Музей ЧерномырдинаЗашифрованые символы в картинах художников. Картины символизм
Художники символисты —
Символизм (от греч. Symbolon — символ, знак) — направление в живописи, возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и пришедшее к своему наивысшему расцвету в конце XIX-XX веков как в самой Франции, так и Бельгии, Германии, Норвегии (и ряде иных европейских стран), а также в России (русский символизм по праву признается одним из наиболее ярких явлений в символизме как направлении) и Америке.
Офелия. Эбер Антуан Огюст Эрнест
Следует отметить тот факт, что первоначально стиль символизм появился как направление в литературе. Так, одними из наиболее ярких представителей раннего европейского символизма являются знаменитые французские поэты Шарль Бодлер, Поль Верлен, Стефан Малларме и др. Символизм в искусстве поэзии (собственно, как и родившийся вслед за ним символизм в живописи) вдохновлялся, прежде всего, не миром материальным (объективно — далеко не идеальным), а миром духовным, полным возвышенных идей и порывов (что особенно отчетливо чувствуется в творчестве первых художников французского символизма, тогда еще не оформившегося четко в мощный единый поток общеевропейского течения символизма).
Тем не менее, эстетика символизма не предполагает абсолютного противопоставления мира идей и мира вещей (если попытаться оформить сущность стиля символизма максимально просто) — отнюдь. Главной задачей как символизма в живописи, так и символизма в искусстве, в целом, следует признать, пожалуй, именно желание построить тот самый хрупкий мостик между двумя такими непохожими мирами, живущими как в самом человека, так и в окружающей его действительности. Несколько забегая вперед, отметим — именно русский символизм, по мнению очень многих критиков веков как ушедших, так и века нынешнего, достиг в этом благородном, но сложно выполнимом намерении, наибольшего успеха. Именно русский символизм подарил Миру бесценные работы художников символистов Михаила Врубеля, Николая Рериха, Константина Сомова и др. известных русских живописцев.
Следует отметить, что символизму как направлению предшествовало существование символики, как таковой, пожалуй, родившейся почти одновременно с самим человечеством. Речь идет о том, что черты символизма присущи любым изображениям, посвященным религиозному культу (изначально имеющему в качестве основной цели — соединение мира духовного с миром материальным). Будь то священные изображения богов Древнего Египта и Вавилона или же Христианских святых и апостолов — все они относится к стилю символизма (пусть они и не включаются непосредственно в образцы символизма в искусстве или символизма в живописи, как таковой).
Итак, сам стиль символизм уходит корнями в древнейшую история человека, тем не менее, четкая эстетика символизма была выработана много позже, благодаря достижениям русского символизма, французского символизма, символизма серебряного века, а также стоящего несколько обособленного от европейского символизма — символизма в искусстве Америки.
Символизм в изобразительном искусстве характеризуется своей концентрацией не на повседневности, в которой, а на таинственных (и даже божественных) силах, проявляющих себя через душевные переживания персонажей картин символизма, или же яркие проявления божественного в природе. Одной из ярчайших картин символизма является «Демон сидящий» художник символист Михаила Врубеля. Поистине, данная работа знаменитого русского художника является, безусловно, одной из знаковых для самого течения — русский символизм.
Пожалуй, именно символизм в живописи наиболее четко передает саму эстетику символизма, саму его суть, ведь именно картины символизма демонстрируют идею, символ «наглядно», не заставляя зрителя сомневаться в том, что же является наиважнейшим элементом композиции и где именно, что называется, спрятан истинный посыл автора. В данном ключе символизм в изобразительном искусстве действительно обладает наибольшей «поражающей» силой, нежели его проявления в иных областях искусства.
Символизм в России, прежде всего ассоциируют с именами художников периода символизма серебряного века — Михаила Врубеля, Валентина Серова, Николая Рериха, Константина Сомова и ряда иных, не менее талантливых художников, чьи выдающиеся картины символизма по праву являются национальным достоянием России. Символизм серебряного века обладает такой характерной чертой (главным образом, символизма в России), как концентрация на личности человека, не наделенного божественными силами (исключение следует сделать для ряда известнейших работ М. Врубеля, посвященных мифологической тематике), а обычного, чьи душевные переживания создают, тем не менее, впечатление возвышенности и внутренней погруженности.
online-clubs.com
символизм * описания картин
Пепельное, дымное, томное, пастельное, воздушное… Лиловое, бледно-голубое, нежное, прозрачное… Пепел розы. В безумно талантливом романе-бестселлере К. Маккалоу «Поющие в терновнике» цвет платья главной героини, обреченной на вечную разлуку с возлюбленным, назывался «пепел розы». В портрете Марии Лопухиной, умершей от чахотки через год после его завершения, все пронизано тончайшей грустью молодости, не ведущей ни к какому будущему, исчезающей как дым – все пронизано «пеплом розы».Описание картины Портрет М.И. Лопухиной работы В.Л. Боровиковского →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Превосходная по изяществу колорита, гениальная по простоте и смысловой наполненности сюжета картина Исаака Левитана, казалось бы, представляет собой просто «фотографический снимок» пейзажа с водой, мостиком, лесом, в котором скрываются колокольни и церкви «Тихой обители». Но вдумаемся в символы и знаки. Описание картины Тихая обитель Исаака Левитана →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Картина знаменитого русского художника, прожившего большую часть жизни в Индии, прошедшего с экспедицией Центральную Азию, изображает не менее великого тибетского отшельника, странствующего учителя и практика Йоги Миларепу. Что он услышал?.. Описание картины Миларепа Услышавший Николая Рериха →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Вариант картины «Сантана» Николая Константиновича Рериха 1938 года создания, находящийся в художественной галерее «Шри Читралайям» (Тируванантапурам, Керала, Индия) безусловно интересен как сам по себе, так и в сравнении с картинами художника на аналогичный сюжет. Описание картины Река в Гималаях (Сантана) Николая Рериха →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Жертвенник — картина, характерная для Чюрлениса, и в то же время несколько механистически-странно выглядящая. Какие символы изобразил художник — то ему ведомо, а нам только угадывать досталось. Описание картины Жертвенник Микалоюса Чюрлениса →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
Я не знаю, какая именно картина показана на репродукции — может, оригинал 1909 года (это вряд ли, скорее хранящееся в Питере авторское повторение от 1912-го). Подобно Айвазовскому, Рерих весьма плодовит, картины исчисляются сотнями и тысячами, но видите — есть и дубли. Описание картины Небесный бой Николая Рериха →
сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su
1001kartina.su
Зашифрованые символы в картинах художников
Зашифрованы и остаются без разгадок символы в картинах художников Дюрер, Босх, Магритт, Вермеер – эти и многие другие художники не только обогатили кладовую мировой живописи, но и оставили потомкам множество загадок. Некоторые из них не удается расшифровать до сих пор.
Ян Вермеер. «Женщина, взвешивающая жемчуг»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Женщина, держащая весы» Яна Вермеера
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Название написанной в 1665 году картины определила сцена, которая предстает перед зрителем: на столе рассыпан жемчуг, женщина держит в руках весы.
Вот только во время высокотехнологичной экспертизы уже в наше время оказалось, что весы пусты. Это подтолкнуло искусствоведов к поискам сакрального смысла, который голландский живописец мог вложить в работу.
Одна из догадок — на чаши весов женщина положила свои хорошие и плохие поступки, пытаясь оценить, какие из них перевесят в Судный день.
Эта мысль созвучна с событиями Страшного суда, которые изображены на картине за спиной героини. Ее дополняет и зеркало – предмет, с помощью которого человек оценивает свои достоинства и недостатки.
Питер Брейгель Старший. «Семь пороков. Лень»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Семь пороков. Лень» Питера Брейгеля Старшего
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Гравюры нидерландского художника не так известны широкой публике, как его живописные полотна. Повышенный интерес вызывает иллюстрация «Лень» из серии «Семь пороков». Часть персонажей легко связать с названием.
Старуха в центре – персонификация Лени, черт с подушкой – иллюстрация пословицы «Лень – подушка черта». «Мертвое царство» со спящими людьми и улитка на первом плане завершают картину мира, охваченного пороком. Объяснить присутствие отдельных персонажей до сих пор не удается. Основной спор вызывает фигура монаха, а также изображение колоколов и часов.
По одной из версий, священник пытается завести «уснувшие» часы, чтобы заставить толпу очнуться от лени.
По другой, монах, колокола и часы – это отсылка к наступлению возмездия, которое ожидает всех лентяев.
Кузьма Петров-Водкин. «Вася»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Вася» Кузьмы Петрова-Водкина
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
В 2010 году в Чикаго была обнаружена неизвестная картина русского художника. Обычно Петров-Водкин рядом с автографом ставил год, а на этюдах – еще и число с месяцем.
Здесь же датировка отсутствует. Предположительно картина написана в родном Хвалынске, где автор пробыл лето и осень 1916 года. В окончательном варианте портрета художник закрасил находившееся за мальчиком окно. Почему? Возможно, Петров-Водкин хотел избежать прямой аналогии с другой своей работой – «Мать» (1915), где окно есть.
А может, автор не хотел отвлекать внимание зрителя от лика мальчика и иконы «Богородицы Умиление» – метафор глубокой духовности и непоколебимой твердости русских людей?
Наконец, небольшие размеры полотна могли ограничить замысел и не позволили художнику «размахнуться». Поиск версий продолжается.
Альбрехт Дюрер. «Меланхолия I»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Меланхолия I» Альбрехта Дюррера
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Значение многих образов на гравюре Дюрера до сих пор не получило однозначной трактовки. В центре картины – молодая женщина с крыльями. Кто она? Муза или ангел? За ее спиной висит магический квадрат. В вертикальных, горизонтальных и диагональных рядах сумма чисел составляет 34. Сумма чисел в четвертях квадрата и в его углах снова складывается в 34.
При этом в средние клетки нижнего ряда автор мастерски вписал дату создания работы – 1514. Что означает этот квадрат и цифры в нем? Еще одна загадка – «I» в названии гравюры, которое вписано в крылья летучей мыши.
Самая популярная версия – по принятому во времена Дюрера делению меланхоликов на художников, ученых и философов, автор отнес себя к первой группе. Эрнест Фресес считает иначе:
«I» — это не цифра, а глагол «ео» в повелительном наклонении, означающий «уходи!».
Его Дюрер использовал как магическое заклинание для изгнания меланхолии из собственного сердца. Что символизируют разбросанные на полу инструменты?
Искусствовед Паола Волкова дает своё объяснение. Полотно можно разделить на ярусы: первый – ремесло (отсюда и разбросанные на переднем плане инструменты), второй – интеллект, третий – мир непознанного.
Эти ярусы — внутренний мир автора, а сам он – задумчивая крылатая дама, которая держит в руках циркуль – символ ограниченности всего и вся. Кто остался за кадром, чтобы звонить в колокол? Эту загадку придется еще разгадать.
Марк Шагал. «Автопортрет с семью пальцами»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Автопортрет с семью пальцами» Марка Шагала
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Марк Шагал пишет автопортрет в 1912 году. Его название сразу же приковывает внимание к руке художника, на которой действительно семь пальцев. Возможно, автор подшучивает над собственным талантом, вспоминая идиому предков о продуктивном мастере, работающем очень быстро. Или он хочет привлечь внимание к собственной работе «Россия, ослы и другие», написанной годом ранее? Ведь именно она стоит на мольберте? А, может, семь пальцев соотносятся с библейскими семью днями творения?
Иероним Босх. «Фокусник»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Фокусник» Иеронима Босха
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Поучительная сцена о том, как человек не способен устоять перед соблазнами, призывает зрителя задуматься о высших ценностях. Подтверждением порочности людей являются некоторые символы. Совенок в поясной плетеной сумке «фокусника» — дьявол с его ложными обещаниями.
Жабы на столе и у одного из игроков во рту – знак серы, который у алхимиков ассоциировался с адом и Люцифером.
Но главной загадкой этой картины является человек в зеленом, взгляд которого обращен к зрителю. Его лицо встречается и в других работах Босха, поэтому предполагают, что это был кто-то из знакомых художника.
Так как мастер всегда изображал его в группе грешников, то, скорее всего, загадочный горожанин был Босху по каким-то причинам неприятен.
Рене Магритт. «Влюбленные»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Влюбленные» Рене Магритта
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Бельгийский сюрреалист Рене Магритт почти всегда объяснял свои произведения-ребусы. Он скептически относился к любым сторонним интерпретациям и был убежден: картины нужно рассматривать, а не искать в них символы.
Но «Влюбленных» художник комментировать не стал, поэтому новые попытки разгадать смысл картины не прекращаются. Кто-то считает, что мужчина и женщина, чьи головы укутаны белым полотном, — это отсылка к трагедии детства автора.
В 13 лет его мать утопилась, а когда ее извлекли на берег, лицо накрыли подолом сорочки. Другие полагают, что автор проиллюстрировал фразу «любовь слепа». Третьи – одиночество и отстраненность.
Четвертые – метафору «потерять голову от любви». Какой смысл действительно вложил в картину бельгиец, остается загадкой.
Эжен Делакруа. «Свобода, ведущая народ»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Свобода, ведущая народ» Эжена Делакруа.
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Делакруа написал «Свободу» после Июльской революции в Париже 1830 года. Но почему восставших вдохновляет женщина с обнаженной грудью? Французский искусствовед Этьен Жюли считает, что автор писал центральный образ с прачки Анны-Шарлотты – прославленной революционерки, собственноручно убившей девятерых врагов.
Эксперт предположил, что обнаженная грудь является символом торжества демократии: Свобода, как простая женщина, не затягивает тело в корсет.
Самая очевидная версия – полуобнаженная женщина символизирует самоотверженность революционеров, бросавшихся в бой «с голой грудью».
Поль Сезанн. «Игроки в карты»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Игроки в карты» Поля Сезанна
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
Написанные предположительно в 1893—1896 годах «Игроки в карты» из одноименной серии поражают лаконичностью сюжета. На первый взгляд кажется, что это обычная жанровая сценка: двое мужчин увлечены любимым занятием.
Однако, по мнению искусствоведов, в полотне может быть заложен чуть ли не сакральный смысл. Размещенная на столе зеленая бутыль с вином может отсылать к святому причастию, а яркая красная скатерть – к цвету крови Христа, искупившего грехи людей.
В пользу этой версии, вероятно, говорит и отсутствие на столе денег и сосредоточенные лица игроков. Эмоциональная напряженность мужчин и игра без явных ставок, вероятно, означают еще, что на кон поставлено нечто большее, чем привычные материальные ценности.
Тивадар Костка Чонтвари. «Старый Рыбак»
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
«Старый рыбак» Тивадара Костка Чонтвари
♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦♦
В начале прошлого века Чонтвари пишет «Старого Рыбака». Замысел венгерского художника был расшифрован только после его смерти при помощи популярного приема для разгадывания ребусов. Если приложить к центру картины двустороннее зеркало, то с слева зритель увидит почтенного старца, а с правой – злобного. Что они символизируют?
Одни предполагают, что Бога и Дьявола. Другие – добро и зло, которое есть в каждом человеке.
Если учесть, что при жизни Чонтвари воспринимал свой талант как божественное предназначение, версии кажутся более чем правдоподобными.
© Русская Семерка russian7.ru
Самые интересные статьи:
Похожее
ezoterik-page.com
Картины в стиле Символизма!!! (Символизм направление)
Картины в стиле Символизм. Направление символизм.
Стиль Символизм (фр. Symbolisme ) - одно из самых крупнейших направлений в искусстве живописи , возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции , Бельгии и России . Художники Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Художники символисты - их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных художников символистов.Художники Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность.
Термин «символизм» в искусстве впервые был введён в обращение французским поэтом Жаном Мореасом в одноимённом манифесте - «Le Symbolisme», - опубликованном 18 сентября 1886 года в газете «Le Figaro». В частности, манифест провозглашал:
Символическая поэзия - враг поучений, риторики, ложной чувствительности и объективных описаний; она стремится облечь Идею в чувственно постижимую форму, однако эта форма - не самоцель, она служит выражению Идеи, не выходя из-под её власти.
С другой стороны, символическое искусство противится тому, чтобы Идея замыкалась в себе, отринув пышные одеяния, приготовленные для неё в мире явлений.
Картины природы, человеческие деяния, все феномены нашей жизни значимы для искусства символов не сами по себе, а лишь как осязаемые отражения перво-Идей.
В своих картинах художники символисты стараются отобразить жизнь каждой души - полную переживаний, неясных, смутных настроений, тонких чувств и мимолётных впечатлений.
Представлены картины в рубрике символизм:
направление символизм символизм в искусстве символизм серебряного века символизм презентация истоки русского символизма русский символизм символизм в литературе брюсов символизм символизм брюсова русский символизмсимволизм в русской литературе и картинах символизм стихи и картиныпоэзия символизма картины символизм картины и символизм стиль символизма символизм 20 века в картинахпредставители символизма основоположники символизма символизм как художественное направление черты символизма символизм в живописи символизм в россии особенности символизма символизм определение художники символизма символизм бальмонт символизм в изобразительном искусстве реферат символизм символизм урок течения символизма русский символизмнаследие символизма и акмеизм история символизма признаки символизма символизм в музыке основоположник русского символизма символизм в литературе 20 века символизм стиль презентация русский символизм символизм 19 века статья символизм поэзия русского символизма гумилев наследие символизма средневековый символизм гумилев наследие символизма принципы символизма символизм википедия русский символизмфранцузский символизм символизм и символисты блок и символизм европейский символизм манифест символизма символизм в культуре символизм андрея белого андрей белый символизм суть символизма символ символизм символизм в философии на картинахэстетика символизма символизм как миропонимание символизм в русской живописи значение символизма русский символизмсимволизм в литературе определение понятие символизм в картинахкартины символизм основные черты символизма господин из сан франциско символизм характеристика символизма символизм цветов в картинахтеория символизма в картинахсимволизм цвета на картинахрусский символизмпрезентация на тему символизм белый символизм как миропонимание современный символизм возникновение символизма философский символизм христианский символизм символизм картина лосев очерки античного символизма история русского символизма очерки античного символизма и мифологии основные принципы символизма символизм в архитектуре символизм в творчестве брюсова символизм сологуб характерные черты символизма символизм в европейском искусстве представители русского символизма символизм чисел философия русского символизма александр блок символизм символизм и импрессионизм художники символизма представители символизма в литературе символизм в театре русский символизмпоэзия французского символизма в картинахсообщение о символизме сайт энциклопедия символизма символизм в картинах сообщение на тему символизм вячеслав иванов символизм символизм в стихах и на картинах основные положения символизма признаки символизма в литературе художник основоположник русского символизма символизм в русской культуре символизм японский стихи в стиле символизм символизм как миропонимание таро символизм русский символизмдве стихии в современном символизме сообщение на тему русский символизм определение слова символизм значение слова символизм символизм креста символизм в литературе 19 20 в и на картинахосновные признаки символизма символизм отношение к реальности русский символизм течение провозгласившее освобождение от символизма основные положения программы символизма символизм в религии символизм в творчестве Стиль символизм картины
Понятие символа и его значение для символизма
Говоря о символизме, нельзя не упомянуть о его центральном понятии символ, потому что именно от него произошло название этого течения в искусстве. Необходимо сказать и о том, что символизм - явление сложное. Его сложность и противоречивость обусловлены, в первую очередь тем, что в понятие символ у разных поэтов и писателей вкладывалось разное содержание.
Само название символ произошло от греческого слова symbolon , которое переводится как знак, опознавательная примета. В искусстве символ трактуется как универсальная эстетическая категория, раскрывающаяся через сопоставление со смежными категориями художественного образа, с одной стороны, знака и аллегории - с другой. В широком смысле можно сказать, что символ есть образ, взятый в аспекте своей знаковости, и что он есть знак , и что он есть знак, наделённый всей органичностью и неисчерпаемой многозначностью образа .
Каждый символ есть образ; но категория символа указывает на выход образа за собственные пределы, на присутствие некоего смысла, нераздельно слитого с образом. Предметный образ и глубинный смысл выступают в структуре символа как два полюса, немыслимые, тем не менее, один без другого, но и разведённые между собой, так что в напряжении между ними и раскрывается символ. Надо сказать, что даже основоположники символизма трактовали символ по-разному.
В Манифесте символистов Ж. Мореас определял природу символа, который вытеснял традиционный художественный образ и становился основным материалом символистской поэзии. «Символистская поэзия ищет способа облачить идею в чувственную форму, которая не была бы самодостаточной, но при этом, служа выражению Идеи, сохраняла бы свою индивидуальность», - писал Мореас. Подобная «чувственная форма», в которую облекается Идея - символ.
Принципиальное отличие символа от художественного образа - его многозначность. Символ нельзя дешифровать усилиями рассудка: на последней глубине он темен и не доступен окончательному толкованию. Символ - окно в бесконечность. Движение и игра смысловых оттенков создают неразгаданность, тайну символа. Если образ выражает единичное явление, то символ таит в себе целый ряд значений - подчас противоположных, разнонаправленных. Двуплановость символа восходит к романтическому представлению о двоемирии, взаимопроникновении двух планов бытия. Многослойность символа, его незамкнутая многозначность опиралась на мифологические, религиозные, философско-эстетические представления о сверхреальности, непостижимой в своем существе.
Теория и практика символизма были тесно сопряжены с идеалистической философией И.Канта, А.Шопенгауэра, Ф.Шеллинга, а также размышлениями Ф.Ницше о сверхчеловеке, пребывании «по ту сторону добра и зла». В своей основе символизм смыкался с платонической и христианской концепциями мира, усвоив романтические традиции и новые веяния.
Не осознаваясь продолжением какого-то конкретного направления в искусстве символизм нес в себе генетический код романтизма: корни символизма - в романтической приверженности высшему принципу, идеальному миру. «Картины природы, человеческие деяния, все феномены нашей жизни значимы для искусства символов не сами по себе, а лишь как неосязаемые отражения первоидей, указующие на свое тайное сродство с ними», - писал Ж.Мореас. Отсюда новые задачи искусства, возлагаемые ранее на науку и философию, - приблизиться к сущности «реальнейшего» посредством создания символической картины мира, выковать «ключи тайн».
Символизм во Франции проявился и в живописи (Г.Моро, О.Роден, О. Редон, М. Дени, Пюви де Шаванн, Л. Леви-Дюрмер), музыке (Дебюсси, Равель), театре (Театр Поэт, Театр Микст, Пти театр дю Марионетт), но основной стихией символистского мышления всегда оставалась лирика.
Символизм как художественное направление возник в Европе в 60 - 70-х гг. и быстро охватил все сферы творчества от музыки до философии и архитектуры, став универсальным языком культуры конца XIX - начала ХХ вв. Новая художественная волна прошла по всей Европе, захватила обе Америки и Россию. С возникновением течения символизма русская литература сразу очутилась в русле общеевропейского культурного процесса. Поэтический символизм в России, «югендстиль» в Германии, движение «Ар Нуво» во Франции, европейский и русский модерн - все это явления одного порядка. Движение к новому языку культуры было общеевропейским, и Россия оказалась в числе его лидеров.
Символизм положил начало модернистским течениям в культуре 20 в., стал обновляющим ферментом, давшим новое качество литературы, новые формы художественности. В творчестве крупнейших писателей 20 в., как русских, так и зарубежных (А.Ахматовой, М.Цветаевой, А.Платонова, Б.Пастернака, В.Набокова, Ф.Кафки, Д.Джойса, Э.Паунда, М.Пруста, У.Фолкнера и др.), - сильнейшее влияние модернистской традиции, унаследованной от символизма.
Символизм оказался новым миропониманием. Оказалось, что эпоха определенного слома прошлых ценностей не смогла удовлетвориться формально-логическим, рациональным подходом. Ей был нужен новый метод. И соответственно этот метод породил новую единицу - символ. Таким образом, символизм не только внес символ в инструментарий современности, он также привлек внимание к возможному пути вслед за символом, к пути интуитивному, а не только рациональному. Однако каждый отвоеванный кусочек интуитивного познания в результате, как правило, рационализируется, ведь о нем повествуют, к нему призывают. То новое, что приносит символизм, можно увидеть в подключении к современным проблемам всего многообразия прошлых культур.
Это как бы попытка осветить глубочайшие противоречия современной культуры цветными лучами многообразных культур; «мы ныне как бы переживаем все прошлое: Индия, Персия, Египет, как и Греция, как и средневековье, - оживают, проносятся мимо нас эпохи, нам более близкие. Говорят, что в важные часы жизни пред духовным взором человека пролетает вся его жизнь; ныне пред нами пролетает вся жизнь человечества; заключаем отсюда, что для всего человечества пробил важный час его жизни. Мы действительно осязаем что-то новое; но осязаем его в старом; в подавляющем обилии старого - новизна так называемого символизма»
Это парадоксальное высказывание - самое «модерное» на тот период направление видит свою новизну в четких отсылках на прошлое. Но оно отражает действительную включенность в «банк данных» символизма всех эпох и всех народов. Другим объяснением этого феномена может стать то, что символизм в определенном смысле выходит на метауровень, порождая не только тексты, но и теорию их, а такого рода «самоописания» в сильной степени кристаллизуют вокруг себя не только свою действительность, но и любую другую.
Таким образом, изменение мировоззренческих основ на рубеже XIX - ХХ вв. соединилось с творческими поисками в области художественного языка. Наиболее полнокровный результат перемен выразился в становлении эстетической системы символизма, который стал импульсом обновления всех сфер культуры. Вершина поэзии символизма приходится на поколение А.А. Блока и А. Белого, когда был выработан художественный язык нового искусства на основе ретроспективизма, синтеза различных областей творчества, установки на соавторство создателя и потребителя культурного продукта. Символизм сыграл роль формообразующей, несущей эстетической конструкции для всей русской культуры начала ХХ в. Все остальные эстетические школы, по сути, либо продолжали и развивали принципы символизма, либо соперничали с ним.
www.picture-russia.ru
Символизм в живописи: художники, картины
Символизм — идеалистическое литературно-художественное направление в искусстве второй половины XIX в. Сам термин «символизм» идет от греческого слова simbolon — знак. В этом необычном искусстве выразилось разочарование части европейской интеллигенции в современной действительности, страх перед миром шагающей вперед науки и техники, где нет места духовным идеалам ушедших эпох. Эти настроения вылились в полную пессимизма и ностальгических обращений к прошлому живопись художников-символистов.
Идеи и принципы символизма были провозглашены французским поэтом Шарлем Бодлером, считавшим, что реальность в искусстве должна выражаться посредством символов. По теории Бодлера художественные средства (краски, линии и т. п.), применяемые живописцами, — условные знаки, с помощью которых мастер может передать свои мысли, чувства и настроения. Символизм в изобразительном искусстве опирался на литературный и живописный романтизм (особенно немецкий с его страстью ко всему таинственному и мистическому).
Художественные средства символисты заимствовали из официального, академического искусства (строгость композиционного построения, четкость линий) или модерна (плоскостная композиция, декоративность, изощренность контуров, выгтянутость фигур).
Близка символизму мечтательная живопись романтиков Ф. О. Рунге и К. Д. Фридриха, искусство прерафаэлитов, графика О. Бёрдсли.
Символизм во Франции, очень разнообразным по формам выражения, представлен в утонченных произведениях Г. Моро,в мистической живописи и графике О. Редона, в гармоничных и спокойных композициях П. Пюви де Шаванна, в пронизанных чувствами любви и дружбы работах Э. Каррьера.
Крупнейшими художниками-символистами были: в Германии — М. Клингер, в Швейцарии — А. Бёклин и Ф. Ходлер, в Бельгии — Дж. Энсор, в Голландии — Я. Тоороп.
Гюстав Моро
Французский художник Гюстав Моро родился в 1826 г. В его раннем творчестве заметно влияние таких художников, как Т. Шассерио, Ж. О. Д. Энгр, Э. Делакруа. В 1857-1859 гг. художник посетил Италию, где большое впечатление на него произвело искусство мастеров болонской школы. Моро подолгу копировал произведения итальянских художников, что не могло в какой-то мере не отразиться на его стиле. В то же время яркий колорит картин Моро, глубокий драматизм и живость образов идут от искусства Т. Шассерио и Э. Делакруа, а изысканность линий и ясность композиционного строя — от живописи Ж. О. Д. Энгра.
Моро использовал для своих картин мифологические и библейские сюжеты (акварель «Ночь»; «Гесиод и Муза», 1891). Нередко в его живописи появляются необычные образы, навеянные античными легендами или восточными сказаниями («Химеры», 1884).
С начала 1850-х гг. Моро постоянно выставляет картины в Салоне, но популярность приходит к нему лишь в 1860-е гг., после возвращения из Италии. Публика быта в восторге от показанных в Салоне в 18 64 и 1865 гг. композиций Моро «Эдип и Сфинкс», «Юноша и смерть» и «Язон и Медея».
«Эдип и Сфинкс» — одна из самых интересных работ Моро. Сюжет для картины художник заимствовал у Энгра, написавшего полотно с таким же названием. В то же время Моро трактует эту тему несколько по-иному. Если в произведении Энгра зритель видит полную динамики борьбу человека с фантастическим чудовищем, то в композиции Моро герой как будто сливается со Сфинксом в любовном объятии. Истолковать это произведение можно по-разному. Возможно, при создании картины художник хотел показать борьбу человека с собственными темными инстинктами или пытался разгадать какую-то загадку природы. А может быть, ее центральная мысль — это неотвратимость смерти, которой не могут противостоять ни слава, ни власть, ни богатство. Ну и конечно же, в композиции Моро нашла отражение тема борьбы добра и зла, которое олицетворяет женщина-сфинкс, лицо которой привлекает взгляд зрителя своей порочной красотой. Позднее эта идея в творчестве художников-экспрессионистов будет воплощена в образе роковой женщины.
Во второй половине 1870-х гг. живопись Моро становится несколько иной. Теперь его художественная манера более свободна, чем прежде. Композиционным строй усложняется, а цветовая гамма насыщается новыми оттенками. К мифологическим персонажам в картинах присоединяются образы, созданные фантазией художника.
Работы Моро этого периода отличаются тщательной проработкой деталей, богатством и звучностью колорита. Так же красочны и акварели, выразительность которых подчеркивается эффектами света и тени («Мертвым поэт и Кентавр»). Герои произведений Моро неподвижны и молчаливы, кажется, что они спят или погружены в транс. Персонажи картин не живут своей жизнью, они лишь дополняют таинственный и странный пейзаж, похожий на яркое декоративное панно, узоры для которого художник брал из журналов, книг и альбомов по орнаментальному искусству.
В таком ключе исполнена и известная картина Моро «Единороги» (ок. 1885), написанная по мотивам шпалеры 15 столетия. Глядя на это полотно, зритель наблюдает как будто растворяющиеся в пейзажном фоне фигуры женщин и необычных животных. Природа, окружающая людей и единорогов, — это красочный, изысканный орнамент, при создании которого Моро использовал иллюстрации из ежегодного издания «Magasin pittoresque» и двухтомника «Неизданные французские памятники».
Так же фантастичен и подводный мир морских растений и животных в картине «Галатея» (1880), изображающей чувственно-красивую женщцну-нереиду в глубинах моря.
Палитра художника богата разнообразными оттенками. Нередко мерцающие краски его композиций вызывают чувство тревоги, необъяснимого беспокойства. Такое ощущение создает сияющая золотом цветовая гамма картины «Танец Саломеи» (1876).
Иногда Моро использует в одной картине мотивы из разных мифологических контекстов. Например, в композиции «Орфей» (1865) он изобразил юную фракийскую девушку, печально глядящую на лиру с мертвой головой Орфея. Фантазия художника помещает героев в самые разные ситуации: его прекрасная Елена печально стоит над развалинами Трои или парит над миром мертвых и живых.
Среди работ Моро несколько картин, посвященных танцующей Саломее. В полотне «Явление» (ок. 1875) перед кружащейся в танце девушкой появляется отрубленная голова Иоанна Крестителя. Яркое сияние, исходящее от нее, символизирует конечное торжество добра и справедливости. Древний миф и фантазия автора переплетаются во многих произведениях Моро («Пери», 1865).
Одним из самых значительных произведений Моро стала большая композиция «Юпитер и Семела» (1894-1895). В основу картины положен древнеримский миф. Ревнивая жена Юпитера, Юнона, уговорила Семелу, ожидавшую от него ребенка, попросить бога показаться ей в своем настоящем обличье. Юпитеру, поклявшемуся ранее выполнить любое желание Семелы, пришлось исполнить просьбу своей возлюбленной. Он появился перед ней, сверкая молниями, убившими Семелу. Перед смертью она родила ребенка, ставшего богом виноделия Бахусом (у греков — Дионис).
Моро. Орфей. 1865 г.
В своей картине Моро придает античному мифу мистическое звучание, изобразив под троном Юпитера, скорбящего над телом возлюбленной, страшным чудовищ, символизирующих ночной мрак. У подножия трона сидит печальным Фавн (в греческой мифологии — Пан), воплощающий мощь земли, а также мрачные фигуры, олицетворяющие Страдание и Смерть.
Произведения Моро многозначны и недосказанны, кажется, что в них присутствует какая-то тайна, которую автор скрыл от зрителя. Фантазия художника, рождающая странные фигуры, сливающиеся с декоративным орнаментом фона, делает его композиции мрачными и пугающими.
Перед созданием своих живописным композиций Моро почти всегда делал карандашные наброски, зарисовки, масляные или акварельные эскизы. Его акварели, изображающие мрачные замки, величественные скалы, экзотические цветы и растения, поражают свободой исполнения, живостью и звучностью красок.
Акварель занимала важное место в творчестве Моро. Художник использовал ее не только для предварительных: набросков, но и для законченных, больших композиций. В этих произведениях ему удавалось передать блеск драгоценностей, фактуру тканей, самые тонкие световые и цветовые рефлексы. Фигуры на акварелях кажутся удивительно воздушными и невесомыми, пейзажи — радужными и сияющими.
В последние годы жизни художник полностью погрузился в мир фантазии. Он редко выходил из дома и занималсятем, что по многу раз переписывал свои работы, вводя в уже законченные композиции новые детали и образы.
Умер Моро в 1898 г. Его искусство оказало большое влияние на французских художников. Из мастерской Моро вышли символист О. Редон, фовисты А. Матисс и А. Марке. Таинственными картинами и акварелями Моро восхищались художники-сюрреалисты.
Пьер Пюви де Шаванн
Французский художник Пьер Пюви де Шаванн родился в 1824 г. в Лионе в обеспеченной семье горного инженера. Как и его отец, Пюви де Шаванн собирался посвятить свою жизнь естественным наукам. Поездки в Италию в 1847 и 1848 гг. круто изменили его жизнь. Вернувшись на родину, Пюви де Шаванн увлекся живописью. Он учился сначала у А. Шеффера, затем — у Э. Делакруа, а позднее у Т . Кутюра и Т . Шассерио.
Хотя в 1850 г. Пюви де Шаванн выставил свои картины в Салоне, позднее, вплоть до 1859 г., жюри Салона отказывалось принимать его работы.
Г. Моро. Мертвый поэт и Кентавр. Ок. 1875 г.
В 1854 г. Пюви де Шаванн расписывал стены дома своего брата («Времена года», «Возвращение блудного сына»). В 1861 г. он получил в Салоне медаль за монументальные композиции «Война» и «Мир», которые принесли художнику известность.
Большой интерес представляют две картины, созданные Пюви де Шаванном в годы франко-прусской войны — «Воздушным шар» (1870) и «Почтовый голубь» (1871). В основу произведений были положены реальные события: в то время голуби и воздушные шары были единственным средством связи осажденного Парижа с внешним миром. Несмотря на реальность сюжета, художник создает явно аллегорические произведения. В обеих картинах центральное место занимает фигура женщины в черном платье. Соотечественники увидели в этом образе олицетворение Парижа, сопротивляющегося прусским захватчикам, символом которым стал орел, угрожающий маленькому голубю в композиции «Почтовым голубь».
Символична и луврская картина «Надежда», написанная Пюви де Шаванном в 1871 г. Годом позднее художник выполнил второй вариант этого произведения, ныше хранящийся в галерее Уолтерса в Балтиморе. На полотне изображена юная девушка, сидящая на камнях. В ее руке — оливковая ветвь — символ мира. Пейзаж за спиной девушки уныл и мрачен. Ее окружают развалины и могильные памятники, среди которым кое-где пробиваются скромные цветы, возвещающие приближение весны и возрождение новой жизни.
Эта сентиментальная композиция была с интересом встречена соотечественниками художника, которые увидели в ней надежду на будущее процветание их родины.
Как и другие художники-символисты, Пюви де Шаванн обращается к мотиву смерти. Ярким примером этого стала картина «Девушки и смерть» («Жнец)», написанная в 1872 г. На полотне изображена стайка веселых девушек, собирающих цветы или танцующих. И лишь одна из них печальна, словно увидела притаившуюся в скошенной травеСмерть с косой. Картину пронизывает мысль о скоротечности земного бытия и недолговечности счастья.
П. Пюви де Шаванн. Почтовый голубь. 1871 г.
Важное место в творчестве Пюви де Шаванна занимают монументальные работы. В 1869 г. он пишет две композиции длядворца Лоншан в Марселе — «Марсель — врата на Восток» и «Массилия — греческая колония».
В 1870-е гг. художник создает монументальное полотно на исторический сюжет для ратуши в Пуатье и цикл картин для парижского Пантеона, представляющих эпизоды из жизнеописания Св. Женевьевы. В этих работах Пюви де Шаванн использует традиции фресковой живописи Раннего Возрождения. Эти произведения мастера отличаются ясностью форм и гармоничностью цветовой гаммы. Тональность своих работ художник старается соотнести с цветом стены, на которой они будут располагаться его картины. Композиционный строй этих панно он также подчиняет плоскости стены.
Стремясь передать в своей живописи гармонию окружающего мира, Пюви де Шаванн обращается к искусству античности. Человеческие фигуры на картинах статичны, они как будто погружены в собственные мысли и сливаются с природой в единое целое. Ярким примером этого является декоративная композиция «Видение античности. Символ формы» (ок. 1887-1890). Художник обращается к золотому веку человечества, той эпохе, когда люди жили в согласии друг с другом и окружающим их миром животных и растений. Золотой век — это удивительно прекрасное царство разума, добра и справедливости. В нем нет места злобе, жестокости, отрицательным эмоциям. Ощущение покоя и тишины передают в картине выдержанная в спокойных и светлых оттенках цветовая гамма, величественный пейзаж, совершенные фигуры людей. В «Видении античности» нет никакого действия: герои кажутся неподвижными, они любуются красотой природы или мечтают.
В такой же манере исполнено декоративное панно «Священная роща, возлюбленная искусствами и музами» (1884-1889), предназначенное для лионского Дворца искусств. Основная мысль этой композиции — неразрывная связь наук и искусств. Центральное место в картине занимают аллегорические фигуры, олицетворяющие Живопись, Архитектуру, Скульптуру. Рядом стоят музы — Полигимния, Клио, Каллиопа. Недалеко от них, на берегу — Талия и Терпсихора, кружащаяся в танце. В воздухе застыти Эвтерпа и Эрато. Погружены в собственные мысли Мельпомена и Урания, сидящие у озера. Все в картине кажется застывшим: в Священной роще нет действия, отсутствует и время. Неподвижны не только музы, но и природа, окружающая их. Спокойна гладкая поверхность озера, не шелохнется ни один листочек на дереве. Все погружено в тишину: искусство и наука не терпят суеты и шума. Музы и лицом и фигурой похожи одна на другую (вероятно, Пюви де Шаванн писал их с одной модели).
В таком же ключе написаны и другие монументальные композиции художника (декоративные росписи для ратуши в Париже и панно для Публичной библиотеки в Бостоне).
Тема союза наук и искусств была продолжена в панно, получившем название «Между искусством и природой» (1888-1891), предназначенном для музея в Руане. Создавая картину, художник отказался от стилизации античности, свойственной «Священной роще». На полотне изображены одетые в современные одежды люди, занимающиеся живописью, археологическими раскопками, изготовлением керамики, или просто любующиеся природой, в которой зритель может узнать реальным французский пейзаж — холм Босенкур, с которого открывается прекрасным вид на Сену.
Интересно полотно Пюви де Шаванна «Бедным рыбак» (1881), вызвавшее множество споров среди современников художника. Герои картины кажутся разобщенными, как будто ничто не связывает их. Худой рыбак погружен в свои мрачные мысли, его дочь беззаботно собирает цветы на берегу, а крошечный ребенок, одинокий и беспомощный, лежит среди прибрежной травы. Печалью и одиночеством веет от унылого пейзажа: пустынного берега и гладкой речной поверхности. Ландшафт играет в полотне значительную роль — если поза рыбака сдержанно передает его эмоции, то картина природы полностью раскрывает владеющие человеком чувства и тягостные мысли.
Нередко живопись Пюви де Шаванна кажется непонятной и загадочной. Такова его известная картина «Девушки у моря» (1879). Образам девушек, расположившихся на берегу моря, свойственна многозначность: зрители и искусствоведы гадают, кого же изобразил художник — своих современниц, купающихся в море, прекрасных греческих богинь или морских сирен, заманивающих сладкозвучным пением простодушных моряков. Светлые, почти прозрачныетела девушек, их контуры, как будто растворяющиеся в пейзажном фоне, делают изображение похожим на зыбкий и трепетный мираж.
Полна символики картина «Сон» (1883), навеянная старинной легендой. Сюжет композиции таков: к уснувшему страннику явились Богатство с золотыми монетами, Слава с лавровым венком, Любовь с лепестками роз. Герой должен сделать свой выбор, но он, погруженным в глубокий сон, бездействует. Так проблему выбора решает большинство художников-символистов. Состояние сна, отрешенности от действительности в их картинах является воплощением мечты об утраченных идеалах прошлого.
П. Пюви де Шаванн. Девушки у моря. 1879 г.
Пюви де Шаванн скончался в Париже в 1898 г.
Одилон Редон
Французский художник, живописец, рисовальщик и гравер Одилон Редон родился в 1840 г. Он обучался архитектуре в Париже (курса не окончил), затем в Бордо посещал Школу скульптуры, а в начале 1860-х гг. занимался в парижской мастерской Жерома. Его художественным стиль сформировался под влиянием искусства Леонардо да Винчи, Э. Делакруа, Ф. Гойи.
Большую роль в формировании творческого метода Редона сыграло знакомство с Арманом Клаво, ботаником по профессии. Клаво, имевший огромную библиотеку, познакомил молодого художника с произведениями Г. Флобера, Ш. Бодлера, Э. По, с немецкими философскими системами, индийской поэзией, а главное — с удивительным и прекрасным миром растений.
В 1863 г. произошло знакомство Редона с гравером Родольфом Бреденом, создававшим маленькие, напоминающие миниатюры, офорты с изображениями деревьев, фантастических растений, экзотических цветов и человеческих фигур. Эти наполненные мистицизмом произведения Бредена так увлекли Редона, что он поступил в мастерскую гравера и освоил под руководством своего учителя технику гравюры на металле и литографии.
В эти годы Редон пишет углем и занимается черно-белой литографией. В 1870-е гг. он посетил Голландию, где изучал творчество великого Рембрандта. В 1878 г., вернувшись во Францию, он предстает зрелым мастером, имеющим свой собственный, неповторимый художественным стиль.
В 1880-х гг. Редон создает несколько литографических альбомов («В мечте», 1879; «Эдгару По», 1882; «Истоки», 1883; «Памяти Гойи», 1885; «Ночь», 1886; «Гюставу Флоберу», 1889; «Цветы зла», 1890; «Сновидения», 1891). Художник не стремится передать реальную действительность, поэтому он почти не использует цвет, главное средство выразительности для него — линия, свет и тень.
Персонажи, наполняющие работы Редона, характерны для искусства символистов: скелеты, страшные демоны, падшие ангелы и очаровательные женщины. Вместе с ними в произведениях художника живут странные образы, рожденные его воображением. Это удивительное растение с человеческой головой или глазом, игрок, на плечах которого лежит огромная игральная кость — символ пагубной страсти, призрачно-бледные фантомы, чудовищные животные и цветы («Болотный цветок»). Наиболее часто встречающиеся в творчестве Редона символы — свет, глаз, человеческая голова как воплощение души, растение — знак жизни («Профиль света», 1881-1886; «Глаз с цветком мака», 1892).
О. Редон. Возможно, первая попытка зрения осуществилась в цветке. Литография из альбома «Истоки». 1883 г.
Очень часто причудливая фантазия в произведениях Редона переплетается с реальностью (литография «Улыбающийся паук», 1881). Многие образы, несмотря на их странный или устрашающий вид, кажутся удивительно живыми.
При выполнении своих рисунков и литографий Редон часто обращался к библейским и мифологическим сюжетам, которыемогли соединяться в одном произведении. Например при создании рисунка «Голова мученика» (ок. 1894) художник использовал миф о смерти Орфея и евангельский мотив об Иоанне Крестителе.
Отрубленная голова пророка в этом произведении является символом бессмертия человеческой души, а также жертвенности.
Ярким примером объединения разных мотивов стал рисунок «Ворон» (1882), навеянный старинными легендами и стихотворением Эдгара По. В литографии «Книжник» (1892) образ гравера Бредена напоминает доктора Фауста.
Очень часто Редон заменял названия своих литографий краткими подписями, которые не всегда разъясняли, что хотел показать художник. Эти странные подписи: «Под крылом тени черное существо совершило тайный укус», «Стена открывается, и появляется череп», «Глаз, подобно странному шару, поднимается в бесконечность» заставляют зрителя бесконечно долго разгадывать тайну, рожденную изощренной фантазией автора.
Образ мирового зла преобладает в произведениях Редона, но в то же время во многих его графических работах, исполненных в конце XIX в., встречаются светлые фигуры молодых женщин, детей, стариков. Есть в них и образы, навеянные прекрасной музыкой Вагнера. Их одухотворенность и чистота передается художником с помощью утонченных и изящных линий, ярких потоков света.
Творчество Редона долго не имело успеха у современников. Его выставки в 1881 и в 1882 гг. прошлинезамеченными. Слава к художнику пришла только после выставки, организованной в 1886 г. «Обще-ством двадцати», объединением, в которое кроме Редона вошли такие известные мастера, как В. Ван Гог, П. Гоген, Ж. Сёра, Дж. Энсор, Дж. Уистлер, Я. Тоороп, Л. Анкетен.
О. Редон. Профиль света. 1881-1886 гг.
В технике черно-белой графики выполнены в начале XX в. портреты друзей Редона — художников П. Серюзье, П. Боннара, Э. Вюйара, М. Дени. В этот период Редон начинает писать пастелью и маслом. Он расписывает стены монастырей и особняков, выполняет картоны для гобеленов. Хотя в его творчестве большое место по-прежнему занимают мотивы мирового зла, во многих картинах появляются образы, не свойственные его ранним произведениям: погруженный в самосозерцание Будда, страдающий Иисус Христос, погибший Орфей и рождающаяся из морской пены Венера.
О. Редон. Закрытые глаза. 1890 г.
В живописи Редона присутствует свойственная творчеству большинства символистов отстраненность человека от окружающей его действительности. В картине «Закрытые глаза» (1890) молодая женщина, словно в воду, погружена в собственные мысли. Негромкая цветовая гамма сближает это произведение Редона с его графикой.
Та же отрешенность от жизни присутствует и в пастельной работе мастера «Размышление» (1893). Художник изобразил на фоне блекло-серой, пустынной земли задумавшегося о чем-то человека. Ярко-синее небо над его головой символизирует глубину и напряженность мысли героя.
Так же молчалив и далек от всего земного персонаж в картине «Будда» (ок. 1905). Ощущение отчуждения от реальности погруженного в нирвану Будды усиливает похожий на мираж призрачный пейзаж.
В 1895-1899 гг. материальные проблемы в жизни Редона, а также затянувшаяся болезнь привели к творческому кризису. Пытаясь найти выход, он обращается к религиозной тематике. К этому времени относится цикл литографий «Искушение», где образ Христа является олицетворением света и добра. Эта борьба со злом присутствуют в пастели «Христос святого сердца» (ок. 1895). Фигура Христа окружена ярким золотым сиянием, контрастирующим с угольно-черными красками фона.
Интересны пейзажи Редона с красной лодкой. Лодка, корабль для христиан — символ человеческой души. В своих первых работах с этой тематикой художник делает акцент на людях, сидящих в лодке. В дальнейшем человеческие фигуры становятся меньше — теперь все свое внимание художник сосредоточивает на лодке и море («Красная лодка», 1900). Изображение морской стихии, которая привлекала многих художников-романтиков, у Редона наполняется символическим смыслом. Огромные волны, угрожающие маленькому суденышку, темные тучи, несущие грозу — это сама жизнь, полная трудностей и опасностей.
В живописи Редона 1900-1910-х гг. преобладают изображения женщин среди цветов и яркие, разнообразные букеты. В этих картинах художник придает реальному миру фантастические черты, и помогает ему в этом тонкое чувство цвета. В гамме звучных, праздничных оттенков исполнены полотна с образами женщин («Женщина среди цветов», 1909-1910; «Мечта», ок. 1912; «Профиль женщины в окне»), с экзотическими цветами, причудливыми раковинами и яркими бабочками («Раковина», 1912; «Красный сфинкс», 1910-1912; «Красная сфера», 1910, частное собрание).
Во многих картинах Редона появляются те же фантастические образы, что присутствовали в его графике («Зеленая смерть», 1905-1910; «Человек со змеей», ок. 1907).
Миф о Циклопе и Галатее превращается у художника в красочную, фантастическую картину: одноглазое чудовище кажется огромным на фоне лазурного неба, а крошечная фигурка нимфы теряется в ярком орнаменте пейзажа («Циклоп», 1898).
Большую роль в живописи Редона играет свет. Он наполняет краски, которые переливаются и играют, словно драгоценные камни. Цвета предметов далеки от естественных красок природы, для художника цвет — такой же символ, как и образы его черно-белой графики.
По примеру М. Дени и П. Серюзье в 1890-е гг. Редон начинает заниматься прикладным искусством. К этому времени относятся созданные им панно для замка Домси в Бургундии, картоны для ковров и декоративные ширмы.
Умер Редон в 1916 г. Его искусство, полное мистических образов и странных фантазий, оказало большое влияние на художников-сюрреалистов.
Поэтические грезы, мрачные и тягостные видения, страшные маски, жуткие скелеты в живописи символистов в XX в. привлекли внимание сюрреалистов, продолживших творческие искания своих предшественников.
В конце XIX в. различные художественные направления могли смешиваться между собой и взаимодействовать друг с другом. Постимпрессионисты и символисты нередко брали выразительные средства для своих произведений у модерна. От символизма идет и некоторая таинственность в живописи многих представителей постимпрессионизма.
istoriya-iskusstva.ru
Европейские символисты в Милане - Наводы
Новость из мира искусстваВ бывшем Королевском дворце Милана проходит уникальная выставка, посвященная символизму. В 24 залах Palazzo Reale представлены около 100 живописных работ, а также графика и скульптура под общим названием "Символизм: искусство в Европе от Прекрасной эпохи до Первой мировой войны". Экспонаты прибыли из разных музеев и частных коллекций Европы, в первую очередь итальянских - венецианского Ca' Pesaro, флорентийской галереи Uffizi, римского музея современного искусства. Причем шедевры итальянского символизма выставлены вместе с работами ключевых представителей течения из других стран. В залах звучат "Стихи зла" Бодлера и музыка настроения.Многие из этих произведений были когда-то показаны на Венецианской биеннале. В итальянское искусство символизм пришёл именно через Венецию, куда в те годы приезжали такие великие представители этого течения, как Франц фон Штук, Фердинанд Ходлер и Густав Климт.Многие работы перекликаются с картинами русских символистов, например Виктора Борисова-Мусатова и Михаила Врубеля. Их полотна также планируется показать в текущем году итальянским любителям искусства.Символизмом принято называть одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции в 1870-80-х годах и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России, а также в Италии и других странах. Сам термин "символизм" впервые был введен в обращение французским поэтом Жаном Мореасом в манифесте, опубликованном 18 сентября 1886 года, согласно которому "символизм полагает выражение недостижимых, иногда мистических, идей, образов вечности и красоты целью и содержанием своего творчества".
Бельгийский художник Фернан Кнопф - главный представитель бельгийского символизма. В своих живописных работах Кнопф отражал мистические фантазии. На картинах Кнопфа часто встречаются женские образы в виде сфинксов и химер, например в картине "Искусство, или нежность сфинкса".
Фернан Кнопфф. Искусство, или нежность сфинкса, 1896. Королевский музей изящных искусств, Брюссель
Итальянский художник Джулио Аристид Сарторио (1860-1932) - представитель академизма и символизма, был сторонником академической манеры с её аллегорическими образами и реалистичным стилем. С годами он выработал виртуозную манеру наложения красок на массы человеческих тел в различных позах, охваченных и погнутых сверхъестественной стихией.
Джулио Аристид Сарторио. Сирена (Зелёная бездна), 1893. Галерея современного искусства, Турин
Фрагмент
Джорджо Кинерк (1869-1948) - итальянский художник и скульптор.
Джорджо Кинерк. Весна жизни, 1902
Макс Клингер (1857-1920) - немецкий художник, график и скульптор, представитель символизма. Своей целью в искусстве Клингер видел объединение живописи, пластики и архитектуры. Написанные Клингером религиозные картины показывают влияние на мастера итальянского Ренессанса.
Макс Клингер. Тритон и нереида (Сирена), 1895. Палаццо Питти, Флоренция
Чешский художник Франтишек Купка (1871-1957) бо́льшую часть жизни прожил во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи, представитель орфизма. Творческий стиль Купки эволюционировал от реализма к абстрактному искусству.
Франтишек Купка. Волна, 1902
Арнольд Бёклин (1827-1901) - швейцарский живописец, график, скульптор; один из выдающихся представителей символизма в европейском изобразительном искусстве XIX века и Дюссельдорфской художественной школы. "Остров мёртвых" - наиболее известная картина Бёклина . Всего Бёклин создал пять вариантов данной картины в период с 1880 по 1886 год.
Арнольд Бёклин. Остров мёртвых,1883. Старая национальная галерея, Берлин
Джованни Сегантини (1858-1899) - итальянский художник-пейзажист, писал картины в пуантилистской технике, работал в разные годы в стилях реализма и символизма. В поздних работах Сегантини, кроме символистских элементов, угадываются тенденции югендштиля. На гранитной плите над могилой художника высечено: «Искусство и любовь побеждают время».
Джованни Сегантини. Любовь - источник жизни, 1896. Галерея современного искусства, Милан
Итальянский художник и дизайнер Витторио Цеккин (1878-1947) создавал изделия из стекла и керамики, занимался дизайном мебели. Искусствоведы пишут, что Цеккин был явно под влиянием знаменитого представителя Сецессиона - австрийца Климта. Картина "Принцесса в саду" входит в серию трёх картин по мотивам сказок "Тысяча и одна ночь". Она стала самой известной работой художника. Панели были расположены на участке площадью около тридцати метров в длину и украшали узкий зал ресторана отеля.
Витторио Цеккин. Принцессы в саду, 1914. Галерея современного искусства, Венеция
Фердинанд Ходлер (1853-1918) - швейцарский художник, один из крупнейших представителей модерна. Ходлер разработал стиль, который назвал "параллелизм", характеризующийся симметричным расположением фигур в танцевальных или ритуальных позах. Аллегорическим композициям Ходлера (“Ночь”, “День”), произведениям на темы истории Швейцарии и Германии, пейзажам присущи монументальность и суровый лаконизм образного строя, напряженность динамичной композиции.
Фердинанд Ходлер. Избранный, 1903. Музей Карла Эрнста Остхауса, Хаген
Фердинанд Ходлер. Ночь, 1890. Художественный музей, Берн
Галилео Кини (1873-1956 ) - художнико, график, архитектор, дизайнер, керамист, один из основателей стиля модерн в Италии. С 1911-1914 он украшал Тронный зал короля Сиама в Бангкоке. Его успех подтвердился, когда ему предложили работу по живописи панелей Центрального зала XI Венецианской биеннале. Именно с этого момента Кини стали считать "официальным художником" из Венеции.
Галилео Кини. Весна классическая (Весна, что постоянно обновляется), 1914. Академия художеств, Монтекатини Терме
Художник Пюви де Шаванн (1824-1898) был одним из наиболее значительных французских символистов, оказавших впоследствии большое влияние на развитие французской живописи в стиле ар-нуво. В России большим поклонником художника был С.П. Дягилев, что сказалось и на развитии художественной группы "Мир искусства". В 1897 году В. Э. Борисов-Мусатов, покорённый искусством Пюви де Шаванна, пытался поступить к нему в ученики, но опоздал. Художник закрыл своё ателье.Пюви де Шаванн лучшей своей работой считал полотно "Девушки у моря", представляющее собой живописную аллегория гармонии человека и природы. Здесь блестяще проявилось умение Пюви де Шаванна превратить любой незатейливый сюжет в символическую композицию. Все фигуры на полотне написаны с удивительным мастерством, а холодный колорит, основанный на игре серо-голубых тонов, придаёт сцене ощущение монументальной росписи.
Пюви де Шаванн. Девушки у моря,1879
Джеймс Энсор (1860-1949) - бельгийский художник, график и живописец. Художник испытал влияние импрессионизма. В 1883 году он отказался от импрессионистической манеры и бытовых сюжетов. Переход к символическим сюжетам вызвал непонимание современников. Талантливый одиночка запомнился своими эксцентричными, выразительными образами (черепа, скелеты, автопортреты, страдающий Христос), большинство из которых берёт начало в его детских воспоминаниях о товарах в сувенирной лавке родителей. Лучшие работы созданы между 1885 и 1891 годами. Оказал влияние на становление экспрессионизма; Энсора называют предтечей сюрреализма и современного фантастического искусства.
Джеймс Энсор. Скелеты греются, 1889
Один из лидеров символизма в европейском изобразительном искусстве рубежа XIX-XX веков немецкий живописец и скульптор Франц фон Штук (1863-1928) увлекался новыми художественными техниками и жанрами. В 1885 году Франц фон Штук посещал мюнхенскую Академию художеств, но как художник был в основном самоучкой. Испытал влияние Арнольда Бёклина. Вместе с Вильгельмом Трюбнером основал в 1892 году Мюнхенский сецессион.
Франц фон Штук. Люцифер, 1890. Национальная галерея, София
Франц фон Штук.Тилла Дюрье в образе Цирцеи, 1913. Старая национальная галерея, Берлин
Жан Дельвиль (1867-1953) - бельгийский художник-символист, писатель, оккультист и теософ. Он стал первым человеком, нарушившим обет неразглашения и решившим открыто проповедовать «тайное знание» посвящённых. Длительное время творчество Дельвиля было забыто, но в наши дни ему возвращено внимание искусствоведов и интерес любителей живописи.
Жан Дельвиль. Смерть Орфея "Голова Орфея, плывущая по воде", 1893. Королевский музей изящных искусств Бельгии, Брюссель
Выставка “Il Simbolismo. Dalla Belle Époque alla Grande Guerra” продлится в миланском Palazzo Reale до 5 Июня 2016 года.
galik-123.livejournal.com
живопись художников - символические картины
Символизм – жанр в живописи, насыщенный необыкновенной загадочностью, с целью акцентирования внимания к творениям искусства. Сам стиль символизм в картинах художников в качестве полноценного художественного направления был создан, вероятно, на основе того, что в период жестокой инквизиции нельзя было передавать все откровенно, и не приветствовалось откровенное обсуждение разных тем, как в области живописи, так и в поэтических, артистических и художественных кругах. Живописцы само выражались в форме оригинальных посылов, понятных только осведомленным людям. Информация с полотен могла быть понята только избранными. А название «символизм», в качестве полноценного направления в искусстве было подарено миру в 1886 году усилиями французского стихотворца Жана Мореасу.
Символические образы в живописи 19-20 века призывают зрителей задуматься, прочувствовать, подключить подсознательное восприятие и интуицию для лучшего понимания (или непринятия) замысла художника. Самый яркий образец символизма – это иконопись, ведь изображения на иконах невероятно самобытны. Символизму присущи и свои «правила чтения»: имеют место объемные эмблематические каталоги, предназначенные для лучшего понимания изображенного. Однако, как в литературных трудах есть позиция, что «является отправной точкой для мыслей», таким же образом можно попрекнуть и «символическую» справочную литературу с правилами для расшифровки изображенного. Зачем же отталкиваться от чужих толкований? Все понимают символические картины по-разному, в зависимости от своего личного восприятия, уровня духовного воспитания и образованности. Язык всех жанров искусства, в том числе русский, является универсальным, каждый человек, оценивающий картины живописцев-символистов, может увидеть в ней нечто своё, а может ничего и не заметить. Неподдельный интерес к полотнам в России в жанре символизма, а также их довольно высокая цена зависят от принадлежности к немногочисленному кругу знающих секрет. Картина символ притягивает и особо ценится. Расшифровать символы на картинах является очень интересным делом. Не озираясь на привычную, уже сложившуюся оценку, попытаемся самостоятельно прочитать послание автора, спрятанное и переданное с помощью языка символов. В качестве примера можно рассмотреть творение современной художницы родом из Мексики Леоноры Каррингтон (годы жизни 1917-2011). Она была в числе немногочисленных женщин-художниц, освоивших символизм в живописи, в котором преимущественно творили художники-мужчины. Огромный интерес для изучения представляет картина, написанная в 1936-1939 годах под названием: “The Inn of the Dawn Horse” (Постоялый двор лошади Утренняя Заря). Данное полотно является автопортретом самой художницы Леоноры Каррингтон. Это была дебютная и главная ее картина, выполненная в жанре символизма.
Итак, на полотне изображена девушка. Она находится в пустом помещении, безучастно сидит на стуле, который декорирован в типично викторианской манере. При более детальном анализе видно, что этот стул необычен, его ножки и подлокотники имеют форму рук и ног человека. В этот период в Англии на престоле восседала королева Виктория, которая поддерживала строгие моральные принципы – сама она отдала себя служению своей стране и семье, чего всегда требовала от своих подданных. Одежда у девушки мужская, предназначенная для верховой езды. В таком виде героиню картины можно принять за мужчину. На ней надеты белоснежные брюки, что символизирует чистоту и невинность. Её волосы хаотично растрепаны, её поза выказывает некую бездеятельность, а глаза выражают безрассудность. Свою правую руку она протягивает для воображаемого поцелуя. На фоне стены можно видеть детскую лошадку-качалку огромного размера, символизирующую мечты и чаяния ребенка, а так же девичью самоуверенность. В помещении около самой девушки расположена полосатая агрессивная гиена, которая отображает её подлинную, не сложившуюся сторону жизни. Это животное изображено в неприглядном, потрепанном виде с безумием в глазах, чем то похожих на глаза самой девушки. На фоне пессимистичного настроя и чувства безнадёжности, которые так присущи большинству творцов-символистов, подбадривает изображение белоснежной кобылицы, парящей за окнами помещения. Глядя на нее представляется, что где-то там, вдалеке, в перспективе все легко и безоблачно, исполняются желания, достигается чувство блаженства, женщина обретает долгожданную свободу и независимость. Нужно только ей решиться быть счастливой! Но тут у зрителя закрадывается тень сомнения и рушит правильность толкования, когда он замечает, что на брюхе у гиены расположены три небольшие шарики. Может быть, они выступают тут намеком на триединство с религиозным подтекстом? Жители Древней Греции полагали, что гиены способны менять свою половую принадлежность. Поэтому живот и ноги этого животного олицетворяют нечто неосознанное. Можно предположить, что три шарика обозначают троих мужчин, которых полюбила девушка. Эти мужчины, вероятно, оказывали ей знаки внимания, а она предпочла беречь свою невинность, и вот что за этим последовало – она лишилась душевного равновесия. Тут становится очевидно, что категоричное целомудрие для женщины идет в разрез с законами природы и разрушает их. Сюжет картины как бы взывает: полюбуйся, во что ты превратила свое существование! – и благодаря демонстрации такого примера, побуждает девушек и женщин-зрительниц к действию: «Будь инициативной! Бери все в свои руки!»
Работы в данном жанре, в том числе модульные картины, вы сможете купить в нашей онлайн галерее живописи. Цены вас приятно порадуют, а количество представленных картин не оставят равнодушным ценителей искусства.
artistsarea.com
