Музей Черномырдина«Выставка одной картины». К 125-летию со дня рождения Марины Ивановны Цветаевой 10/10/2017. Выставка одной картины
parashutov
Charley Toorop (Dutch, 1891-1955) Clown nas ruínas de Rotterdão. 1940-1941 гг.
А моя читательница на Ли.ру, замечательная поэтесса Улекса фон Лу написала по поводу этой картины стихотворение. Вот оно:
Черное с красным
Черное с красным. Руины и пепел.Клоун на улицах - молится, плачет?Рухнуть готов в скорби он на колени,но он не сломлен, работает, значит.
Силою духа полны еще люди,Не удушила война и лишенья.Скошен и выворочен переулок,город разрушен, игра - утешенье
Тем, кто остался в живых, малым детямклоун подарит возможность смеяться!Войны - уродство в триумфе двуцветьякровь, смерть и смех - карнавальной гримасой.
Кстати, изображенный на картине клоун – реальное лицо. Зовут клоуна Бамбо, художница встретилась с ним в голландском городке Бергене, где жила во время немецкой оккупации. Бамбо рассказал Чарли, что он работал в цирке в Роттердаме. Там его застала печально известная бомбардировка города.Из исторических источников известно, что немецкая авиация бомбила город 14 мая 1940 года. Командующий немецкими войсками генерал Ханс Шмидт выставил голландцам ультиматум, что, если Голландия не капитулирует, и голландские войска будут оказывать упорное сопротивление, то 14 мая будет осуществлен авианалёт и бомбардировка Роттердама. Накануне голландские власти, спасая город, приняли ультиматум, и бомбардировка была отменена. Но, как оказалось, экипажи около 60 бомбардировщиков из ста, якобы, не успели получить сигнал, информирующий об отмене атаки. В результате, авиация сбросила на центр города около 97 тонн бомб, уничтожив практически всё на площади в 2,5 квадратных километра. Были уничтожены и сгорели в пожарах сотни зданий, погибло около тысячи жителей города.После бомбардировки Роттердама Бамбо потерял всё – дом, семью, работу, друзей, ему удалось переехать в маленький город Берген, где продолжил выступать на улице, зарабатывая себе на жизнь. Известно также, что в качестве фона для изображения разрушенного Роттердама Чарли Тороп использовала фотографии, сделанные ее невесткой, фотографом Евой Беснё, которая побывала в городе через несколько дней после трагедии.Глядя на печальное лицо клоуна и городские руины за его спиной, в сотый, тысячный раз хочется кричать: «Нет войне! Такое не должно повториться!» Но и в XXI веке, увы, люди не забыли слово «война»…
parashutov.livejournal.com
ВЫСТАВКА ОДНОЙ КАРТИНЫ (ПОЧЕМУ НА КАРТИНЕ РЕПИНА ОДИН КАЗАК НАРИСОВАН ГОЛЫМ ПО ПОЯС?)
О картине Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», по-моему, известно всё. И тем не менее, встретил сегодня в ленте статью, которую решил процитировать у себя, потому что факт мне показался интересным, и я о нем не знал. Это полотно, действительно, можно рассматривать часами, всё время находя новые захватывающие детали. О самой истории создания картины «Запорожцы» можно написать целый роман, ведь картина, причем в нескольких вариантах, создавалась в течение почти 17 лет.Репин Илья Ефимович (1844-1930) Запорожцы пишут письмо турецкому султану. 1880-1891 гг. Русский музей, С.-Петербург
Илья Ефимович славился своим тщательным подходом к созданию картин. Много внимания он уделял даже мелким деталям. Просто диву даешься, насколько серьезно Репин относился к своей работе. Художник бережно вынашивал идеи своих будущих творений, обдумывая каждого персонажа и часто меняя детали в композиции.Вот и подошел я к вопросу, ответ на который, признаюсь честно, не знал. А вопрос вот какой: Почему единственный среди всех на картине запорожец, который сидит слева от писаря, изображен без рубахи, голым по пояс??
Причем, на эскизах к картине, которую художник первоначально назвал «Запорожцы», этот персонаж изображен одетым в украинскую вышиванку.
Репин Илья Ефимович (1844-1930) Запорожцы. Первый эскиз композиции картины. 1878 г. Третьяковская галерея, Москва
Репин Илья Ефимович (1844-1930) Запорожцы пишут письмо турецкому султану. Эскиз. 1880 г. Третьяковская галерея, Москва
Репин Илья Ефимович (1844-1930) Запорожцы. 1880-е гг. Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск
Подсказку можно найти на увеличенном фрагменте картины.
Не буду томить своих читателей загадками. Ответ очень прост. Единственный на картине казак изображен голым по пояс потому, что он — банкомёт, то есть человек, который раздает карты. Присмотритесь, рядом с ним нарисована колода игральных карт! Причем, ни на эскизах, ни на более позднем варианте картины, которая находится в Харькове, этой колоды карт нет.
Во времена Запорожской Сечи существовала такая традиция – человек, раздающий карты, снимал верхнюю одежду, чтобы показать остальным свою честность, ведь в этом случае нельзя было спрятать карту в рукав!Вот такой интересный факт я вычитал в этом источнике! )))
Репин Илья Ефимович (1844-1930) Запорожцы пишут письмо турецкому султану. Второй вариант картины. 1889-1896 гг. Харьковский художественный музей, Украина
parashutov.livejournal.com
Выставка одной картины В. Н. Корбакова «Крашение пасхальных яиц»
21 апреля 2009 года в музейно-творческом центре народного художника России В. Н. Корбакова (филиале Вологодской областной картинной галереи) открылась выставка одной картины В. Н. Корбакова «Крашение пасхальных яиц».
По этому поводу хотелось бы отметить следующее. Во-первых, открытие выставки одной картины. Эта традиция придумана не нами и существует уже более двухсот лет.
В 1880 году Петербург облетела удивительная весть о том, что на Большой Морской улице в зале общества поощрения художников открывается персональная выставка Архипа Ивановича Куинджи. Но дело было не в персональной выставке художника, а в том, что это была выставка одной картины, событие неординарное и совершенно новое в культурной жизни Петербурга. А речь шла о живописном полотне мастера «Лунная ночь на Днепре». Событие это по тем временам было необычайное, успех превзошел все ожидания и превратился в настоящую сенсацию. Длинные очереди выстраивались на Большой Морской улице, и люди часами ждали, чтобы увидеть это необычное произведение.
Спустя сто лет – 12 февраля 1983 года – Пензенская картинная галерея имени Савицкого открыла новый филиал – Музей одной картины, разместившийся в небольшом особняке XIX века. В 2008 году музей отметил 25 лет, но до сих пор он является единственным музеем в мире подобного рода. За прошедшую четверть века в музее было показано много замечательных произведений из фондов Русского музея, Третьяковской галереи, Эрмитажа. Но в последние годы крупные музеи неохотно дают свои произведения на выставки. Поэтому Пензенский музей одной картины стал показывать произведения из фондов Пензенской картинной галереи.
Традицию показа одной картины переняли многие российские музеи. В их числе Эрмитаж, Государственный музей изобразительного искусства им. Пушкина, Государственный Русский музей. Необходимо отметить, что и некоторые областные музеи проводят такие выставки. Например, Приморская галерея уже очень давно находится на реконструкции, и поэтому, чтобы как-то выжить и не закрываться, проводит выставки одной картины на уже отреставрированной территории. А Тюменский областной музей изобразительного искусства проводит годовой цикл, состоящий из выставок одной картины из собственных фондов.
Вологодская областная картинная галерея также имеет опыт в проведении выставок одной картины, хотя и не очень большой: выставка одной картины В. Н. Корбакова «Портрет Т. Файнберг» (1995) и выставка одной картины Д. Т. Тутунджан «Вольному – воля» (1996).
Второй момент, на котором хотелось бы остановиться – это тема, которой посвящена новая работа В. Н. Корбакова. И как мы видим по сюжету, тема эта – религиозная. Если вспомнить мировую историю развития изобразительного искусства, то можно смело сказать, что библейские сюжеты в творчестве художников мира были всегда. Среди самых распространенных сюжетов – «Снятие с креста», «Святое семейство», «Возвращение блудного сына», «Избиение младенцев», «Явление Христа народу», «Троица» и пр. Поэтому нет ничего удивительного в том, что вологодский художник, наш современник, считающий себя истинным христианином и свято верящий в небесные силы и Христа, обратился в своем творчестве к религиозной теме.
Необходимо сказать, что картина «Крашение пасхальных яиц» не является первым произведением, в котором В. Н. Корбаков обращается к религиозной теме. Некоторые произведения, написанные художником ранее, частично представлены в залах, где открылась выставка одной картины. Среди них – «1147 год. Преподобный Герасим – основатель Вологды – строит храм Святой Троицы», «1370 год. Преподобный Дмитрий с Пахомием идут в страну Вологодскую», «Портрет отца Олега – священника Вологодской епархии», «Наместник Спасо-Прилуцкого монастыря игумен Ефрем», «Раздумья на пороге XXI века2, натюрморт «Вербное воскресенье». Представлена на выставке и одна из последних работ Владимира Корбакова по этой теме – «Портрет патриарха Московского и всея Руси Алексия II», написанная им уже после кончины светлейшего патриарха.
Картина В. Н. Корбакова «Крашение пасхальных яиц» впервые была показана на региональной выставке «Российский Север» в Великом Новгороде в октябре 2008 года. В январе 2009 года она выставлялась в Москве в Центральном доме художника на Крымском валу в рамках Всероссийской художественной выставке «Россия XI». Сейчас с нею знакомятся вологжане и гости города.
Заведующая МТЦ «Дом Корбакова» Светлана Корбакова
Твитнуть
Поделиться
Поделиться
Плюсануть
Класснуть
cultinfo.ru
ВЫСТАВКА ОДНОЙ КАРТИНЫ (ТЕНИ ЗАБЫТЫХ ПРЕДКОВ...)
Скажу оговорюсь, что к замечательному фильму Сергея Параджанова название материала не имеет никакого отношения. Просто та картина, с которой знакомлю вас сегодня, из прошлой жизни советской эпохи ("дела давно минувших дней, преданья старины глубокой"), к которой нынче отношение в том же интернете очень противоречиво-полярное. Замечу, что данная картина - это не просто соц.реализм, это самый настоящий, ярко выраженный партийно-пропагандистский реализм. Могу оправдывать художников, которые писали по заказу партии и вождей, и радость социалистического бытия и т.д. тем, что живя в тоталитарном советском государстве, они не имели творческой и человеческой смелости, идти против главного лозунга: кто не с нами - тот против нас! Но я не собираюсь разглагольствовать о политике, о ностальгии по СССР, хотя эта тема нынче популярна, я просто хочу представить вам картину, на которой остановился глаз. Ситуация понятна, последствия ее предугадываются. Первое, о чем подумал: почему художник решил взять эту тему? Заказ? Чтобы попасть на выставку? Получить блага от местного СХ? Ответа у меня нет... И ведь фигуры выписаны хорошо, и композиция точна, и вышиванка на парторге радует. Тем не менее, несмотря на идейно-пропагандистский сюжет, можно пофантазировать насчет этого самого сюжета. Что привело жену, да еще с ребенком с жалобой в партком? Муж пил и бил? - это одна из самых популярных версий жалоб! Или завел себе любовницу на стороне (на работе, в соседнем поселке и т.д.)? - с такими жалобами, наверное, тоже обращались! И ведь мужик-то "обвиняемый" не выглядит пропойцей, да и орденская планка у него. Скорей всего, участник войны, ведь и картина написана спустя всего 9 лет после ее окончания. Да и при портфеле он, значит, не просто слесарь или тракторист... А может честная-пречестная жена выступает в роли Павлика Морозова и сдала мужа, "настучав" о том, что он "несун" или разбазаривает казенное имущество?? Зачем она это сделала? А в отместку, что у него любовница! Уж лучше пусть оштрафуют, посадят, чем он уйдет к другой!!! Не знаю, почему, но вовсе не из-за "мужской солидарности", мне жалко этого "обвиняемого"... Вот только не пойму почему, к тому же, вроде нет на его лице вины или раскаяния.. Может, потому что невиновен?! Видите, сколько вариантов и предположений вертится у меня в голове! Поэтому и предлагаю вспомнить наши игры по составлению истории, рассказа по картинке. Герои заявлены, конфликт очевиден! Осталось придумать предысторию и эпилог. Жду ваших комментариев!Прежде, чем рассказать пару слов о художнике, приведу цитаты из статьи заведующей отделом экспозиции Массандровского филиала Алупкинского дворцово-паркового музея -заповедника Ирины Тимофеевой. Статью эту она писала пять лет назад к открытию выставки «Идеалы прошлого. Советское искусство 1940-50-х» в залах Массандровского дворца. На этой выставке была представлена и эта картина Путейко.Умилила меня цитата из книги Б. М. Никифорова «Советская жанровая живопись» (1961): «… в жизни советских людей все личное и общественное неразрывно связано, поэтому, обращаясь к изображению событий личной жизни советского человека, художники-жанристы не могут не задумываться над тем, как в личном отражается общественное».О самой картине И.Тимофеева пишет:«В начале 1950-х гг. в советском искусстве становятся популярны картины с «конфликтным сюжетом». Художникам требовалось решать не только творческую задачу, но и создать убедительные, живые образы, утверждая новый быт и новую советскую мораль. В работе «У парторга» автор обращается к конфликтному сюжету и удачно живописными средствами отображает настроение поссорившихся супругов. Одной из центральных фигур полотна является парторг, несущий основную смысловую нагрузку и выступающий в роли миротворца. Он показан живописцем в несколько театральной позе, выделенный белым пятном сорочки, словно призванный с полотна напомнить и незадачливому супругу, и зрителю, что «семья — ячейка общества». На стене слева - непременный атрибут эпохи - портрет Ленина».Представьте, и это написано 5 лет назад!!! Каков слог!!! :)))
Ну, а о самом художнике известно следующее:
Владимир Григорьевич Путейко
Украинский, советский живописец и педагог, член Национального Союза художников Украины (1954). Родился 9 мая 1925 года в селе Люденевичи Гомельской области (Белоруссия). Окончил в 1947 году Харьковский государственный художественный институт, где учился у художников Семена Марковича Прохорова (1873-1948), Григория Алексеевича Томенко (1915-1994) и Сергея Фотиевича Беседина (1901-1996). Много лет преподавал в Одесском художественном училище им. М.Б. Грекова. Один из его учеников – художник, одессит Гарри Гордон (род. 1941) вспоминал: «Владимир Григорьевич деликатно поправлял что-то на моём холсте, а ночами писал солнечные картины в коммунальной ванной…». Среди известных работ Путейко: «М. Горький и М. Коцюбинский на Кипре» (1995), «Судноремонтники» (1964), «На мирной земле» (1965), «Красная гвоздика» (1967), «Юность. 1941» (1987).
parashutov.livejournal.com
«Выставка одной картины». К 125-летию со дня рождения Марины Ивановны Цветаевой
С 10 октября начнёт работу «Выставка одной картины» К 125-летию со дня рождения Марины Ивановны Цветаевой (1892 – 1941). (ул. Ленина, 104, основная экспозиция)
Марина Ивановна Цветаева, русская поэтесса, прозаик, переводчица, родилась 8 октября (26 сентября) 1892 г. в Москве в семье профессора Московского университета, известного филолога и искусствоведа, основателя Музея изящных искусств Ивана Владимировича Цветаева. Ее мать, Мария Александровна Мейн, была пианисткой, ученицей Николая Рубинштейна. Воспитывавшаяся в творческой среде, Марина Ивановна начала писать стихи в раннем детстве на русском, немецком и французском языках. Цветаевы подолгу жили заграницей, а летом 1906 г. отец привез семью в Тарусу. Впоследствии М. Цветаева не раз приезжала к родственникам. Там умерла её мать.
Творческая деятельность М. И. Цветаевой началась в 1909 г., когда она посещала лекции и клубные собрания при издательстве московских символистов «Мусагет». В 1910 г. она напечатала в Товариществе типографии А. И. Мамонтова за свой счёт первый сборник стихов «Вечерний альбом», в который включены в основном её школьные работы. Отклики на её первую книгу таких знаменитых поэтов Серебряного века, как В. Брюсов, М. Волошин и Н. Гумилев, были одобрительными.
В 1911 г. в Коктебеле, в доме М. Волошина, Марина Ивановна познакомилась с Сергеем Эфроном, и вскоре они поженились. В 1912 г. у них родилась дочь Ариадна.
Бурные события 1917 г. изменили жизнь поэтессы. Она восприняла революцию противоречиво, как и значительная часть русской интеллигенции, которая сначала приветствовала падение российского самодержавия, но напуганная кровавыми событиями Гражданской войны, отвернулась от большевиков. С. Я. Эфрон участвовал в белом движении, после разгрома армии Врангеля в Крыму бежал заграницу. А М. И. Цветаева осталась в Москве с двумя дочерьми, почти без средств к существованию. В 1918 – 1920 гг. Цветаева пишет романтические пьесы, поэмы «Егорушка», «Царь-девица», «На красном коне». С января 1921 г. Марина Ивановна регулярно посещала литературные вечера Всероссийского союза поэтов и заседания «Никитинских субботников», выступала с чтением своих новых произведений. В начале 1922 г. в Москве вышел сборник «Вёрсты», горячо принятый читателями и критиками.
В 1922 г. Цветаева с дочерью эмигрировали к С. Эфрону в Чехию. В Праге у них родился сын Георгий. Начались её скитания по чужим городам. В лирике тех лет звучит тоска по России, не по той истерзанной, исковерканной, но идеальной стране; мотив сломанных крыльев, безысходность нищеты.
В 1925 г. Цветаева с детьми переехала в Париж. Поэтесса участвовала в издании журнала «Версты», в котором вышли «Поэма горы», драма «Тезей», поэмы «С моря» и «Новогоднее» памяти Рильке. Большинство из созданного М. И. Цветаевой в эмиграции осталось неопубликованным. В 1928 г. в Париже выходит последний прижизненный сборник поэтессы «После России». Позднее Цветаева напишет: «Моя неудача в эмиграции – в том, что я не эмигрант, что я по духу, то есть по воздуху и по размаху – там, туда, оттуда…».
В 1930-е гг. в отличие от стихов, не получивших в эмигрантской среде признания, успехом пользовалась проза, занявшая основное место в её творчестве. В 1937 г. Ариадна уехала в СССР, за ней – С. Эфрон. Собираясь вслед за ними, Марина Ивановна ничего не писала, готовила к отправке свой архив. Но аннексия Судетской области фашистской Германией в 1938 г. вызвала взрыв негодования у Цветаевой. И появились «Стихи к Чехии», в которых она с любовью воспевала прекрасную страну, где некогда нашла приют.
В 1939 г. М. И. Цветаева с сыном уехала в Советский Союз. Их воссоединившаяся семья жила на даче НКВД в Болшеве, под Москвой. Но счастье длилось недолго: сначала была арестована Ариадна, которая отсидела 15 лет в лагерях, позже – муж, который был расстрелян в 1941 г. Находясь в СССР, М. И. Цветаева практически не писала стихов, занимаясь переводами. Война застала её за переводами Федерико Гарсия Лорки. Работа была прервана. 8 августа 1941 г. Цветаева с сыном уехала в эвакуацию в Елабугу. Потерявшая близких, разлученная с немногими друзьями, находясь в состоянии депрессии, она не нашла в себе силы противостоять ударам судьбы и 31 августа покончила жизнь самоубийством.
На выставке представлена скульптура, выполненная московским скульптором Валерием Александровичем Малолетковым. В. А. Малолетков – известный мастер современного декоративного искусства, народный художник РФ, действительный член Российской академии художеств, профессор.
Путь В. А. Малолеткова в искусстве начался с работы в молодежной группе по керамике на Экспериментальном творческо-производственном комбинате «Воронцово». Стремление художника открыть новые средства художественной выразительности, освоить различные материалы и техники декора, выявить объёмно-пространственные, пластические, конструктивные и цветовые возможности глины объединяло его творчество с исканиями московских художников В. Космачева, В. Петрова, Л. Сошинской, Т. Ган и С. Мальяна.
Работы В. А. Малолеткова охватывают огромный диапазон тем. Мифологические, религиозные, исторические, литературные и бытовые сюжеты в них воплощены языком полихромной пластики, обогащенной духовным напряжением, символикой и метафорами. Художник воплотил свои идеи в большой серии керамических произведений «Творцы духа». В нее вошли скульптурные композиции, посвященные выдающимся личностям России – А. С. Пушкину, Н. В. Гоголю, С. А. Есенину, М. И. Цветаевой, А. А. Ахматовой и В. Татлину. В каждой из работ портретное сходство и психологическое состояние изображенного органично соединяется с пластическими и конструктивными качествами полихромной керамики. В изображении М. И. Цветаевой художник в лаконичной форме передал трагизм положения поэтессы, неприятия её творчества на Родине, её неспособность противостоять ударам судьбы, бороться с тяжкими бытовыми условиями.
gallerix.ru
ВЫСТАВКА ОДНОЙ КАРТИНЫ (ВОЗВРАЩЕНИЕ К ОПУБЛИКОВАННОМУ)
Честно говоря, не люблю возвращаться к старым темам, но поскольку в данном материале я попытаюсь продолжить искать ответы на заданные здесь вопросы и начатые поиски, то, возможно, у меня и моих читателей возникнут новые версии поиска имени автора картины, которую я тогда представлял. Замечу, что написанный три года назад пост вызвал тогда неплохой отклик читателей, которые оценили картину неизвестного автора. Вот картина:А вот оценки:Aleksandr-Bartsy: «Во мне живёт ощущение, что я уже видел эту картину в детстве, когда интересовался передвижниками. Помню, что фамилия автора была мне неизвестна, т.е. не из числа знаменитых. Вот если бы удалось вспомнить!»Татьяна Зеленченко (художница из Харькова): «Мне кажется, что картина написана в 20 веке, в 30-50 годы. Передвижниками не пахнет. Классической академической школы нет. О мирискусниках и речи нет. Чувствуется соцреализм. Художник средней руки».Verary (она-то ко мне и обратилась с просьбой подсказать автора): В истории с этой картиной появился новый поворот или, если угодно, "след". Несколько дней назад, увидев эту картину в мастерской у реставратора, один израильтянин (по-русски не говорит и не читает) сказал, что месяца три назад видел постер с этой или очень похожей на нее картины на "блошином рынке". Немаловажная деталь: постер был сделан с акварели, а не с картины маслом, фамилия автора была написана кириллицей, но он ее не смог прочесть, поскольку не знает русского языка».Фенидон: «Мне кажется, что писал картину молодой, не очень талантливый художник. Старательно выписанные благостные лица (даже Мусоргский улыбается!). Действительно, чувствуется желание приобщиться этой работой к великим... Но полета нет, отсюда ощущение застоя, замусоленности... не знаю, как точнее описать...»И, наконец, почти искусствоведческий разбор картины Йогана Голобрюхова: «Картина явно школярская. Есть, например, погрешности в перспективе. "Казаки...", судя по изображению и судя по направлению плиток на полу, должны стоять фронтально, а изображены под углом. Картину "перевешивает" влево - либо нужно было сместить две центральные фигуры немного вправо, либо не перегружать левый край портретами на стенке и стулом не несущим никакой смысловой нагрузки. Кто мне объяснит, где находится источник света? Можно предположить, что прямо над головой Сурикова (если судить по единственной четкой тени от ножки мольберта), но тогда тень Репина должна находиться прямо под ним, а не уходить влево, тень от табуретки и кресла вниз и влево на 8 часов. Спинка кресла должна быть более затемнена, чем обратная сторона холста. Левая стенка слишком высветлена, то ли для того, чтобы были видны Толстой и Мусоргский на портретах, то ли для того, чтобы окончательно не заваливать картину влево».Какие же новые вопросы, ответы и предположения возникли за эти три прошедших года?
На днях моя виртуальная собеседница Вера прислала мне ссылку на блог «Живописная шкатулка», который расположен на сайте «Генеалогический форум ВГД». Автор блога Tasha56 в прошлом году писала о картине того самого неизвестного автора и беседовала со своими читателями о том, какую картину обсуждают собравшиеся в мастерской Репина его коллеги – живописцы и «гуру» русских критиков и историков искусства второй половины XIX века Владимир Васильевич Стасов (2(14) января 1824 - 10(23) октября 1906). Правда, автор блога почему-то называет Стасова художником. Другими словами, Tasha56 задает вопрос: какая картина стоит на мольберте тыльной стороной к зрителю? Обратив внимание на эскизы в руках у сидящего перед полотном художника, лежащие на табурете и стоящие рядом с мольбертом, можно безошибочно определить, что это картина Репина «Не ждали», написанная в нескольких вариантах в течение 1884-1888 годов и находящаяся в Третьяковской галерее.
Фрагменты картин неизвестного нам автора и Репина.
О картине в Сети написано очень много и подробно. Напомню лишь, что художнику для картины позировали его родственники. Жена вернувшегося каторжника у пианино и его дочь за столом – это жена и дочь Репина, мать пришедшего – тёща художника, даже горничная – настоящая прислуга в доме тестя Швецова. Впрочем, эта загадка с ответом не приближает нас к имени автора интересующей нас картины. Но Tasha56 выдвигает свою версию авторства. Эту версию я попытаюсь озвучить, а вы можете не согласиться с ней или поддержать. Увы, других вариантов за три года пока не появилось…Итак, Tasha56 нашла в Сети почтовую открытку с картиной художника Юрия Петровича Цыганова «В.В.Стасов среди русских художников».
Юрий Цыганов В.В.Стасов среди русских художников. 1950-е г.
«Мне показалось, что эти картины написаны одной рукой. – пишет она. - Обратите внимание на то, что автор не равнодушен к творчеству художника Стасова В.В.». Вслед за Tasha56 я попытался найти биографию художника Цыганова. Самую полную информацию я нашел на сайте сына художника - Юрия (Гарри) Цыганова, тоже ставшего художником и опубликовавшего статью «Мой отец». Вот что удалось в ней вычитать.
Юрий Петрович Цыганов
14 апреля 1923, Саратов – 6 декабря 1994, Москва
Юрий Петрович Цыганов Автопортрет.
Российский живописец-монументалист, член Союза художников СССР.До войны жил с матерью в Сталинграде. После окончания десятилетки ушел на фронт, окончив ускоренные офицерские курсы зенитчиков. Войну начал лейтенантом, командиром батареи, воевал на Ленинградском фронте, участвовал в снятии блокады Ленинграда, сбил 8 немецких самолётов, участвовал в освобождении Риги. В Риге 21-летний Цыганов вместе со своим старшиной был арестован и осужден на 10 лет за то, что его солдаты обнаружили цистерну спирта, растащили по всем подразделениям дивизии, а спирт был отравлен, и в дивизии началась массовая гибель личного состава. Цыганов отсидел в Рижской тюрьме 9 месяцев, после чего его полностью оправдали, вернув звания и награды. Вернувшись, Цыганов поселился близ Москвы, в поселке Сетунь. Здесь женился, воспитал двух детей - дочь Татьяну и сына Юрия.Без труда поступил в полиграфический институт, позже по совету друга перевелся на монументальное отделение Московского института прикладного и декоративного искусства (МИПиДИ) в мастерскую Александра Александровича Дейнеки (8(20) мая 1899 – 12 июня 1969) и Пётра Митрофановича Шухмина (13(25) января 1894 – 2 мая 1955). На 4 курсе Цыганов написал картину «Стасов, среди русских художников», картина получила признание и участвовала на Первой Всесоюзной выставке в Третьяковской галерее рядом с работами его педагогов-профессоров. Картину даже выдвигали на соискание Сталинской премии, но узнав, что её написал студент – с премией решили повременить. Впоследствии картину приобрёл Музей реконструкции Москвы, а репродукции были напечатаны во многих журналах.Защитив диплом с отличием – роспись драматического театра в Калинине (ныне – Тверь), Цыганов продолжил заниматься станковой живописью. В течение 15 лет он работал в Живописном комбинате, позже перешел в Монументальный комбинат (КДОИ), затем стал главным художником Фонда. Умер художник в декабре 1994 года от рака лёгких. Свой последний натюрморт он написал за 3 дня до смерти.
История с курсовой работой «Стасов, среди русских художников», наличие Стасова на этой картине, использование репинской работы «Не ждали», как реплика человека, прошедшего через тюрьму, манера еще не сформировавшегося мастера, о чем пишут мои читатели, натолкнули Tasha56 на мысль, что автор и интересующей нас картины – тоже Юрий Петрович Цыганов.
Я просмотрел галерею картин Цыганова-старшего, там практически одни пейзажи, выполненные в импрессионистской манере широкими мазками. Жанровых картин как таковых нет. Но, все равно, думаю, как версию, авторство Цыганова рассмотреть можно. Обратите внимание, на картине Цыганова также в роли обсуждаемого Стасовым художника выступает Репин (его знакомая прическа видна из-за массивного полотна на мольберте). Либо можно предположить, что тема «Стасов, среди русских художников» - была темой курсовой работы, и эту картину написал кто-то из однокурсников Цыганова. А учились с ним, по воспоминаниям сына, народный художник СССР (1991), внук В. М. Васнецова – Андрей Владимирович Васнецов (род. 1924), Борис Петрович Милюков (1917-1998), заслуженный художник РСФСР Дмитрий Маврикиевич Мерперт (род. 1924) и др. Может кто-то знаком с творчеством названных художников подробно и сможет что-то подсказать?Повторюсь, я не утверждаю, а предполагаю, к тому же мне интересно узнать ваше мнение.
Источник биографии художника Цыганова
parashutov.livejournal.com
Выставка одной картины - К 180-летию со дня рождения художника-передвижника А.А.Киселева «Въезд в деревню»
C 3 февраля в основной экспозиции КМИИ (Ленина, 104, второй этаж) начнёт работать выставка одной картины – К 180-летию со дня рождения художника-передвижника А. А. Киселева «Въезд в деревню».
В собрании нашего музея немало первоклассных произведение ведущих мастеров русской реалистической живописи. В этом ряду – и небольшой, но, несомненно, композиционный пейзаж «Въезд в деревню» кисти А. А. Киселева. Так случилось, что работа эта прежде не была предметом пристального изучения. Тем более что она – подписная и датированная. И в силу этого не заключает в себе никаких атрибуционных проблем.
Совершенно очевидно, что полотно это создано Александром Александровичем Киселевым, а не его историческим «двойником» Александром Алексеевичем Киселевым (1855-1927?). (нередкое смешение имен и работ этих художников приводит порой к грубым атрибуционным ошибкам).
Написан пейзаж в 1891 году, после переезда Киселева из Харькова в Москву, в пору зрелости художника.
Не исключено, что создан он на калужской земле – во время пребывания Киселева в Богимове, неподалеку от Ферзикова. Известно, что художник, вместе с сыном Александром, жил там с 10 июля по 17 августа. 1891 года (кстати сказать, в ближайшем соседстве и дружбе с великим А. П. Чеховым).
Может показаться, что художественные достоинства киселевского пейзажа не слишком велики. Живопись тут достаточно традиционна для пейзажного искусства реалистического толка. Ее никак не назовешь ни изысканной, ни блестящей, ни остро индивидуалистической. А ведь создавался пейзаж в пору живописного гурманства, когда все более и более ценились «брио» и нервность живописного пятна. Как раз тогда, когда формировался и обретал все большую популярность «пейзаж настроения».
Примечательно, что сам Киселев крайне низко оценивал собственное искусство. В 1900 году он писал К. А. Савицкому: «голубчик мой, никуда не годится моя живопись и в этом я глубоко убежден /…/. Здесь, на досуге, далеко от опьяняющего влияния товарищеской среды, с глазу на глаз с этой удивительной здешней природой убеждение мое в в непригодности моего малевания крепнет ещё более и находит подтверждение во многих заметках «Мира искусства» и «Искусства и художественной промышленности», которые я прочел тут на досуге… Конечно, много в этих статьях чепухи, но нередко попадается и очень верная оценка»…
Будучи сам не только художником, но и известным художественным критиком, Киселев внимательно вчитывался в статьи противников идейного реализма, утверждавших идею красоты как сути искусства – и не смог ничего противопоставить их аргументам, на свой лад весьма логичным. А признав их правоту, он, человек абсолютной честности, подвел страшную черту под делом всей своей жизни.
И был совершенно неправ. Теперь, когда более века прошло после его смерти, очевидным становится, что в споре передвижников и мирискусников не было победителей. Обретя новые художественные качества, новаторское искусство той поры порастеряло немалые художественные ценности. Ныне вряд ли найдется серьёзный искусствовед, который счел бы А. Н. Бенуа или К. А. Сомова более значительными мастерами искусства, нежели И. Е. Репин или В. И. Суриков. А вместе с тем, похоже, начинает утверждаться понимание того, что цели живописи никак не сводятся к украшению быта и художественной «кулинарии», что в высших своих проявлениях она – особенного склада мышление и речь.
В этой исторической перспективе весьма солидно смотрится и пейзаж Киселева. Уже самая скромность живописного строя этой работы воспринимается ныне как проявление мощного этического начала, присущего классическому русскому искусству. Но, конечно, главное тут – строй художественного повествования.
Надо очень внимательно вглядеться в эту работу, чтобы понять, насколько умело и интересно выстроен этот пейзаж. Правда, скомпонован он достаточно просто, без каких-либо эффектов и художнических хитростей. Но насколько немногосложна живописная композиция, настолько сложен сюжетный строй. При этом, конечно, необходимо оговориться: речь идет о специфически живописном сюжете. То есть о композиции содержательных признаков, несомых всеми элементами и моментами художественной формы.
Создавая свой пейзаж, Киселев избегал подробного перечисления тех или иных деталей изображения. Он не пересказывает натуру. То, что не имеет отношения к сюжету, «затеняется» им. А вместе с тем каждая деталь предстает в некоем развитии, в слиянии со своим окружением. И обретает свойства пейзажного, живописного события.
Зыбким оказывается состояние природы: воссоздается наступление сумерек. Словно бы живыми существами оказываются «засыпающие» деревенские дома, над одним из которых курится дымок. Чуть светятся небеса.
При этом ни одно из такого рода пейзажных событий не акцентировано. И они все сливаются в единстве природного состояния и авторского созерцания, в единстве непрерывно длящегося бытия. В этот поток существования вовлекается и деревенский быт, опять же текучий, не распадающийся на отдельные эпизоды.
А вместе с тем сливаются воедино темы, заключающие в себе широкие смысловые поля: «дорога» и «колодец», «русская деревня» и «народное православие». Пересекаясь, логически умножаясь, эти смысловые поля обозначают обширнейший круг соединенных друг с другом идей. Пейзаж характеризует и деревенский быт – в сопряжении его с бытием, и житейский путь – в связи с вечностью и безбрежностью России. В лишенном какой-либо претенциозности пейзаже сквозит «картина мира».
Незадолго до смерти Киселева одним из вождей русского символизма Вячеславом Ивановым был выдвинут лозунг: «от реального – к реальнейшему». Но право же, именно в этом направлении уже задолго до того развивалась художественная мысль русского идейного реализма, именно этим путем шли главнейшие его мастера. В том числе – и А. А. Киселев.
Пейзажист Киселев, столь искренне убеждавший себя и друзей в непригодности своего «малевания», был на деле неплохим мастером смысловой композиции, живописного сюжета. Был умным живописцем и зорким мыслителем. То есть – истинным художником.
gallerix.ru
