Музей ЧерномырдинаКак научиться читать язык картин и стать ценителем живописи. Язык картины
Как научиться читать язык картин и стать ценителем живописи
Кто они такие – любители живописи
Бывая на художественных выставках, многие из нас видели людей, застывших, будто в ожидании, перед какой-нибудь картиной. С первого взгляда это кажется смешным. Что, действительно, можно так долго разглядывать? И вообще, как говорится в известном анекдоте, зачем смотреть на то, как люди «в древности» без «Полароида» мучились? Да, темп жизни постоянно возрастает, и люди, для того чтобы успеть за временем, все больше становятся прагматиками, оценивающими все, что их окружает, с точки зрения вложений и прибыли. Конечно, любуясь картиной, никакой материальной выгоды Вы не получите. Однако если внимательно приглядеться, можно заметить поразительную связь между зрителями и самой картиной: их лица озаряются идущим от полотна неведомым светом, как будто они попадают под действие загадочной ауры картины.
Живопись – это особый мир, дверь в который всегда открыта, но войти туда может не каждый. Знания, которые несут картины, это не та информация, к которой мы все привыкли, не те сведения, которые мы получаем в школе, и не тот поток фактических данных, который обрушивается на нас каждый день из средств массовой информации. Это духовные знания. Осознание их приходит постепенно – по мере того, как зритель, шаг за шагом, обретает готовность приобщиться к духовному опыту. Поэтому выдвинутый когда-то большевиками лозунг: «Искусство – в массы» в корне неверен. Искусство ничего не может дать массам, если массы не готовы дать искусству что-то взамен. И в этом смысле искусство – элитарно. Однако оно не закрыто для пытливых и страждущих, и всегда готово встретить вновь прибывшего, чтобы, взяв его тихонечко за руку, провести затем по тропе познания в мир простых истин. Нельзя сказать об этом лучше, чем когда-то сказал Ю.Визбор о мире музыки: «Какая музыка была, какая музыка звучала. Она совсем не поучала, а лишь тихонечко звала. Звала добро считать добром, и хлеб считать благодеяньем, страданье вылечить страданьем, а душу греть вином или огнем.».
Как художник воплощает в картине свои идеи
Глаза нас частенько подводят. Вот и в живописи изображенное на картине далеко не всегда равнозначно тому, что хотел сказать автор. Да, любителям телевизионных программ, обожающим смотреть красивые картинки, лежа на диване, это не понравится. Прибегая к использованию техники живописи, художник передает свои мысли и чувства через некий информационный код.
Во-первых, автор (будь то автор художественного произведения или какого-либо еще) всегда выступает «заложником» своего времени. Поэтому идея картины обязательно имеет «привязку» к исторической эпохе, в которой творил художник. Так, например, в средневековой живописи изображение человеческого тела и всего, что с ним связано, считалось греховным. Поэтому неподготовленный человек, глядя на эти полотна в свете сегодняшних представлений, решит, что это какой-то «детский рисунок» и, не затронутый увиденным, пройдет мимо.
Во-вторых,– это код самого послания автора. Формулируя свою идею, художник старается излагать ее на языке живописи, пользуясь законами изобразительного искусства, главным из которых является закон композиции. Кроме языка законов построения изображения, у живописи есть еще и другой язык. Со Средних веков – когда живопись тяготела к иносказательной интерпретации предметов - в изобразительном искусстве выработался язык символов, используя который автор мог уложить свою идею в строгие рамки разрешенных сюжетов. Этот язык получил свое дальнейшее развитие в 17-18 веках, когда для создания картин часто использовались сцены из древних мифов.
В-третьих, сознательный выбор разнообразных художественных приемов формирует у художника неповторимый «почерк», зная который, легко можно установить авторство неизвестных произведений.
Зачем же нужны все эти «коды», неужели нельзя просто взять и нарисовать то, что больше всего понравилось, чтобы все поняли, как это действительно красиво. К сожалению, наука пока не может ответить на этот вопрос. Дело в том, что эта проблема напрямую связана с проблемой происхождения языка. Мы не знаем, почему люди постепенно перешли на условный язык общения, отказавшись от языка жестов и животных криков. Можно только предположить, что это было как-то связано с развитием культуры. И хотя дух реализма в современной культуре, как видно, возобладал, мне кажется, что, так или иначе, авторы реалистичных картин всегда переходят на язык «тайнописи» или же уходят в примитивизм.
Основные законы живописи
Можно облегчить себе восприятие картины, обратившись к основным законам живописи, посредством которых художник общается с нами, переводя на холст свои мысли и чувства. Главный закон живописи – создание правильной композиции, т.е. уравновешение различных частей картины. Основная функция композиции - привлечение внимания зрителей к главному объекту, передача игрой форм, линий и красок определенного душевного настроя.
Так, например, строгие прямые линии хорошо передают вес и объем, придают формам законченность и совершенство, рождают ощущение гармонии, душевного спокойствия. Совершенство форм подразумевает использование чистых насыщенных цветов. Картина становится «звучной». Так, например, очень «звучные» картины у Н.Рериха. Хорошо знали этот прием иконописцы; прекрасно удавалось передать «звучание» красок Феофану Греку.
Напротив, изогнутые линии рождают в душе ощущение движения, изменчивости. Так, например, петляющая дорога в голубой дымке на заднем плане картины Леонардо да Винчи «Мона Лиза» создает ощущение зыбкости, мимолетности, легкой невесомости самого портрета. Очень часто художники использовали задний план для того, чтобы подчеркнуть умонастроение персонажа картины и сообщить зрителю определенную эмоцию. Распространен был подобный прием в написании парадных портретов.
Далее, у картины всегда есть точка зрения – то положение, с которого автор показывает нам объект. Она напрямую связана с законами построения перспективы, т.к. является точкой схода параллельных линий изображенных предметов. Существует несколько видов перспективы. Наиболее распространенные – это обычная прямая перспектива (с точкой схода, расположенной за объектом), показывающая уменьшение размеров предметов по мере удаления от глаз наблюдателя, и обратная перспектива (точка схода находится впереди объекта), предметы в которой по мере удаления от наблюдателя увеличиваются. В иконописи художники часто прибегали к использованию обратной перспективы для того, чтобы подобным образом воплотить идею о приближении далеких идеалов. Точка схода позволяет художникам, как бы играя пространством, привлекать внимание зрителя к наиболее значащим объектам и планам картины. Например, в картине Леонардо да Винчи «Тайная вечеря», мы легко можем определить композиционный центр, благодаря точке схода перспективы изображения, расположенной сразу за Христом.
Большое значение в восприятии картины имеет линия горизонта. Линия горизонта позволяет передавать масштаб изображаемых событий в соответствии с умозрительным восприятием художника. Например, линия горизонта, расположенная в нижней части картины, может рождать ощущение причастности к действию, тогда как, напротив, находясь в верхней части полотна, она заставляет нас оценивать изображенное на картине с «высоты птичьего полета».
Кроме гармонии линий и форм в картине еще должна присутствовать гармония света и цвета. Световые пятна применяются для придания картине эмоционального напряжения, перерастающего в определенный мысленный настрой. Действие этого эффекта объясняется концентрацией внимания зрителей на наиболее важных, значимых деталях картины. Прекрасно умели работать со светом Тициан, Рембрандт, К.Брюллов, И.Куинджи. Например, на картине И.Куинджи «Лунная ночь на Днепре» мы видим только два ярких световых пятна посреди непроглядной ночи – луну и узкую полоску воды под ней. Такой световой контраст рождает в душе чувство спокойствия и умиротворения. Подобные световые контрасты широко используются и в портретах. Прекрасный пример тому – «Портрет мужчины в красном» кисти Рембрандта или «Портрет Ф.М. Достоевского» В. Перова. В них световые акценты на лице и на кистях рук рождают ощущение погруженности в размышления, внутренней силы персонажа.
Цветопередача картины преследует ту же цель, что и световые акценты, - привлекать внимание зрителя к наиболее значимым деталям произведения. Контраст цветов руководит избирательностью восприятия. В первую очередь взгляд выхватывает наиболее яркие цвета картины, а затем невольно переходит на фрагменты, контрастирующие этому цвету. Если внимательно посмотреть на картину, можно заметить, что цветовые контрасты располагаются вокруг композиционного центра, таким образом, создавая на нем дополнительный акцент. Кроме этого, они рождают ощущение внутреннего движения, картина как бы оживает, перестает быть статичной.
Композиционные законы живописи являются хорошей иллюстрацией закона диалектики о борьбе и единстве противоположностей. Вся композиция картины строится на единстве и контрасте объекта и фона, линий и форм, света и цвета. Объединяя эти разные элементы, противопоставляя их другим группам композиции, автор делает картину более емкой и многозначной.
Зорко одно лишь сердце
Картина – это книга, но не старайтесь сразу найти в ней последний лист с содержанием. Картина - это та же пещера Али-Бабы, откуда можно взять лишь столько золота, сколько можно унести за один раз. Но к картине можно всегда вернуться, когда духовные силы вновь потребуют насыщения. Ведь даже приходя на выставку в разном настроении, можно получить разное восприятие картины.
Одну и ту же картину люди могут воспринимать по-разному. Достаточно только вспомнить неутихающие дискуссии на тему «Моны Лизы», чтобы понять это. Одной из восхитительных особенностей живописи является то, что она способна породить бесчисленное число многослойных реакций восприятия, и, одновременно, выявить «общий знаменатель», – тот важный смысл, заложенный в основу картины, - который понимают и видят все.
Живопись всегда будет напоминать нам о том, что, как говорил Лис в романе А. Сент-Экзюпри «Маленький принц»: «…зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь». И, может, действительно, только благодаря искусству, в один прекрасный момент мир будет спасен.
www.znaikak.ru
У каждого искусства свой язык. Особенности художественного языка живописи
.
Каждый вид искусства имеет свой художественный язык, создающий художественный образ.
«Унылая пора! Очей очарование….» А. Пушкин. Художественный образ, т. е. НАСТРОЕНИЕ, передан словом. Слово главная составляющая художественного языка литературы. К художественному языку музыки относятся специально организованные звуки.
Главная особенность языка живописи – цвет. Цветом на холсте передается реальная жизнь – предметы, люди, природа.
Цвет это краски, т.е. сухие порошки (пигмент), которые разбавляются определенной жидкостью. Она дает название и самой краске и живописи вообще, выполненной этой краской: акварель – пигмент, разбавленный водой, масло – пигмент разбавляется специальным маслом и т.п.
Живопись обычно выполняется на холсте, натянутом на раму или на деревянной доске. При создание такого произведения его ставят на специальное приспособление, которое называется мольберт. Обычно это полотно небольшого размера они называются станковыми. Но бывают живописные произведения которые невозможно перенести из-за их огромных размеров. Это картины выполнены на стене (фреска, мозаика), стекле, окне (витраж) называются монументальными.
Главной особенностью художественного языка живописи является не просто цвет: темный – светлый (Левитан «У омута», «Золотая осень»), а его сочетание, которое называется колорит. Он бывает темный – светлый, теплый – холодный.
Очень важно для передачи художественного образа расположение предметов и фигур на картине. Это называется – КОМПОЗИЦИЯ. Она бывает: горизонтальной, вертикальной, треугольной, круговая, кулисная, и пр.
Таким образом, к худ. языку живописи относится: цвет, его сочетание – колорит, композиция.
Жанры живописи
Искусство отражает особенным для каждого вида языком окружающей человека среду. Каждая эпоха стремилась в понятной всех форме, каким-то видом искусства наглядно, доступно для всех членов общества передать окружающим мир, природу, предметы, людей. Такой вид искусства называется актуальным видом. В Древней Греции актуальным видом была архитектура и скульптура, в эпоху Средневековья – храмовая архитектура. Внутри актуально вида развивалась разновидности, виды, жанры.
Самостоятельные жанры появились в XVII веке. Жанр в живописи определяется тем, что нарисовано на картине:
- предметы, фрукты – натюрморт,
Существуют такие жанры живописи:
1. исторический, который делится на:
1.1 исторический – изображение исторического события
1.2 мифологический – изображение мифологического сюжета
1.3. батальный – изображение битв и военного быта
1.4.библейский – изображение библейского сюжета
2. анималистический – изображение животных
3. натюрморт - изображение неодушевленных предметов
4. бытовая или жанровая картина – изображение бытовых сцен
5. портрет – изображение конкретного человека, особенности его характера
Портреты бывают:
1. автопортрет – изображение самого себя
2. камерный – небольшого размер, изображаются только лицо на «глухом» фоне.
3. лирический – небольшого размера, погрудное или поколенное изображение человека на фоне природы.
4. портрет – жанр – изображение человека в привычной обстановке, за работой
5. парадный – большого размера в полный рост в величавой позе на фоне складок штор (драпировок). Обязательно изображаются награды и предметы, указывающие на заслуги.
6. пейзаж – изображение природы. Тоже имеет различные виды:
- марина – изображения моря
- ведута – город
- индустриальный – заводы, фабрики и. т. д.
_________
* натюрморт (фр. – мертвая природа)
** марина (лат. - морская)
Художественный язык графики.
Сравните два изображения дочери Рубенса " Портрет дочери" и "Портрет камеристки" и вы поймете, что главным отличием является наличие или отсутствие реального цвета. Рисунок - это графика (греч. – пишу), и основой ее художественного языка является: линия и цветовое пятно условного цвета.
Гравюра (лат. – вырезать) вырезание рисунка на каком то твердом материале, потом с этой доски печатают изображение на бумагу. Этот оттиск (отпечаток) называется эстамп. Основные достоинства гравюры — возможность многократно ее повторять, т.е. тиражировать.
В зависимости от материала на котором вырезают рисунок, гравюры называются:
ксилография - на дереве,
офорт - на металле,
линогравюра - на линолеуме,
литография на специальном типографическом камне.
Каждый вид гравюры имеет свои художественные особенности:
ксилография- много темной поверхности, все изображение как бы состоит из линий начерченных под линейку.
офорт -как будто нарисовано тонким перышком;
литография - как будто нарисовано кисточкой,
линогравюра - много белой гладкой поверхности, а линии очень толстые «неповоротливые».
Слово "графика" употребляется в узком смысле этого слова, и обозначает "рисунок", а в широком - так называют всю печатную продукцию (эстампы, газеты, книги, этикетки и проч).
Графика - самый распространенный вид искусства - газеты, журналы, книги, упаковка , фантики для конфет.
studfiles.net
Язык фотографии. Понимать или игнорировать
Все мы бежим. Меньшинству известно направление, чуть большему кол-ву заметен ритм, а основная масса лишь прет куда скажут. По указанному маршруту, без вопросов «Почему? Куда? Кто так решил?».
Сегодня мы затронем крайне важную, но редко вспоминаемую тему в сфере фотографии. А именно – поговорим о ее языке. О ритмах и контрастах, знаках и символах. Тех постулатах, которые сопровождают фотографию с момента ее зарождения и так сильно утрируются в наши потребительские дни.
Пожалуй, именно с этой темы и стоит начинать свое знакомство с фотографией, а не с приобретения камеры и чтения трудов маркетологов. Ведь отправляясь путешествовать в иные земли, вам необходимо изучить местный язык. Конечно, вы можете прибегнуть к помощи всевозможных средств для перевода. Словари, переводчики, различные «гиды». Но это лишь поверхностное впитывание результатов того, кто за вас потрудился, без возможности «впитать» культурные особенности новых, для вас, земель.
В этом и кроется сущность потребления, ее мораль проста – ограниченность. Взгляда, осмысления, взаимодействия. Весомые минусы, которые можно исправить лишь трудом. Уделить время изучению языка, акцентироваться, в частности, на местные диалекты. С таким подходом любое путешествие окажет большее впечатление и влияние на внутренний мир странника. Откроет с иных сторон увиденное вами и не потребуется «посредник», в лице гидов, словарей и прочего потребительского «десерта». От которого портится здоровье, и урчит в животе.Любое путешествие начинается на стадии планирования. Но почему-то в фотографии все чаще бывает иначе.
Крепчает стереотип что познание сокрыто за дверью, которую немедленно стоит открыть и «упасть» в землю «чужеземцев». Забавная картина, как и сами «последствия». Хотя все кроется в простых причинах: потребление и неуважение.
Неумолимая тяга к «фастфуду» вынуждает меньше думать, больше руководствоваться инстинктами, которые в свою очередь перечеркивают все труды, созданные предшественниками (сумевшими достичь солидных высот и увековечить труды в истории человечества) и возвысить себя, лишь по пути маркетинга. Видимо это современный «олимп». Даже не на земле, внутри лишь одного раздутого эго, на пустом месте, лишь в окружении кусочков глины, из которых при усердии можно было бы создать великолепную основу для последующего роста. Забавно конечно. Но «пиастры в глазах», к чему тут думать.
И так, для чего же мои мысли и для кого эта статья
Если вы подумали, что я буду рассказывать о схемах съемки, или же вести дискуссию о технике, то, пожалуй, я вас огорчу. Моей целью не стоит трата времени на техническое пережевывание «тумана» маркетинга, и тем более не планирую цитировать и разбирать работы именитых мастеров 19-20 веков. Т.к. до меня это давно сделали (и продолжают делать) люди по призванию. Опытнейшие критики, историки, деятели искусств. Чей образ жизни полностью сформирован на основании одной простой и значимой цели – сохранить и разъяснить для ныне живущих и последующих поколений, всю ценность и величие работ предшественников. Ознакомить с языком фотографии, с «диалектами» каждого мастера и возможно немного большим, что способны впитать люди, стремящиеся познать фотографию в ее истинном предназначении и ценности, осознать ее уникальный дар. Именно с отношения к истории и стоит начинать свое путешествие в неизведанное, но для начала ознакомиться с языком.
Фотография – дитя царства света и теней
И даже дело тут не в том, что свет необходимая физическая составляющая для получения кадра. Это ваша азбука, научившись читать по которой, можно смело приступать и к написанию. Используя данное средство выразительности, вы сможете донести зрителю свое видение мира, происходящего, прочувствованного. Именно с помощью света вы сможете написать свое повествование. Некое письмо зрителю, поколению будущего. А игнорируя, вы лишь получите фоточку. И тут уже не имеет значения композиция, эмоция, цвет и прочие составляющие. Вы лишили фотографию основного, проигнорировали светопись и просто нажали на кнопку, в надежде на любовь толпы. Лишив дом фундамента, вы получите шалаш или некую разновидность временного жилища, которое не способно бросить вызов ударам стихии и тем более, увековечиться в истории. Увы, но подавляющее большинство работ умирает раньше, чем их создатели. И это нужно понимать, прежде чем брать камеру в руку. Иначе вы рискуете продемонстрировать зрителю «недоношенное дитя», неспособное выжить без помощи извне (в сфере фотографии — это маркетинг, пиар).
Внимательный читатель мог заметить, что я акцентировал внимание на том, что для начала учимся читать, а только после этого – говорить. Данная упорядоченность имеет основания. В своем мире, говоря на родном языке мы можем поступать как угодно (сначала болтать, затем слушать, или наоборот), но в вопросе изучения иноземных языков все обстоит иначе. Чтобы начать говорить, надо научиться слушать и важное – слышать. Именно после осознания этой очевидности, вам будет проще понять новое, стать грамотней и научиться говорить так, как принято на этой земле.
С фотографией все аналогично. И поэтому:
Светопись – первое, на что должен акцентировать свое внимание будущий творец
В 2012 году мои мысли о «продажной» фотографии (да да, именно так я называю то, что необходимо создать по одной простой причине – заплатили) зашли в некую зону «дискомфорта», я всерьез начал переосмысливать дальнейший творческий путь. Не было стремления продолжать снимать то, что некогда пиар признал модным и все теперь это хотят. Это временное, глупое и пустое. В такой картинке нет ничего, она рвет душу. Именно отсутствие светописи рушит такую фотографию и ведет к обеднению ее содержания. Нет света, но есть композиция и куча символов, образов, которые россыпью заполняют пространство. Думаю, если к вам домой привезти десятки тонн песка, навряд ли вы построите замок, или иную песчаную зарисовку. Т.к. не знаете как.
В один из туманных осенних дней меня познакомили с творчеством Лилиан Бассман
С первых же мгновений я был покорен легкостью и неуловимостью ее чувственных работ. Они будто написаны акварелью и тяготеют к живописи, но все-таки технически они созданы по средствам фотографии.
Именно в тот момент я запомнил для себя слова учителя:
«Работы Бассман с точки зрения коммерческой фотографии – брак. А вот с точки зрения фотографии – искусство, причем с большой буквы».
У такого «верстового камня» я и был оставлен один на один с мыслями в голове. Меня долгое время мучили вопросы: Как она управляла светом для такого рисунка? Что она стремилась донести миру, кроме утонченности и легкости работ? По окончании поисков, изменилось многое. Мое отношение к фотографии, к ее истории и душе. Подход к созданию своих работ претерпел серьезные изменения и полностью перешел в зависимость от света. Отныне только светом идут мои повествования и к нему я добавляю символы, формирую образы и опираюсь на внутреннее, что хочу сохранить для последующих просмотров.
К примеру снимок «Грани личности»
С помощью света я изменил соотношение масс и убрал фактуру, которая не так важна для данного повествования и с легкостью бы «нервировала» глаз. Крайне важным являлось оставить акценты в темной и светлой областях. Серьга, венозность рук. Первое символизирует богатство и поэтому на темной стороне, а второе – силу характера, личности и логично что свет. Именно это внутреннее противоборство в каждом человеке и легло в основу повествования данной фотографии. А все остальные моменты лишь добавляют. Но не будь тут света – нечего было бы и добавлять. Получилась бы очередная фоточка этого мира, с непонятным повествованием и надо смотреть на женщину, красива ли она и что делать с критикой в адрес работы…
Что до повышенного контраста данной фотографии, то это отдельная тема, которою я в будущем планирую осветить. На данный момент скажу лишь то, что зачастую контраст — это частный случай. Черно-белый снимок ведет свое повествование черными и белыми тонами, контрастностью лишь регулируется степень интенсивности переходов между ними. Более контрастные фотографии оставляют яркие впечатления. Они более напористы и агрессивны. В свою очередь, снимки с пониженным контрастом тяготеют к более плавной градации серого (порой не имея точки черного) и, тем самым, прекрасно подчеркивают иной мир. Малый контраст позволяет подчеркнуть легкость, чистоту, романтизм. Контраст играет очень важную роль в восприятии снимка и это нужно учитывать при изучении фотографии.
Приведя, в качестве примера, краткий анализ одной из своих работ, я осмысленно затронул тему символов. «Научившись говорить» наступает пора создания повествований и демонстрации собственных мыслей. Именно на этой стадии стоит вникать в такие аспекты как символ, образ. Честно говоря, данный аспект зависит и от опытности зрителя.
К примеру. Перед вами поставлена задача фотосъемки обнаженной натуры. В ходе процесса вы, как человек опытный и чувственный, стремитесь отойти от повествования «в лоб» и проводите ассоциативный ряд, образность восприятия. Оставляете значимую деталь гардероба на теле, подчеркиваете детали интерьера, берете в рассмотрение глубину заднего плана. Добавляете (к примеру) окно, а в нем парк, или город. А там люди, любующиеся красотой в окне (опять же к примеру), с интересными и предсказуемыми эмоциями на лице, ну и т.д. То есть, вы постоянно закладываете уместную информацию, способную раскрыть вашу героиню, и в целом, при помощи символов и последующих ассоциаций – дополнить рассказ.
Тут то и обнаруживаются подводные камни. Каждый человек уникален и его восприятие то же. Один воспримет эту фотографию просто, как снимок голой женщины. Другой прочтет дальше и погрузится в размышления о том, кто же она, каков ее внутренний мир и быт по жизни. А наиболее внимательные прочитают до конца и заметят зевак в окне, дополняющих повествование и придающих большую глубину картине. Найдутся и другие, которые отойдут от этих «мелочей» и начнут рассуждения о женщине, как таковой. Ведь для кого-то ваш рассказ окажется глубинным водоемом, в который он мечтал окунуться, но не предоставлялось возможным.
Разные оценки, разница восприятия и прочтения. Каков тут может быть язык? Весьма предсказуемый вопрос, т.к. поначалу можно запутаться и сбиться с толку. Но игнорируя символы, можно отправиться в путь по ложному следу. Мастер всегда должен ставить себе далеко идущие цели, но помнить о чувстве меры. Ведь «фотографический винегрет» далеко не всем по вкусу и необходим баланс в загружаемой информации, хотя в большей степени – структурность.
Как этого добиться? Существует множество способов развить в себе данные навыки. Первым делом необходимо изучать труды предшествующих поколений. Богатейший образовательный трактат доступен нам в любой точке земли и надо лишь начать читать и анализировать. Насмотренность, натренированный взгляд. Многим известные данные слова, которые прекрасно характеризуют того, кто изучает чужие работы и тем самым, тренирует свой взгляд на восприятие (и последующую проекцию) прекрасного. Большинство известных и узнаваемых фотографий (Брессон, Капа, Родченко и т.д.) пропитаны символами и являются блестящими энциклопедиями для нашего поколения.
Разумеется, даже осознанное накопление знаний без практики – мертво. Ибо фотография требует постоянного движения, развития. Изучив несколько слов чужого языка, вы пытаетесь связать их в предложение. Затем предложения в обращения, а после и в грамотную речь. Каждое достижение рождено практикой и мышлением. С фотографией все аналогично. Что-то изучили/подсмотрели – бегом пробовать. Пусть у вас многое не получится с первого раза, это нормально. Неудачи терпит идущий, без поражений только любитель почивать на диване.
И как тут не вспомнить замечательные слова, автор которых Йозеф Судек:
«Я фотографирую, потому что еще не умею этого делать. Если бы умел, то перестал бы.»
Затронув тему символов и их восприятия, мы плавно подошли к образу.
Что же такое образ? Этому вопросу посвящена уйма книг. Не только в сфере фотографии, данная тема тянется из живописи. Но точной формулировки, одобренной и не опровергнутой – на данный момент нет.
Почему же? Наверно потому-что образ это не из сферы физики, и даже не из лирики. Образ это не «пища» для глаз, и даже не для ума. Образ штука более глубокая, она для внутреннего мира, для тех глубин, которые знакомы с чистотой эмоций, воспринимающих окружающий нас мир. Эмоций далеких от животных и подобных им, примитивных сущностей и стандартов. Когда человек читает работу (хоть фото, хоть написанную живописцем) он пробегается по всем вышеописанным языковым моментам и тут одно из двух. Или он говорит хорошо, и работа ему нравится, или произносится, многим знакомое, «В этом что-то есть!» Что? Это редко поддается описанию, т.к. воспринимается индивидуально и отражает общее впечатление от картины.
Другими словами:
«Образ это подытоживающее впечатление от картины, зарождающееся на основе вложенных символов и инструментов повествования и находящее отражение в глубинах человеческой души».
Именно в вопросе образа (да и в предыдущих языковых аспектах) многое зависит от опытности зрителя. Ведь автор может явить миру великолепную работу, которая будет опережать свое время или просто не понята большинством зрителей. Как говорится – не к месту.
Ведь все мы разные и внутренний мир не исключение. Кто-то читал Ремарка, Чехова, Достоевского, а кому-то достаточно и проще. Допустим про «Красную шапочку» он в курсе, ему и достаточно.
Разумеется, навыки восприятия будут иными, как и общий процесс ознакомления с работой мастеров. Культура она и есть культура. Поэтому, не стоит унывать если ваши работы остались незамеченными при публикации, или заказчик не уделил должного внимания одной из ваших работ. Это не исключает возможности того, что спустя годы он не позвонит вам, для выражения своих слов благодарности за работу, которая теперь наиболее ценна в его жизни и главное – понята.
Как же тренировать навыки, касаемые образа
Тут все просто, оттого и непонятно многим. Дело в том, что фотограф это не человек с камерой. И более того, ею он не снимает. Фотограф это образ жизни, восприятие мира, мораль и философия. А снимает он глазами (т.к. это самая совершенная камера или вы все еще верите маркетологам и японским инженерам?) и отражает/формирует увиденное – своим внутренним миром. Камера лишь помогает сохранить (запечатлеть) увиденное, не более того.
Для любителей поспорить в этом вопросе, приведу пример. Книга. Печатная такая, ее еще принято открывать и читать. За историю человечества чем только не корякали текста. Палками, перьями, ручками, специальными машинами. Многое было в жизни книг. Но разве это важно? Главное — труды, оставленные последующим поколениям (а порой и цивилизациям) и люди, авторы этих повествований.
Но вернемся к образу. Фотограф, если он стремится к развитию, должен постоянно впитывать в себя новое. Не сидеть на различных мк и втирать на подкорку шаблоны, а мыслить, анализировать окружающий его мир. Слушать различные направления музыки, сутками напролет сидеть в картинных галереях и читать художественную литературу. Но все это будет пустой теорией, без практики, которая необходима взору. Фотографу требуется постоянное погружение в изучаемый им мир, собственно, как и любому творцу. И это нормально, это жизнь, с ее акцентом на движение и прогресс. Разумеется, не хочется себя перестраивать и отдавать свою жизнь в увлечение, которое поглощает. Куда проще брать камеру при необходимости и «щелк». Но это не то, не будет прогресса, лишь тупик и бег по кругу.
Помню как в свои 12 лет я стоял в очереди на проявку пленки в местном фотоателье. Подошел ко мне мужчина, статных лет и спросил: «Что наснимал, сынок?» Я ему пояснил весьма в красочных эмоциях что природу и родных. Он выслушал, улыбнулся и сказал: «Вот и славно. Дальше не ходи. В фотографии ничего нет, все это выдумка. Ты порвешь душу». Помню тогда я здорово обиделся на эти слова, а после и вовсе забыл на долгие годы. Но буквально этой весной я нашел ответ для себя. Да, в ней ничего нет. Все содержимое и ценное в нее вносит человек, с его индивидуальным взглядом на мир и собой, как главной индивидуальностью этого мира.
Пожалуй, объемными оказались мои рассуждения на тему образа, но думаю я смог прояснить важные моменты, которые окажутся полезны в жизни творца. Да и собственно статья разрастается до неприличных размеров, пора закругляться и подводить итоги.
Сегодня мы ознакомились с языком фотографии, с ее даром и наследием, которое необходимо перенимать всем, кто стремится создать свой уникальный мир, с его индивидуальным повествованием и героями. Возможно, кому-то это покажется неуместным и неактуальным в наши дни, ведь «миром правит» инстаграм, но я скажу следующее: миром людей правит разум и плоды его деятельности, то, что кому-то может показаться ценным на пиксельной платформе – лишь временная дань глупости (зависящей от отсутствия искусства видеть, о котором мы поговорим в одной из статей) и массовости, обреченной на бег по кругу и забвение по прошествии лет. Разумеется, можно усмехнуться и продолжать штопать цифровой мусор, и тем самым, засорять пространство. А можно научиться говорить и «писать трактаты».
Само собой, всю историю человечества фотография будет делиться на потребление и искусство, и это нормально, это реальность на основе сказанного выше. За вами лишь выбор (как и всегда, как и сию минуту) кем быть и что после себя оставить.
Да, тема непростая и ознакомились мы с ней лишь поверхностно, но для начала этого достаточно. Все порционно, для лучшего понимания, в дальнейшем мы поговорим о языке фотографии еще не раз, следите внимательно за обновлениями.
В заключении я решил продемонстрировать пару работ для самостоятельного прочтения, изучение которых поможет вам закрепить тему света и теней, роли контраста, символов и образа.
Мир всем, и попутного света на местах фотографических баталий.
Ваш,Андрей Бондарь.
Рекомендую к прочтению:
- Эмоции в фотографии. Не первый год, в фотографии формируется мнение о великой роли эмоции для создания шедевра. Если вы зашли в тупик и не знаете, что и как […]
- Эмоции детей в фотографии. Рассуждая на тему эмоций, я как-то позабыл о ситуации с детьми. Все мы прекрасно знаем, что детская фотография более честная, живая и […]
- Дагерротип. Фотография, в наши дни, так сильно вошла в повседневную жизнь человечества, что уже трудно представить этот мир без фотоаппарата, а ведь […]
blog.andrewbondar.ru
Язык и секреты живописи
Язык и секреты живописи
Или о постижении скрытого смысла картины
Я отвечаю, что картины пишут головой, а не руками; и тот, кто потерял голову, только позорится. Микеланджело
Искусство призвано раскрывать истину в чувственной форме. Гегель
Живопись не что иное, как изображение духовных понятий, хотя и воплощенное в телесных фигурах, выполненных согласно определенному порядку и в определенной манере. Пуссен
Вещи, обладающие совершенством, не должно смотреть второпях, но медленно рассматривать, оценивая и с пониманием Нужно пользоваться одними и теми же средствами как для того, чтобы правильно о них судить, так и для того, чтобы хорошо их делать. Пуссен
Все искусства имеют общий корень, на глубинном уровне все они связаны между собою — поэзия, музыка, изобразительные искусства. Фридлендер
Введение
Представьте, дорогой читатель, что вы пришли в Эрмитаж, прошли в залы французской живописи на втором этаже и ваше внимание привлекла поэтичная, прекрасно исполненная картина Луи Ленена "Семейство молочницы". Сюжет её крайне прост: на фоне пейзажа изображены молочница с медным кувшином для молока за спиной, её муж и двое их детей. Рядом с ними, словно член семьи, стоит ослик; у ног молочницы свернулась в клубок собачка.
В сравнении с тем, как изображались крестьяне и вообще простой народ в творчестве Брейгеля, Браувера, Остаде, в молочнице, её муже и детях нет грубости, приземлённости. Они серьёзны, значительны и полны достоинства. Обычно в этом и видят всё содержание картины, и, полюбовавшись изысканным колоритом, блестящей манерой исполнения, зритель переходит к созерцанию следующих картин.
Но вас удивит, дорогой читатель, что за видимой простотой сюжета, лаконичностью изображения скрыто глубокое философское и нравственное содержание. Ведь художникам XVII века было привычным для выражения своих мыслей использовать аллегории и символы. Посмотрим на картину Луи Ленена с этой точки зрения.
Прежде всего возникает вопрос, почему изображено семейство именно молочницы. Молоко — первая пища любого человека, символ питания — телесного и духовного. В раннехристианской церкви молоко подавали вновь окрещённым, молоком причащали детей и стариков. Роль молока столь велика в жизни людей, что она отразилась в народной речи. О здоровом человеке в похвалу говорят "кровь с молоком". О глубоких, вкоренившихся в человека привычках, навыках, знаниях говорят: "Он впитал это с молоком матери". Молочница является центром композиции, цвет её одежды и головного убора, схожий с цветом молока и сливок, выделяет её, подчёркивает важность её труда для жизни людей. Белый головной убор является символом чистоты помыслов молочницы. Собачка у ног молочницы — символ её верности семье, своему делу, своему назначению.
На переднем плане картины изображён осёл. Обычно осла воспринимают как образец глупости и упрямства. Таким, например, он предстаёт в баснях Эзопа и Крылова. Но в христианской традиции осёл — символ простоты, скромности, терпения и смирения, трудолюбия. Валаамова ослица знала лучше своего хозяина волю Божью и спасла его от неверного пути и гибели. Осёл присутствовал при Рождестве Христовом, на осле Дева Мария с Младенцем совершала бегство в Египет, на осле же Спаситель въезжал в Иерусалим. В картине Ленена осёл олицетворяет указанные выше христианские добродетели, характеризующие семейство молочницы. Художник тактично соединяет символическое значение осла с правдой крестьянского быта, где осёл был обычным домашним животным.
Семейство молочницы изображено на переднем плане картины, крупно, на фоне неба, что подчёркивает его связь с небесным, духовным.
Итак, используя язык символов, Луи Ленен возвысил труд и нравственность простых людей, которые телесно и духовно питают свой народ, свою страну. Простая трудовая семья добродетельна и прочна, она и кормилица, и источник духовной силы страны.
Теперь вы видите, дорогой читатель, как изменилось восприятие картины после анализа содержащейся в ней символики. Образ простого человека вырос до эпической, почти библейской высоты. И стало понятно, почему семейство молочницы занимает такое значительное место в картине и выглядит так величественно.
Луи Ленен за проявлениями повседневной, обыденной жизни сумел увидеть скрытое глубокое философское содержание. Обычной жанровой сценке он придал символическое звучание, поднял её до уровня философского обобщения.
Цель этих публикаций — показать способы постижения скрытого смысла произведений живописи. Ведь так много высоких духовных наслаждений могут дать картины великих мастеров!
Но мы живём в сложном, быстро меняющемся мире. Современная цивилизация, целиком основанная на научно-техническом прогрессе и создающая непрерывный поток суетной информации, бешеный ритм жизни, не позволяет нам даже одуматься, а не то что вникать в скрытый смысл картин. Поэтому современному человеку, даже искренне любящему живопись, чувствующему её очарование, бывает трудно понять духовное содержание многих великолепных полотен, те мысли и чувства, которые хотел выразить их автор. Хотя часто даже при беглом взгляде на картину явственно чувствуется, что в ней есть какое-то внутреннее содержание, которое нуждается в расшифровке. А при внимательном рассмотрении окажется, что таких картин гораздо больше, чем может показаться на первый взгляд.
Как мы уже убедились, выдающаяся картина может иметь две стороны: одну внешнюю, видимую (форма, цвет, сюжет и т. д.) и другую, скрытую, имеющую подтекст.
Внешнюю сторону картины всегда можно более или менее точно выразить словами сразу, при первом знакомстве с картиной.
Но скрытое философское, духовное содержание подобных выдающихся картин, которое открывает нам, как автор относится к людям, к миру, как он понимает добро и зло, чему он служит, какую цель имел он в виду, создавая своё произведение, раскрывается не сразу, проникновению в духовное, философское содержание таких картин нужно учиться.
Конечно, есть великие произведения живописи, не имеющие скрытого подтекста. Их нравственное, духовное содержание глубоко, но в то же время достаточно очевидно, а понимание не требует особого анализа. К таким произведениям относятся многие знаменитые портреты: например, "Портрет папы Иннокентия X" работы Веласкеса или "Портрет старика в красном" Рембрандта. Для понимания подобных портретов нужен житейский опыт, умение распознать характер человека по его внешнему облику. Сюда же следует отнести и блестяще исполненные жанровые сценки, идейное содержание которых бывает почти полностью выражено в названии картины: например, "Молитва перед обедом" Шардена или его же "Трудолюбивая мать". В них художник в поэтичной форме показывает образцы добродетельного поведения. Скрытого подтекста не имеют и многие прекрасные пейзажи. Например, большинство пейзажей Ян ван Гойена, Альберта Кейпа, Похитонова, С. Ю. Жуковского. Эти пейзажи великолепно передают оттенки самых разных настроений, ощущений, которые художник хочет вызвать у зрителя: тишины, умиротворённого созерцания, полноты жизни, радости, печали и т. д. Эмоциональное воздействие на зрителя и есть цель этих пейзажей. Вглядываясь в них, зритель подчас узнаёт о природе то, чего он ранее не замечал, открывает новые грани её красоты и обаяния и, становясь духовно богаче, поневоле начинает больше любить и ценить дивный божий мир.
В этих лекциях подробно разбираются только те картины, которые имеют скрытый философский, нравственный подтекст.
А зачем вообще нужно понимание духовного содержания художественного произведения?
Во-первых, подлинное искусство "…является только одним из способов осознания и выражения божественного, глубочайших человеческих интересов, всеобъемлющих истин духа"1. Поэтому без понимания идейного содержания произведения неполноценно его восприятие 2. Ведь "чем лучше понимают произведение, тем больше могут наслаждаться им" 3.
Во-вторых, "…искусство часто служит ключом, а у некоторых народов единственным ключом, для понимания их мудрости и религии" 4.
Словом, подлинное произведение искусства ориентировано не только на зрительное впечатление. Иначе оно перестало бы выполнять своё назначение 5.
Следует ещё добавить, что постижение скрытого смысла произведения — увлекательное занятие, расширяющее умственный кругозор.
Но существующая художественная критика в большинстве случаев не может помочь любителю живописи понять скрытый смысл картины. Даже анализируя отдельно взятую картину, художественная критика в большинстве своём уделяет ничтожно малое внимание смысловому анализу, сосредотачиваясь на истории создания картины, выяснении прототипов героев и характеристике технического мастерства художника.
Кроме того, некоторые авторы дают произвольное толкование картин, опираясь на чужое мнение.
Вот примеры к сказанному.
В капитальном исследовании М. В. Алпатова "Художественные проблемы итальянского возрождения" (Москва, "Искусство", 1976), на стр. 175 при разборе картины Тициана "Любовь небесная и Любовь земная" читаем: "… роскошно одетая женщина — это священная небесная любовь, обнажённая — светская, человеческая". Но при любой трактовке сюжета картины символика одежд и атрибутов "роскошно одетой женщины" говорит явно о земной любви, а обнажённой — о небесной (см. главу "VIII. Композиция"). Ошибочное утверждение М. В. Алпатов делает, ссылаясь при анализе картины на работы Панофски, Винда и других.
В альбоме "Рембрандт" ("Белый город", Москва, 1997 г.; текст: Мауриция Тадзартес; оформление: Джованни Брески) читаем на стр. 22 о картине "Похищение Ганимеда": "Этот шедевр исполнен глубокого смысла, до сих пор во всех тонкостях не раскрытого". Тем не менее потом она пишет: "...у Рембрандта же на полотне он изображён младенцем, чья чистая душа страстно стремится к Богу". М. Тадзартес приводит эту ошибочную трактовку картины, не опровергая её. Она предполагает, что Рембрандт воплотил в своём "Похищении Ганимеда" идею из комментариев Карела ван Мандера к "Метаморфозам" Овидия. Но смешно говорить о том, кто плачет и писает со страху, что он страстно стремится к Богу. Сам по себе образ Ганимеда действительно является символом стремления человеческой души к совершенству, к Богу, но надо учесть, что Рембрандт очень свободно трактовал античные сюжеты (например, сюжет о Данае), используя лишь ту часть их фабулы, которая была нужна для выражения его идеи (разбор картины "Похищение Ганимеда" см. в следующей главе).
И этот ряд нелепых казусов можно было бы продолжить.
Хотя лекции посвящена живописи, я часто для большей убедительности высказываемых мыслей буду прибегать к другим видам искусства: художественной литературе, скульптуре, иногда даже к музыке.
Ведь законы художественного мышления, законы художественного освоения окружающего нас мира и его изображения одни и те же для писателя, поэта, художника, скульптора, композитора. Различен материал, в который они облекают свои видения, мысли, чувства, переживания: это слова, краски и холсты, мрамор и бронза, звуки. Различны и инструменты, которыми они работают. Но основные художественные средства, с помощью которых творец воплощает свой замысел, не зависят от эпохи, стилистических направлений и жанров, например, такие элементы композиции, как деталь, символ, аллегория, гипербола, антитеза, ритм, а также сущность композиции произведения в целом: её назначение выражать мысли художника.
Цель же искусства — постижение внутреннего мира человека, стремление выяснить, что помогает человеку сохранить или вновь обрести свою божественную душу и что мешает ему быть духовным человеком, а также участие в обсуждении проблем, волнующих современное художнику общество.
Так понимали значение своего творчества великие деятели искусства.
Примечания:
1. Гегель. "Эстетика" в четырёх томах. Издательство "Искусство". М., 1968, том 1-й, стр. 13. Перевод Б. Г. Столпнера.
2. О том, что понимание мысли произведения усиливает впечатление от произведения искусства, говорится в "Беседе об искусстве Н. Н. Ге в Киевской рисовальной школе" (март 1886 г.):
"Мертвое, вещь не требует понимания, ничего не говорит, всякое разъяснение не нужно — отсюда ложное понятие, что всякая картина хороша, которая не требует объяснения... Вспомните самую известную картину, и вам потребуется объяснение, и объяснение только усилит впечатление произведения искусства. Мадонна Рафаэля, Сикстинская — непременно надо знать... идею. "Страшный суд" Микель Анджело: когда узнаете, что этот великий художник передал в своей картине то вероучение Страшного суда, которое занимало всю западную католическую церковь, все народы до 1000 года... когда вы узнаете, что традиционно в этой картине: М[икель] А[нджело] сохранил Страшный суд всех предшественников своих; когда вы узнаете, что эта картина — страница Божественной комедии Данте; когда узнаете, что в этой картине Микель Анджело, страдая страданиями окружающих людей, искал выразить свою веру и надежду на справедливость, которая, по его мнению, одна могла остановить страдания всех несчастных... Тогда только вы поймете живую мысль этого великого человека и великого художника". "Мастера искусств об искусстве". Издательство "Искусство", М., 1970, том 7, стр. 20.
3. Ганс Зедльмайр. "Искусство и истина: Теория и метод истории искусства". Издатель Андрей Наследников. Перевод с немецкого Ю. Н. Попова. Послесловие В.В. Бибихина. — СПб.: Ахiома, 2000 (Классика искусствознания). Стр. 137.
4. Гегель. "Эстетика" в четырёх томах. Издательство "Искусство". М., 1968, том 1-й, стр. 13–14. Перевод Б. Г. Столпнера.
5. Гегель считает, что задачи искусства определяют его содержание, круг идей, а содержание, в свою очередь, определяет форму произведения: "Мы уже указали на то, что истинной задачей искусства является осознание высших интересов духа. Из этого сразу же следует, что, поскольку речь идет о содержании, художественное творчество не может отдаваться безудержной фантазии; эти духовные интересы устанавливают определенные точки опоры для его содержания, сколь многообразными и неисчерпаемыми ни были бы его формы и образы. То же касается и самих форм — они также не предоставлены полному произволу. Не всякое формообразование способно выразить и воплотить эти интересы, воспринять их в себя и передать их, но определенное содержание определяет также и соответствующую ему форму".Гегель. "Эстетика" в четырёх томах. Издательство "Искусство". М., 1968, том 1-й, стр. 19–20. Перевод Б. Г. Столпнера.О порочности, даже бесчеловечности искусства, ориентированного только на зрительное впечатление, пишет знаменитый знаток живописи Макс Фридлендер:"Французские импрессионисты настойчиво декларировали необходимость отказа от человеческого участия. Так, Моне однажды рассказывал Клемансо: "Я стоял у постели умершей женщины, которую я, признаюсь, когда-то очень любил... да и в тот момент продолжал еще любить. Я рассматривал ее виски и говорил сам себе — какой интересный фиолетовый цвет... В основе явно синий, только какой? И наверное, еще красный? И, может быть, желтый..." Искусство, ориентированное на абсолютность зрительных впечатлений, превращалось в искусство бесчеловечное.Программным требованием импрессионистов был отказ от любого духовного упорядочивания, от любой интерпретации — во имя непосредственно воспринимаемого образа; во главу угла они поставили лозунг — "все было усладой счастливых очей". В области субъективного, в сфере души и ее отношения к видимому миру, им это удалось в полной мере, в области же объективного они не достигли желаемого результата. Их глаз — не что иное, как орган духа и души, составляющих некое единое целое, склонности и интересы которого диктуют выбор точки зрения, направления взгляда и объекта. Именно поэтому их творения в той же мере определяются личностью художника, что и творения тех, кто сознательно идеализирует видимое.Так называемое абстрактное искусство дошло в этом смысле до крайности. Сочтя, что в живописи по-прежнему слишком много от духовной мыслительной сферы, источником которой является природа, художники в своем стремлении к чисто визуальному искусству и вовсе отвернулись от природы.Нелепость этого последнего художественного увлечения (хотя оно, быть может, и не последнее) заключается в том, что самые дерзкие и радикальные художники обратились, в конечном счете, к самому примитивному живописному жанру — к орнаменту, который уже ничему не служит, а просто парит свободно в пустом пространстве."Макс Фридлендер. "Об искусстве и знаточестве". Перевод с нем. М. Ю. Кореневой под ред. А. Г. Наследникова. СПб: Андрей Наследников, 2001 (Классика искусствознания). Стр. 22–23.Тем читателям, которых интересуют проблемы эволюции и деградации искусства, интересно будет прочесть книгу писателя и историка культуры В.Вейдле (1895–1979) "Умирание искусства" (Москва, издательство "Республика", 2001), а также книгу "Ночные мысли" (Москва, издательская группа "Прогресс", 2000), написанную одним из ярчайших литераторов "серебряного века", автором "Образов Италии" Павлом Муратовым (1881–1950).
© Все права защищены http://www.portal-slovo.ru
portal-slovo.ru
Язык живописи
Количество просмотров публикации Язык живописи - 862
Урок
Цвет
В современном обществе, чтобы понять произведение искусства важно увидеть художественный образ. Цвет и эмоции взаимосвязаны.
Цвет воздействует по сагиттальному направлению. По Кандинскому жёлтый и синий создают иллюзию движения. Движение, создаваемое жёлтым цветом- эксцентричное. Синий- концентрическое. Зеленый-цвет неподвижности покоя, равновесия, то в нём потенциально скрыта возможность жизни т.к. он составлен из подвижных цветов. Кандинский назвал эти состояния моральной ценностью цвета. Тициан создает полотна, сияющие теплым светом, от которых веет спокойной радостью.
Экслибрис- книжный знак, наклеиваемый на внутреннюю сторону книжного переплета или обложки, указывающий владельца книги.
Его произведения напоминают о светлых идеалах гуманизма, который художник пронёс через всю жизнь. Наполненные жизненной силой образы активны и чувственны, а природа освещает теплым светом, особенным богатством и красотой изысканных цветовых гармоний решенных в удивительном единстве со светло-теневыми моделировками отличаются его работы зрелого периода. В них яркие световые пятна активизируют краски и наполняют образ героев светлый, радостной силой. У Рембрандта контрасты глубокой тьмы и лучезарные всполохи света рождают противоречивые чувства тревоги и умиротворения, колорит основан на соединении сближенных теплых тонов насыщенного света сообщает его произведениями невероятную эмоциональность.
Характер мазка
Старые мастера при работе над картиной соблюдали трехслойную последовательность. Сначала изображались главные элементы, определяющие композицию. Далее лессировкой накладывали цвет т.о. они шли от композиции к форме и лишь потом к колориту. Но начиная с импрессионистов рисунок, форма и колорит тесно связаны. Кроме цвета для экспрессии эмоционального звучания картины большое значение имеет изображение пространства, выбор линии горизонта.
Формат:
· Горизонтальный придает композиции повествовательность, помогает развертыванию движения.
· Квадратный останавливает движение, придает картине торжественность.
· Сильно вытянутый по- вертикали- придает композиции динамику.
Жанры искусства:
Портрет- жанр ИЗО, в котором изображают человека его внешний облик и своеобразие личностных черт.
· Парадные
· Камерные
· Автопортрет
Парадный: человек представлен в минуты своей жизни, он тщательно одет и причесан. Здесь особую важность представляют его социальное положение и заслуги перед обществом , внешние атрибуты.
Камерный - небольшого размера, суть определяется задачами, которые ставит художник. Это портрет на заказ, где важно внешнее сходство с моделью. Художник не вкладывает здесь смысл.
Автопортрет- художник изображает самого себя.
Портреты бывают:
1. Погрудные
2. Поясные
3. По коленные
4. В полный рост
5. Только голова
Содержание портрета должна быть
1. Психологическим
2. Характерным
3. …
Портрет в скульптуре появился раньше, чем в живописи. Скульптурный портрет Древнего Египта рожден в связи с заупокойным культом и связанный с двойником.
Групповой портрет- художественное изображение, в котором изображены не менее 3 человек.
Портрет тип- собирательный образ, структурно близкий к портрету. Один из видов камерного портрета͵ получивший распространение в 18-нач. 19 в. В котором основное содержание образа отводится социальной принадлежности модели, здесь находит отражение демократические взгляды общества т.к. художник демонстрирует благожелательное отношение к людям низших сословий при этом не заостряя внимания на индивидуальных качествах портрета͵ а наоборот, типизируя их до представления незамысловатости простого естественного человека.
referatwork.ru
Золотое сечение в живописи - Ф. В. Ковалев
Язык живописи — особый язык искусства
Некоторые художники считают, что знание теории живописи вредит им, мешает творить свободно. В самом деле, не пойдут ли научные знания во вред художнику? Не повредят ли они чувственной прелести живописи? Думается, что не повредят.
Ньютон, открыв спектральное разложение света, назвал семь основных цветов. Добавился еще восьмой — пурпурный, которого в спектре нет, но который образуется при смешении двух крайних — красного и фиолетового. С тех пор не добавилось ни одного слова, которым бы люди обозначали какой-либо промежуточный чистый цвет. Когда понадобилось расширить цветовой круг, чтобы ввести в него промежуточные цвета, то они неизменно получали двойное название: желто-оранжевый и т. д. Почему эти цвета не обозначены одним словом? А как назвать промежуточный цвет между желтым и желто-оранжевым? В литературе приводится 128 основных и промежуточных цветов в спектре, которые может различить человек. Наш словарь не располагает терминами для обозначения такого количества цветов. Человек цвета различает, а назвать их не может. Но это еще не все!
Если число цветовых узоров ограничивается только перестановкой 128 чистых цветов, то количество вариантов достигает 10212. Чтобы обозначить эти цветовые картины, пользуясь словарем в 50 тыс. слов, каждую из них пришлось бы описывать при помощи 45 слов. Далее автор показывает, что количество различимых глазом статических картин достигает бесконечно больших величин, и заключает, что мы можем увидеть значительно больше, чем сказать, что невозможно выразить словами все то, что видит глаз, язык неспособен «угнаться за глазом». Тут нужен второй, особый язык — язык искусства.
Палитра Ван Дейка состояла из 9 красок, Делакруа — из 23. Современный художник располагает набором красок с 70 названиями. Даже при бедной палитре художник может создать на полотне такое большое количество цветовых тонов и их оттенков, так их сопоставить, что описать их словами не представляется возможным. Разговор художника со зрителем происходит на дословесном (позасловарном) уровне. Перед картиной зритель переживает те же ощущения, которые он переживал и ранее при созерцании природы, но высказать их не мог, ему недоставало слов. Узнав свои чувства, выраженные художником, зритель бывает потрясен, обрадован, он переживает чувство светлой радости. Не потому ли Леонардо да Винчи ставил живопись на первое место среди искусств?
Чувственная сторона живописи никогда не умрет. Потому и нужна человеку живопись, что без нее он обойтись не может.
hudozhnikam.ru
КАРТИНА ЯЗЫКА КАК ЧУВСТВИТЕЛЬНЫЙ ТЕСТ ДИНАМИЧЕСКОГО КОНТРОЛЯ
КАРТИНА ЯЗЫКА КАК ЧУВСТВИТЕЛЬНЫЙ ТЕСТ ДИНАМИЧЕСКОГО КОНТРОЛЯ
Диагностика по языку это очень быстрый и объективный тест в китайской диагностике. Он позволяет определить: локализацию болезни; патогенный фактор, вызвавший дисгармонию и оценить состояние жизненных субстанций - три главных критерия китайского синдрома / паттерна, на которых выстраивается глобальная стратегия терапии, охватывающая три главных направления: элиминацию патогенного фактора, тонизацию ослабленной жизненной субстанции и то, куда нужно направить лечебные усилия. К слову, все методы китайской диагностики направлены на выявление указанных критериев.
Диагностика по языку это в буквальном смысле экспресс диагностика. Язык нужно осматривать быстро, до того, как он начнет изменять цвет в высунутом изо рта состоянии.
Giovanni Maciocia привел высказывание: «Язык говорит правду,… но не всю», объясняя это тем, что для того, чтобы патология отразилась в картине языка, нужно некоторое время. Может показаться, что диагностика по языку это инертный тест, но приведенное ниже наблюдение свидетельствует о том, что это очень динамичная диагностика, по которой можно отслеживать корректность лечебных действий во время самой процедуры.
На фото приведены четыре картинки одного и того же языка.Три сделаны в день обращения пациента: первая - перед процедурой, вторая – сразу же после выполнения абдоминальных висцеральных техник, третья – после постановки игл. А четвертая – на следующее утро. Динамика налицо.
Главными диагностическими критериями языка являются: цвет тела языка, форма тела языка и налет языка, есть еще увлажненность, которая касается налета, если он есть или самого тела языка и так называемый дух шень языка.
Рассмотрим, каждую картинку в отдельности.
Рисунок первый. Цвет тела языка – красновато фиолетовый. Свидетельствует о Стазе Крови. Красноватый оттенок указывает на то, что Стаз крови происходит от Жара. Форма тела языка – с девиацией влево. Девиация это признак эндогенного Ветра, достигающего головы (кончик языка это Верхний Обогреватель). Серьезный признак.
Категория Формы языка еще включает трещины языка. В данном случае можно говорить о трещинах налета языка, но мы можем видеть, что трещины налета языка распространяются на тело языка. Трещины это признак поражения Инь Жаром. Расположение трещин по срединной линии, указывает на то, что Жар распространяется вверх по срединным энергетическим структурам. Изменение цвета губ и кожи вокруг рта (зона Жень Май / Чун Май) указывает на то, что распространение Жара происходит по этим экстраординарным сосудам. (Это показание к использованию сосудов Чун Май и Жень Май).
Теперь о налете языка. Это жирный, вязкий, желто-коричневый, покрывающий середину и утолщающийся к корню языка налет. Консистенция и цвет налета указывают на Жар – Флегму, а локализация указывает на средний и нижний обогреватель. Он не выглядит свежим, что указывает на давнее существование проблемы. В налете языка отражается состояние Полых Фу органов, поэтому по налету языка можно заподозрить поражение кишечника и мочевого пузыря.
А теперь о том, о чем поведал сам «владелец» языка: проблемы с пищеварением давно, склонность к поносам, иногда запоры, часто, практически постоянные боли в животе и бывает так, что больно дотронуться по всему животу.
Пальпация выявила болезненность кишечника, спазм Фаттерова соска и пилоруса, избыточность Печени.
Вывод: Жар – Флегма в кишечнике. Эндогенный Ветер Жара (Срединный Ветер - умеренный).
Программа терапии: абдоминальная висцеральная остеопатия плюс интегральная дуральная техника. Акупунктура: на очищение Жара и разрешение Флегмы в кишечнике.
Висцеральная остеопатия включала техники по расслаблению пилоруса и Фаттерова соска, баугиниевой заслонки и локальных спазмов по ходу толстого кишечника и восстановление нормальной мотильности органов брюшной полости. Интегральная дуральная техника включала КСТ по Аппледжеру и сепарацию ТМО за голову. Вначале на соединительно-тканном уровне, затем на жидкостном.
В итоге были достигнуты «успокоение живота», и общая релаксация. На выполнение процедуры ушло около получаса. Сразу после этого был сделан снимок языка.
Мы можем видеть, что произошли очень существенные изменения: в целом язык стал «живей», «посвежел». Исчез фиолетовый цвет «застоя Крови», стал тоньше и посветлей налет языка. Это впечатление усиливают порозовевшие губы и кожа вокруг рта. Все это соответствует субъективным ощущениям благополучия и релаксации, о которых нам рассказал пациент. Трещины на языке, как будто бы стали короче и менее глубокими, что указывает на то, что была еще отечность языка – признак Сырости и/Флегмы.
Следующим шагом лечебной процедуры была акупунктуры. Были выбраны точки: LI-11 Цюйчи, ST-25 Тяньши и ST-40 Фенлун. Все билатерально. Укол послабляющий.
Выбор основан на знании свойствам точек:
- LI-11 Цюйчи – очищает Жар,
- ST-25 Тяньши – Передняя Му точка Толстого кишечника. К тому же она казалась самой болезненной точкой вокруг пупка.
- ST-40 Фенлун – точка Море Слизи – обладает способность разрешать Флегму любой локализации. Являясь точкой Ло на канале Желудка, она активизирует канал Селезенки и саму Селезенку, одной из функций которых является разрешение сырости и Флегмы. Кроме того, в этой точке начинается ответвление канала Желудка, которое пронизывает кишечник, желудок, поджелудочную железу, легкие, горло и достигает корня языка и, вероятно, головного мозга.
Пациент отметил еще большую релаксацию и движение в кишечнике, а болевые ощущения в животе исчезли. Положительную динамику отразила и картина языка, снимок которого был
сделан сразу же после удаления игл.
Налета на языке стало еще меньше, даже сам язык стал как бы поменьше, что указывает на еще большее уменьшение отечности языка (Сырость/Флегма). Тело языка приобрело нормальный розовый цвет.
Из приведенных снимков языка убедительно следует, что изменения происходящие в организме под влиянием лечебных процедур очень быстро отражаются на языке.
Утром следующего дня был сделан еще один снимок. Несмотря на то, что пациент рассказал о том, что чувствует себя значительно лучше, «до нуля болевые ощущения», про хороший сон и «удовлетворение» от посещения туалета, картина языка свидетельствует о том, что проблема еще не решена полностью. Сохраняется некоторая девиация языка, налета значительно меньше исходного, но больше, чем на последнем снимке накануне. Более того, налет у корня языка имеет тенденцию к отслоению, что подтверждает давность проблемы и является признаком повреждения Инь и повторяет диагностические выводы связанные с трещинами языка. Но, судя по динамике площади и толщины налета, уменьшению интенсивности фиолетового цвета тела языка, достигнута выраженная положительная динамика. Позитивная субъективная оценка пациента позволяет рассчитывать на выраженное последействие процедуры.
drkimtkm.ru
