Музей ЧерномырдинаСтаринные японские гравюры и живопись. Часть 17. Старинные японские картины
Японские антикварные картины
Результат 1 - 16 из 164812164080
Цена по запросу
Цена по запросу
Цена по запросу
Цена по запросу
Передано в частную коллекцию
Контакты:
Телефон:
+7 (911) 815-78-08
Cайт носит исключительно информационный характер и ни при каких условиях информационные материалы и цены, размещенные на сайте, не являются публичной офертой, определяемой положениями Статьи 437 Гражданского кодекса РФ
antikvariat-japan.ru
Старинные японские гравюры и живопись. Часть 17 — Журнал по дизайну и культуре
Кикугава Эйдзан, 1787-1867 гг. Основатель школы Кикугава, жанр «бидзинга»
Эйдзан Кикугава происходил из семьи живописцев Кано и, вначале, изучал живопись в мастерской отца. Позже, под влиянием своего друга Хоккэя Тотоя, ученика Кацусика Хокусая, он увлекся укиё-э. На все дальнейшее творчество Эйдзана сильное воздействие оказал Утамаро Китагава. Художника нередко называют эпигоном последнего, хотя его по праву можно считать одним из лучших последователей Утамаро в жанре бидзинга. Творчество Кикугава развивалось от явного подражания стилю мастера до яркой индивидуальности, его поздние работы поражают удивительной красотой и изысканной простотой живописной манеры. Героини Эйдзана — изящные, кокетливые и несколько манерные в своей утонченной грации красавицы. Излюбленный прием художника — изображение куртизанок на фоне легких полупрозрачных перегородок (сёдзи), сквозь которые, как в теневом театре, проступают силуэты пирующих гостей. Состояние грусти и одиночества девушек, выраженное при этом, как бы усиливаются близким, но в то же время чуждым их сердцу, весельем. Образ идеальной элегантности воплощен художником в композициях, в названия которых входит японское слово «фурю» («модный, современный, с прекрасным вкусом»), где красавицы соревнуются друг с другом в роскошных нарядах и изысканных прическах. Непременный атрибут многих его картин — орнамент из цветов и листьев хризантем. Он перекликается с фамилией мастера и известен как «орнамент Кикугава», поскольку «кику» по-японски «хризантема». Эйдзан один из первых начал выпускать двойные и тройные гравюры вертикального формата с портретами красавиц в полный рост. В 1830-х годах работы художника пользовались большой популярностью. Его творческая манера привлекла много учеников и последователей, и он стал основателем художественной династии Кикугава.
«Час Змеи». Серия «Женщины в различные часы». Кикугава Эйдзан. Период Эдо (датировано 1812 г.). Гравюра «нисики-э», айбан 35,4×24,7 см. Бостон, Музей изящных искусств
Цикл «Женщины в различные часы» был выполнен Эйдзаном Кикугава вслед аналогичной серии Утамаро Китигава. В ней художникн представлял девушек, обитательниц «веселых кварталов» в разное время суток. В восточном гороскопе сутки поделены на двенадцать частей, каждая из которых связана с определенным зодиакальным животным. Это – так называемый «покровитель», который может усилить или ослабить влияние даты рождения. Час Змеи — время с 9 до 11 часов утра. Эйдзан Кикугава изобразил на старинной гравюре двух девушек, за утренним туалетом. Они одеты в легкие открытые кимоно. Их фигуры изящны и чувственны, как и положено женщинам, рожденным в час Змеи.
Кэйсай Эйсэн, 1790-1848 гг. Мастер «укиё-э», жанр «фукэй-га»
Кэйсай Эйсэн, чья настоящая фамилия Икэ-да, родился в Эдо. Его отец был известным каллиграфом и поэтом и, возлагая большие надежды на сына, отдал его в обучение к Кано Хаккэйсаю, живописцу школы Кано. Изучив основы живописного ремесла и взяв имя Кэйсай, юноша увлекся старинной гравюрой укиё-э и стал работать в традиционном жанре бидзинга. Его считают учеником Эйдзана Кикугава, хотя в ранних работах Кэйсай был подвержен влиянию Утамаро. Он изображал женщин всех слоев общества, но без определенной социальной направленности: художника, прежде всего, привлекала их внешняя красота. Эйсэн был увлечен тонкой игрой линий лица, сложным рисунком жестов и поз, разнообразием декоративных узоров одежды. Его любимый образ — кокетливые гейши в роскошных кимоно, украшенных богатыми орнаментальными мотивами. Среди работ Кэйсая особенно ценились поясные портреты красавиц, необычайно реалистичные и чувственные (серия «Собрание восьми избранных»), и изысканные старинные гравюры, выполненные в технике айдзури. Однако, художника привлекал и другой, популярный в то время жанр — пейзаж (фукэй-га). Переходным моментом к этой теме стали изображения красавиц на великолепном пейзажном фоне (в снежный день, на фоне расцветающей сакуры или морского прибоя). Эйсэн создал серию ландшафтных гравюр, где, подражая росписям китайского фарфора, использовал только синий и красный цвета, и знаменитый цикл «63 станции Кисокайдо» (1830-е), выполненный совместно с Андо Хиросигэ. Будучи уже немолодым, Кэйсай Эйсэн оставил живопись и стал писать пьесы для театра и книги по искусству. Самая известная среди них — сборник «Заметки безымянного старца», посвященный мастерам укиё-э. В нем Кэйсай собрал краткие биографические сведения, а также высказывания, анекдоты и легенды о художниках. Он изложил и собственную биографию, где представил себя пьяницей и развратником, владельцем публичного дома, который сгорел во время одного из пожаров в Эдо.
«Вид на Канагава в районе моста Нодзири». Кэйсай Эйсэн. Период Эдо, между 1830 и 1844 гг. Гравюра «нисики-э», обан 21,7×34,2 см.
Серия «63 станции Кисокайдо» была начата Кэйсай Эйсэном в начале 1830-х годов, но, по неизвестным причинам, оставлена. Ее закончил Андо Хиросигэ, и вся слава досталась ему. Кисокайдо была одной из пяти главных дорог Японии. Она, как и Токайдо, соединяла две столицы — новую (Эдо) и старую (Киото), но в отличие от первой была длиннее и труднее, потому что пролегала по горным склонам. Сорок первой станцией Кисокайдо была Нодзири, изображенная на гравюре Эйсэна. В центре картины — мост Инагава, перекинутый через бурную горную реку. Если его перейти, то попадешь на станцию и в храм Дзёсёдзи, раскинувшийся на вершине горы (в левом углу картины). Этот храм в точности повторял храм Киёмидзу-дэра в Киото, и потому станция Нодзири входила в число знаменитых мест страны. Пейзаж на картине необычайно живописен: зеленые склоны, разноцветные водные потоки, красная полоска заката и, еле виднеющиеся вдали, храмовые постройки.
Тёкосай Эйсё. Годы творчества – 1790-1799 гг. Мастер «укиё-э». Жанр «бидзинга»
«Три красавицы в тени вишни». Тёкосай Эйсё. Период Эдо (конец XVIII века). Гравюра «нисики-э», айбан 31,5×22,5 см. Бостон, Музей изящных искусств
Эйсё Тёкосай (или Хокосай) был учеником художника Эйси Тёбунсай, основателя школы Хосода. Мастера Хосода, специализировавшиеся в жанре бидзинга, развивали декоративное направление в гравюре. Их работы отличало разнообразие сюжетов и мотивов и изысканное оформление. Картин самого Эйсё сохранилось немного, но среди них и портреты девушек в элегантных костюмах и изящных позах, и изображения красавиц, и жанровые гравюры, темами которых были традиционные японские праздники. Самой известной стала серия «Пять фестивалей года». Как известно, Новый год в Японии отмечают в первый день первого лунного месяца, а Праздник кукол, или Хина мацури — в третий день третьего месяца (в этот день молятся о здоровье и долголетии), а в девятый день девятого месяца любуются хризантемами. Особый успех Эйсё Тёкосаю принесла серия из девятнадцати погрудных портретов (окуби-э), изображающая самых знаменитых куртизанок Есивара («Состязания красавиц из увеселительных кварталов»). Художник тщательно и с любовью выписал красоту девушек, их тонкие, чуть удлиненные лица, изящные шеи, роскошные волосы, уложенные в высокие декоративные прически. Стремясь избежать однообразия, Эйсё ввел в композицию картин всевозможные предметы: курительную трубку, икебану, чашечки с сакэ, игрушечного быка, лежащего на подушечке. В средневековой Японии существовало поверье, что он может наделить человека способностью предвидеть будущее в день Быка («Красавица Мидорики из заведения Вакамацуя»). Для большей декоративности, задний план на картинах Эйсё покрывал орнаментальным узором либо использовал технику кира-э, которая придавала изображению серебристое мерцание. Подобный прием был характерной особенностью мастеров школы Хосода.
«Три красавицы в тени вишни» — типичный пример стиля Эйсё Тёкосая. Впервые, композиции с группами гуляющих и отдыхающих девушек появились у Киёнага Тории, вслед за ним – у Китагава Утамаро, последователями которого были все мастера школы Хосода. Три изящные девушки, гуляя по саду, остановились под сенью цветущей сакуры. Вероятно, это известные куртизанки из чайных домов Есивара, которых любили рисовать все мастера бидзинга. Они одеты в роскошные шелковые косодэ (вид кимоно), украшенные узорами из сосновых деревьев, кленовых листьев и хризантем. Девушки – само воплощение элегантности и безупречного вкуса, которым славились гейши и ойран. Их изящный облик демонстрирует великолепие и изысканность нарядов. Их красота столь прекрасна, что затмевает собой все вокруг.
При подготовке публикации были использованы материалы статьи А.В.Савельевой.
Читайте также:
www.5arts.info
Японский антиквариат и искусство |
www.russiantokyo.com
Старинные японские гравюры и живопись. Часть 6 — Журнал по дизайну и культуре
Кано Таниу (1602-1674 гг.). Живописец, школа Кано.
Выдающийся японский мастер эпохи Эдо, Кано Таниу был внуком Кано Эйтоку, продолживший в своем творчестве развитие художественных традиций своего великого деда. Талантливый юноша был рано замечен властями: в 1617 году сёгун Токугава выписал его из Киото в Эдо и назначил придворным живописцем. Таниу много работал по заказу военной и аристократической элиты, большинство замков и дворцов, построенных в этот период, расписаны его рукой или оформлены под его руководством. В 1638 году правительство награждает Кано Таниу почетным титулом «хогэн». И с этого момента, художника почтительно величают «Таниу-сэй». Самыми яркими работами мастера считаются настенные росписи в замке Эдо (официальное местожительство сегуна), созданные им в начале 1620-х годов, и в замке Никкё, родовом мавзолее семейства Токугава, выполненные в 1636 году. Обе работы ярко отражают стремление Таниу к крупномасштабной живописи, созданию ансамблевого комплекса, где росписи стен, фусума (раздвижных перегородок), ширм, панелей составляют единую завершенную композицию. Кано Таниу — выдающийся мастер монохромной живописи тушью, китаизированного направления в искусстве. Однако, он – знаток и любитель национального стиля ямато-э, и это доказывают рисунки на ширмах, выполненные яркими минеральными красками на золотом блестящем фоне. Соединение китайской техники с японскими образами и сюжетами было характерной чертой живописи школы Кано, и Таниу продолжил это начинание. Самым любимым мотивом художника стали «четыре сезона» — пейзажные композиции с весенними и зимними видами родной природы.
«Конфуций». Кано Таниу (1602-1674 гг.). Вертикальный свиток, тушь и краски по шелку. 104,2×78,4 см. Бостон, Музей изящных искусств
Сюжет живописного свитка Кано Таниу восходит к истории Китая. На нем изображен Конфуций (кит. Кун-цзы), мыслитель и философ, живший с 551 до 479 года до н. э. Он был основателем философской системы, известной как конфуцианство. Конфуций происходил из знатной, но небогатой семьи, в молодости служил чиновником в царстве Лу. Человек активный и решительный, он пытался повлиять на политику, проводимую в государстве, но осознав всю тщетность своих устремлений, подал в отставку. Он отправился в путешествие по стране, окруженный ученика, и в пути проповедовал свое учение. В старости Конфуций вернулся домой и написал несколько книг, среди которых «Ши цзин» («Книга Песен»), «И цзин» («Книга Перемен»), составивших основу конфуцианства. Цель конфуцианства заключалась в создании общественного порядка, основанного на этике и приоритете развитой человеческой личности, и в достижении политической гармонии путем развития внутренней гармонии самого человека. Свиток с изображением Конфуция является центральной частью триптиха, на остальных двух художник нарисовал его учеников — Янь Хуэя и Цэнг Сэна. Художник изобразил Учителя, восседающего на Абрикосовом алтаре. Этот алтарь располагался в храме Конфуция в Цюйфу — городе, где, по преданию, родился и умер великий философ. На территории храмового комплекса росло несколько абрикосовых деревьев, под сенью которых Конфуций разговаривал со своими учениками. Отсюда и появилось название «Абрикосовый алтарь».
Хисикава Моронобу. 1618-1694 гг. Основатель школы Хисикава
Ширма с изображением театра Кабуки. Хисикава Моронобу. Тушь и краски по золотому фону на бумаге, 139,8×355,2 см. Бостон, Музей изящных искусств
Моронобу Хисикава, мастер укиё-э, родился в городке Хода (провинция Ава) в семье вышивальщика и в молодости сам занимался этим ремеслом. Пожар, случившийся в 1657 году, уничтожил мастерскую отца, и Моронобу перебрался в столичный Эдо. Там он самостоятельно изучал традиционную живопись школы Ямато-Тоса и Кано, но живописные работы Моронобу немногочисленны, так как его истинным призванием стала старинная гравюра на дереве. Считается, что к увлечению ксилографией художника подтолкнули работы неизвестного автора, именуемого в искусствоведении Мастер Камбун. Во многом благодаря ему, Моронобу подарил жителям Эдо дешевую и доступную гравюру, заменившую им дорогостоящую живопись. Главное в творчестве Моронобу — тщательно разработанный бытовой жанр. Художника, прежде всего, привлекала тема улиц – жизни столицы. Он изображал нарядных женщин и играющих детей, красоток из «веселых кварталов» Ёсивара и танцующих гейш, сценки народных праздников и гуляний и многое другое. Пристальное внимание мастера уделялось деталям костюма и причесок, натуралистическому изображению черт лица. В традициях японской классической живописи рисунок был плоскостным, лишенным светотени и глубины изображения. К тому же первые гравюры были черно-белыми, поэтому в работах Моронобу важную роль играла четкая, сильная и выразительная линия. Сам Моронобу считал себя не столько художником укиё-э, сколько мастером ямато-э и называл созданное им направление «Ямато укиё-э». До нашего времени дошло около 150 гравюр, выполненных им в монохромной технике сумидзури-э, иногда по требованию заказчиков или издателей тонированных вручную. Творческое наследие художника разнообразно и включает в себя и исторических и литературных героев, и женские образы, и эротические картинки, и даже альбомы рисунков для раскраски кимоно. Одной из лучших работ мастера считается серия гравюр «Ёсивара-но карада», состоящая из двенадцати листов и подробно рассказывающая о развлечениях в домах свиданий в квартале Ёсивара.
Ширма с изображением квартала Ёсивара. Хисикава Моронобу. Тушь и краски по золотому фону на бумаге, 139,8×355,2 см. Бостон, Музей изящных искусств
В XVII веке в жанровой живописи, ориентированной на отражение реальной действительности, на вкусы и пристрастия горожан, одной из главных становится тема развлечений, а самыми распространенными сюжетами живописи на ширмах — сцены в кварталах развлечений и мир театра. Росписи ширм, с большой долей вероятности приписываемые кисти Хисикава Моронобу, отражают эту тенденцию. Действие в первой происходит в театре Накамура-дза, одном из самых старых театров Эдо. Он был основан в 1624 году Накамура Кандзабуро. Вернее, в этот год он получил официальную лицензию, дававшую право на выступления. Помимо Накамура-дза такую лицензию имели еще два театра — Итимура-дза и Морита-дза. Накамура Кандзабуро был занимательной личностью. Он происходил из знатного самурайского рода, но, оставшись без средств к существованию, отправился в Эдо, чтобы там открыть какое-либо дело. Идея о создании театра пришла ему по дороге в столицу, где он встречал множество странствующих ронинов (самурай без хозяина), многие из которых были знатоками театрального искусства, умели исполнять танцы театра Но. В обеих ширмах художник использовал прием изображения как бы «с высоты птичьего полета», с разных точек зрения, что позволяет охватить все в целостности. Зритель видит одновременно несколько выступлений, происходящих на разных сценах, и весь район Ёсивара с его улицами, чайными домами и веселящимися горожанами.
Кусуми Морикагэ. 1620-1690 гг. Живописец, школа Кано.
«Гусь и тростник». Кусуми Морикагэ. 1620-1690 гг. Тушь и краски по бумаге, 114,3×46,8 см. Бостон, Музей изящных искусств
Кусуми Морикагэ — один из самобытных мастеров живописи раннего периода Эдо. Он родился в отдаленной провинции Кага, но всю жизнь провел в Киото. Морикагэ учился у прославленного живописца Кано Таниу и был одним из четырех лучших его учеников. Художника ожидала блестящая карьера, к тому же он женился на племяннице Таниу (а родственные связи играли немаловажную роль), но в один миг все изменилось. Кусуми разошелся с учителем и ушел из школы. Так до конца и неясно, что послужило причиной разрыва, но, вероятно, Морикагэ не захотел слепо подражать китайским образцам. К этому моменту у него сложилось свое художественное видение, образный строй и понимание тем и сюжетов. Кусуми Морикагэ прославился как автор картин, изображающих жизнь простых людей, сельских тружеников, крестьян, работающих в поле или собирающих хворост. Помимо этого он писал пейзажи с видами природы, животных, птиц, не столь пышных и великолепных как мастера школы Кано, а незаметных, невыразительных, но от этого не менее прекрасных. В поздний период своей жизни он работал на севере страны по приглашению даймё Маэда в Канадзава. Неизвестно, где Морикагэ окончил свои дни. По одной из версий, он чем-то не угодил сегуну, за что был сослан в отдаленную провинцию Сада.
«Виноград и белка». Кусуми Морикагэ. 1620-1690 гг. Тушь и краски по бумаге, 114,3×46,8 см. Бостон, Музей изящных искусств
Животные и птицы были излюбленными образами японского искусства с давних времен. Жанр катёга («цветы-птицы») пришел на Японские острова из Китая и сразу же занял лидирующее положение в живописи. Он был популярен и в среде дзенских художников-монахов, и среди мастеров декоративной живописи школ Кано, Тоса и Римпа, и мастеров цветной гравюры укиё-э. Японцы необычайно чувствительны к природе, некрасивого для них в мире нет. А потому художник увидел что-то и тут же запечатлел это на свитке или листе бумаги. Быстрой, свободной кистью, наполненной водой, Кусуми Морикагэ рисует белку, взбирающуюся на виноградную лозу в поисках спелых сладких ягод. Или гуся, спрятавшегося в тростнике, где важная птица совершает свой утренний туалет. Кисть легко, едва-едва касается поверхности бумаги, местами не до конца прорисовывая силуэты. Умение активно воспринимать любой художественный образ, домысливать и сопереживать ему было важной составляющей восприятия произведений японского искусства. Это объясняет лаконичность и вместе с тем многозначность, символизм, свойственные японскому искусству в целом и живописи в частности.
При подготовке публикации были использованы материалы статьи А.В.Савельевой
Читайте также:
www.5arts.info
Старинные японские гравюры и живопись. Часть 2 — Журнал по дизайну и культуре
Сэссон Сукэй
Сэссон Сукэй родился в отдаленной японской провинции Хитати, и по рождению носил имя Сатакэ Хэйдзо. Сукэй происходил из влиятельного и могущественного самурайского рода, но после того, как отец назначил наследником сводного брата Сэссона, ушел послушником в монастырь, где изучал живопись и философию. Утвердившись духовно, и освоив ремесло, он стал вести жизнь странствующего художника в монашеской рясе, зарабатывая на жизнь росписью вееров. Он переходил из города в город и довольно быстро получил известность в округе. Сэссона не раз приглашали к себе на службу сильные мира сего: он давал уроки живописи главе клана Асино из Аидзу, преподавал дзэнское учение даймё Ходзе Удзимаса из Одавара. Однако, сам художник не стремился быть в центре событий и слыл отшельником. Вся его сознательная жизнь была посвящена живописи, где он следовал великому мастеру Сэссю.
Чтобы выразить духовную преемственность с мастером, художник взял себе творческий псевдоним, в котором использовал иероглиф «сэ». Как и его учитель, Сэссон писал в основном пейзажи, используя традиционные мотивы: величественные горы, покрытые облаками, спокойную гладь реки, одинокого рыбака в лодке, или странника, остановившегося на мосту. Его художественная манера была близка провинциальному стилю японской живописи, не столь яркому и декоративному, как столичный. Мастер остался верен традициям китайских художников сунского периода (X—XIII века). В молодости Сэссон даже написал небольшой трактат о живописи, в котором подчеркивал важность копирования старых мастеров, а также необходимость непрестанного изучения натуры. Художник прожил 85 лет, в последние годы он подписывал свои работы «Какусэн Родзин» («Журавлиный святой-старец»), веря, что эта священная птица унесет его после смерти в страну вечной жизни.
«Буря». Период Муромати (XVI век). Сэссон Сукэй. 1504-1589 гг., живописец, мастер суйбокуга. Альбомный лист, тушь и водяные краски по бумаге. 22×20 см. Киото, собрание Номура.
Пейзаж «Буря» — характерный пример позднего стиля живописи Сэссон Сукэй. Это – картина мира, охваченного хаосом: контур берега, очерченный сильной, экспрессивной линией, гнущаяся под порывом ветра сосна, намеченная мелкими штрихами морская волна и стремительно несущееся к берегу маленькое рыбачье судно, в изгибе паруса которого повторяется наклон сосны. Пейзаж, как и в другие работы Сэссона, характеризуют: возвышенность и лаконизм, в сочетании с контрастной выразительностью форм неподвижности и движения.
Для усиления драматического эффекта, художник использовал один единственный прием — он сместил изображение поросшего деревьями берега в левый нижний угол композиции. В результате – основное пространство картины осталось пустым, в нем виден лишь силуэт маленькой рыбачьей лодки. Произведения Сэссона Сукэя динамичны и экспрессивны, однако в них уже нет той глубокой содержательности, которая отличала творения его духовного учителя Сэссю. Вероятно поэтому, художник искал значительности образа во внешне необычной выразительной ситуации.
Кано Сёэй
Кано Сёэй родился в Киото в семье Кано Мотонобу, основателя японской живописной школы. Настоящее имя — Гэнси-ти, псевдоним Сёэй принял позже. Первой известной его работой стали свитки, выполненные совместно с отцом в 1553 году для храма Исияма Хонгандзи в Осака Незадолго до смерти отца они выполнили росписи в монастыре Дзюко-ин в Дайтокудзи, расположенном в Киото. С этим храмом у Кано Сёэя будет связано еще несколько работ в дальнейшем. После смерти отца в 1559 году он возглавил школу и продолжил развитие ее живописных традиций. В 1563 году Сёэй исполнил для храма Дзюкоин работу «Смерть Будды», единственную известную его картину на буддийскую тему. А уже через три года там же вместе со своим сыном Кано Эйтоку он исполнил цикл росписей.
Считается, что большую часть настенных росписей выполнил Кано Эйтоку. Это одна из ранних его работ, однако уже в ней ощущается его энергичный темперамент и яркий живописный талант. Но, несколько творений, несомненно, принадлежат кисти Кано Сёэя, как «Восемь видов рек Сяо и Сян» в юго-западной комнате, «Обезьяны», «Тигры и леопард» в северо-западной, «Рыба, птицы и лотос» в алтарной части. Этим работам присущ мягкий, расплывчатый тушевой стиль «гётай» («бегущая форма»), приверженцем которого был Кано Сёэй.
«Знаменитые места столицы». Период Момояма (XVI век). Кано Сёэй. 1519-1592 гг., живописец, школа Кано. Веер, тушь, цветные краски и золотая фольга по бумаге. 19,2×54,2 см. Бостон, Музей изящных искусств.
Роспись вееров была традиционной техникой живописи Японии в средние века. Этому способствовало и то, что веер был непременной деталью японского костюма, как женского, так и мужского, и то, что его использовали в декоративных целях для украшения домов и дворцов. Широкий спектр применения предполагал и большой диапазон сюжетов в росписи вееров. В XVI столетии на первый план выходит жанровая живопись (фудзоку-га). Ее ведущим направлением становится изображение городской жизни, видов столицы (Киото) и ее окрестностей («Ракутю ракугай дзу»). Подобными изображениями расписывали ширмы, а Кано Сёэй перенес эту тему на веера (10 штук), создав единую композиционную систему.
Как правило, композиции с видами столицы строились по одному принципу: основная тема — центральная часть города, вокруг которой размещаются окружающие холмы, храмы, загородные резиденции, населенные человеческими фигурками и отличающиеся тщательно выписанными деталями. Среди достопримечательностей Киото самыми популярными были императорский дворец Госё, храм Киёмидзу-дера, Золотой и Серебряный павильоны. Кано Сёэй использовал в работе традиционный для японской живописи способ изображения «с высоты птичьего полета» — издалека и сверху. На картинах художника предстает пространство, переданное приемами рассеянной перспективы, которое, разворачиваясь, уходит в бесконечность. Отдельные части (веера) объединяются с помощью золотых декоративных облаков (касуми) — еще одного традиционного мотива для японской живописи. Это было необходимо еще и потому, что часто на подобных изображениях совмещались разные времена года, что приводило к совмещению в одной композиции разновременных событий, например, храмовых и календарных праздников.
Кайхо Юсё
Кайхо Юсё, выдающийся мастер живописи Японии периода Момояма, был пятым сыном Кайхо Цунатика из клана Асаи, владевшего областью Оми. В юности Юсё ушел в монастырь Тофукудзи, один из главных дзэн-буддийских храмов Киото. Вначале был послушником, позднее, по некоторым сведениям, даже стал священником. Это обстоятельство спасло Кайхо Юсё жизнь, потому что в 1573 году клан Асаи был полностью уничтожен Ода Нобунага. К живописи он обратился довольно поздно, считается, что его учителем был Кано Эйтоку. Юсё выработал собственный оригинальный стиль, в котором соединил различные японские и китайские традиции. Он был искусен в росписях ширм и раздвижных перегородок (фусума). Росписи выполнялись как в яркой живописной манере Кано Эйтоку, так и в монохромной технике письма тушью дзэнских художников-монахов, в частности китайского художника XIII столетия Лян Кая. Слава живописца сопровождала Кайхо до конца жизни, несмотря на то, что на некоторое время он отошел от живописи и занялся военной карьерой, пытаясь вернуть былое могущество своего рода. Его покровителями были и военный диктатор Тоётоми Хидэёси, и император Го-Едзей. Многочисленные работы Кайхо Юсё оказали серьезное влияние на последующие поколения японских живописцев.
«Сосна и камелии». Период Момояма (XVI век). Кайхо Юсё. 1533-1615 гг. живописец. Шестистворчатая ширма, тушь, цветные краски и золото по бумаге. 174×376 см. Кливленд, Музей искусств
«Сосна и камелии» — образец позднего стиля Кайхо Юсё, и оригинальный живописный шедевр. Долгое время японская монохромная живопись находилась под китайским художественным влиянием, однако, в период Муромати японские мастера все же сумели выработать собственный стиль. И первым по этому пути пошел Кайхо Юсё. Как и китайская, японская живопись наполнена символами и метафорами. Особенно ярко это проявилось в жанре катёга («цветы-птицы»), где цветы и птицы — не просто объекты любования, но и аллегорические символы. Поэтому, каждый цветок или растение, изображенное на картине, несет определенный смысл.
Исходя из древних натурфилософских построений, цветы, птицы, деревья считались объектами, воплощавшими духовное начало человека, и одновременно, связанные с временами года, передавали идею движения времени. Особой популярностью среди китайских и японских живописцев пользовалась сосна. Это величественное вечнозеленое дерево выступало символом долголетия и высокой нравственной чистоты, олицетворением конфуцианской сдержанности и стойкости. Изображение сосны использовалось как аллегория таких свойств, как непоколебимость и стойкость в трудных условиях. Еще одним символом стойкости, часто изображаемой японскими мастерами, была камелия, которая цветет всю зиму — с конца ноября до марта. Изображение сосны и камелии вместе указывает на долгую жизнь и большие личные достижения. Пейзаж Кайхо Юсё минималистичен, это – плод самосозерцания. Добиться совершенства в изображении красоты художник пытался самыми лаконичными средствами, используя лишь минимум деталей.
При подготовке публикации были использованы материалы статьи А.В.Савельевой.
Читайте также:
www.5arts.info
Старинные японские гравюры и живопись. Часть 13 — Журнал по дизайну и культуре
Китагава Утамаро, 1753-1806 гг. Мастер укиё-э. Жанр «бидзинга»
Выдающийся японский художник Китагава Утамаро, чье настоящее имя Нобуёси, родился в Кавагоэ. Приехав с матерью из провинции в Эдо, он жил и работал в столице до конца своих дней. Утамаро обучался живописи в мастерской художника Торияма Сэкиэна. Он начинал путь с театральной гравюры и иллюстраций к дешевым популярным изданиям. В 1780 году художника заметил известный издатель Дзюдзабуро Цутая, по заказу которого он стал работать в станковой гравюре. Отныне, главной темой его творчества стали изображения красавиц. Опоэтизированный и лиричный образ женщины, созданный предыдущими поколениями художников старинной гравюры, по-новому преломился в работах Утамаро. Испытывая интерес к человеку и его эмоциональному состоянию, он впервые обратился к представлению внутреннего мира своих героинь. В отличие от других мастеров укиё-э, художник рисовал не только полнофигурные сцены, но и композиции окуби-э («большие головы»), позволявшие сосредоточить внимание исключительно на лице и прическе, и вошел в историю старинной японской гравюры как создатель жанра портрета. Большинство героинь Утамаро — прекрасные гейши, но художник обращался и к другим социальным типажам — горожанки, дочери торговцев, продавщицы в лавках. Плавными, обтекаемыми линиями он создавал идеализированные, но разнообразные, тонко дифференцированные по характерам женские образы. Сфера интересов художника — мир чувств и эмоций, определенное состояние человека. Утамаро удавалось запечатлеть, казалось бы, неуловимые оттенки настроения: горесть разлуки и радость ожидания, затаенную грусть и томную мечтательность. Одно из важных достижений мастера — гармоничное соединение внутренней духовной красоты и обаяния внешнего облика. Он создал эстетизированный образ красавиц своего времени, ставший впоследствии архетипическим выражением национальных представлений о женской красоте. Карьера Утамаро неожиданно оборвалась на самом взлете. В 1804 году он был подвергнут пятидесятидневному аресту за гравюры с изображением жены и наложниц сегуна Тойотоми Хидэёси: в них нашли нарушение правительственного запрета на изображение исторических личностей и оскорбление достоинства верховного военного правителя. Пребывание в тюрьме так потрясло художника, что он заболел и умер 31 октября 1806 года.
«Красавица Коносуми». Китагава Утамаро. Период Эдо (1793-1794 гг.). Гравюра нисики-э, 37,3×24,7 см. Бостон, Музей изящных искусств
Портрет куртизанки Коносуми — наглядный образец окуби-э (погрудного изображения), распространенного в творчестве Утамаро. Художник использовал здесь прием «картина в картине»: девушка держит в руках веер оги, украшенный изящной росписью. На нем изображена гавань Синагава в Эдо. Сюда постоянно заходили корабли и стекались путники со всех мест Японии, поэтому здесь возник квартал развлечений. Обитательницы «веселого квартала» часто становились героинями гравюр Утамаро. Подобной девушкой из чайного дома была и красавица Коносуми. Ее изображение — воплощение элегантности и грации: изысканная прическа с декоративными шпильками, длинная изящная шея, тонкие пальцы, держащие веер, и немного грусти в глазах.
Иппицусай Бунтё, годы творчества 1755-1790 гг. Мастер укиё-э. Жанр «бидзинга»
Бунтё Иппицусай — мастер укиё-э, жизнь которого окутана неизвестностью. Он происходил из самурайского рода. После смерти своего сюзерена, Бунтё стал ронином (вассалом без господина) и перебрался в Эдо, где обучался в живописной школе Кано, но позже увлекся искусством укиё-э. Предположительно, что Бунтё был учеником Харунобу Судзуки, влияние которого прослеживается в его творчестве. Элегантный рисунок, исключительное чувство цвета, поиски гармонии принесли ему заслуженную славу утонченного лирика, работавшего в жанрах бидзин-га и якуся-э. Пользовавшиеся особым успехом портреты Бунтё, изображавшие как красоток, обитательниц «веселых кварталов» Есивара, так и простых горожанок, отличали реалистичность и изысканность. Узкие лица, высокие лбы, чуть заостренные носы, выразительные глаза придавали особое очарование женским образам, а строгие линии и удлиненные пропорции — изящество и нежность (серии «36 избранных куртизанок», «Свернутые любовные послания», «Восемь портретных видов»). С изобретением многоцветной печати большой популярностью стали пользоваться изображения актеров. Результатом совместной работы с Сюнсё Кацукава стало издание трехтомной книги «Иллюстрированная энциклопедия для любителей сцены» (1770 г.), в которой были представлены лучшие портреты актеров театра Кабуки, выполненные обоими мастерами. Отвергнув традиционно господствовавшую в этом жанре стилистику школы Тории, художники представили новый тип театральной гравюры — портретный набросок, в основу которого был положен принцип сходства («нигао»). Тщательная прорисовка лица помогали зрителю мгновенно узнать любимого актера не по фамильным гербам (монам) на кимоно или надписям на старинной гравюре, а непосредственно по портретному сходству. Следуя своему творческому стилю, Бунтё выполнял портреты актеров в амплуа «оннагата» (исполнители женских ролей), а Сюнсё Кацукава изобразил их в ролях злодеев (ката кеяки).
«Ночной дождь в Хасиба». Иппицусай Бунтё. Серия «Восемь видов туши». Период Эдо, (конец XVIII века). Гравюра «нисики-э», тюбан 26,5×19,8 см. Бостон, Музей изящных искусств
Гравюра «Ночной дождь в Хасиба» — наглярный пример жанра бидзинга в творчестве Бунтё Иппицусая. Художник изобразил девушку из чайного дома в Хасиба. Хасиба был районом в Эдо, где жили и обучались гейши (или майко, как назывались молоденькие гейши) перед тем, как начать работать в Есивара. Этот район располагался на берегу реки Сумида, протекающей на окраине столицы. Через речку ходили паромы. Девушка, стоящая на балконе дома, показана наблюдающей за переправой. На улице идет дождь, люди в маленьких лодочках стремятся быстрее пересечь реку.
Тёбунсай Эйси, 1756-1829 гг. Основатель школы Хосода. Жанр «бидзинга»
Эйси Тёбунсай происходил из древнего самурайского рода, боковой ветви клана Фудзивара, и по рождению носил имя Хосода Токитоми. Его дед занимал высокий пост в Министерстве финансов сёгуната. Эта должность передавалась по наследству в семье старшим сыновьям, и со временем должна была перейти к Эйси. Но, юноша был увлечен искусством, и потому, переложив свои обязанности на плечи младшего брата, стал художником. Вначале, он учился у Эйсэсина Мисинобу, мастера школы Кано (отсюда и происхождение псевдонима Эйси), был придворным художником сегуна Иэхару Токугава, но в 30 лет бросил живопись и увлекся укиё-э. Первыми работами Эйси стали цветные иллюстрации к произведениям классической литературы, в частности к «Гэндзи моногатари» («Повесть о принце Гэндзи»), и театральные гравюры. Однако, художника привлекал иной жанр: под влиянием работ своих современников Киёнага Тории и Утамаро Китагава он начал создавать женские портреты. Культивируемый им образ во многом воплощал самурайский идеал женщины. Красавицы Эйси отличались статностью и изяществом, утонченностью пропорций, наглядно воплощая термин «ики» (подразумевавший изысканный стиль поведения). Но, лица их были бесстрастны, эмоционально невыразительны, а позы статичны, они скорее напоминали «живых кукол», чем реальных живых существ. Художник создал целую галерею женских образов: не только обитательниц «зеленых кварталов» Есивара, но и героинь классической литературы и мифологии. Портреты Эйси Тёбунсая были настолько элегантны и аристократичны, что высоко ценились даже при императорском дворе в Киото и ставились наравне с работами Утамаро Китагава и Киёнага Тории.
«Женщина, выступающая как поэт Фунъя-но Ясухидэ». Серия «Шесть бессмертных поэтов». Тёбунсай Эйси. Период Эдо (датировано 1793-1794 гг.). Гравюра «нисики-э», хособан 38,3×25,6 см. Бостон, Музей изящных искусств
Серия «Шесть бессмертных поэтов» представляет собой портреты женщин, каждая из которых отождествляется с одним из известных поэтов прошлого. В правом верхнем углу листа, в длинном узком картуше, расположено название серии; левее, в квадратном — имя поэта и одно из его стихотворений. Старинная гравюра посвящена Фунъя-но Ясухидэ, одному из лучших поэтов IX века. Известно, что он был придворным невысокого ранга. Его стихи включены во многие классические антологии, как «Кокинвакасю» (XII век). Прекрасная женщина, сидящая на коленях, держит в руках шапку, подобную которым носили придворные в эпоху Хэйан. Ее кимоно покрыто узором из журавлей, что является отсылкой к произведению Фунъя-но Ясухидэ. Гравюра Эйси Тёбунсая относится к жанру митатэ-э (пародия или подражание). Он был разработан еще в творчестве Судзуки Харунобу, а позднее продолжен Киёнага Тории и Эйси Тёбунсаем.
При подготовке публикации были использованы материалы статьи А.В.Савельевой.
Читайте также:
www.5arts.info
Старинные японские гравюры и живопись. Часть 3 — Журнал по дизайну и культуре
Хасэгава Тохаку
«Дракон». Период Момояма (XVI век). Хасэгава Тохаку. 1539-1610 гг. Живописец, школа Кано. Пара шестистворчатых ширм. Тушь по бумаге. 153,5×333,2 см. 153,1×335 см. Бостон. Музей изящных искусств
Один из японских мастеров периода Момояма, Хасэгава Тохаку, чье настоящее имя Окумура, родился в семье, состоящей на службе у клана Хатакэяма, владельца замка Нанао. Вероятно, в детстве он остался сиротой, и мальчика приняли в семью Хасэгава, занимавшуюся живописным ремеслом. Большая часть сохранившихся до наших дней работ Тохаку написана цветными красками на золотом фоне в традициях школы Кано. Это и немудрено, ведь его учителем был известный мастер Кано Сёэй. Но, в зрелые годы Тохаку отошел от традиции Кано. Его живописные фусума (раздвижные перегородки) в храме Тисякуин, выполненные в 1592 году, положили начало целому направлению — «живописи кленов и вишен». Помимо Кано, художник учился у малоизвестного мастера Сога Сёсё, связанного с живописными традициями монастыря Дайтокудзи. Долгое время Тохаку выполнял заказы столичного монастыря Хомподзи, создавая большие композиции буддийского содержания. Однако, главным своим учителем он считал выдающегося мастера туши Сэссю и называл себя его наследником в пятом поколении. По этому поводу даже вышел спор между Тохаку и Ункоку Тоганом, тоже считавшем себя последователем Сэссю. Тохаку проиграл, но остался верен монохромной живописи тушью. Он писал свитки с изображением обезьян, журавлей, драконов и тигров, сосен, в которых демонстрировал умелое пользование многотональными оттенками туши. Вершиной его виртуозного мастерства стали росписи парных шестистворчатых ширм (мобильных перегородок) «Сосновая роща», ставшей настоящей монохроматической симфонией. На поверхности огромных ширм изображены лишь несколько сосен, наполовину скрытых туманом, а большая часть живописной плоскости оставлена пустой. Быстрыми уверенными движениями мазки нанесены на бумагу. Тон туши варьируется от бледного до темного. Эта композиция, сильно контрастирующая с броским великолепием произведений Кано и Тоса, стала примером прекрасного синтеза китайской техники и японских мотивов, надолго определившего пути развития живописи суйбокуга.
«Тигр». Период Момояма (XVI век). Хасэгава Тохаку. 1539-1610 гг. Живописец, школа Кано. Пара шестистворчатых ширм. Тушь по бумаге. 153,5×333,2 см. 153,1×335 см. Бостон. Музей изящных искусств
В основу сюжета ширм положены поэтические строки, написанные китайским монахом XIII столетия My Ки: «Когда дракон поднимается, на небе облака появляются «Когда тигр ревет, взрывы ветра — вперед». Несмотря на свой зловещий вид, на Востоке дракон является позитивной и созидательной силой, он обладает космической, сверхъестественной энергией и повелевает силами природы: землей, воздухом, водой и огнем. В старину люди верили, что драконы наделены огромными знаниями и мудростью, это – самые могущественные существа на планете. Существовало несколько разновидностей драконов: драконы, охраняющие землю, обитающие под водой и в глубоких пещерах, небесные драконы, один из которых изображен на ширме Хасэгава Тохаку. В Японии дракон с тремя когтями считался символом дождя, повелителем морей и рек. Все грозные явления природы люди объясняли как последствия битв драконов между собой или с врагами, желающими завладеть небесными сокровищами. Чаще всего, драконы вступали в схватку с тиграми. Эти лютые животные олицетворяли силу, отвагу, свирепость. В Китае и Японии дракон был символом императора, Сына небес, а в Корее тигр воплощал боевой дух. Его изображение встречалось преимущественно на знаменах и значках корейских войск, которым, как считалось, он покровительствует. Сюжет «дракон, борющийся с тигром» имел двойное толкование. В первом, философском, он представлял собой знак «инь-ян» — двойственность всего сущего, символ взаимодействия крайних противоположностей (света и тьмы, жизни и смерти, неба и земли). Во втором содержалась скрытая аллегория: Япония — это могущественный и неустрашимый дракон, который всегда побеждает своих врагов, даже столь сильных как Корея (тигр).
Ункоку Тоган
Ункоку Тоган, чье настоящее имя Хара Дзихэй, родился в провинции Нидзен (совр. префектура Нагасаки). Он происходил из знатного самурайского рода, его отец Хара Наойе, был владельцем большого замка Нокоми. О жизни художника сохранилось мало сведений. В юности, будущий художник сделал блестящую военную карьеру, но в 1584 году со смертью отца его жизнь изменилась: он потерял политическое и материальное (так как был вторым сыном) положение и, вероятно, начал заниматься живописью. Кто были его учителя, до конца не известно: он учился у мастеров школы Кано, возможно, у Кано Сёэя или его сына Эйтоку. Однако знакомство с работами мастера XV столетия Сэссю Тойо обратило художника к монохромной живописи суйбокуга («живопись тушью»). Приверженность стилю Сэссю прослеживается во всем: художник даже взял псевдоним «Ункоку» по названию созданной учителем студии — Ункоку-ан. Свои работы он подписывал «писано Ункоку, потомком Сэссю». К тому же, когда даймё Мори Тэрумото (1553—1625) заказал художнику копию «Длинного пейзажного свитка» Сэссю, он с блеском выполнил работу, поставившую точку в давнем споре между Ункоку Тоганом и Хасэгава Тохаку. С этого времени Ункоку получил право называть себя «последователем Сэссю в пятом поколении». Но это были лишь внешние атрибуты, потому что в живописи ученик так и не смог достичь высот своего великого учителя. Среди самых известных работ Ункоку — ширмы с изображением оленей и горы Ёсино, славящейся великолепными видами цветущей сакуры, которые хранятся в монастыре Дайтокудзи в Киото.
«Хан-рю, едущий на муле». Период Момояма (XVII век). Ункоку Тоган. 1547-1618 гг. Живописец, мастер суйбокуга. Шестистворчатая ширма. Тушь и водяные краски по бумаге. 158,2×357,4 см. Бостон. Музей изящных искусств
Сюжеты ширм взяты из китайской истории. В основе первой картины — эпизод из жизни Су Ши (1036—1101), великого китайского поэта северосунской эпохи. Он был не только литератором, живописцем, каллиграфом, но и государственным чиновником, выступавшим против проводимых первым министром Ван Ань-ши реформ в стране, за что Су Ши назначали на административные должности в провинциальные районы Китая. По названию места одной из служб он взял себе литературный псевдоним Дун-по-сюйши (или Су Дунпо), который означал «Ученый, проживающий у Восточного склона». В конце жизни Су Ши был ложно обвинен, лишен всех должностей и сослан в отдаленную провинцию Гуандун. Китайские и японские художники часто изображали поэта, находящегося в ссылке или объезжающего с инспекцией вверенные ему территории (как на картине Ункоку Тогана).
«Су Дунпо, взирающий на упирающегося мула». Период Момояма (XVII век). Ункоку Тоган. 1547-1618 гг. Живописец, мастер суйбокуга. Шестистворчатая ширма. Тушь и водяные краски по бумаге. 158,2×357,4 см. Бостон. Музей изящных искусств
Во второй картине рассказывается об отшельнике по имени Хан-рю. Он служил конюхом у императора Му-вана из династии Цу (1023—957 г. до н. э.). У Му-вана была великолепная восьмерка породистых коней, которой он необычайно гордился. Однажды Ханрю позволил себе неподобающе высказаться о лошадях, император пришел в ярость и сослал его в провинцию Шаньси. Там находилась гора Хэншань, одна из пяти священных вершин даосизма, которые считались местом обитания даосских святых и бессмертных. Правда, император довольно быстро одумался и простил своего слугу. Ункоку Тоган изобразил на ширме (мобильной перегородке) момент возвращения Ханрю домой. Он едет на муле, но задом наперед, не в силах оторваться от великолепного вида горы. В картине есть несомненный посыл к образу одного из «Восьми Бессмертных», сэннина Чжан Голао, который всегда ездил на муле задом наперед, чтобы смотреть не вперед, а назад.
Хоньами Коэцу
Хоньами Коэцу происходил из прославленной семьи оружейников, известной со времен первых сегунов Асикаги. Как и его предки, Коэцу тоже занимался полировкой и оценкой мечей, но был славен не только этим. Он писал картины, занимался керамикой и лаковой росписью, считался знатоком искусств, но особо выделял среди своих талантов каллиграфию. В искусстве каллиграфии Коэцу не уступал признанным авторитетам — Сёкадо Сёдзё и Коноэ Нобутаде. Последний был создателем известного стиля «саммякуин», который снискал необычайную популярность. Все трое были известны как «Три кисти эры Канъэй». В 1615 году сёгун Токугава Иэясу выделил мастеру земельное владение в Такагаминэ, расположенное вблизи Осака. На этой земле Коэцу построил поселок художников, названный Коэцу-мура. Здесь появилось на свет немало шедевров изобразительного и прикладного искусства, среди которых поэтические свитки, созданные благодаря содружеству талантов Коэцу Хонъами и его друга, выдающегося живописца Таварая Сотацу. Сотацу разрисовывал бумагу изображениями цветов, трав, птиц и животных, а Коэцу каллиграфической вязью выписывал стихи из знаменитых поэтических антологий «Кокинвакасю» («Собрание старых и новых песен Японии») и «Синкокинвакасю» («Сто стихотворений ста поэтов»). Затем, такие свитки размножали ксилографическим способом. У Хонъами был большой опыт в этом деле: начиная с 1604 года, он сотрудничал с купцом из Киото Суминокура Соаном. Совместно они выпускали книги с пьесами для театра Но и избранными отрывками из классической литературы.
«Волны». Период Эдо (XVII век). Хонъами Коэцу. 1558-1637 гг. Живописец, каллиграф, мастер по лаку. Вертикальный свиток, тушь, краски, золото и серебро по бумаге. 18,2×16,1 см. Бостон, Музей изящных искусств
Говорят, что Хонъами Коэцу был удивительно честолюбив, об этом его недостатке ходили легенды. Одна из них рассказывает о том, что однажды художник находился в гостях у Коноэ Нобутады. Речь зашла о каллиграфии, и любопытный хозяин попросил Коэцу назвать трех крупнейших каллиграфов страны. Гость, не колеблясь, ответил: «Второй — это вы, третий — Сёкадо Сёдзё». «А кто же первый?», — спросил озадаченный Нобутада. «Разумеется, я», — без улыбки отозвался Коэцу, глядя в глаза недогадливому хозяину. В Японии, как и в других странах дальневосточного региона, каллиграфия (седо) считалась одним из видов изящных искусств. В Китае, вместе с поэзией и живописью, она входила в понятие «Три совершенства», что рассматривалось непременным знанием и умением каждого образованного человека, по качеству почерка определяли характер пишущего. Благоговейное отношение к каллиграфии сохранилось и в Японии. Коэцу был хорошо знаком и с придворным искусством, ориентирующимся на идеалы эпохи Хэй-ан, он изучал каллиграфию начала XIV века в стиле императора Сёрэнина, и стиль китайского каллиграфа IV века аристократа Ван Сичжу. Он получил звание лучшего каллиграфа своего времени, удивив общество в Киото публикацией произведений «Исэ моногатари» («Повесть об Исэ») и «Ходзёки» («Записки из кельи»), каллиграфически написав их на специально созданной бумаге и украсив рисунками в стиле эпохи Хэйан. Данная работа создана по мотивам стихотворения Какиномото Хитомаро, поэта VI века, чьи произведения вошли в поэтическую антологию «Манъёсю» («Собрание мириад листьев»):
Бухта Акаси…Утренний туман,Челн уплывает вдаль,Едва мелькая меж островов,И мысль меня уносит вслед…
При подготовке публикации были использованы материалы статьи А.В.Савельевой.
Читайте также:
www.5arts.info
