - от стремлений до вкусов.
"Ольга, - жаловался Пикассо, - любит чай, пирожные и икру. Ну а я? Я люблю каталонские сосиски с фасолью".
Его равнодушие разжигало ее беспокойство и ревность, а все это лишь увеличивало пропасть между ними. Постепенно на полотнах Пикассо вместо прежней Ольги-богини появляется другая Ольга: мегера, фурия, чудовище...
Этот период называют "сюрреалистическим": под влиянием этого течения на картинах Пикассо возникают разорванные на части, бесформенные или безобразно раздутые монстры, агрессивно-сексуальные, орущие или бьющиеся в истерике: среди характерных примеров можно назвать, например "Сидящая купальница", "Женщина в кресле" или "Фигуры на берегу моря". Критики убеждены, что их появление - прямое следствие постоянных скандалов с женой.
Дело кончилось логично: Пикассо нашел себе другую. Удивительно, но художник, коренастый, некрасивый, обладал поистине божественным даром соблазнения женщин: говорили, что ему достаточно было посмотреть в глаза женщине, чтобы она перестала ему сопротивляться. Однажды в январе 1927 года он увидел среди выходящей из метро толпы юную красавицу и подошел к ней. "Я Пикассо, мы вместе совершим великие вещи!"- заявил он ей. Девушку звали Мари-Терез Вальтер, ей было всего семнадцать, и она первый раз слышала о Пикассо. Так началось, по словам биографов, "самое большое сексуальное увлечение в жизни Пикассо, не знающее ни границ, ни табу. Это была страсть, возбуждаемая секретностью, окружавшей их отношения, а также тем, что Мари-Терез, имевшая вид ребенка, оказалось податливой и послушной ученицей, которая с готовностью шла на любые эксперименты, включая садистские, полностью повиновалась желаниям Пикассо".
Мари-Терез вдохновляла Пикассо на картины, полные откровенной чувственности и эротики, а также на скульптурные бюсты, полные безмятежности и величия. Пикассо поселил ее в замке Буажелу и держал там почти взаперти, опасаясь огласки и проблем с законом - Мари-Терез еще считалась несовершеннолетней, и у ее совратителя могли быть серьезные неприятности. В 1935 году она родило дочь Майю и стала все чаще заговаривать о законном браке. Пикассо обещал: как только он разведется, он жениться на Мари-Терез и признает дочь. Пока дочку записали как родившуюся от неизвестного отца, а Пикассо выступил в роли ее крестного.
Ольга Хохлова, все еще остававшаяся мадам Пикассо, была готова терпеть измены и издевательства мужа, но рождение у него внебрачного ребенка ( а Пикассо не преминул привести ее к Мари-Терез и с гордостью указать на младенца:"Это произведение Пикассо!") стало последней каплей. Она забрала сына и уехала. Впрочем, дать развод она отказалась, объясняя, что все еще любит мужа.
"Ты уверяешь, что любишь меня, - возмущался Пикассо. - Вполне возможно, но любишь как кусок жареной курицы, стараясь обглодать его до кости".
Подумав, Пикассо сам отказался от развода: ведь по подписанному брачному контракту ей бы отошла половина имущества, а Пабло, как истинный испанец, был скуповат.
Еще много лет Ольга не оставляла его в покое: она появлялась везде, где ее бывший - но все еще законный - супруг отдыхал с очередной пассией, и, как могла, портила им отдых: устраивала скандалы, часами ругалась под окнами их отеля или шла за ними следом, осыпая бранью. Она успокоилась, лишь обзаведясь внуками, которые запомнили ее удивительно спокойной и умиротворенной, всегда веселой и довольной жизнью. Ее внучка Марина Пикассо много писала о ней в своих воспоминаниях:
"Она была настоящей волшебницей, часто рассказывала нам сказки на красивом и мелодичном русском языке. Вместе с ней в дом приходили спокойствие, хорошее настроение, гармония. Казалось, все трудности легко преодолимы, и никогда мы от нее не слышали дурного слова о Пикассо, бросившем ее на произвол судьбы".
За год до смерти Ольга в последний раз случайно увидела Пикассо на берегу Ниццы - он не заметил ее, а она не стала подходить...
В 1934 году и 35 годах Пикассо посещает родную Испанию, которая никогда не перестает быть для него источником вдохновения. В этот раз он привез оттуда многочисленные наброски быков, воплотившиеся у Пикассо в образах Минотавра. Этот образ завершает сюрреалистический период, но он же открывает новый, вызванный собирающимися над Европой тучами надвигающейся войны. Когда в Испании началась гражданская война, симпатии художника однозначно были на стороне республиканцев, которые в знак признательности назначили Пикассо директором музея Прадо. Для них он создал серию акватинт "Мечты и ложь генерала Франко", которые, отпечатав в виде открыток, с самолетов разбрасывали над позициями франксистов. Когда в апреле 1937 года фашисты разбомбили баскский город Гернику, Пикассо немедленно откликнулся громадным полотном, клеймящим это преступление: монохромная композиция из огромных изломанных фигур полна крика, страдания и ужаса, и среди прочего - гигантский бык со страдающими человеческими глазами...
Работу над "Герникой" запечатлела для истории Дора Маар - новая любовь Пикассо, одна из самых знаменитых женщин-фотографов своего времени, воспитанная в Аргентине прекрасная дочь хорвата и парижанки. По одной из легенд, их в январе 1936 года познакомил Поль Элюар, безнадежно влюбленный в Дору, - в надежде, что "Пабло сумеет укротить эту дикую кошку". По другой - художник впервые увидел ее в богемном кафе Les Deux Magots: она в одиночестве сидела за столиком и играла с ножом, быстро-быстро втыкая его между пальцев лежащей руки. Пикассо немедленно начал ее рисовать, а затем пригласил в свою студию. Дора была умна, образованна, обаятельна и независима - она разительно отличалась и от Ольги, и от Мари-Терез, которых Пикассо немедленно вычеркнул из памяти. Его роман с Дорой продолжался почти десять лет, он запечатлел ее на многочисленных полотнах в образе "плачущей женщины": как говорят, Дора была очень нервной и нередко впадала в депрессию, а Пикассо старательно зарисовывал ее искаженное лицо, считая, что только так она выглядит по-настоящему красивой...Впрочем, как бы ни ценил красоту своих женщин Пикассо, их портреты никогда не были всего лишь изображениями красавиц.
"Я не пишу с натуры, я пишу при помощи натуры",-говорил он. "Я изображаю мир не таким, каким его вижу, а таким, каким его мыслю".
Всю жизнь он очень много работал: вставая обычно поздно, он днем общался с друзьями, а вечером садился за работу, успокаиваясь лишь под утро. За годы своей творческой деятельности Пикассо создал 14 тысяч полотен, 100 тысяч гравюр и эстампов 34 тысячи книжных иллюстраций.
В годы Второй мировой войны Пикассо продолжал жить в Париже и все же без устали творил: картины, портреты и скульптуры заполняют его мастерскую - на первом послевоенном Осеннем салоне он представил столько работ, что они еле поместились в зале. Параллельно он сотрудничал с Сопротивлением, снабжая организацию деньгами, а взамен получая контрабандную бронзу для отливки своих скульптур. В 1944 году даже вступил во Французскую коммунистическую партию - впрочем, он проникся ее идеями недостаточно сильно для того, чтобы выражать их на своих картинах. Хотя всем памятен знаменитый "Голубь мира", написанный Пикассо для плаката Всемирного конгресса сторонников мира в Париже 1949 года, - благодаря ему имя художника стало знакомым не только критикам и знатокам искусства, но и простым людям по всему свету. Пикассо был дважды награжден Ленинской премией мира - в 1950 и 1962 годах. Правда, в Советском союзе его картины, еще в 1905 году закупленные знаменитым коллекционером Сергеем Щукиным, почти тридцать лет - с момента расформирования в 1946 году Государственного музея нового западного искусства - находилось в запасниках...
Другие статьи на эту тему:
Пабло Пикассо. Детсво и юность (1)
Пабло Пикассо. "Голубой" и "розовый" периоды (2)
Пабло Пикассо. Кубизм (3)
Источник: "Великие мужчины XX века", Виталий Вульф, Серафима Чеботарь. ЭКСМО 2010.
http://www.chebotar.net/home.html
lazur-bereg.com
Пабло Пикассо. История созидания и разрушения. Часть 1
«Я пишу картины, как другие — автобиографии. Завершенные или нет, они страницы моего дневника и в этом смысле представляют собой ценность»
© Пабло Пикассо
В путешествии от объективного к сюрреалистическому Пабло Пикассо (Pablo Picasso) зашел дальше всех. «К чему размножать реальность, если с этим прекрасно справится фотообъектив?» — пожимал плечами он и возвращался к своим холстам, на которых в разное время господствовали реализм, постимпрессионизм, кубизм и сюрреализм.
За девяносто один год жизни испанский художник создал поистине великое множество картин: музей современного искусства в Нью-Йорке утверждает, что их число приближается к двадцати тысячам. Однако объем сюжетов и заложенных смыслов неисчисляем.
Париж - Мекка всех молодых, амбициозных и бедных художников, приютил Пикассо, когда ему было уже двадцать два. Сложно поверить, но тогда, в 1901 году, для критиков он был не более чем талантливым подражателем с неплохой манерой импрессионизма, а говорить о его собственном стиле даже не приходилось. Полный недовольства своим маргинальным положением и отсутствием признания художник взялся за голубую палитру.
Четыре долгих и мучительных года, потраченных на завоевание художественной столицы, именуются теперь как «Голубой период» и узнаваемы по мрачным сюжетам и пронизывающим до дрожи оттенкам. И, хотя множество работ тех лет отсылают к стилю Эдгара Дега и Эль Греко, трагедии собственной жизни (в особенности самоубийство лучшего друга) начинают проявляться и занимать на полотнах положенное им место.
Изнывая от голода и холода в крохотных студиях, Пабло выписывал своих тотально-депрессивных героев: арлекинов, пьяниц и тощих гладильщиц. В поисках персонажей, таких же обездоленных и мрачных, как он сам, Пикассо посещал тюремные больницы, убогие питейные заведения и дома проституток. Потерянные люди за одиноким столиком кафе, с опустошенными не только стаканами, но и жизнями, фигурируют с настораживающей частотой.
Драматическому упадку жизни вместе с «Голубым периодом» пришел конец, когда Пикассо встретил Фернанду Оливье, свою натурщицу и возлюбленную, и решился на окончательный переезд в Париж.
Два последующих года Пикассо обзаводился друзьями среди литераторов и циркачей, а также покровителями из числа владельцев галерей и коллекционеров. Неизменно раз в неделю художник вместе с друзьями посещал цирк на Монмартре, находившийся недалеко от общежития. Неудивительно, что весь «Розовый период» пестрит яркими костюмами акробатов, рюшами, треуголками и прочими атрибутами циркачей.
Если раньше обездоленность носила меланхоличный характер, теперь художник иронизировал, изображая себя в роли арлекина и с издевкой причисляя свое окружение к социальным аутсайдерам. Впрочем, никто не был против: художники того времени видели в комедиантах свое альтер-эго ‒ таких же свободных и романтичных странников.
Сложно переоценить дружбу с влиятельными людьми, в особенности, когда они становятся спутниками практически всей жизни. Покровительницей и другом для Пикассо стала Гертруда Стайн, теоретик литературы и высокий ценитель новых веяний в художественном искусстве. Именно она устраивала для Пабло персональные выставки в своей парижской квартире, потакая его эгоистичной непреклонности: он принципиально отказывался выставлять свои картины рядом с другими.
Самым известным полотном того периода стал ее собственный портрет, буквально опередивший время: на этот рисунок Гертруда стала похожа только спустя тридцать лет. Более девяноста раз писательница приходила в студию Пикассо, чтобы дать тому возможность снова и снова раздраженно переписывать ее голову. Эта часть тела всегда являлась для художника самой проблемной, даже спустя годы и множество творческих ипостасей.
«Пикассо почти полностью был захвачен видением вещей такими, какими их видят все, и, чтобы избежать этого, он впервые в жизни перестал писать так, как он умел это делать, то есть рисунком и цветом», — комментировала Гертруда Стайн последующие перемены в художественном стиле своего протеже.
Постепенно Пикассо начал отходить от перспективы и реалистичных форм: сказались наставления его влиятельной подруги и увлечение африканской ритуальной культурой. Как примитивные формы древних скульптур могут нести столь сильный энергетический заряд? Как необыкновенная мощь может выражаться в простых формах? Образ первобытной силы магическим образом очаровал Пикассо, окончательно убедив в том, что простое формообразование передает суть предмета неизмеримо больше, чем его детальное изображение.
1907 год стал поворотным для всей истории художественного искусства и творческой эволюции самого художника. Он создал своих великолепных «Авиньонских девиц» (Les Demoiselles d’Avignon), дав понять обществу, что отныне всякая связь искусства с классической традицией порвана.
Само общество тем временем бунтовало. Только редкие и лишенные тщеславия художники признавали «Авиньонских девиц» и последовавшие за ними «ответные» картины началом новой эпохи. Упрощение и искажение, отказ от перспективы и реалистичности ‒ все это впервые было в такой степени авангардным, что шокировало даже самого Пикассо. Много лет держа картину в своей мастерской, он продолжал развивать это направление, рисуя многочисленные «постскриптумы» и создавая стиль, который сегодня известен нам как кубизм.
«Когда мы обнаружили кубизм, у нас не было цели обнаружения кубизма. Мы только хотели выразить то, что было в нас», — писал позже Пикассо.
Сама суть кубизма заключалась в том, что абсолютно все в мире — тела, деревья, вода, воздух, предметы — «лепились» художниками из одного и того же материала, из одних и тех же простых форм, тем самым позволяя им являться естественным продолжением друг друга. В кубизме не существовало главного и второстепенного, фона и объекта ‒ все изображаемое составляло единое целое. С появлением кубизма, основоположниками которого стали Пабло Пикассо и его друг Жорж Брак, искусство перестало нести изобразительную функцию, обратившись к аналитической.
Постоянно встречаясь и обмениваясь мыслями, оба они пытались «вскрыть» оболочку предметов, и, выпотрошив наизнанку, отразить на полотне саму ее суть. А когда речь идет о сути вещи, какая разница как она выглядит, из чего сделана и где в пространстве находится?
«Картина может изображать впечатления, воспоминания и ощущения художника. Взгляд на действительность многослоен как своим изображением, так и мышлением. В картине объект разлагается на многие углы зрения в стремлении довести до зрителя самую полную информацию. Он объединяет разные углы зрения: например, прямой с боковым, вид сверху, снизу, и разъясняет очертания, скрытые от зрителя», — так говорил о кубизме Жорж Брак.
Все дальше в своих поисках идеальной формулы кубизма уходил Пикассо, пока его картины не стали напоминать непонятную монохромную массу, с выпирающими гранями и состоящую из осколков предметов, о назначении которых можно только догадываться. Любая истинная фактура категорически отвергалась художником, и все изображения скорее напоминали выдолбленный в камне барельеф, чем картину.
Даже для сведущего в искусстве человека портрет новой возлюбленной ‒ Марсель Умбер, «Женщина с гитарой» (Femme A la guitare) ‒ будет мало чем отличаться от «Бутылки рома» (Le bouteille de Rhum).
Что произошла очередная «смена оружия», Пикассо заметил в 1912 году, всего через два года после возникновения нового, придуманного им, направления. Слишком явная связь с абстракционизмом вовсе не льстила художнику, и он пошел на новые ухищрения, чтобы выделиться. В бой отправились вполне реалистичные детали — обрезки газет, картона, шрифты, даже алюминиевые ложки. Все эти говорящие атрибуты восстанавливали связь с реальностью и в то же время составляли для зрителей некие ребусы.
Они лишь намекали на смысл, но не раскрывали его полностью. Нотные листы, дольки лимона, капли воска — несоединимое все же соединялось на полотнах Пикассо и производило совершенно новую художественную реальность, но с маленькими якорями в реальности настоящей. Направление получило имя «Синтетический кубизм» и было отмечено также тем, что впервые в художественном искусстве шрифт стал равноправным участником композиции.
В 1914 году грянула Первая мировая война, но Пикассо, все еще проживавший в Париже и не имевший французского гражданства, мобилизован не был. Для него конец 10-х ознаменовался новым увлечением — сценографией, и новой женщиной — балериной Ольгой Хохловой. Художник, всегда тяготевший к новым формам и выражениям, быстро втянулся в предложенную ему работу для «Русского балета Дягилева».
Чем скандальнее постановка обещала быть, тем сильнее разгоралось любопытство Пикассо, а когда она с шумом проваливалась на первом же показе, он и вовсе ликовал. Дягилев так же был в восторге: ничто не привлекает внимание так, как деморализация общества в период войны. Критики называли Пикассо «геометрическим мазилой» и «пачкуном», но русский балетмейстер не желал расставаться с ним еще следующие десять лет.
Сам же художник обратился к несвойственной для себя манере не только творить, но и жить. Русская жена, привыкшая к образу жизни в окружении хрустальных люстр и черных фраков, рассматривала Пикассо как забавный аксессуар, которому стоит лишь добавить немного лоска. Он был вынужден соответствовать: ходить на костюмированные балы, укладывать волосы и выправлять осанку для газетных фотографий, посещать светские рауты и вести чинные беседы с деятелями балетного мира. Ольга воротила нос от чуждого ей кубизма и требовала рисовать ее узнаваемо: искусство должно быть респектабельным, и никак иначе. Все следующее десятилетие Пикассо писал в классицистической манере — достаточно традиционно и фигуративно для общества своей жены.
«Хотя в глубине души он не любил социальные предрассудки подобного рода, какое-то время они соблазняли его, и брак с Ольгой в известной мере явился уступкой этому соблазну», — позже писала одна из женщин Пикассо в своей автобиографичной книге.
В 1921 году у пары родился сын, и тема матери и ребенка, знакомая художнику еще со времен «Голубого периода», приобрела новую трактовку. Пикассо стал охотно сравнивать женщину с источником жизни, впервые в своем творчестве он дал ей пышные формы античной матроны и красивое лицо.
Впрочем, на этом положительное влияние Ольги себя исчерпало. Она не жалела сил на то, чтобы заставить Пабло вести нормальный, то есть более буржуазный образ жизни, и очень скоро ему опостылела.
С разладом отношений с женой в картины Пикассо вернулась агрессия, особенно по отношению к женским фигурам. Ольгу он изображал не иначе как монстром с искореженными частями тела, абсолютно неузнаваемую и уж точно совершенно не красивую.
Период популярности сюрреализма в Европе обернулся для Пикассо в полной мере истеричным временем: Ольга кричала и сыпала обвинениями целыми днями, брак стремительно катился под откос. Образы на картинах были раздутыми, бесформенными, абсурдными, а тема любви ‒ жестокой и насильственной. Порой только по уцелевшим элементам реальности можно догадаться, что художник хотел показать. Зубы наверняка свидетельствовали о человеке, а о женщине — почти всегда грудь, хоть и разнесенная по разным углам полотна.
Пабло Пикассо. История созидания и разрушения. Часть 2artifex.ru
