Музей ЧерномырдинаОписание картины Зинаиды Серебряковой «Автопортрет». Картина автопортрет
«Автопортрет. За туалетом» Зинаиды Серебряковой — УМБРА
В весенне-летнем сезоне Третьяковская галерея посвятила большой проект Зинаиде Серебряковой. Ретроспективная выставка одной из первых профессиональных художниц России занимает два этажа Инженерного корпуса галереи. Такое исключение, когда все выставочное пространство здания отдано одному мастеру, до настоящего времени было сделано только для ретроспективы Марка Шагала. Выставку работ Зинаиды Серебряковой можно посмотреть до 30 июля. А в нашей рубрике рассказываем о картине художницы «Автопортрет. За туалетом». Благодаря этой работе о Серебряковой заговорили как о состоявшемся мастере, а картину приобрела Третьяковская галерея.
Автопортрет «За туалетом»Зинаида Серебрякова написала в 1909 году в родном селе Нескучное (сейчас в составе Харьковской области). К этому времени 25-летняя художница была замужем за своим двоюродным братом Борисом Серебряковым, у них родились двое сыновей. Зинаида писала об истории создания картины, что зима выдалась снежная, муж был по работе в Северной Сибири, должен был вернуться на Рождество: «Осенью я решила остаться с детьми еще несколько месяцев в Нескучном, но на хуторе, где дом был маленький, и его можно было протопить зимой легче, чем большие высокие комнаты в Нескучном. Зима в этом году наступила ранняя – все было занесено снегом: наш сад, поля вокруг; всюду сугробы; выйти нельзя, но в доме на хуторе тепло и уютно. Я начала рисовать себя в зеркале и забавлялась изобразить всякую мелочь на «туалете»».
Картину «За туалетом» высоко оценили критики и именитые мастера
Автопортрет простотой и в то же время некоторой таинственностью трактовки образа. Художница изобразила не реального человека, а его отражение в зеркале. Чтобы у зрителей не оставалось сомнений на этот счет, на переднем плане слева изображен единственный в картине «существующий» в нашем мире предмет – подсвечник со свечой, написанный пастозными мазками, подчеркивающими его материальность. Многие художники при работе над автопортретами используют зеркало как подсобное средство, Серебрякову же, очевидно, заинтересовал сам мотив отражения.
Работа выполнена в светлых, теплых тонах, передающих солнечное морозное утро. Темная рама зеркала обозначает границы композиции и подчеркивает световую насыщенность изображения. Как драгоценности играют и переливаются в лучах солнца стеклянные флаконы с духами, бусины на шпильках, подсвечник, в живописном порядке расположенные на туалетном столике. Теплые тона фигуры и предметов на первом плане контрастируют с холодным голубовато-зеленым фоном, создавая ощущение пространственной глубины. Серебрякова подобно старым мастерам тщательно моделирует форму, пишет многослойно, используя разнообразные градации цвета и тонкие светотеневые переходы. Светлый, мажорный колорит делает «отраженный» мир ярким и воздушным. Добиваясь осязаемой материальности в изображении таинственного мира, «существующего» по ту сторону зеркала, художница как бы стремится проникнуть в глубоко спрятанную тайну человеческой природы и самой жизни. Серебрякова создает идеальный образ гармонически совершенного человека, но это только мечта, мимолетная «реальность» отражения.
Зинаида Серебрякова с детьми
Картина «Автопортрет. За туалетом» в середине февраля 1910 года был представлен в Петербурге на VII выставке Союза русских художников. Работа была хорошо встречена и критиками, и более старшими коллегами Серебряковой. Художник Валентин Серов говорил об автопортрете, что это «очень милая и свежая вещь». Прямо с выставки картину приобрела Третьяковская галерея, где «Автопортрет. За туалетом» (холст, масло 75х65 см) хранится до сих пор. Кстати, дядя Серебряковой художник Александр Бенуа рекомендовал назначить цену за эту работу в 500 рублей. Искусствоведы автопортрет «За туалетом» относят к ряду основных произведений Зинаиды Серебряковой: «Баня», «Жатва» и «Беление холста».
7 важных фактов о Зинаиде Серебряковой
1. Зинаида Серебрякова родилась 10 декабря 1884 года в селе Нескучное Курской губернии (сейчас Харьковская область). В ее семье говорили: «У нас все дети рождаются с карандашом в руке». Художница с ранних лет росла в атмосфере искусства. Ее дед Николай Бенуа был известным архитектором, отец Евгений Лансере – скульптором, мать Екатерина Бенуа – художником-графиком, дядя Александр Бенуа – знаменитым художником. Братья Серебряковой Николай и Евгений Лансере тоже связали себя изобразительным искусством. Старший сын Зинаиды Серебряковой стал архитектором, еще один сын и две дочери – художниками.
Зинаида Серебрякова «Портрет Е. Н. Лансере, матери художницы», 1912
2. Сцены простой деревенской жизни – еще одна излюбленная тема Зинаиды Серебряковой помимо портретов. Нескучное, окруженное лугами, лесами, сцены крестьянской жизни и близость к обычным людям вдохновляли художницу. Часто крестьяне, как, например, в картине «Беление холста», напоминают монументальные фигуры.
«Беление холста», 1917
3. После революции жизнь Зинаиды Серебряковой резко переменилась. Ей пришлось уехать из Нескучного, семейное имение было разграблено и сожжено. В 1919 году на руках художницы умер от тифа муж Борис. Зинаида больше не вышла замуж.
«Портрет Б. А. Серебрякова», 1900-е
Серебрякова осталась одна с четырьмя детьми и пожилой матерью. Начинается голод, Зинаиде приходится зарабатывать деньги и одной содержать семью, с которой они переехали в Петроград. Тем не менее, она не оставила живопись. Заказчиков было немного, они предпочитали за работу отдавать не деньги, а продукты. Серебрякова писала: «Котлеты из картофельной шелухи были деликатесом на обед».
«Карточный домик» Серебрякова написала после смерти мужа в 1919 году
4. Одна из значимых серий в творчестве Серебряковой посвящена балету. В Петрограде ее старшая дочь Татьяна поступила в балетное училище. С 1920 по 1924 Серебрякова часто бывала за кулисами Мариинского театра. В ее жизни снова появляется искусство и атмосфера праздника. Художница создает произведения, на которых ее балерины похожи на невесомые снежинки.
«Балетная уборная. Снежинки», 1923
5. В 1924 году в 40 лет Зинаида Серебрякова уезжает в Париж на заработки, ей заказали декоративное панно. Художница предполагала, что уедет на несколько месяцев, но на родину она больше не вернулась. После этого заказа Зинаиде было сложно найти работу. Французское общество восторгалось ар-деко, а работы Серебряковой не оценивались высоко. Все, что ей удавалось заработать, она отправляла детям. Отношения между СССР и странами Запада становились все более закрытыми. При содействии Красного креста Серебряковой удалось добиться того, чтобы к ней приехали сын Саша и дочь Катя. Александр стал брать заказы и писать интерьеры богатых домов, Катя взяла на себя быт. Дочь стала в то время главной моделью художницы. Екатерина посвятила себя таланту матери и именно благодаря ее труду многие работы Серебряковой вернулись в Россию.
«Порт Коллиур», 1930
6. В период жизни во Франции Зинаида Серебрякова путешествовала в соседние страны, выполняла заказы. Наиболее вдохновение художница получила от поездки в Марокко, где она была дважды в 1928 и 1932 годах. Художница несмотря на все трудности и удары судьбы оставалась верна себе, в своих произведениях она создавала мир красоты и праздника. Серебрякова писала: «Как ужасно, что современники не понимают почти никогда, что настоящее искусство не может быть «модным» или «немодным», и требуют от художников постоянного «обновления», а, по-моему, художник должен оставаться сам собой!».
«Освещенная солнцем», 1928
7. Разлука с двумя другими детьми угнетала Серебрякову. Во время Второй Мировой войны переписка с ними и вовсе оборвалась. Встреча с Татьяной состоялась только через 36 лет в 1960 году в период хрущевской оттепели. Она смогла приехать во Францию и, наконец, увидеть мать. А незадолго до смерти художницы и Евгений смог встретиться с матерью. Через пять лет в России состоялась первая выставка работ Серебряковой. Но художница не смогла на нее приехать по состоянию здоровья. Зинаида Серебрякова умерла в 1967 году в возрасте 82 лет. Похоронена на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа.
«Автопортрет», 1956
В материале использованы данные из книги «Зинаида Серебрякова» Е. В. Ефремовой.
umbra.media
только гений сможет найти на этой картине автопортрет художника.: 101
Вокруг известных произведений изобразительного искусства витают легенды. Одна только «Мона Лиза», побившая все рекорды популярности своей таинственностью, чего стоит!
Предлагаю хорошенько рассмотреть несколько известных картин, на которых содержатся очень интересные скрытые детали. Уверен, вы даже не обращали внимания на них! Но сейчас у вас будет возможность внимательнее посмотреть на изображения и попробовать ответить на мои вопросы.
Начнем с простейшего. На этой картине скрыт автопортрет художника. У вас есть ровно 10 секунд, чтобы отыскать его.
Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»
Ну что, нашли? Вот же он, прячется за спинами пары!
А какая скрытая деталь смущает тебя на этой картине?
Рафаэль «Сикстинская мадонна»
Обратите внимание на облака: они вам ничего не напоминают? Головы ангелов, например?
Картина «Мадонна со святым Иоанном» художника Доменико Гирландайо также скрывает кое-что интересное...
Только посмотрите на эту летающую тарелку! НЛО пожаловали к нам в гости?
А что не так с этой картиной?
Тивадар Костка Чонтвари «Старый рыбак»
На ней, оказывается, скрываются 2 стороны одного рыбака: добрая и злая.
На картине «Сотворение Адама» знаменитого Микеланджело изображен человеческий мозг.
В фигуре и окружении Бога передано точное его строение.
А теперь внимательно всмотритесь в лица Христа и Иуды на полотне Леонардо да Винчи «Тайная вечеря».
Мало кто об этом знает, но для этих двух персонажей позировал один и тот же человек!
И это еще далеко не весь список картин, которые скрывают в себе весьма любопытные детали. Для того чтобы замечать их, рассматривая произведения живописи, нужно лишь немного включать фантазию. Вокруг ведь так много интересного, нужно только уметь замечать это!
А вам известны еще какие-нибудь загадки, зашифрованные в картинах?
©
101.livejournal.com
ARTandYou.ru - История искусства - Экспериментальные автопортреты в истории живописи.
Экспериментальные автопортреты в истории живописи.
Особую роль автопортрет начал играть с эпохи Возрождения, как следствие растущего самосознания личности художника. С тех самых пор он мог принимать различные формы, но прочно и навсегда укоренился в искусстве. Автопортрет не только своего рода документ, сохраняющий внутренний и внешний облик художника, это, скорее, экспериментальное изучение собственной личности. Неслучайно, существует огромное количество автопортретов, изучающих «я» художника через различные роли – Христа, клоуна, жертвы и т.д., а порой и вовсе граничащих с радикальным отчуждением собственного «я». Внимание данной статьи будет обращено как раз на такие автопортреты – исследования, автопортреты – эксперименты, нежели зеркальные изображения художниками самих себя.
Дюрер. Автопортрет в образе Христа (около 1500). Старая Пинакотека Мюнхен.
Иератическая фронтальность и композиционная близость образам Христа граничит с богохульством, поражая современного зрителя. В самом же деле, ренессансная переоценка ценностей, согласно которой художник становится не ремесленником, но яркой творческой индивидуальностью прямым образом отразилась в данном автопортрете. Дюрер, в творчестве которого автопортрет занимал не последнее место, всегда был склонен к самолюбованию, в этом же портрете он прямым текстом сравнивает себя творца, с Богом творцом.
Микеланджело. Фрагмент фрески «Страшный суд». (1537-1541) Сикстинская Капелла. Автопортрет на коже Св. Бартоломью.
В центре фрески Микеланджело «Страшный суд» наш взгляд падает на сцену, символизирующую атрибуты апостола и мученика Св. Бартоломью. В своей правой руке он держит нож, при помощи которого согласно легенде с него была заживо снята кожа, в левой - он держит саму кожу, включающую искривленное муками лицо. Современники отмечали поразительное сходство застывшей в муке гримасы с упрямым и меланхоличным лицом художника. Более того, их всегда поражал тот факт, что лицо на спущенной коже не несет сходства с лицом святого, сидящего на облаке. Более того, сам апостол демонстрирует безошибочное сходство с известным современником Микеланджело Пьетро Аретино. Те из современников художника, которые заметили это сходство, наверняка также слышали о личностной вражде между угрюмым титаном искусства и интригующим литератором. Сплетня и легенда сошлись воедино.
Караваджо. Давид с головой Голиафа. (1605-1606)
В отличие от Джорджоне, который иллюстрируя этот же сюжет поединка Давида и Голиафа, изобразил себя в роли Давида, Караваджо пишет автопортрет в роли отрубленной головы, поверженного Голиафа. В этом смысле, автопортрет Караваджо подобно изображению Микеланджело на спущенной заживо коже, решительно выражает самоосуждение и порицание. Задний фон, что весьма характерно для Караваджо, черный. Все фигуры словно выбрасываются на зрителя из тьмы. Для эффекта наибольшего отвращения, Караваджо разместил схваченную за волосы, истекающую кровью отрубленную голову на переднем плане максимально близко к зрителю, так словно она сейчас вывалится из картины прямо на нас. В лице поверженного Голиафа, весьма узнаваем сам Караваджо, по-крайней мере в своем нормальном виде, предстающий нам с других автопортретов. Здесь же, художник обезображивает свои собственные черты, искажая свое лицо в гримасе ненависти и страдания, увековеченной смертью. Глаза закатились, лицо искривилось в результате фатального ранения, рот, застыв в крике агонии, по-прежнему открыт, зубы выбиты, отовсюду хлещет кровь. Зачем Караваджо с таким осуждением и негативом изображает себя омерзительным и поверженным? Сложно сказать однозначно. Представив на мгновение, что автопортреты изначально инициировались, чтобы донести положительное сообщение, каким мог быть положительный посыл этого эксцентричного изображения? Возможно, что в последние годы своей жизни хулиган Караваджо, дискредитированный скандалами и преступлениями, связанными с его именем, пытался вернуть себе добрую репутацию. Возможно, это было публичное извинение за свои поступки. Его собственная безнравственность, изобретательное бесстыдство, жестокий нрав (напомним в 1606 году его преследовали за убийство), но в тоже время художественный гений – все это в конечном итоге могло послужить мотивом для комплексного самооправдания. Его живописное решение также может определяться еще и тем, что согласно христианской морали только тот, кто питает отвращение к самому себе и сокрушается в покаянии заслуживает должного возвышения. И только те, кто осознали безобразность, могут понять настоящую красоту.
Джеймс Энсор. Автопортрет с масками. 1899. Королевский музей изящных искусств, Брюссель, Бельгия
Энсор предстает в окружении масок, при этом его лицо (умышленно или нет) остается открытым взгляду. Фигуры в масках теснятся вокруг него, их бескровные лица и накрашенные губы воплощают наваждение мастера, боящегося быть растоптанным людской массой, поглощенным ее безднами. Цветовая палитра картины как будто «насыщена» непредсказуемой опасностью: плоть, розовая человеческая плоть на ней выглядит, как рана. С помощью тонкого карандаша и красок ярких прозрачных цветов с вкраплениями сочных, даже ядовитых оттенков, Энсор привносит в композицию ощущение скрытой угрозы. Комический аспект здесь уступает место трагизму смертельной игры с заранее определенным концом: в центре толпы, готовой на все, оскалившейся гримасами, человеку ничего не остается, как только спасаться бегством. И все же на полотне Энсора герой словно находится под защитой своей «нормальности», которая позволяет ему стоять отдельно от ревущих, хохочущих масс. Это гротескное изображение буржуазного мира, его глубины спрятаны под масками, однако именно через них они находят визуальное воплощение.
Эгон Шиле. Мастурбация. Автопортрет. 1911. Графическое собрание Альбертина Вена.
Эгон Шиле один из основоположников жанра обнаженного автопортрета, он написал их более сотни. Шиле, как представитель экспрессионизма рассматривает живопись непосредственно как часть себя и своего мира. Если, у предшествующих ему импрессионистов мир и личность художника находились в гармонии, то в экспрессионизме окружающий мир воспринимается художником, как часть его подсознания, вогнутое зеркало, в отражении которого сосредоточен весь мир и собственное «я». Сам художник говорил: «Когда я вижу себя целиком, я должен видеть себя и знать, чего я хочу, знать не только, что происходит внутри меня, но и насколько я способен выглядеть, какие средства находятся в моем распоряжении, из каких загадочных субстанций я создан и что из той большей части я воспринимаю и воспринял до сих пор». Вполне может быть, что в рамках данного автопортрета Шиле занимался изгнанием сексуальных демонов и проживал в своей воображении «импульсы, которые не всегда могли удовлетвориться в реальности». Другими словами, изображение своих страстей и желаний означает борьбу с ними. (ссылка на обнаженный портрет в творчестве Эгона Шиле)
Фрида Кало. Мое рождение. 1932.
Фрида Кало, несколько лет своей жизни прикованная к кровати была вынуждена писать лишь себя, впрочем, и в последующие годы изучение своей собственной личности было основной темой ее работ. В данной картине художница запечатлевает видение своего собственного рождения. Более того, возможным мотивом к данной теме могло стать незадолго до этого полученное известие, что сама она детей иметь не может. Лицо матери Фриды закрыто покрывалом не случайно, во время работы над картиной она умерла. Для Фриды, занятия живописью всегда были своеобразной терапией, при помощи которой она сублимировала многочисленные физические и моральные страдания, выпавшие на ее долю. Перенося их на холст, она словно освобождалась от боли. Тем не менее, тот факт, что творчество Кало – это нечто большее, чем просто субъективное осмысление собственного опыта, не подлежит сомнению.
Фрэнсис Бэкон. Автопортрет 1973.
Бэкон, будучи героем чрезвычайно актуальным своему времени, своим творчеством выражал абсолютную экзистенцию, постоянно находясь в поиске самого себя и смысла своего существования как представителя человеческого рода. В своих многочисленных интервью, он с сарказмом и презрением осуждал бессмысленность мира, чем снискал титул «экзистенционалиста живописи». В своем творчестве он ставил вопрос: а возможно ли визуально уловить и зафиксировать моральный упадок, потерянность, тоску и одиночество современной эпохи? Бэкон полагал, что возможно. Одним из примером этих поисков является его автопортрет 1973 года. Художник на нем сидит в пустой комнате. В глаза бросается неестественность его позы. Он скрутил свое тело так, словно его что-то или кто-то мучает, и даже стул выглядит издевающееся неудобным. Лицо также искривлено, краски растекаются, размазывая череп в какую-то густую массу, при этом волосы, глаза и рот выглядят абсолютно дикими. Детали бросаются нам в глаза, проявляясь в наручных часах, ботинках, четкости остального изображения. Выключатель на стене с вертикальной линией провода играет в картине не менее важную роль, чем фигура на центральном фоне или театральная обстановка вокруг, напоминающая помещение для реквизита или кулисы.
artandyou.ru
Автопортрет — WiKi
Автопортре́т (от «автор» и «портрет») — портрет самого себя. Обычно имеется в виду живописное изображение; однако автопортреты бывают и скульптурные, литературные, фото- и кинематографические и т. д.
Многие художники-портретисты создавали автопортреты, причём некоторые написали рекордное число своих изображений. Иногда художники помещали своё изображение в групповые портреты. Полагают, что некоторые художники писали с себя портреты персонажей противоположного пола. Некоторые художники, страдавшие неврологическими заболеваниями, оставили после себя автопортреты. Эти картины позволили медикам проанализировать нарушения работы мозга; многие из них прочно вошли в учебники неврологии…
Виды автопортрета
Искусствовед Васильева-Шляпина выделяет два основных вида автопортрета: профессиональный, то есть тот, на котором художник изображен за работой, и личностный, раскрывающий моральные и психологические черты. Она также предлагает более детальную классификацию: 1) «вставной автопортрет» — художник изображен в группе персонажей какого-то сюжета; 2) «представительский, или символический, автопортрет» — художник изображает себя в образе исторического лица или религиозного героя; 3) «групповой портрет» — художник изображен с членами семьи или другими реальными лицами; 4) «отдельный или естественный автопортрет» — художник изображен один.
-
Профессиональный автопортрет Карла Людвига Йессена, на котором художник изображает себя за работой
-
Картина Боттичелли «Поклонение волхвов» содержит вставной автопортрет художника
Идентификация автопортретов
«Взгляд, устремлённый прямо на зрителя, и несколько неестественная асимметрия абриса лица, возникшая за счет зеркального переворота изображения — характерные приметы, по которым обычно опознаются автопортреты в многофигурных композициях», указывает Гращенков В. Н. в своем исследовании, посвященном Раннему Возрождению[1].
Античность
Изображения художников за работой встречаются в древнеегипетской живописи, а также на древнегреческих вазах. Одно из первых упоминаний об автопортрете конкретного художника встречается у древнегреческого философа и биографа Плутарха (ок. 45 — ок. 127), который пишет о том, что живший за несколько веков до него древнегреческий скульптор Фидий (ок. 490 до н. э. — ок. 430 до н. э.) включил самого себя в число персонажей композиции «Битва амазонок» в Парфеноне. Битва греков с амазонками была высечена на щите статуи Афины, а также на западной стене храма.
Эпоха Возрождения
Итальянский художник и архитектор Джотто (1267—1337) включил себя в цикл «знаменитых людей» в неаполитанской кастели.
Итальянский живописец Мазаччо (1401—1428) изобразил себя одним из апостолов в росписи капеллы Бранкаччи.
Тосканский художник Боттичелли (1447—1515) сделал себя героем картины «Поклонение волхвов».
Наиболее известное изображение Леонардо да Винчи (1452—1519) многие исследователи считают поздним и единственным автопортретом. Однако, другие искусствоведы полагают, что принадлежность этой работы Леонардо полностью не доказана. Существует версия, впервые высказанная писателем Мережковским, что Леонардо положил в основу знаменитой картины «Мона Лиза» собственный автопортрет.
Изображали себя и Рафаэль (1483—1520), и Микеланджело Буонарроти (1475—1564). Полагают, что Микеланджело придал сходство собственному лицу изображению содранной со святого Варфоломея кожи в сцене «Страшного суда» в росписи Сикстинской капеллы.
Тициан (1477—1576) выполнил «Автопортрет с Орацио и Марко Вечелио», который, по мнению критиков, имеет глубокое философское содержание. На полотне изображены сам Тициан, его сын и родственник Марко. Известен также поздний автопортрет Тициана, который он написал в 1566 году.
Более пятидесяти автопортретов написал Альбрехт Дюрер (1471—1528). Первый (рисунок серебряным карандашом) был создан, когда художнику было тринадцать лет. Двадцатидвухлетний Дюрер изображен также на «Автопортрете с гвоздикой» (1493, Лувр). Мадридский «Автопортрет» (1498, Прадо) изображает Дюрера человеком солидного достатка, добившимся признания. На следующем «Автопортрете» художник изобразил себя в образе Христа (Мюнхен, Старая Пинакотека).
Барокко
Большое количество автопортретов написал Рембрандт (1606—1669). Художнику одно время приписывалось около 90 картин, содержащих его собственное изображение. Однако, как показал анализ, 20 «автопортретов» на самом деле были выполнены другими художниками. Отвергнут был, например, «автопортрет», приобретенный Штутгартской галереей в 1962 году. Недавно был обнаружен самый маленький автопортрет Рембрандта, составляющий восемь дюймов в высоту и около семи дюймов в ширину.
Постимпрессионисты
Автопортрет Ван Гога Голова забинтована, так как художник сам себе отрезал часть уха Ван Гог написал более двадцати автопортретов, причём всего за два года.
Среди рекордсменов по количеству автопортретов Фрида Кало. Она писала сама себя 55 раз.
Широко распространены два способа получения фотоавтопортретов: фотографирование своего отражения в зеркале, и фотографирование себя с фотоаппарата на вытянутой руке- селфи (по современному)
Известна работа Е.Лангмана, сфотографировавшего своё отражение на поверхности никелированного чайника. Отдельно стоит отметить работы американской художницы Шерман, Синди работающей в жанре постановочной фотографии.
Автопортреты художников, страдавших теми или иными заболеваниями, дают медикам уникальную возможность для исследования самовосприятия у людей с психологическими, психиатрическими или неврологическими нарушениями.
Российский сексолог Кон в своей статье о мастурбации отмечает[2], что привычка мастурбировать запечатлена в произведениях искусства, в частности живописи. Так австрийский художник Эгон Шиле изобразил себя за этим занятием на одном из автопортретов. Кон считает, что художник передает этой картиной не удовольствие от мастурбации, а чувство одиночества. Творчество Шиле анализируют и другие исследователи сексуальности, в частности исследователи педофилии.
ru-wiki.org
Описание картины Зинаиды Серебряковой «Автопортрет»
Картина создана зимой 1909 года в небольшом имении Нескучное. Художнице Зинаиде Серебряковой было тогда 25 лет. Она ждала мужа, который собирался заехать за ней и детьми, возвращаясь из Северной Сибири.
Рождество планировали встречать в Петербурге. То утро выдалось ослепительно солнечное и морозное. Счастливая молодая женщина, проснулась в залитой солнцем комнате, встала и, подойдя к зеркалу, просто улыбнулась своему милому отражению, начала расчесывать волосы.
Незатейливый сюжет, милые женские безделушки на столе перед зеркальной рамой – флаконы, спицы, отраженная в зеркале свеча, простой интерьер деревенской комнаты за спиной. Стройное, красивое, едва прикрытое женское тело, кокетливо приспущена с левого плеча бретелька ночной сорочки, серебряный браслет на запястье правой руки, которая удерживает пышные, длинные, темные волосы. В левой руке расческа. Картина полна солнечного света и чистого воздуха.
Взгляд черных, озорных, счастливых глаз привлекает внимание, является доминирующим акцентом картины. Хочется долго и пристально смотреться в эти прекрасные глаза, такие живые, наполненные радостью жизни, энергией молодости и глубокой душевностью. В приподнятом изгибе черных бровей, в полуулыбке ярких, сочных губ, в игривом повороте головы читается простое человеческое счастье, для которого не так уж много надо.
«Автопортрет» и сейчас является экспонатом Третьяковской галереи, а для самой Зинаиды Евгеньевны он остался воспоминанием о тех удивительных, наполненных подлинным чувством днях, которые безвозвратно ушли в прошлое. Спустя всего 10 лет Серебрякова, похоронив мужа, будет сама воспитывать четверых детей, ухаживать за больной матерью, но не перестанет творить. Ее картины поражают глубиной внутреннего смысла и свежестью внешнего обаяния. Лучшей по праву считается «Автопортрет» художницы.
opisanie-kartin.com
Автопортрет (картина Петрова-Водкина) — WiKi
В творчестве К. С. Петрова-Водкина 1918 год был годом натюрморта. В его письмах к матери из Петрограда присутствует ощущение разрушения привычного жизненного уклада. Работа стала одним из немногих примеров обращения к другому жанру, неким итогом напряжённых размышлений о месте и роли художника в «апокалипсические времена», «поиском стабильности в глубинах собственной личности».[2]
По мнению Л. Зингера, ссылающегося на К. А. Федина и А. Н. Самохвалова, лично хорошо знавших К. С. Петрова-Водкина, портрет 1918 года достоверно передаёт облик художника. Но значение работы, конечно, не исчерпывается внешним сходством. Созданный образ помогает глубже понять чувства и переживания художника-мыслителя перед выбором, поставленным эпохой, его сложный, противоречивый характер.[3]
Схожей оценки придерживается и Л. Большакова. Известно, что в январе 1918 года К. С. Петров-Водкин избирается профессором Академии художеств. Чувство ответственности дополнялось в эти дни у художника отчётливым пониманием тех возможностей, которые открыла перед ним революция для построения нового искусства России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. По мнению Л. Большаковой, «такая позиция демиурга—хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета».[1]
Об «Автопортрете» 1918 года К. С. Петрова-Водкина писали многие известные исследователи как творчества художника, так и истории советского портрета. Среди них Л. В. Мочалов, В. А. Леняшин, Л. С. Зингер, Н. Л. Адаскина и другие.
В. А. Леняшин называет портрет «идеальным образом идеального портретиста Революции». «В планетарно-сферической мощи черепа, аскетизме внешнего облика, — рабочий, художник, комиссар? — в прозревающей будущее неумолимой пристальности взгляда есть простота и надменность, свойственные избранным — тем, кто посетил мир в его роковые минуты, чтобы идти и исцелять слепых. Это … благородный образ никогда не улыбающегося художника-подвижника, художника-мученика, жетрвующего собой, наступающего „на горло собственной песне“, но требующего жертвы и от других… За его головой просматриваются очертания креста — неверие, доведённое до уровня новой религиозности».[4]
По мнению Л. С. Зингера, автопортрет 1918 года стал «своеобразным прологом к портретной галерее К. С. Петрова-Водкина советского периода. Это произведение одновременно отмечено и мудрой зрелостью большого таланта, и стремлением к открытию нового, и чувством ответственности за будущее людей. Л. С. Зингер называет работу превосходным образцом живописного самоанализа, отразившего сложные переживания художника в переломную историческую эпоху.»[5]
Большинство исследователей также указывает на «Автопортрет» 1918 года как на отправную точку в утверждении монументальных тенденций в постреволюционной советской станковой картине в целом и в жанре портрета в частности.
В. А. Леняшин идёт в своих оценках работы дальше. «От „Автопортрета“, — пишет он, — начинается тот тернистый путь, по которому, дав „присягу чудную четвёртому сословью“, двинулись пылкие тирибуны революции и те, кто, „по стране родной прошёл стороной, как проходит косой дождь“. Это был путь к „Октябрю“ С. М. Эйзенштейна и „Посвящению Октябрю“ Д. Д. Шостаковича, „Дням Турбиных“ М. А. Булгакова и „Чевенгуру“ А. П. Платонова, к малютинскому „Портрету Н. Гибнера“ с его ласково-твёрдым прищуром и могучему „Горняку“ П. А. Осолодкова, „Краснофлотцам“ Б. Н. Ермолаева и „Девушке в футболке“ А. Н. Самохвалова, весенне-революционным „Формулам“ П. Н. Филонова и драматизму позднего К. С. Малевича».[6]
ru-wiki.org
Автопортрет Леонардо да Винчи.
Леонардо да Винчи. Автопортрет
1512 год. Библиотека Реале, Турин. Высокое Возрождение.
Автопортрет Леонардо да Винчи, портрет создан художником в возрасте 60 лет. Собственно, это рисунок на бумаге, размером 34,3 x 24,5 см, сангина, перо. Среди всех рисунков Леонардо да Винчи высшим достижением художника может считаться исполненный в последние годы жизни туринский автопортрет. Это образ человека огромной внутренней мощи, но черты его лица несут на себе отпечаток горечи, порожденной не только трудной личной судьбой, но и трагедией эпохи.В качестве основателя искусства Высокого Ренессанса, по существу, выступил один мастер, Леонардо да Винчи, и глубоко симптоматично, что он, как никто другой, оказался во всеоружии высших достижений материальной и духовной культуры своего времени во всех ее областях. Вклад художника Леонардо да Винчи в искусство Высокого Возрождения можно сопоставить с ролью Джотто и Мазаччо, зачинателей предшествующих этапов ренессансного искусства, с тем отличием, что соответственно условиям новой эпохи и большему размаху дарования Леонардо значение его искусства стало несравненно более широким. Леонардо да Винчи родился в 1452 году в селении Анкиано близ города Винчи, неподалеку от Флоренции. Он был внебрачным сыном зажиточного флорентийского нотариуса Пьеро да Винчи, мать его — простая крестьянка. Художественные способности проявились у Леонардо очень рано, и, когда в 1469 году он вместе с семьей перебрался во Флоренцию, отец отдал его в обучение к Андреа Верроккьо. Мастерская Верроккьо была одним из очагов разностороннего художественного образования, принципы которого сложились на протяжении кватроченто. Наряду с живописью, скульптурой и ювелирным искусством здесь изучали архитектуру и строительное дело. По давнему обычаю ученики помогали мастеру в выполнении его заказов, и это, в частности, сильно затрудняет определение авторства или меры участия Леонардо в работах данного периода, нередко выполнявшихся вместе с учителем и другим его известным учеником — Лоренцо ди Креди (1459—1537). Поэтому атрибуция леонардовских произведений 1470-х годов пока что не может считаться окончательной. Самыми ранними живописными работами художника этого десятилетия ныне считаются приписывавшиеся прежде самому Верроккьо картина «Благовещение» (Галерея Уффици, Флоренция) и портрет Джиневры де Бенчи (Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Источник: http://smallbay.ru/artreness/da_vinci00.html
Похожие записи
design-kmv.ru
