История фотографии в России. Первые фотографии и фотоаппараты. Когда появилась картина


Когда появились первые картины? - Детская энциклопедия

Written by Jack Sparrow. Posted in Откуда, где и когда?

Многие современные художники рисуют картины, в которых пытаются показать окружающий мир. Но в те времена, когда человек начал рисовать, он ставил перед собой только такую задачу. В пещерах первобытных людей, живших много тысяч лет тому назад, были обнаружены наскальные рисунки, которые очень искусно показывают животных.

Эти рисунки были сделаны людьми в Европе из каменного века. Много тысяч лет тому назад, когда египтяне создали одну из первых человеческих цивилизаций, рисунки тоже отражали реальную жизнь. Египтяне верили в загробную жизнь и поэтому рисовали на стенах своих гробниц все, что им встречалось в жизни. Здесь есть изображения мужчин, женщин, детей с животными, лодок и других предметов.

Наиболее художественно одаренными людьми всех времен, кроме, пожалуй, китайцев, были древние греки, пережившие зенит славы в V веке до н.э. Они ставили перед собой задачу изобразить в скульптуре жизнь, но жизнь в совершенной или идеальной форме.

Появившееся на Ближнем Востоке христианство привнесло в искусство значительные изменения. Натурализм древнего искусства сменился восточными стилями с их плоским рисунком и символическими изображениями. В эпоху Средневековья, примерно с V по XV век, получило развитие искусство фресковой живописи и книжной иллюстрации.

Фреска наносилась краской прямо по сырой штукатурке, поэтому после высыхания картина составляла со стеной неразрывное целое. Иллюстрации к рукописям или книгам рисовали монахи. Они делали затейливые заглавные буквы, рисунки и иллюстрации на всю страницу.

Когда была написана первая книга? Когда были изготовлены первые монеты?

enslov.ru

История фотографии в России. Первые фотографии и фотоаппараты

Стремление запечатлеть моменты жизни, происходящие с человеком или окружающим его миром, существовало всегда. Об этом говорят и наскальные рисунки, и изобразительное искусство. В полотнах художников особо ценилась точность и детализация, способность запечатлеть объект в выгодном ракурсе, свете, передать цветовую палитру, тени. На такую работу порой уходили месяцы работы. Именно это желание, а также стремление сократить временные затраты и стали толчком для создания такого вида искусства, как фотография.

Появление фотографии

В IV веке до нашей эры Аристотель, знаменитый ученый из Древней Греции, заметил любопытный факт: свет, который просачивался через небольшую дырочку в ставне окна, повторял тенями на стене виднеющийся за окном пейзаж.

история фотографии в россии

Далее в трактатах ученых из арабских стран начинает упоминаться словосочетание camera obscura, буквально означающее «темная комната». Это оказалось приспособление в виде ящика с отверстием спереди, при помощи которого стало возможным срисовывать натюрморты и пейзажи. Позже ящик усовершенствовали, снабдив двигающимися половинками и линзой, что сделало возможным фокусацию на картинке.

Благодаря новым возможностям, картинки стали намного ярче, а прибор получил название «светлой комнаты», то есть camera lucina. Такие нехитрые технологии позволили нам узнать, как выглядел Архангельск в середине XVII столетия. С их помощью была снята перспектива города, отличающаяся точностью.

Этапы развития фотографии

В XIX веке Жозефом Ньепсом был придуман способ фотографирования, названный им гелиогравюрой. Съемка данным методом происходила при ярком солнце и продолжалась до 8 часов. Суть его заключалась в следующем:

• Бралась металлическая пластина, которую покрывали битумным лаком.

• Пластина находилась под непосредственным воздействием яркого света, из-за которого лак не растворялся. Но процесс этот был неоднородным и зависел от силы освещения на каждом из участков.

• Далее пластину обрабатывали растворителем.

• После травили кислотой.

пер

В результате всех манипуляций возникала рельефная, гравированная картина на пластине. Следующим значимым этапом в развитии фотографии стал дагерротип. Название свое способ получил от имени своего изобретателя, Луи Жака Манде Дагера, который смог получить изображение на серебряной пластине, обработанной йодными парами.

Следующим методом была калотипия, придуманная Генри Талботом. Достоинством способа была возможность делать копии одного изображения, которое, в свою очередь, воспроизводилось на бумаге, пропитанной солью серебра.

Первое знакомство с искусством фотографии в России

История русской фотографии продолжается уже более, чем полтора века. И история эта полна разных событий и интересных фактов. Благодаря людям, открывшим для нашей страны искусство фотографии, мы можем видеть Россию сквозь призму времени такой, какой она была много лет назад.

История фотографии в России начинается с 1839 года. Именно тогда член Академии Наук России И. Гамель поехал в Великобританию, где и познакомился с методом калотипии, подробно его изучив. После чего выслал подробное описание. Так и были получены первые фотографии, сделанные способом калотипии, которые до сих пор хранятся в Академии Наук в количестве 12 штук. На снимках имеется подпись изобретателя метода, Талбота.

мастера фотографии

После этого во Франции происходит знакомство Гамеля с Дагером, под руководством которого он собственноручно делает несколько снимков. Академией Наук в сентябре 1841 года было получено письмо от Гамеля, в котором, согласно его слов, находилась первая выполненная с натуры фотография. На сделанном в Париже фотоснимке – женская фигура.

После этого фотоискусство в России начало набирать обороты, стремительно развиваясь. Между XIX и XX столетиями фотографы из России начали на общих правах принимать участие в фотовыставках и салонах международного класса, на которых получали престижные награды и премии, имели членство в соответствующих сообществах.

Способ Талбота

История фотографии в России получила развитие благодаря людям, живо интересовавшимся новым видом искусства. Таким был и Юлий Федорович Фрицше, известный русский ботаник и химик. Он первым освоил метод Талбота, заключавшийся в получении негатива на светочувствительной бумаге с последующей его печатью на листе, обработанном солями серебра и проявляющемся при солнечном свете.

сергей левицкий

Фрицше сделал первые фотографии-калотипы листьев растений, после чего вступил перед Акадамией Наук в Санкт-Петербурге в мае 1839 года с докладом. В нем он сообщил, что находит метод калотипии подходящим для запечатления плоских предметов. Например, способ пригоден для выполнения снимков оригинальных растений с необходимой для ботаника точностью.

Вклад Ю. Фрицше

Благодаря Фрицше история фотографии в России шагнула чуть дальше: он предложил заменить гипосульфат натрия, которым пользовался для проявления картинки Талбот, на аммиак, чем заметно модернизировал калотипию, улучшив качество изображения. Юлий Федорович также был первым в стране и одним из первых в мире, кто провел исследовательскую работу по фотографии и фотоискусству.

Алексей Греков и «художественная кабина»

История фотосъемки в России продолжалась, и следующим свой вклад в ее развитие внес Алексей Греков. Московский изобретатель и гравер, он первым из русских мастеров фотографии овладел и калотипией, и дагерротипией. И если вы зададите вопрос о том, какими были первые фотоаппараты в России, то именно изобретение Грекова, «художественную комнату», можно считать таковым.

истори

Первый фотоаппарат, созданный им в 1840 году, позволял сделать качественные, с хорошей резкостью портретные фотоснимки, что не удавалось многим пытавшимся этого добиться фотографам. Греков придумал кресло со специальными удобными подушечками, которые поддерживали голову фотографируемого, позволяя ему не устать за время долгого сидения и сохранять неподвижное положение. А быть неподвижным человеку в кресле приходилось долго: 23 минуты на ярком солнце, а в пасмурный день – все 45.

Мастера фотографии Грекова принято считать первым в России фотохудожником-портретистом. Добиться прекрасных портретных фотоснимков ему помогало и изобретенное им фотоустройство, состоящее из деревянной камеры, в которую не проникал свет. Но при этом коробки могли выдвигаться одна из другой и возвращаться на место. У внешней коробки на передней ее части он прикрепил линзу, представлявшую собой объектив. Во внутренней коробке находилась пластина, чувствительная к свету. Меняя расстояние между коробками, то есть двигая их одну из другой или наоборот, можно было добиться необходимой резкости снимка.

Вклад Сергея Левицкого

Следующим человеком, благодаря которому история фотографии в России стремительно продолжала развиваться, был Сергей Левицкий. В истории русской фотосъемки появились дагерроптипы Пятигорска и Кисловодска, сделанные им на Кавказе. А также золотая медаль художественной выставки, прошедшей в Париже, куда он и отправил снимки для участия в конкурсе.

Сергей Левицкий был в первых рядах фотографов, которые предложили менять декоративный фон для съемок. Им также было решено выполнять ретушь портретных фотографий и их негативов, чтобы уменьшить или вовсе удалить технические недостатки, если таковые имелись.

ретушь портретных фотографий

Левицкий уезжает в Италию в 1845 году, решая повысить уровень знаний и умений в области дагерротипии. Он делает снимки Рима, а также портретные фото русских художников, проживавших там. А в 1847 году придумывает фотографический аппарат со складным мехом, применив для этого мех от гармони. Новшество позволило фотоаппарату стать более мобильным, что в значительной степени отразилось на расширении возможностей фотосъемок.

Вернулся в Россию Сергей Левицкий уже профессиональным фотографом, открыв в Петербурге собственную дагерротипную мастерскую «Светопись». При ней он также открывает фотоателье с богатой коллекцией фотопортретов русских художников, писателей и общественных деятелей. Изучение искусства фотографии он не бросает, продолжая опытным путем изучать применение электрического света и его сочетания с солнечным и их влияние на снимки.

Русский след в фотоискусстве

Деятели искусств, мастера фотографии, изобретатели и ученые из России внесли большой вклад в историю и развитие фотоискусства. Так, среди создателей новых видов фотоаппаратов известны такие русские фамилии, как Срезневский, Езучевский, Карпов, Курдюмов.

Даже Дмитрий Иванович Менделеев принимал активное участие, занимаясь теоретическими и практическими проблемами изготовления фотоснимков. А совместно со Срезневским они стояли у истоков создания фотографического отдела в Русском техническом обществе.

какими были первые фотоаппараты

Широко известны успехи яркого мастера русской фотографии, которого можно поставить на одну ступень с Левицким, Андрея Деньера. Он был создателем первого фотоальбома с портретами известных ученых, врачей, путешественников, писателей, артистов. А фотохудожник А. Карелин стал известен всей Европе и вошел в истории фотографии как основоположник жанра бытовой съемки.

Развитие фотоискусства в России

Интерес к фотографии в конце XIX века возрос не только среди специалистов, но и среди простого населения. И в 1887 годы был выпущен «Фотографический вестник», журнал, в котором была собрана информация по рецептам, химическим составам, методам обработки фотографии, теоретические данные.

Но до революции в России возможность заниматься художественной фотографией была доступна лишь малому количеству людей, так как практически ни у кого из изобретателей фотоаппарата не было возможности выпускать их в промышленном масштабе.

юлий федорович фрицше

В 1919 году В. И. Ленин издал декрет о переходе фотографической промышленности под управление Наркомпроса, а в 1929 началось создание светочувствительных фотоматериалов, впоследствии ставших доступными всем. И уже в 1931 году появляется первый отечественный фотоаппарат «Фотокор».

Роль российских мастеров, фотохудожников, изобретателей в деле развития фотоискусства велика и занимает достойное место в мировой истории фотографии.

fb.ru

Появление и история развития картин по номерам как вида досуга

Картины по номерам - что это? В статье Вы узнаете откуда появились и кто придумал, что было написано на первых картинах по номерам, как развивалась их популярность.

"Каждый человек - Рембрандт"

В начале 50-х годов на фоне послевоенного процветания, появившегося свободного времени, а также благодаря демократической идее того, что любой человек способен рисовать картины, живопись по номерам стала популярным видом досуга. В набор для рисования входили 2 кисти и около 90 предварительно смешанных, пронумерованных красок, которые необходимо было наносить на пронумерованные области на полотне или доске. Появлявшаяся в результате закрашивания картина удивляла и радовала.

  

Один благодарный любитель этого хобби написал так: " Я знаю, что я не слишком хороший художник и никогда не стану таковым. Много раз я безрезультатно пытался нарисовать хоть что-нибудь узнаваемое. Так почему же мне никто раньше не сказал, что это возможно и настолько увлекательно? Сейчас я рисую свою пятую картину и не могу остановиться". Картины по номерам помогли многим людям, никогда раньше не державшим кисть в руках, приобщиться к миру искусства и творчества.

Для критиков картины по номерам стали символом бессмысленного копирования, поглотившего жизнь и культуру Америки 50-х. Один писатель жаловался: «Я не знаю, куда катится Америка, если тысячи, в основном взрослых людей желают, подчинятся строгому диктату готовых красок и форм. Может кто-нибудь спасет эти души, или, я сказал бы «вразумит безумцев»? 

Создателями картин по номерам считаются Макс С. Клейн, владелец компании по производству красок в Детройте (Мичиган) и художник Ден Роббинс, который подал эту идею и нарисовал первые картины такого плана. Компания Клейна начала продажу наборов для рисования под брендом Craft Master в 1951 г. Уже к 1954 году было продано около 12 миллионов наборов. Особой популярностью пользовались классические и морские пейзажи, изображения домашних животных, а также «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. Надпись на упаковке наборов для рисования гласила: «Каждый человек – Рембрандт!»

Ден Роббинс предложил, чтобы первыми вышли абстрактные картины в стиле кубизма Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Но практика показала, что покупателям больше нравится повествовательный реализм.

Когда картины по номерам завоевали рынки Канады, Англии, Франции, Германии, Италии и Норвегии, сюжеты стали подбирать в соответствии с национальными вкусами и предпочтениями. Так, например, в Англии пользовались популярностью картины с изображением места рождения Шекспира и коттеджа Анны Хатауей. Парижская тематика пользовалась большим спросом среди франкоязычных покупателей на Американском рынке.

Новый вид досуга

Пока критики утверждали, что «такие художники - мастера только в области траты времени», новое хобби продолжало набирать обороты: многие люди знакомились с инструментами изобразительного искусства и методами рисования. Магазинам наборы для рисования по номерам также пришлись по вкусу, так как около 10% покупателей со временем возвращались, чтобы купить уже традиционные принадлежности для живописи и попробовать рисовать самостоятельно.

На пике популярности картины по номерам затрагивали каждый аспект жизни американского общества. Интересно, что выставка картин любителей прошла не в магазине, и не на торговой ярмарке, а …в Белом доме. Секретарь президента Эйзенхауэра Томас Э. Стефенс создал галерею любительских картин, нарисованных правительственными чиновниками и их приближенными. 

В 1954 году Стефенс распространял наборы для рисования среди кабинета секретарей и посетителей Овального кабинета. Очень многие восприняли, что предложение создать картину исходит от самого президента, а предприимчивый Стефенс не спешил их в том разубеждать. Позже выставка этих картин была размещена в коридоре западного крыла упомянутого правительственного здания. 

Место для картин

К 1954 году картины по номерам стали настоящим феноменом. Один художественный критик с сожалением заметил, что в домах американцев висит больше картин по номерам, чем настоящих произведений искусства. Так или иначе, картины по номерам стали мостом между старомодным рукоделием и новым занятием, которое обещало удобство и простоту. Картины стали одновременно и развлечением, и особым украшением интерьера, созданным собственными руками. Благодаря этим наборам многие люди впервые смогли ощутить радость творчества. Хотя критики считали, что рисование по номерам притупляет вкус к искусству, и принижает его до уровня любого массового продукта, поклонники этого хобби заявляли обратное – ведь понимание великого начинается с самого малого.

Место картин в доме требовало тщательного обдумывания. Поэтому брошюры, входившие в набор, содержали необходимую информацию для новичков. Они подсказывали, что вид озера или леса хорошо будет сочетаться с барометрами, оружием, ветками или образцами насекомых. Каждой комнате подходит определенная картина, и, при желании, даже детскую можно превратить в настоящую галерею. В брошюру также были включены уроки «группировка картин», «точка фокусирования», «масса и значимость», «правильный баланс размеров». 

Рисунки, с любовью обрамленные в красивые рамы, занимали центральное место во многих домах. Торговцы рамками признавали, что их бизнес стал процветающим благодаря раскраскам по номерам. Один мастер был удивлен количеством крупных бизнесменов, которые приходили к нему с такими картинами: «Они себя чувствовали, и впрямь, «Рембрандтами», были уверены что каждый их шедевр заслуживает наилучшей рамы».

Картины по номерам 1961 - 2000 год

Картины по номерам стали компромиссом между волнующим полетом творчества и спокойной уверенностью, которую обеспечивала понятная инструкция. Настоящее же искусство начиналось тогда, когда человек начинал игнорировать контуры, смешивать цвета, добавлять или опускать детали, придумывать новые элементы. Начиная с того, что искусством не являлось, человек мог научиться искусству, понять его суть.

Как заметил один любитель: «Раньше дерево было для меня просто деревом. Теперь я вижу в нем около десяти различных оттенков».К началу 1990-х феномен раскрасок по номерам завершил полный цикл развития, и обычные картины снова стали предметом коллекционирования и внимания. Современные картины по номерам по-прежнему выполняют декоративные цели, а также бывают ироничными и эстетскими. 

Картины по номерам в искусстве

В 1967 году Ричард Хисс выполнил портрет президента Линдона Джонсона в виде незаконченной картины по номерам (по заказу журнала «Эсквайр»). И хотя портрет в последнюю минуту был снят с обложки, и сам Хисс и арт-директор журнала Семюэл Энтапит получили множество наград за макет так и не вышедшей в печать обложки. Портрет работы Хисса даже был выставлен для показа в Лувре (Париж).

В 1978 году художник Пол Бриджуотер создал пять наборов абстрактных картин по номерам, которые в незавершенном виде могли выставляться как скульптурные композиции, а в завершенном – как картины. Каждый набор складывался в пластиковый тубус, в который также помещались инструкция, готовые краски и две кисти, сделанные из собственных волос художника. Картины посвящены основателям жанра. Один из наборов был приобретен Энди Уорхолом.

Идея этой коллекции пришла к Бриджуотеру во время тура в Лос-Анжелесе, когда некий доцент осудил коллекцию современного искусства как «упрощенную». Воспоминания о рисовании в детстве вдохновили художника создать такое произведение, которое сможет выполнить даже семилетний ребенок.

 

В 1992 году в галерее Бриджуотера-Люстберга (Нью-Йорк) была выставлена коллекция картин по номерам кинодраматурга Майкла О’Донахью, чей энтузиазм вдохновил многих вновь заинтересоваться этим видом творчества. 

Русские эмигранты Виталий Комар и Алекс Меламид изобрели новый подход к рисованию по номерам. Опираясь на телефонный опрос 1993 года, они выделили самые «любимые» и «не любимые» сюжеты картин в США. Согласно этому исследованию, американцы предпочитают пейзажи с изображением озер, портреты детей, исторических личностей, диких животных и голубой цвет. По сему, художники услужливо умещают все это в рамках одного полотна. Больше всего, как оказалось, американцам не нравятся геометрические и абстрактные композиции.

 

 

 

po-nomeram.com.ua

АРТ МО НИКА: Когда появилась живопись

Искусство старо, как мир — начало его теряется в глубокой древности. Лишь только люди объединились в общества, создали религию, образовалось и искусство, одним из первых проявлений которого была всегда живопись.

Примитивный способ живописи был одинаков повсюду, и во всей своей первобытной простоте сохранился до наших дней у некоторых диких племен, украшающих такой живописью идолов, домашнюю утварь, оружие и тела своих воинов. Способ этот, ограниченный употреблением глин, натурально окрашенных присутствующими в них окислами металлов и красителей из отваров и соков растений, заключается в том, что поверхность украшаемого предмета покрывается с помощью маленькой палочки, а то и просто пальца, кашицей из размешанной с водою глины с примесью упомянутых красителей.

Однако же, несмотря на всю наивную простоту и элементарность, прием этот таит в себе зародыш всего последующего развития техники живописи. В самом деле, все богатство красочного материала, которое дает нам природа и современная химия, есть не что иное, как сочетания тех же трех основных материалов: глины, солей металлов и растительных красителей. Позднее, чтобы придать этим материалам более прочную связь и блеск, возникла идея добавлять камеди (гумми).

Египтяне на мумиях оставили нам образцы своей ранней живописи с камедью, которую они иногда покрывали сверху расплавленным воском. Живопись, защищенная таким образом от влияния воздуха, сохранила необыкновенную свежесть тона.Использование окрашенных глин путем введения их непосредственно в известь и цемент, так же как и изготовление обожженных глин, покрытых стеклообразной массой, относятся к самым отдаленным временам. Из этих грубых эмалей и разноцветных цементов, разломанных на мелкие куски кубической формы, вместе с такими же кусочками мраморов и камней, вставленных в сырую известковую штукатурку, сделаны первобытные мозаики.

Живописцы эпохи героической Греции употребляли те же самые цветные материалы, измельчая их в тонкие порошки и смешивая с расплавленным воском, нередко прибавляя сюда еще смолы. Такой массой, предварительно размягченной путем нагревания, покрывалась расписываемая поверхность. Для этого пользовались слегка подогретым бронзовым шпателем. Вторым заостренным концом шпателя художник рисовал по еще мягкому слою воска то, что хотел изобразить. Затем, удалив все, что было за пределами контура, покрывал эти места такой же восковой массой другого тона. Таким способом были расписаны носовые части греческих царских кораблей времен Троянской войны. В общем, живопись этой эпохи очень походила на барельеф и дальше плоской раскраски не шла. Значительно позже, с применением кисти, замечаются попытки моделировать или стушевывать тона; для этого растертые на воде краски накладывались на еще сырую штукатурку из извести и песка, что давало возможность сливать тона и делать их переходы. Этот фресковый способ в руках художников дал блестящие результаты, и только работы, исполненные этим приемом, по справедливости, впервые достойны назваться картинами. Затем уже пишут на смолах-камедях, в которые вводится воск, смешиваемый с водой благодаря присутствию извести; перед написанной таким образом картиной водили бронзовой жаровней, называвшейся „cauterium" и представлявшей собой решетку с раскаленными углями. Воск и смола, расплавленные под влиянием тепла, образовывали по застывании одно целое с краской и штукатуркой.

Прочность такой живописи была почти безгранична; так, вещи, исполненные девять веков тому назад, прекрасно сохранились, несмотря на то, что, находясь на наружных стенах, они подвергались в течение веков всем неблагоприятным атмосферным влияниям.

Этим же самым способом греческие скульпторы пользовались для защиты своих мраморных статуй от влияния погоды и для придания им „патины", несомненные следы которой находятся на некоторых фрагментах.Наконец, когда появилась возможность при помощи перегонки извлекать из некоторых растений эфирные масла (essences), художники стали готовить лаки, растворяя в этих эфирных маслах смолы, и можно считать, что тогда техника античной живописи достигала своего апогея. На всемирной парижской выставке 1889 года приковывала внимание картина, написанная в ту отдаленную эпоху на аспидной доске: она поражала всех своим необыкновенно сохранившимся видом.Все эти древние способы живописи применяются и удерживаются почти до средних веков, когда употребление воска совершенно исчезает, чтобы уступить место живописи на яйце, распространение которой быстро возрастает. Миниатюры на пергаменте богослужебных книг, стенки драгоценных реликвариев, иконы на досках, триптихи в алтарях, а также церковная стенопись в средние века исполняются этим приемом, обеспечивающим большую прочность, что обусловливается введением в живопись смол, растворяющихся в масле яичного желтка.

В ХУ веке впервые появилась живопись на растительных жирных маслах. Оставляя в стороне ведущиеся и поныне споры о том, действительно ли Ван-Эйк сделал это открытие, заметим лишь, что вся история с его изобретением, быть может, не более, как простое заблуждение. Дело в том, что ни Ван-Эйк, ни его брат, никогда и никого не посвящали в тайну своей техники; их секрет умер вместе с ними. По рассказам же, они так ревниво оберегали свою мастерскую, что не задумались бы заколоть кинжалом чересчур любопытного, желавшего проникнуть туда.

Напрасно их знаменитые собратья по искусству, прослышав о славе двух братьев, приезжали из Италии в Брюгге; они ничего не узнали и лишь могли предполагать, что роскошный ван-эйковский колорит обязан своей прелестью маслу.Однако в ту эпоху маслами назывались все густые жидкости, извлекаемые холодным способом из растений, не исключая и эфирных масел (эссенций)8. Не знали также, что из сваренного вкрутую яичного желтка можно добыть масло и что маслянистые эссенции образуют со смолами масляные лаки, внешне очень похожие на растительные масла, но отличающиеся от них способностью сообщить краскам прозрачность и блеск, каких не дают масла.

Единственно, что удалось узнать из всего процесса живописи Ван-Эйка, это только... термин „масло"! Теперь мы знаем, что для того времени он мог иметь двоякое значение, но это упускали из виду современные Ван-Эйку художники и... спешили растирать свои краски на растительных маслах, в надежде достигнуть такого же колорита, как у знаменитого изобретателя. Однако же они не могли сравниться с ним, хотя среди поклонников этой новой живописи были и крупные мастера, которые могли бы ее использовать не хуже самого Ван-Эйка. Несомненно только одно, что художники после смерти Ван-Эйка или писали не тем приемом, каким пользовался знаменитый мастер, или лее он был ими не так понят. Если Ван-Эйк и писал на растительных маслах, то не иначе, как примешивая к ним много смолы;писал на дереве с клеевым грунтом и подмалевывал на яйце, а затем уже, поверх подмалевка, проходил полукорпусным письмом или лессировкой тонким слоем красок на масле.

Не имея возможности рассеять легенду, связавшую имя Ван-Эйка с изобретением масляной живописи и будучи убеждены, что если Ван-Эйк и открыл ее, он применял ее иначе, чем это делали после него, удовольствуемся констатацией того, что ее применение распространилось непосредственно после смерти Ван-Эйка, которая относится к 1450 году, и что фламандцы и голландцы более всех приближаются по результатам к великому художнику из Брюгге, из чего мы вправе заключить, что и самые их живописные средства ближе к тем, какими пользовался Ван-Эйк.

Обыкновение писать по клеевому грунту, прибавляя смолы в масло, удержалось еще более одного столетия во Фландрии. Отто Вениус, учитель Рубенса, был верен этому способу. Сам Рубенс пишет первые картины таким же способом и лишь позднее начинает писать густо (корпусно), но лишь в светах, не отказываясь, однако, никогда от клеевого грунта".После этого несравненного художника начинается упадок техники; смолы больше не употребляются, что заставляет увеличивать содержание масла. Доски и холсты приготовляются с грунтом на масле. Слоем на слой накладываются масляные краски; помимо масла, злоупотребляют также скипидаром. Живопись поне-многу теряет свою прозрачность и блеск, делаясь все более тусклой и мутной; это продолжается до конца XVIII века.

В начале XIX столетия все хорошие традиции исчезают, забытые теми, кто должен был бы их передать, а также и теми, кто пользовался ими когда-то, и, наконец, становятся уже совершенно неизвестными для поколения 30-х годов этого века12. Тогда явилось сознание необходимости определенного метода, и их появилось много, даже очень много, но ни одного хорошего. Никогда не было столько написано о технике живописи, как в это время, и никогда так плохо не писали художники с точки зрения прочности их произведений.

Каждая группа и каждый художник имели свой способ, державшийся ими в секрете, уподобляясь в этом отношении алхимикам. Один из таких „маэстро", вероятно, человек веселого нрава, написал на своих склянках: „масло Перлимпинпин", „бальзам Аполлона", „воздушная жидкость". Какие завистливые взгляды бросали, вероятно, его ученики на эти сокровища; как бы им хотелось поработать с ними! А позднее, увидя испорченные картины этого старого мага, как они, наверное, были рады, что не смогли осуществить свое желание!

В настоящее время художники чужды этой невинной зависти и вообще мало интересуются материалами своего искусства. Они предоставили целиком заботу приготовления холстов и красок людям, часто ничего общего не имеющим с живописью. Эти ловкие, но вместе с тем невежественные промышленники изобретают помады, мази, сиккативы и с мудреными названиями выпускают в продажу весьма опасные продукты для живописи. Они снабжают всем: ящиком для красок, мольбертом, кистями, сюжетами картин и даже своими советами и благосклонностью ценителей живописи.

Современный художник, снабженный всем этим, как дилетант, не зная материалов для живописи, отдается своим фантазиям во славу „вечного искусства" и пишет беспечно, не думая о завтрашнем дне, озабоченный одной мыслью — не отстать от моды. Не следовать моде нельзя — требует ли она изысканного тона тел, подобных агату, прозрачности мрамора, глубокой матовости, тающей, „сумеречной" моделировки или живописи под гобелен и т. д. О прочности нечего заботиться. Газетным критикам она не нужна. Зато какой простор для виртуозности! Можно писать без конца, не придерживаясь никакого порядка!Единственным огорчением для поклонников слишком „свободного художества" может быть только тот факт, что вчерашние шедевры, выставленные в залах музеев, чернеют, трескаются и плачут слезами асфальта. Новые стенные росписи покрываются плесенью, отваливаются от штукатурки.

Современники, видевшие картины Анри Реньо и других, теперь вынуждены рассказывать молодежи о том, сколько цветов, живых и ярких, было в этих произведениях, но вряд ли молодежь им поверит.

Достаточно прогулки по Лувру, чтобы убедиться, что сохранность картин находится в непосредственной зависимости от их возраста. В Лувре с достаточной наглядностью можно сравнить прочность современной живописи и более отдаленных времен. Так, например, в картинах XV века колорит и самые краски лучше сохранились, чем в произведениях XVI века. С приближением к нашему столетию живопись портится все больше и больше, и самые разрушенные картины — это датированные последними годами. Кто же виноват в этом? Только художники, равнодушие которых к сознательному выбору средств их искусства переходит всякие границы.

Конечно, художники могут на это ответить в свое оправдание: „Как мы можем писать хорошо и прочно, если наши учителя сами этого не знают и никто нам об этом не говорил!" В этом есть доля правды.Чтобы наши последователи не сделали нам того же упрека, следует возродить старые методы живописи, так блестяще выдержавшие испытание в веках, добавив к ним то новое, что дала современная наука в этой области, — но... для этого нужно работать и много работать.

Необходимо изучить материалы наших предшественников, начиная с отдаленных веков и кончая нашими днями.Зная эти материалы и видя результаты, полученные от применения их, мы в состоянии будем сказать, что нужно сохранить, что отбросить, и сможем на прочной основе многовекового опыта установить наконец принципы применения материалов для живописи.

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

artmonika-ru.blogspot.com

Когда появилась первая живопись?. Все обо всем. Том 5

Когда появилась первая живопись?

Самым древним художником, создавшим рисунки и картины, был пещерный житель. Цветные изображения животных, датированные примерно 30 000—10 000 годами до н. э., были обнаружены на стенах пещер Южной Франции и Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что в эти пещеры не было доступа в течение многих веков. Древний человек рисовал диких животных, которых он видел вокруг себя.

Пещерные художники рисовали на стенах яркими, сочными красками. Самые великолепные рисунки находятся в Пещере Ласкау во Франции. Красителями, которыми пользовались пещерные художники, были химические вещества, залегающие в земле (окись железа всех оттенков — от светло-желтого доярко-оранжевого), и марганец (металлический элемент). Эти вещества измельчались в мелкую пудру, смешивались с жиром (возможно, с животным салом) и накладывались приспособлением, напоминающим кость.

Иногда краски накладывались палочками, напоминающими современные мелки. Жиры, смешанные с измельченными красками, делали их жидкими. В таком жидком состоянии частички красителя соединялись вместе. Пещерные жители, должно быть, делали кисти из щетины или волоса животных.

Давным-давно, 30 000 лет назад, человек изобрел основные орудия и материалы для рисования. Техника и материалы обновлялись и улучшались с течением веков, но в основе своей остались такими же, как они были открыты пещерным человеком. Одна из первых цивилизаций возникла в Египте около 5000 лет назад. Египтяне создали свою собственную технику рисунка. По их методу водяные краски накладывались на обмазанные глиной или известью стены. Сухой климат местности помог сохранить от разрушения эти рисунки, сделанные водяными красками.

Поделитесь на страничке

Следующая глава >

info.wikireading.ru

Самые первые фотографии

Искусство фотографии, в отличие от живописи, скульптуры, архитектуры, появилось относительно недавно и многим интересно — с чего всё начиналось. После создания первой фотографии прошло почти 200 лет. С тех пор многое изменилось, а фотоаппаратура стала невероятно качественной и разнообразной, но те — самые-самые первые снимки до сих пор вызывают большой интерес и возбуждают воображение.

Самая первая фотография в мире, которая была сделана в 1826 году французом Жозефом Нисефором Ньепсом (Joseph Niepce). Его изобретение стало тем самым первым шагом к возможности делать фотографии, а впоследствии и к телевидению, кино и так далее. Снимок носит название: «Вид из окна на Le Gras». Для создания этого изображения Жозеф Ньепс намазал тонким слоем асфальта металлическую пластину и выставил на восемь часов на солнце в камере-обскуре. После восьмичасовой выдержки, на пластине появилось изображение видимого пейзажа из окна. Так появилась самая первая фотография в мире.

 

Первая фотография человека. Снимок сделал Louis Daguerre в 1838 году. Фотография называется: Boulevard du Temple. Вид из окна на оживленную улицу. Из-за того, что выдержка составляла 10 минут, все люди на улицах смазались и исчезли, кроме одного человека, который стоял неподвижно и стал виден в левой нижней части фотографии.

 

В 1858 году, спустя 32 года после первой фотографии, Henry Peach Robinson сделал первый фотомонтаж. Fading Away — это скомбинированная из пяти негативов фотография. На снимке изображена девочка, умершая от туберкулёза, и собравшиеся вокруг родные.

 

Первая цветная фотография появилась в 1861 году. Создал её шотландский математик и физик James Clerk Maxwell.

 

Первый автопортрет (что принято сейчас называть модным словом — селфи) был создан в 1875 году. На фотографии автор фотопортрета Mathew B. Brady. Именно ему первому пришла в голову мысль сфотографировать самого себя.

 

Первая фотография с воздуха. Была сделана в 1903 году. Изобретателем такого способа стал Julius Neubronner. Для этой цели он прикрепил к голубям камеры с таймером.

 

В 1926 году была сделана первая цветная подводная фотография. Снимок сделал Dr. William Longley Charles Martin в Мексиканском заливе.

 

Первый снимок из космоса был сделан 24 октября  1946 года. Фотография была сделана на 35-миллиметровую камеру, которая была размещена на ракете, и сработавшая на высоте 65 миль над Землёй.

 

В 1972 году появилась первая фотография полностью освещённой земли. Фотография считается очень известной и носит название The Blue Marble (Голубой шар). Была сделана командой «Аполлон-17» 7 декабря 1972 года.

 

art-assorty.ru

История фотографии: Начало #1

Фотография. Искусство, появившееся в 1830-е и приобретшее широкую известность десятилетием позже. Сегодня это хобби одно из самых быстрорастущих, а индустрия производства фототоваров имеет многомиллиардный оборот. Вместе с тем, не каждому известно значение таких слов как «камера-обскура» или даже «выдержка», не многие слышали о таких именах, как Анри Картье-Брессон или даже Энни Лейбовиц.

Сегодня мы заглянем в прошлое и рассмотрим, как эта удивительная техника создавалась и развивалась, потому что не познав славного прошлого – не построить великого будущего.

Камера-обскура

Еще до изобретения фотографии, люди были знакомы с принципами, на которых она в итоге была основана. Они могли создавать изображения на стене или листе бумаги, однако фотопечать в то время была невозможна, поскольку сохранение светового изображения оказалось более сложной задачей, чем его проецирование. Инструмент, использовавшийся для работы с изображениями назывался камера-обскура (что в переводе с латыни означает «темная комната») и он существовал за несколько столетий до появления фотографии.

Считается, что камера-обскура была изобретена примерно в XIII-XIV столетиях, однако в летописи арабского ученого Хасана ибн Хасана, X в., описаны принципы работы камеры-обскуры, на которых в итоге была основана аналоговая фотография.

Камера-обскура в сущности представляет собой тёмную закрытую коробку с отверстием в одной из стенок. Отверстие должно быть достаточно малым относительно размера коробки чтобы камера-обскура правильно работала. Принцип её работы основан на законах оптики: свет, проходящий через крошечное отверстие, трансформируется и создает изображение на встречаемой поверхности, которой является стенка ящика. Изображение было зеркальным и перевернутым, однако современная аналоговая камера работает примерно таким же образом, отличаясь только наличием зеркала и пленки для сохранения созданного светом изображения.

Фотографию, и сам способ её создания, всегда называли убийцей изобразительного искусства. Однако считается, что принципы фотографии широко использовались художниками Ренессанса – Леонардо Да Винчи, Микеланджело и другими. В середине XVI столетия итальянский ученый Джованни Баттиста делла Порта, написал эссе о том, как можно использовать камеру-обскуру чтобы облегчить рисование. Он проецировал изображение людей, стоящих снаружи камеры-обскуры на холст внутри неё (камера-обскура в данном случае была большой комнатой) и затем рисовал по полученному изображению или копировал его.

Процесс использования камеры-обскуры выглядел очень странным и пугающим для людей в те далекие времена и Джованни Баттиста вынужден был отказаться от своей идеи после того, как его арестовали по обвинению в колдовстве.

Рисунок изображает работу в камере-обскуре как это выглядело в то время.

Несмотря на то, что лишь немногие художники Ренессанса признавали, что пользовались камерами-обскурами, считается, что их использовали большинство. Причиной не признавать этого открыто был страх подвергнуться обвинению в оккультизме или просто нежелание признаваться в том, что многие художники считали некоторым обманом.

Сегодня можно констатировать, что камера-обскура была прототипом современного фотоаппарата. Несмотря на то, что она выглядит ненужной сегодня, многие люди все ещё находят её занятной и используют для целей искусства или просто для забавы. Установка пленки и запечатление изображения было логическим продолжением.

Если вы пожелаете создать камеру-обскуру – в сети можно найти массу примеров и советов как это сделать.

Изобретение фотокамеры

Первая фотография, насколько нам известно, была сделана в 1825 г. французским изобретателем Джозефом Ньепсом. Она изображает вид из окна в Ле Гра. У этого изображения мало художественной ценности помимо того, что это первая фотография, из когда-либо сделанных и дошедших до нас.

В связи с особенностями технологии, экспозиция длилась восемь часов, так что солнце на фотографии успело пройти с востока на запад, осветив обе стороны изображенного здания. На этой фотографии, конечно, нет никакой композиции, поскольку в то время фотография рассматривалась не как искусство, а как техническая инновация.

Как уже говорилось выше, к этому времени люди уже знали, как спроецировать изображения, но они не могли сохранять и «записывать» свет. Ньепс придумал использовать нефтепродукт, так называемый «иудейский битум». Битум затвердевает под воздействием света, а незатвердевшее вещество можно было затем смыть. В качестве носителя Ньепс использовал отполированные металлические пластины, а полученное на них негативное изображение можно было покрыть чернилами и напечатать как литографию. Одной из множества трудностей этого метода являлось то, что металлические пластины были тяжёлыми, дорогими в производстве и требовали много времени для тщательной полировки.

В 1839 году сэр Джон Гершель нашел способ изготовить первый стеклянный негатив вместо металлического. В том же году он придумал термин «Фотография», производный из греческий слов, означающих «свет» и «писать». Несмотря на то, что процесс стал проще, а результат лучше – потребовалось еще много времени чтобы фотография стала широко известна.

В начале фотография либо использовалась художниками как подспорье в работе или во всяком случае следовала тем же принципам, что художественные полотна. Первыми широко известными фотопортретами были одиночные или семейные снимки на память. Наконец, после десятилетий усовершенствований и исправлений, массовое использование фотокамер началось с камер Eastman Kodak. Они вышли на рынок в 1888 году с лозунгом «Вы нажимаете на кнопку – мы делаем всё остальное».

В 1901 году была представлена камера Kodak Brownie, ставшая первой коммерческой камерой на рынке, доступной среднему классу. Камера делала только черно-белые снимки, но была очень популярной благодаря своей эффективности и простоте использования. Цветная фотография, несмотря на то, что разрабатывалась на протяжении XIX столетия, не нашла коммерческого воплощения до середины XX века. Учёные в начале века не могли сохранить цвет достаточно надолго, он пропадал со временем в связи с несовершенством рецептов. Несколько способов цветной фотографии запатентовали в 1862 году два французских изобретателя, работавших независимо друг от друга: Луи Дюко дю Орон и Шарль Кро.

В итоге, первая работающая цветная фотопластинка появилась на рынке в 1907 году. Использовавшийся в ней метод был основан на экране из фильтров. Экран позволял фильтровать красный, зеленый и/или синий свет. Фотопластинка затем обращалась с получением позитивного изображения. Использование этого же экрана в процессе фотопечати позволяло получить цветную фотографию. Данная технология, слегка доработанная используется до сих пор. Красный, зеленый и синий – основные цвета для телевизионных и компьютерных экранов, с этим связан и режим RGB (red+green+blue) в многих графических приложениях.

Первую цветную фотографию, изображение клетчатой ленты, сделал в 1861 году знаменитый шотландский физик Джеймс Клерк Максвелл, известный за свои работы в области электромагнетизма. Несмотря на большое влияние, оказанное данной фотографией на развитие фотоиндустрии, имя Максвелла редко вспоминают за это. Причина в том, что изобретения в области физики затмили собой достижение в фотографии. 

Первым в мире снимком с человеком в кадре была фотография «Бульвар Тампль» Луи Дагера, сделанная в 1839 году. Экспозиция длилась около 10 минут, что делало невозможным сфотографировать людей на оживленной улице, однако удалось снять человека, которому полировали ботинки достаточно долго для того, чтобы он появился на фотографии.

Имена в фотографии

Когда появилась фотография - были и споры и сомнения как это обычно бывает – и лишь немногие люди почувствовали, какие возможности она даёт. Благодаря этим энтузиастам фотография превратилась в большую индустрию в наше время. Эти люди совершенно преобразовали способы делать, смотреть, судить и воспринимать фотографии. Вот наиболее значимые из них.

Альфред Стиглиц

Вместе с тем, что изобретение фотографии привело к новым научным достижениям и развитию индустриального мира, фотография стала частью повседневной жизни и направлением искусства. Одним из людей, стоявших у истоков искусства фотографии был Альфред Стиглиц, американский фотограф и покровитель современного искусства. Многие полагают, что именно Стиглиц сделал фотографию искусством, которым она является сегодня.

Уличные фотографии Стиглица широко известны за его авангардистский подход. Его фоторабота была революционна тем, как он фотографировал натюрморты и что он привнес в фотопортреты. Альфреду принадлежали несколько арт-галерей в Нью-Йорке и он представил американской публике многих европейских художников-авангардистов.

Но самым важным была позиция Стиглица, что фотографы – тоже художники. Он вместе с Фредом Холландом Деем основал «Фото-Сецессию», первое фотохудожественное движение, ставившее своей главной задачей показать, что фотография – это не только объект на изображении, но и работа фотографа, благодаря которой объект был сфотографирован.

Стиглиц проводил различные выставки, где фотографии оценивали сами фотографы. Любопытно, что в то время фотографии в основном оценивались художниками, поскольку в фотографах видели в большей степени учёных. Стиглиц также продвигал фотографию через созданные им журналы, такие как «Camera Notes» и «Camera Work».

Феликс Надар

Феликс Надар (настоящее имя – Гаспар Феликс Турнашон) был французским карикатуристом, журналистом и – с появлением фотографии – стал фотографом. Он наиболее известен как инициатор использования искусственного освещения в фотографии. Надар был дружен с Жюлем Верном и, как говорят, весьма вдохновлял писателя: его считают прототипом Мишеля Ардана, героя романа «С Земли на Луну». Надару также приписывают публикацию первого фотоинтервью в 1886 году.

Несмотря на некоторые новаторские идеи, портреты Надара следовали тем же академическим принципам классического портрета. Он был известен за портреты многих знаменитостей, таких как Жюль Верн, Александр Дюма, Пётр Кропоткин и Жорж Санд. Как вы можете увидеть на следующих изображениях, эти портреты имели классические композицию и стиль.

Анри Картье-Брессон

Анри Картье-Брессон – французский фотограф, считающийся отцом фотожурналистики. Картье-Брессон наиболее известен за создание «уличной фотографии» как стиля фотожурналистики. В возрасте около 23 лет, молодой человек заинтересовался фотографией и оставил занятия живописью ради неё. «Я вдруг понял, что фотография может зафиксировать вечность в одном мгновении», - объяснит он это позже. Как не странно, он делал свои первые снимки по всему миру, избегая родной Франции. Его первая выставка состоялась в Нью-Йоркской галерее Жюльен Леви в 1932 г. Одни из первых его журналистских фотографий были сделаны на коронации Георга VI в Лондоне, однако ни на одной из фотографий не был заснят сам король.

Работы этого француза повлияли на поколения фотохудожников и журналистов по всему миру. Несмотря на вышеизложенное, его работы также глубоко художественны. Уйдя из жизни в 2004 году, Анри Картье-Брессон оставил после себя культурное наследие и философию. Использованная им 35-мм камера стала стандартом, а его цитаты были включены во многие книги по теории фотографии. Несмотря на известность и влияние, существует очень мало фотографий этого человека. Он не любил когда его фотографировали и стеснялся своей славы.

Заглядывая в будущее

В следующей статье исторической серии мы рассмотрим период 1940-80-х годов, от изобретения многослойных цветных негативов, до появления моментальных камер Polaroid и Fujifilm. Мы также исследуем историю превращения фотографии в инструмент пропаганды и узнаем почему она стала использоваться в рекламе и продвижении продукции!

От переводчика: Это седьмая статья в серии материалов разных авторов, посвященных плёночной фотографии. Предыдущие шесть:

  1. «Плёнка: советы, камеры и первые наставления»
  2. «Оцифровка негативов с помощью фотокамеры»
  3. «Старинные фотокамеры и плёнка. Обзор»
  4. «Руководство: Домашняя фотолаборатория»
  5. «100 фотографий прекрасных винтажных камер»
  6. «Преимущества среднего формата»

Автор: Ivan Tolmachev.

photo-monster.ru


Evg-Crystal | Все права защищены © 2018 | Карта сайта