Музей ЧерномырдинаМузыка в картинах Леонида Афремова. Картина музыка
Картина «Музыка» — Artrue
Дата создания: 1895 год.Тип: холст, масло. 37*44,5 см.Местонахождение: Баварские государственные собрания картин, Мюнхен, Германия.
Музыка. Густав Климт.
Музыка
В 1895 году стиль живописи Густава Климта резко изменился. В то время в мире живописи было модно рисовать полотна с античными сюжетами. Произведения других художников того времени были переполнены сюжетами древнегреческих мифов, но Климту удавалось создавать свои произведения более нежными и утонченными, так как он был мастером в сочетании огромного множества цветов и оттенков, его работы были гармоничны и изящны. Картина сама по себе выполнена плоско, но в ней присутствует какой-то объем, который удивляет. Использование золотого цвета — очередное удачное решение художника.
В этой картине «Музыка» представлена в образе греческой девушки. Это произведение построено на контрастности, которую можно увидеть в противопоставлении черного одеяния девушки с ярко-золотым музыкальным инструментом. Узоры, слегка похожие на ноты, контрастируют с темной пустотой в некоторых частях картины. По краям картины можно увидеть небольшие каменные скульптуры, изображающие Силена и Сфинкса. Последний является символом свободы творчества Климта.
Водяные змеи. Густав Климт.
Картина «Музыка» содержит в себе много отсылок к античности, мы видим на картине каменные статуи и лиру. Критики считают, что античность хранит в себе множество сокрытых тайн, которые могут принести большие перемены в современном искусстве, но для этого нужен свежий взгляд на ту эпоху, когда люди еще не могли творить. Возможно, Климт намеренно хотел соединить нынешний мир и античность в этой картине.
Данная картина относится к одним из самых первых произведений художника, но уже в ней мы можем увидеть черты того Климта, которого мы и по сей день без проблем узнаём. Он использует здесь плоское пространство, специфический набор ярких цветов, которые прекрасно сочетаются друг с другом. «Музыка» создает впечатление другой реальности, почему так и привлекает к себе множество зрителей.
artrue.ru
Музыка и живопись: отражаются друг в друге
Живопись и музыка с древнейших времен развивались бок о бок друг с другом.
Леонардо да Винчи даже называл музыку «сестрой живописи».
Практически все люди мира, не исключая и изолированные от прочих племена, в древности имели свои формы музыки; в связи с этим, историки сделали вывод о существовании того или иного музыкального искусства у первых людей до расселения их по планете.
Аналогичные выводы были сделаны и относительно живописи в ее ранних формах — петроглифах и пещерных рисунках.
Изображение музыкальных инструментов в живописи
Музыкальные инструменты, а также сами исполнители часто имеют место в живописи. К примеру, в античном искусстве части множества архитектурных сооружений покрывались изображением музыкантов, играющих на таких инструментах, как арфа, кифара, авлос.
Подобные рисунки наблюдаются также на многих предметах быта, например, в Британском Музее хранятся килики с изображением исполнения музыкального произведения на авлосе, которые датируются 500 годом до нашей эры. В средние века в новых формах живописи, таких как фреска и иконопись, использовались образы музицирующих ангелов.
Изображения музыкантов в живописи
В искусстве эпохи Ренессанса многие художники используют в своих картинах образы музыкантов, самого процесса исполнения произведений на концертах, к примеру знаменитая картина Караваджо «Лютнист» показывает молодого человека, играющего на лютне, на полотне можно даже определить ноты, по которым играет юный музыкант.
К этой же картине можно добавить не менее известное произведение Караваджо «Музыканты», также всеобъемлюще представляющее игру на инструментах четырех юношей.
В современных произведениях тоже активно используется отображение музыкальных инструментов.
Портреты композиторов через кисть и свет в живописи
Существует множество портретов знаменитых композиторов, стремящееся отразить внутренний мир и личностную наполняющую произведений. Известный портрет Ф. Шопена, написанный Делакруа, показывает его как со стороны композитора, так и со стороны друга. Неординарный, экспрессивный, насыщенный портрет стал самым знаменитым изображением Шопена.
Художники стремились также изобразить и музыкальные формы, ведь в музыкальной и живописной композиции действуют сходные закономерности начиная с ритма и движения картины и музыкального произведения, заканчивая линией и пропорциями и в том и другом.
Музыканты, в свою очередь, всегда пытались живописать в своих произведениях. Даже возникли так называемые музыкальные зарисовки, создатели которых, такие как Р. Шуман, Римский-Корсаков, рисуют портреты выдающихся современников, природу, которой хочется наслаждаться. А.П Мусоргский создал цикл произведений, основанных на картинах художника В. А. Гартмана.
Ассоциация тонов с цветом
Интересным явлением среди композиторов можно назвать цветной слух, при котором определенные музыкальные тона ассоциируются с цветом. Сегодня такую ситуацию, возможно, назвали бы отчасти синестезией.
Известный композитор Ференц Лист написал несколько пьес, основанных на картинах и скульптуре: «Обручение» по одноименной картине Рафаэля, «Пляска смерти» написана по фреске Андреа Орканья — «триумф смерти».
А литовский художник и музыкант М. К. Чурлёнис стремился к синтезу живописи и музыки, что привело его к созданию цикла так называемых «Картин-Сонат».
Репродукция «Остров мертвых» А. Беклина вдохновила русского композитора Сергея Рахманинова, создавшего мрачное произведение «Остров мертвых».
Напротив, произведение «Остров Радости» Клода Дебюсси — своеобразное изображения впечатления от картины А. Ватто — передают яркую радость автора.
Таким образом, живопись и музыка с древних времен проникали друг в друга, добавляя те или иные оттенки в творчество, принося вдохновение великим деятелям искусства, отражая в разных образах и формах внутренний мир художников и композиторов.
estemine.com
Описание картины Анри Матисса «Музыка»
Щукин – известный в прошлом веке коллекционер хорошо знал Матисса. В 1908 году он решил по-особому украсить свой особняк в Москве и предложил художнику написать для дома два панно.
Необходимо было с помощью аллегории изобразить такие важные искусства, как музыка и танец. Художник создал парные панно. Темы были близки хозяину дома, так как в его доме достаточно часто давались концерты.
Перед, тем как отправить работы в Россию, их выставили на «Осеннем салоне» в Париже в 1910 году. Столь необычная работа художника вызвала настоящий скандал. Обнаженные герои и неожиданное видение темы удивили всех. Щукин решил первоначально отказаться от этих работ, но потом изменил свое решение.
В процессе работы над фигурами мужчин художник стремился сделать их максимально упрощенными. Все герои нарочито лишены индивидуальности. Черты их лиц практически идентичны, то же самое можно сказать и о телосложении. Это необходимо для того, чтобы зритель мог воспринимать данное изображение, как одно целое.
Художник стремился достичь гармонии цвета. Матисс делал упор на контраст. Именно поэтому героев он окрасил красным цветом. Для того, чтобы сбалансировать изображение, живописей использовал синий и зеленый цвета. Фон практически не играет никакой роли, поэтому он максимально упрощен.
Перед нами предстает пять героев. Двое из них играют, а трое поют. Матисс максимально четко воспроизвел позу скрипача, так как сам был виртуозным музыкантом. Мужчины на этом панно словно оцепенели. Силуэты выписаны нарочито упругими линиями для придания полотну особого музыкального ритма.
Матисс очень долго искал идеальное композиционное решение. Сцена переписывалась им несколько раз.
Некоторые исследователи считают, что фигуры справа напоминают ноты, а скрипач может быть символом скрипичного ключа.
Полотно характеризуется свежей гаммой цветов. Герои статичны и полностью изолированы от других. Они максимально погружены в музыку.
opisanie-kartin.com
Музыка (картина Матисса) — WiKi
В 1908 году московский купец, меценат и коллекционер живописи Сергей Иванович Щукин, который был хорошо знаком с Матиссом, предложил художнику исполнить декоративные панно для декорации лестницы его особняка в Знаменском переулке, аллегорически изобразив процессы музыки и танца[1]. Матисс прислал эскизы с несколькими вариантами работы. В интервью 1909 года он пояснил, что, по его замыслу, человеку, входящему в дом с улицы, нужно «сообщить чувство облегчения», поэтому для первого этажа художник выбрал сюжет с танцем. На втором этаже, полагал он, был более сообразен сюжет с музицирующими и слушающими. Так появились парные панно «Танец» и «Музыка». В планы Матисса входило и написание третьего полотна, «Купание» (или «Медитация»), на котором были бы изображены отдыхающие, однако дом Щукина был двухэтажным, и его заказ предполагал создание только двух композиций, вследствие чего «Купание» сохранилось лишь в набросках автора. Тема панно «Музыка» была близка и Щукину, при обсуждении заказа писавшему, что у него дома часто исполняют классические произведения, а в зимнее время регулярно даются концерты[2].
Незадолго до отправки в Россию оба панно были выставлены на парижском «Осеннем салоне» 1910 года, вызвав грандиозный скандал эпатирующей обнажённостью персонажей и неожиданностью трактовки образов[3]. В связи с этим Щукин отказался от них, но уже вскоре, по прибытии в Москву, изменил своё решение. В срочной телеграмме, отправленной Матиссу, он сообщил, что окончательно согласен приобрести работы, а затем подтвердил свои намерения письмом «Сударь, — писал коллекционер, — в дороге (два дня и две ночи) я много размышлял и устыдился своей слабости и недостатка смелости. Нельзя уходить с поля боя, не попытавшись сражаться»[4].
Примечательно, что, несмотря на своё согласие «сражаться», при получении картины Щукин попросил Матисса закрасить гениталии изображённых на ней персонажей, которые, в частности, стали одной из причин скандала на Осеннем Салоне. Этой просьбой он опроверг свои слова о решении «пойти наперекор нашим буржуазным воззрениям и поместить на лестнице своего дома картину с обнажёнными»[5]. Щукин понимал, что для признания художника московской публикой его собственных убеждений было недостаточно.
Обе картины — «Танец» и «Музыка» — благополучно прибыли из Парижа в Москву в начале декабря 1910 года.
Работая над мужскими фигурами при написании картины, Матисс стремился свести их к элементарным формам[1]. Он осознанно лишал героев индивидуальности, наделяя их почти идентичными чертами лица и телосложением, чтобы изображённое воспринималось зрителем как единое целое. Своей главной задачей художник считал достижение цветовой гармонии полотна с опорой на контраст: следуя поставленной цели, он окрасил фигуры персонажей в яркий пунцовый оттенок, сбалансировав его интенсивными цветами синего неба и зелёной травы. Таким образом, Матисс сумел усилить выразительность палитры за счёт яркости всего лишь трёх цветов — «небесной лазури, розовой свежести тел и зелени холма»[6]. Примечательно, что мужские фигуры изначально были обведены чёрным контуром, лишь впоследствии заполненным краской. Фон в «Музыке», предельно упрощённый художником, играет второстепенную роль[7].
Всего на холсте изображено пятеро персонажей, двое из которых играют на музыкальных инструментах — скрипке и двуствольной свирели, а остальные поют. Поза музыканта-скрипача была детально, точно воспроизведена Матиссом, поскольку тот сам владел игрой на скрипке. Все люди на картине находятся в неподвижности, оцепенении. Матисс сознательно выписал их силуэты упругими, гибкими линиями, чтобы придать полотну музыкальный ритм[6].
Поиск композиционного решения не давался автору картины легко: известно, что Матисс неоднократно переписывал сцену. Так, в первоначальной версии «Музыки» у ног скрипача находилась собака. По мнению ряда исследователей творчества художника, это было отголоском древнегреческого мифа об Орфее, зачаровывавшем своей игрой на лире и людей, и животных[5].
Сам Матисс не упоминал о какой-либо трактовке «Музыки». Существует лишь предположение о том, что изображённые в правой части холста три подогнувших колени фигуры могут олицетворять нотные знаки, а скрипач символизирует скрипичный ключ[1]. Другие искусствоведы полагают, что пунцовый, зелёный и синий оттенки композиции соответственно символизируют три стихии — огонь, землю и воздух[8].
Написанное как парное к «Танцу», панно «Музыка» имеет ряд сходств и отличий в сравнении с ним. Полотна объединяет схожесть цветовых гамм и количество изображённых фигур. Но, если на «Танце» изображены женские персонажи, то на «Музыке» — мужские. Герои «Танца» динамичны, они стремятся вырваться за пределы полотна, в то время как фигуры в «Музыке» — статичны, спокойны и практически изолированы друг от друга, полностью погружены в музыку[1]. «Танцем» правит дионисийское начало, «Музыкой» — аполлоническое[9].
ru-wiki.org
Музыка в картинах Леонида Афремова – Ярмарка Мастеров
Я очень люблю импрессионистов, и мне безумно нравятся картины Леонида Афремова.
Он — художник-импрессионист с мировым именем. Один из самых узнаваемых современных художников. Его работы отличаются уникальным стилем, разработанным самим художником. Данный стиль, невозможно спутать ни с одним другим.
Здесь я покажу уникальные, яркие, удивительные произведения Леонида Афремова на музыкальную тему.
Леонид родился в Витебске (Беларусь) в 1955 году. В 1990-м переехал в Израиль, в 2002-м в Бока Рейтон, Флорида, США. С 2010 года Леонид живёт и работает в местечке Плайа дель Кармен, в самой восточной части Мексики, которая уже оказала влияние на его творчество, внеся в него динамичные латиноамериканские мотивы.
Свои картины Леонид Афремов пишет без использования кисти. Вместо нее он использует специальный нож-лопаточку под названием мастихин. С его помощью автор и наносит на холст мазки, которые впоследствии складываются в потрясающие картины.
Я специально не стала разделять картины с музыкантами и танцорами. Танец и музыка — это не разделимо...
Картины Леонида Афремова выставлены более чем в 100 странах мира. Всего продано более 10000 работ.
У Леонида Афремова есть онлайн академия, где художник делится своим мастерством. Каждый желающий может пройти обучение у великого живописца.
Во всех картинах присутствует необыкновенная сюжетная линия, заставляющая призадуматься и поразмышлять. Его работы яркие, сочные, насыщенные цветом, где цвет несет чувственную, энергетическую, эмоциональную составляющую.
Жизненный опыт, эмоции, личные переживания, по словам самого Леонида, являются важной частью его вдохновения. Картины Афремова всегда наполнены оптимизмом, страстью, а также невероятной энергетикой. Яркие краски будоражат сознание, а исполнение сюжетной линии заставляет задуматься
www.livemaster.ru
Музыка (картина Матисса) - это... Что такое Музыка (картина Матисса)?
«Музыка» (фр. La Musique) — картина французского художника Анри Матисса, написанная им в 1910 году по заказу коллекционера живописи С. И. Щукина.
История
В 1908 году московский купец, меценат и коллекционер живописи Сергей Иванович Щукин, который был хорошо знаком с Матиссом, предложил художнику исполнить декоративные панно для декорации лестницы его особняка в Знаменском переулке, аллегорически изобразив процессы музыки и танца[1].
Матисс прислал эскизы с несколькими вариантами работы. В интервью 1909 года он пояснил, что, по его замыслу, человеку, входящему в дом с улицы, нужно «сообщить чувство облегчения», поэтому для первого этажа художник выбрал сюжет с танцем. На втором этаже, полагал он, был более сообразен сюжет с музицирующими и слушающими. Так появились парные панно «Танец» и «Музыка». В планы Матисса входило и написание третьего полотна, «Купание» (или «Медитация»), на котором были бы изображены отдыхающие, однако дом Щукина был двухэтажным, и его заказ предполагал создание только двух композиций, вследствие чего «Купание» сохранилось лишь в набросках автора. Тема панно «Музыка» была близка и Щукину, при обсуждении заказа писавшему, что у него дома часто исполняют классические произведения, а в зимнее время регулярно даются концерты[2].Незадолго до отправки в Россию оба панно были выставлены на парижском «Осеннем салоне» 1910 года, вызвав грандиозный скандал эпатирующей обнажённостью персонажей и неожиданностью трактовки образов[3]. В связи с этим Щукин отказался от них, но уже вскоре, по прибытии в Москву, изменил своё решение. В срочной телеграмме, отправленной Матиссу, он сообщил, что окончательно согласен приобрести работы, а затем подтвердил свои намерения письмом «Сударь, — писал коллекционер, — в дороге (два дня и две ночи) я много размышлял и устыдился своей слабости и недостатка смелости. Нельзя уходить с поля боя, не попытавшись сражаться»[4].
Примечательно, что, несмотря на своё согласие «сражаться», при получении картины Щукин попросил Матисса закрасить гениталии изображённых на ней персонажей, которые, в частности, стали одной из причин скандала на Осеннем Салоне. Этой просьбой он опроверг свои слова о решении «пойти наперекор нашим буржуазным воззрениям и поместить на лестнице своего дома картину с обнажёнными»[5]. Щукин понимал, что для признания художника московской публикой его собственных убеждений было недостаточно.
Обе картины — «Танец» и «Музыка» — благополучно прибыли из Парижа в Москву в начале декабря 1910 года.
Картина
Работая над мужскими фигурами при написании картины, Матисс стремился свести их к элементарным формам[1]. Он осознанно лишал героев индивидуальности, наделяя их почти идентичными чертами лица и телосложением, чтобы изображённое воспринималось зрителем как единое целое. Своей главной задачей художник считал достижение цветовой гармонии полотна с опорой на контраст: следуя поставленной цели, он окрасил фигуры персонажей в яркий пунцовый оттенок, сбалансировав его интенсивными цветами синего неба и зелёной травы. Таким образом, Матисс сумел усилить выразительность палитры за счёт яркости всего лишь трёх цветов — «небесной лазури, розовой свежести тел и зелени холма»[6]. Примечательно, что мужские фигуры изначально были обведены чёрным контуром, лишь впоследствии заполненным краской. Фон в «Музыке», предельно упрощённый художником, играет второстепенную роль[7].
Всего на холсте изображено пятеро персонажей, двое из которых играют на музыкальных инструментах — скрипке и двуствольной свирели, а остальные поют. Поза музыканта-скрипача была детально, точно воспроизведена Матиссом, поскольку тот сам владел игрой на скрипке. Все люди на картине находятся в неподвижности, оцепенении. Матисс сознательно выписал их силуэты упругими, гибкими линиями, чтобы придать полотну музыкальный ритм[6].
Поиск композиционного решения не давался автору картины легко: известно, что Матисс неоднократно переписывал сцену. Так, в первоначальной версии «Музыки» у ног скрипача находилась собака. По мнению ряда исследователей творчества художника, это было отголоском древнегреческого мифа об Орфее, зачаровывавшем своей игрой на лире и людей, и животных[5].
Сам Матисс не упоминал о какой-либо трактовке «Музыки». Существует лишь предположение о том, что изображённые в правой части холста три подогнувших колени фигуры могут олицетворять нотные знаки, а скрипач символизирует скрипичный ключ[1]. Другие искусствоведы полагают, что пунцовый, зелёный и синий оттенки композиции соответственно символизируют три стихии — огонь, землю и воздух[8].
Написанное как парное к «Танцу», панно «Музыка» имеет ряд сходств и отличий в сравнении с ним. Полотна объединяет схожесть цветовых гамм и количество изображённых фигур. Но, если на «Танце» изображены женские персонажи, то на «Музыке» — мужские. Герои «Танца» динамичны, они стремятся вырваться за пределы полотна, в то время как фигуры в «Музыке» — статичны, спокойны и практически изолированы друг от друга, полностью погружены в музыку[1]. «Танцем» правит дионисийское начало, «Музыкой» — аполлоническое[9].
Примечания
- ↑ 1 2 3 4 «Художественная галерея», 2005, с. 11
- ↑ Апель, 2007, с. 58—60
- ↑ Самин, 2004, с. 349—350
- ↑ Апель, 2007, с. 58
- ↑ 1 2 Апель, 2007, с. 61
- ↑ 1 2 Геташвили, 2006, с. 291
- ↑ «Художественная галерея», 2005, с. 10
- ↑ Самин, 2004, с. 349
- ↑ Апель, 2007, с. 60—61
Литература
Ссылки
dic.academic.ru
Живопись и музыка — Юнциклопедия
Великий итальянский художник эпохи Возрождения Леонардо да Винчи назвал музыку «сестрой живописи». И действительно, эти два вида искусства развивались параллельно, соприкасаясь не менее тесно, чем музыка и поэзия (см. Музыка среди других искусств). Музыканты и музицирование, музыкальные инструменты служили излюбленной моделью для изобразительного искусства разных эпох. Античные барельефы и вазы с изображением музыкантов, играющих на авлосах и кифарах, сменяются средневековыми фресками и иконами с изображениями музицирующих ангелов. В эпоху Возрождения художники пишут картины, персонажи которых — участники концертов («Сельский концерт» Джорджоне). В Эрмитаже экспонируется одна из лучших картин итальянского художника конца XVI — начала XVII в. Караваджо — «Лютнист». Музыкальные инструменты сохранили свою привлекательность и для современных живописцев. На полотнах П. Пикассо, например, можно часто увидеть скрипку, «разъятую» на части для того, чтобы показать в разных ракурсах ее детали — деки, гриф и т. д. Внутренний мир выдающихся музыкантов, многогранность их личности и глубину творческих исканий раскрывают портреты Ф. Шопена (художник Э. Делакруа), М. П. Мусоргского и А. П. Бородина (художник И. Е. Репин), Н. А. Римского-Корсакова (художник В. А. Серов), Ф. И. Шаляпина в роли Бориса Годунова (художник А. Я. Головин), С. С. Прокофьева (художник П. П. Кончаловский), К. Н. Игумнова (художник П. Д. Корин), К. А. Караева (художник Т. Т. Салахов) и др.
Однако художники нередко пытались изображать и сами музыкальные формы. Это оказалось возможным потому, что в музыкальной и живописной композиции часто действуют сходные закономерности. Для живописи, например, важны понятия ритма, движения, для музыки — колорита, симметрии. Мы говорим о линии в изобразительном искусстве, но также о мелодической линии в музыке, о пропорциях и там и здесь. Казалось бы, невозможно живописными средствами передать принципы формы музыкального произведения. Однако литовский художник и композитор М. К. Чюрлёнис пишет картины под названием «Фуга», «Соната весны. Анданте».
Музыка и сама великолепно умеет живописать, рисовать. Уже в XVII—XVIII вв. существовали жанры музыкального портрета и жанровой музыкальной зарисовки. Пьесы для клавесина Ф. Куперена носят названия «Любимая», «Финетта», «Жницы», «Вязальщицы». В фортепьянном цикле «Карнавал» Р. Шуман нарисовал портреты своих выдающихся современников: скрипача Н. Паганини, композитора Шопена. В XX в. композитор П. Хинде-мит дал целое жизнеописание художника Ма-тиса Нитхардта в симфонии «Художник Ма-тис». В XIX в. появляется особый жанр — симфоническая картина (см. Симфоническая музыка). Вспомните, как замечательно изображает море Римский-Корсаков (симфоническая картина «Садко»), сказочные персонажи А. К. Лядов («Баба-Яга», «Волшебное озеро», «Кикимора»). Мусоргский создал цикл по картинам художника и архитектора В. А. Гартмана — «Картинки с выставки». Тут и «Балет невылупившихся птенцов», и «Гном», и «Богатырские ворота». Можно назвать такие произведения, как «Море» и «Эстампы» К. Дебюсси, «Живопись» советского композитора Э. В. Денисова (см. Программная музыка).
Особое явление у музыкантов — цветной слух, при котором отдельные тона и тональности музыкального произведения ассоциируются с определенными цветами. Цветным слухом обладали Р. Вагнер, Римский-Корсаков. В поэме А. Н. Скрябина «Прометей» в нотах выписана специальная цветовая строка. По замыслу композитора исполнение поэмы должно было сопровождаться проецированием на экран цветовой гаммы (см. Светомузыка) .
Людей искусства всегда волновала проблема синтеза музыки и живописи. Наиболее органично синтез этот осуществился в операх и балетах. Вы прекрасно знаете, как важны хорошие, соответствующие музыке костюмы и декорации в театре. Мировым успехом в начале XX в. пользовались выступления артистов русского балета в Париже (так называемые «Русские сезоны» под руководством С. П. Дягилева). И этот успех с артистами заслуженно разделили талантливые художники — А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих, Н. С. Гончарова, создавшие прекрасные декорации и костюмы к балетам И. Ф. Стравинского «Петрушка», «Жар-птица», «Весна священная», к «Шехеразаде» на музыку Римско-го-Корсакова и др.
Наконец, само нотное письмо имеет много общего с изобразительным искусством, а именно с графикой. Красиво написанный нотный текст производит эстетическое впечатление. К тому же ноты не всегда были круглыми и помещались на линейках, в средневековье существовали графически разнообразные не-вменная и крюковая нотации (см. Нотная запись). Ноты, как и книги, часто украшались живописными миниатюрами, в XI—XII вв. писали на разноцветных строчках. Партитуры некоторых современных зарубежных композиторов иногда специально демонстрируют в выставочных залах как произведения графики.
yunc.org
