Музей ЧерномырдинаОписание картины Поля Гогена «Пейзаж с павлинами». Поля картины
Рисовые поля-картины / Туристический спутник
Я не могла пройти мимо такого чуда. Ежегодно земледельцы Японии сеют на одном поле несколько сортов риса с одной конкретной целью. Они таким образом создают живые полотна, от которых захватывает дух.
Рисовые кусты разных цветов произрастают так, что постепенно на поле вырисовываются изображения национальных героев и мультипликационных персонажей.
Данный вид искусства, получивший широкое распространение по всей стране, называется тамбо. 
Впервые оригинальный способ посева был применен в начале 90-х гг. жителями небольшой деревни Инкадате.
В сезон сюда приезжают много туристов, чтобы оценить по достоинству это великолепие.
tursputnik.com
2.151 Цветовые системы. История вопроса (часть 94)
Тема лекции: Искусство 2-й половины 20 века. Живопись цветового поля.Продолжение. Предыдущая часть тут.Источник
Движение цветового поля
К концу 1950-х годов и началу 1960-х молодые художники начали стилистически порывать с абстрактным экспрессионизмом, экспериментируя с новыми способами создания картин и новыми способами обращения с краской и цветом. В начале 1960-х несколько разнообразных новых движений в абстрактной живописи были тесно связаны друг с другом и поверхностно могут быть охарактеризованы вместе, хотя со временем они оказались глубоко различными. Некоторые из новых стилей и движений, которые возникли в начале 1960-х в качестве ответа абстрактному экспрессионизму назывались: Вашингтонская Цветовая Школа (Washington Color School), живопись жёстких контуров (Hard-edge painting), геометрическая абстракция (Geometric abstraction), минимализм (Minimalism) и цветовое поле (Color Field).
Джин Дэвис (Gene Davis) был художником, в особенности известным своими картинами вертикальных полос цвета, как "Чёрно-серый ритм" ("Black Grey Beat", 1964), а также был членом группы абстрактных художников в Вашингтоне (округ Колумбия) в 1960-х годах, известной как Вашингтонская Цветовая Школа (Washington Color School). Вашингтонские художники были одними из самых выдающихся художников движения цветового поля середины века.
Джин Дэвис. "Чёрно-серый ритм" (1964)
Джин Дэвис. "Пау вау" ("Pow Wow"), 1969
Джин Дэвис. "Граф Цеппелин", 1969
Альбом картин Джина Дэвиса на Flickr
Художники, связанные с движением цветового поля в 1960-е годы уходили от жеста и "страха" (angst) в пользу чистых поверхностей и гештальта. В начале-середине 1960-х живопись цветового поля была термином, используемым для описания работы таких художников как Энн Трутт (Anne Truitt), Джон Маклафлин (John McLaughlin), Сэм Фрэнсис (Sam Francis), Сэм Гиллиам (Sam Gilliam), Томас Даунинг (Thomas Downing), Эллсворт Келли (Ellsworth Kelly), Пол Фили (Paul Feeley), Фридель Дзюбас (Friedel Dzubas), Джек Буш (Jack Bush), Ховард Меринг (Howard Mehring), Джин Дэвис (Gene Davis), Мэри Пинчот Майер (Mary Pinchot Meyer), Жюль Олицки (Jules Olitski), Кеннет Нолэнд (Kenneth Noland), Хелен Франкенталер (Helen Frankenthaler), Роберт Гуднаф (Robert Goodnough), Рэй Паркер (Ray Parker), Эл Хелд (Al Held), Эмерсон Волффер (Emerson Woelffer), Дэвид Симпсон (David Simpson) и других, чьи работы были ранее связаны со вторым поколением абстрактного экспрессионизма, а также термин относился к более молодым художникам, таким как Ларри Пунс (Larry Poons), Рональд Дэвис (Ronald Davis), Ларри Зокс (Larry Zox), Джон Хойлэнд (John Hoyland), Уолтер Дарби Бэннард (Walter Darby Bannard) и Фрэнк Стелла (Frank Stella). Все они двигались в новом направлении прочь от насилия и тревожности живописи действия к новому и, казалось бы, более спокойному языку цвета.
Джон Маклафлин. "Номер 28", 1960
Томас Даунинг. "Песенка заклёпки" ("Rivet Lilt"), 1962
Эллсворт Келли. "Оранжевый и синий на жёлтом", 1964-1965
Несмотря на то, что термин "цветовое поле" ассоциируется с Клементом Гринбергом, сам Гринберг фактически предпочитал использовать термин пост-живописная абстракция (Post-Painterly Abstraction). В 1964 году Клемент Гринберг курировал влиятельную выставку под названием "Пост-живописная абстракция", которая ездила по стране. Выставка расширила определение живописи цветового поля. Живопись цветового поля ясно указывала в новом направлении в американской живописи, далёком от абстрактного экспрессионизма. В 2007 году куратор Карен Уилкин (Karen Wilkin) курировал выставку под названием "Цвет как поле: американская живопись 1950-1975 годов" ("Color As Field: American Painting 1950-1975"), которая посетила несколько музеев по всем США. Выставка продемонстрировала нескольких художников, представляющих два поколения художников цветового поля.
В 1970 году художник Жюль Олицки сказал:
"Я не знаю, что значит живопись цветового поля. Думаю, она была изобретена каким-то критиком, и это нормально, но я не думаю, что эта фраза значит что-нибудь. Живопись цветового поля? Я имею ввиду, что есть цвет? Живопись связана со многими вещами. Цвет является лишь одной из них. Также она имеет отношение к поверхности. А также к форме. Она связана с чувствами, чего труднее всего достичь."
Жюль Олицки. "Жёлтая принцесса", 1962
Жюль Олицки. "Фанни Д.", 1960
Жюль Олицки. "Страна мгновенной любви", 1968
Джек Буш был канадским художником абстрактным экспрессионистом, родился в Торонто, провинция Онтарио, в 1909 году. Он был членом группы "11 художников " ("Painters Eleven") - группы, основанной Вильямом Рональдом (William Ronald) в 1954 году с целью продвижения абстрактной живописи в Канаде, в очень скоро получил поддержку своего искусства от американского искусствоведа Клемента Гринберга. При поддержке Гринберга Буш стал тесно связан с двумя движениями, которые выросли из усилий абстрактных экспрессионистов: живопись цветового поля и лирическая абстракция (Lyrical Abstraction). Его картина "Большое А" ("Big A") является примером его картин цветового поля конца 1960-х.
Джек Буш. "Большое А", 1968
Джек Буш. "Без названия", 1967
Джек Буш. "Полосатая колонна", 1964В конце 1950-х и в начале 1960-х годов Фрэнк Стелла являлся важной фигурой в возникновении минимализма, пост-живописной абстракции и живописи цветового поля. Его фигурные полотна 1960-х годов, такие как "Харран II" ("Harran II", 1967) произвели революцию в абстрактной живописи. Одной из самых важных характеристик живописи Стелла является использование повторов. Его картины "В чёрную тонкую полоску" ("Black Pin Stripe paintings") 1959 года испугали и шокировали мир искусства, который не привык видеть монохроматические и повторяющиеся изображения, написанные плоско, практически без изгибов. В начале 1960-х годов Стелла написал несколько серий зазубренных "Алюминиевых картин" ("Aluminum Paintings") и фигурных "Медных картин" ("Copper Paintings") перед тем, как создать многоцветные и ассиметричной формы полотна конца 1960-х. Подход и связь Стелла с живописью цветового поля не был постоянным или центральным в его творческой деятельности, поскольку его работы становились всё более трёхмерными после 1980 года.
Фрэнк Стелла. "Харран II", 1967
Фрэнк Стелла. "Брак разума и убогости II", серия чёрных картин, 1959
Фрэнк Стелла. "Кингсберри Ран", алюминиевая серия, 1960
В конце 1960-х Ричард Дибенкорн (Richard Diebenkorn) начал свою серию картин "Океан-парк" ("Ocean Park"), созданных в течение последних 25 лет своей карьеры и представляющих собой важный пример живописи цветового поля. Серия "Океан-парк", представленная картиной "Океан-парк No.129" ("Ocean Park No.129") соединяет его ранние работы в абстрактном экспрессионизме с живописью цветового поля. В начале 1950-х годов Ричард Дибенкорн был известен как абстрактный экспрессионист, и его жестикуляционные абстракции были близки к Нью-Йоркской Школе по чувствительности, но прочно основывались на чувствительности абстрактного экспрессионизма Сан-Франциско - места, где Клиффорд Стилл имел значительное влияние на молодых художников в силу своего преподавания в Художественном Институте Сан-Франциско (San Francisco Art Institute).
Ричард Дибенкорн. "Океан-Парк No. 129", 1984
Ричард Дибенкорн. "Океан-Парк No. 10", 1968
Ричард Дибенкорн. "Океан-Парк No. 38", 1971
К середине 1950-х годов Ричард Дибенкорн вместе с Дэвидом Парком (David Park), Элмером Бишоффом (Elmer Bischoff) и некоторыми другими основал Фигуративистскую Школу Области Залива (Bay Area Figurative School), которая вернулась к фигуративной живописи. В течение периода осени 1964 и весны 1965 годов Дибенкорн путешествовал по Европе, ему была подарена культурная виза для посещения и просмотра картин Анри Матисса в важных советских музеях. Он путешествовал в Советский Союз, чтобы увидеть картины Анри Матисса в русских музеях, которые редко встречаются за границами России. Когда он вернулся к живописи в Область Залива в середине 1965 года, его итоговые работы подсуммировали всё, чему он научился за более чем десятилетие как ведущий художник-фигуративист. Когда в 1967 году он вернулся к абстракции, его работы были параллельны движениям цветового поля и лирической абстракции, но он остался независимым от их обоих.
В конце 1960-х годов Ларри Пунс, чьи ранние "Точечные" ("Dot") картины ассоциировались с оп-артом, начал создавать более свободные по форме картины, которые известны как серия "Ромбовидных Эллипсов" ("Lozenge Ellipse") 1967-1968 годов. Вместе с Джоном Хойлэндом, Уолтером Дарби Бэннардом, Ларри Зоксом, Рональдом Дэвисом, Ронни Лэндфильдом (Ronnie Landfield), Джоном Сири (John Seery), Пэт Липски (Pat Lipsky), Дэном Кристенсеном (Dan Christensen) и некоторыми другими молодыми художниками начало формироваться новое, связанное с живописью цветового поля, движение, со временем названное лирической абстракцией (Lyrical Abstraction). В конце 1960-х появились художники, обращающиеся к изгибам поверхности, глубоким пространственным изображениям и живописным манерам и способам обращения с краской, которые сливались с языком цвета. Среди нового поколения абстрактных художников, которые стали комбинировать живопись цветового поля с экспрессионизмом, старое поколение также начало вливать новые элементы комплексного пространства и поверхности в свои работы. К 1970-м годам Пунс создал толстокожие, треснувшие и тяжёлые картины, относящиеся к серии "Слоновой Кожи" ("Elephant Skin paintings"); в то время как Кристенсен распылял петли, цветные паутины линий и каллиграфии по многоцветным полям деликатного фона; окрашенные полосы картин Ронни Лэндфильда являются одновременно отражениями живописи китайского пейзажа и средств выражения живописи цветового поля; живопись пятнами Джона Сири представлена картиной "Восток" ("East", 1973), находящейся в Национальной Галерее Австралии (National Gallery of Australia).
Ларри Пунс. "Без названия", 1964
Дэн Кристенсен. "Без названия", 1968
Ронни Лэндфильд. "Что-то ещё", 1967-1968.
Пунс, Кристенсен, Дэвис, Лэндфильд, Сири, Липски, Зокс и некоторые другие создавали картины, которые связывают живопись цветового поля с лирической абстракцией и вновь делают акцент на пейзаже, жесте и манерах.
Продолжение следует.
natural-colours.livejournal.com
Картины Поля Гогена как яркий пример постимпрессионизма
Поль Гоген, полное имя Эжен Анри Поль Гоген, родился 7 июня 1848 года. Считается одним из самых крупных представителей постимпрессионизма наряду с такими художниками, как Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Тулуз-Лотрек. Направление постимпрессионизма в изобразительном искусстве отличается акцентированной декоративной стилизацией. Картины Поля Гогена - это яркий пример "островной" декоративности, обусловленной тем, что художник долгое время жил на Таити.
Нужда
В 1870 году Гоген начал заниматься любительской живописью. Довольно быстро он поддался всепоглощающему стилю условных изображений с элементами достоверности. Через десять лет художник уже принимал участие в выставках импрессионистов. А примерно с 1983 года стал профессионально писать картины. Однако картины Поля Гогена не пользовались спросом, и он жил в нужде. Тем не менее Поль активно работал, постоянно был в поиске новых форм, разнообразие которых сопутствовало постимпрессионизму, а также пришедшим ему на смену экспрессионизму, символизму и модерну. Художник Гоген, картины которого будут после его смерти продаваться на крупнейших аукционах мира, едва сводил концы с концами, однако кисти из рук не выпускал, работал днем и ночью, чтобы заработать себе на хлеб.
Семья
Годы юности и отрочества Поля Гогена прошли в семье политических маргиналов. Отец его был журналистом и вел рубрику политхроники в журнале "Насьональ", насквозь пропитанном республиканскими радикальными идеями. Мать и все ее многочисленные родственники проповедовали утопический социализм. В 1849 году семья Гогенов взошла на борт судна, отплывающего в Перу, и покинула Францию. В пути старший Гоген скончался от сердечного приступа. Оставшись без отца, Поль был принят в семью родственников по материнской линии и воспитывался там до семилетнего возраста. Южная Америка с ее экзотической природой произвела на маленького Поля сильнейшее впечатление, мальчик проникся очарованием колоритной страны Перу и впоследствии неизменно ощущал тягу к тропикам.
Морские путешествия
Однако в 1855 году Поль Гоген будучи восьмилетним ребенком отправился с матерью обратно во Францию по делам наследства, оставшегося от брата отца. Мать с сыном так и остались во Франции, Поль принялся за учебу, а его мать Алина открыла швейную мастерскую. Жить они остались в Париже. Когда Полю исполнилось 17 лет, он поступил на судно дальнего плавания в качестве ученика лоцмана. Следующие шесть лет молодой Гоген будет бороздить моря и океаны, практически не ступая на землю. Во время морских путешествий Поля мать его умирает, оставив ему наказ, в котором советовала получить образование и сделать карьеру. По прибытии в Париж в 1872 году Гоген встретился с бывшим другом матери, Гюставом Ароза, который был деловым человеком, а также коллекционировал живопись. Благодаря его рекомендациям Поль смог устроиться на должность биржевого маклера.
Женитьба
Жизнь молодого человека стала понемногу налаживаться, через год он встретил на вечеринке в семье Густава девушку-датчанку Софи Гадон и женился на ней. У супружеской пары родилось пятеро детей, они появлялись один за другим с интервалом в два с половиной года. Эмиль, Алина, Кловис, Жан-Рене и Поль. Вскоре началось становление Гогена как художника, он обзавелся мастерской и вплотную приступил к увлекательному процессу живописи. В большой семье французских художников появилось новое имя – Поль Гоген. Картины, описание которых вызывало у критиков некоторые затруднения, можно было рассматривать часами, стараясь понять, как это художнику удается изобразить самые обычные предметы в столь необычном ракурсе, который придает им таинственность.
Первые выставки
Первые приглашения для участия в выставках импрессионистов Поль Гоген стал получать в 1879 году. Картины Поля Гогена уже воспринимались в творческих кругах как произведения самобытного и в чем-то даже уникального художника благодаря необычной манере соблюдения легких диспропорций в изображении женского тела и контрастных сочетаний "горячих" красочных оттенков, начисто лишенных полутонов. Свой собственный стиль Поль не культивировал, он даже старался подражать своему другу Писсарро, но манера его живописи была настолько индивидуальна, что, наоборот, Писсарро было впору подражать Гогену. В 1885 году у Поля состоялось знакомство с уже известным художником-импрессионистом Эдгаром Дега, который вскоре станет горячим поклонником его творчества, будет покупать картины Поля Гогена и всячески его поддерживать.
Кончина художника
В 1884 году семья Гогенов перебралась в Копенгаген, где Поль продолжает свою работу на бирже. Однако живопись уже стала для него смыслом всей жизни, поэтому через год, оставив жену и пятерых детей, Гоген возвращается в Париж. Следующие пять лет Поль Гоген, картины с названиями у которого встречались нечасто, а преобладали безымянные рисунки, пытается рисовать картины на продажу, но покупатели не находятся. В конце концов художник уезжает на Таити, подальше от цивилизации, где, по его собственному выражению, он "сливается с природой". На острове у Гогена начинается небывалый творческий подъем, и в течение 1892 года художник пишет сразу 80 картин. Тогда же Гоген женится на молодой таитянке и работает в полную силу, пишет картины, занимается журналистикой. В какой-то момент живописец теряет иммунитет и начинает болеть тропическими болезнями. От одной из них Поль Гоген вскоре и умирает.
fb.ru
Гоген Поль "Сбор плодов" описание картины, анализ
Широко известная работа Поля Гогена «Сбор плодов», написанная художником на закате жизни, тогда, когда он жил на острове Таити. Многие исследователи творчества великого постимпрессиониста по-разному трактуют это его произведение. Основная версия трактовки идеи картины «Сбор плодов» состоит в том, что художник символически изобразил два начала: духовное, небесное и материальное, земное. Полотно визуально делится на две половины: левая, там где художник изобразил женщин с разнообразными цветами и плодами, символизирует небеса, рай. Правая часть картины, где мы видим всадника верхом на коне, собаку со щенками, человека, срывающего плоды с дерева, рассказывает о человеческом грехопадении и жизни людей на материальной земле.
Колорит картины «Сбор плодов» характерен для работ Поля Гогена: он использует яркие оттенки, создавая ощущение погожего солнечного дня, при этом не изображая ни солнца, ни неба. Кроме того, несмотря на довольно схематичное отображение персонажей картины и черт их лиц, художник даёт чёткое понятие о характерах и создаваемых впечатлениях.
Левая часть картины Гогена «Сбор плодов» оставляет ощущение умиротворения и спокойной радости, в то же время правая несколько тревожит и беспокоит, заставляя размышлять о конечности бытия и неизбежности смерти.
Картины Поля Гогена всегда наполнены особым смыслом и эмоциями. Значение имеет каждая даже самая мельчайшая деталь. Уверенность линий, особые цвета, экспрессивная манера написания ставят его работы в один ряд с картинами величайших художников всех времён.
Год написания картины: 1899.
Размеры картины: 128 х 190 см.
Материал: холст.
Техника написания: масло.
Жанр: жанровая живопись.
Стиль: постимпрессионизм.
Галерея: Музей изобразительных искусств им. Пушкина, Москва, Россия.
Другие картины художника:
opisanie-kartin.ru
Описание картины Поля Гогена «Пейзаж с павлинами»
Яркие, пресыщенные контрастами краски в сюжете размеренной жизни далекого от цивилизации народа и загадочная надпись в нижнем углу картины – «Motamoe». Так выглядит полотно «Пейзаж с павлинами», созданное Гогеном в 1892 году на тихоокеанском острове Таити в период расцвета его художественного дара.
Подобно остальным работам того времени, «Пейзаж» имеет необыкновенный колорит, выполнен приемом наложения множества слоев масляной краски. Композиция построена нагромождением нескольких планов. Прямо перед зрителями предстают две фигуры павлинов, расхаживающие среди цветов и больших каменьев. Далее – молодой мужчина в процессе труда со вскинутым за спину орудием рубки деревьев. Еще выше – хижина и две женские фигуры.
Верхнюю половину картины занимают пейзажи горных подъемов, вершин и утесов. Удивительно высокая, изогнутая кокосовая пальма пересекает холмистый фон и тянется вершиной в самое небо.
Павлины, судя по названию картины, – ее главные персонажи выглядят довольно неприметно: маленькая рыжеватая самка, более крупный темно-синий самец со сложенным оперением. Но создается впечатление, что пышность и красота раскрытого хвоста павлина выражена в пестром разноцветье всей картины.
Второе обозначенное название работы переводится как «смерть».
Гоген объяснял столь парадоксальное обозначение для цветущей яркими красками картины тем, что наблюдаемые им сюжеты островной жизни убивали в нем цивилизованного человека.
«Пейзаж с павлинами» передает нам впечатления художника от увиденной экзотики во время его прогулки, с помощью изобразительных средств погружает в состояние красочного сна, фантазии, грезы. Поль Гоген выполнил дивную, калейдоскопичную, эклектичную картину укромного уголка земли, где человек гармонично сосуществует с миром природы.
opisanie-kartin.com
Самые известные картины Поля Гогена
Поль Гоген
Женщина держит плод 1893г 92х73см Hermitage, St. Petersburg, RussiaСобытия, которые запечатлел художник, разворачиваются в таитянском селении: перед зрителем предстают две простые хижины, крытые травой. На переднем плане картины изображена молодая таитянская женщина, держащая в руках зеленовато-лимонный плод манго, по форме напоминающий сосуд для воды (по иной версии, поддерживаемой крупным исследователем творчества Гогена Даниельссоном, героиня полотна держит за верёвочку специальный сосуд, вырезанный в полости тыквы, и собирается идти по воду). Лицо таитянки серьёзно и выразительно, взгляд — внимателен. Существует версия, что моделью для центрального персонажа картины послужила юная невенчанная жена Гогена, таитянка Техура — этого мнения придерживалась и искусствовед Анн Дистель
Видение после проповеди или Борьба Иакова с ангелом 1888гХудожник создал картину в бретонском Понт-Авене в конце лета 1888 года. В следующие годы станет "живописным" манифестом нового упрощённого и экспрессивного стиля - синтетизма Гогена и его друзей из Понт-Авена. При написании этого полотна Гоген использовал новации Эмиля Бернара (1868—1941), а также мотивы,позаимствованные у японскою художника Хокусаи (изображение женщин, неестественно наклоненное дерево, борющиеся фигуры).
Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем? 1897г 139х374см Museum of Fine Arts, Boston, MA, USAГоген отправился на Таити в 1891 году в поисках общества более природного и простого, чем его родное французское. В дополнение к нескольким другим созданным им картинам, которые выражают его высокоиндивидуалистическую мифологию, он начал эту картину в 1897 и закончил в 1898 году. Сам художник считал произведение возвышенной кульминацией своих размышлений. Хранители Бостонского Музея изящных искусств, где картина находится в настоящее время, постоянно меняют свои записи об истории владения картиной по мере обнаружения новых фактов. В 1898 году Гоген отправил картину Джорджу Даниелю де Монфрейд в Париж. Затем она переходила и продавалась нескольким другим парижским и европейским торговцам и коллекционерам, пока не была куплена Галереей Марии Гарриман в Нью-Йорке в 1936 году. Бостонский Музей изящных искусств приобрёл её у Галереи Марии Гарриман 16 апреля 1936 года. Картина выставлена в Музее изящных искусств (номер 36.270) в коллекции Томпкинса, часть Галереи Сидни и Эстер Рабб (которая демонстрирует европейское искусство 1870—1900 годов). Она приблизительно 1,5 м высотой и более 3,6 м длиной.
i-sofi.ru
