Музей ЧерномырдинаКультура абстракционизма. Творчество В.Кандинского и К.Малевича. Кандинский малевич картины
10 самых дорогих художников: vakin
Накал страстей на торгах Christie’s был нешуточный. Помимо непосредственной борьбы за «Супрематическую композицию» искусствоведы и галеристы ждали, побьет ли работа Кандинского ценовой рекорд продаж русских художников, установленный работой Марка Ротко в 2012 году? Рекорд остался прежним: цена «вопроса» — разница в 1 миллион долларов.1. Марк Ротко
Первое место в списке самых дорогих русских художников шестой год занимает знаменитый мастер живописи цветового поля Марк Ротко. Его полотно «Оранжевое, красное, желтое», написанное художником в 1961 году, было продано на торгах Christie’s 8 мая 2012 года за 86,88 миллиона долларов. Ценители искусства Ротко регулярно голосуют полновесным долларом за желание приобщиться к феномену этого загадочного художника. Картина «Оранжевое, красное, желтое» знаменита еще и тем, что стала самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.
Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое1961, 236.2×206.4 см
2. Казимир Малевич
«Супрематическая композиция» (1916) из легендарной серии Казимира Малевича стала самым дорогим лотом на распродаже Christie’s, прошедшей 15 мая 2018 года. Таким образом, Малевич остался номером 2 в ТОП-10 самых дорогих русских художников: хотя цена самой дорогой его работы поднялась с 60 млн долларов на торгах в 2008 году до 85,8 млн долларов в 2018, и всего 1 миллиона не хватило, чтобы Малевич возглавил список.
Картину приобрела частная галерея «Леви Горви», установив новый ценовой потолок для работ русского абстракциониста.
Казимир Северинович Малевич. Супрематическая композиция1916, 88.5×71 см
Появляясь на аукционах, работы Казимира Малевича всегда создают ажиотаж. Так было и в 2015 году, когда неизвестный покупатель приобрел на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке полотно «Мистический супрематизм» (1922). За картину, принадлежавшую наследникам художника, было заплачено 37,7 млн долларов.
Казимир Северинович Малевич. Мистический супрематизм1922, 100.5×60 см
В том же 2015 году, 24 июня был побит предыдущий максимум, который платили за Малевича на открытых торгах. За картину «Супрематизм. 18-я конструкция» (1915), которую также продавали наследники Малевича, на торгах Sotheby’s в Лондоне неизвестный покупатель заплатил 33,8 млн долларов.
Казимир Северинович Малевич. Супрематизм 18-я конструкция1915, 53.3×53.3 см
3. Василий Кандинский
21 июня 2017 года на торгах Sotheby’s «Картина с белыми линиями» Василия Кандинского была продана за 41,8 миллиона долларов. Она побила рекорд того же аукциона: за 20 минут до этого полотно «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом» (1909) «отца абстракции» было продано за 26,4 млн долларов. Эти две работы знаменуют переломные моменты как в творчестве художника, так и во всём искусстве XX века, и входят в небольшое число значительных картин Кандинского, остающихся в частных руках.
Василий Кандинский. Картина с белыми линиями1913, 119.5×110 см
Василий Кандинский. Мурнау. Пейзаж с зелёным домом1909
Рекорд по продажам картин Кандинского держался с 2012 года, когда его картина «Эскиз к импровизации № 8» была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 23 миллиона долларов.
Василий Кандинский. Эскиз для "Импровизации 8"1909, 98×70 см
А до 2012 года самой дорогой картиной Василия Кандинского была «Фуга» (1914). За нее 17 мая 1990 года на торгах аукционного дома Sotheby’s заплатил 20,9 млн долларов швейцарский коллекционер Эрнст Бейлер.
Василий Кандинский1914, 129.5×129.5 см
4. Марк Шагал
На вечерней распродаже произведений импрессионистов Sotheby’s 14 ноября 2017 года одна из ранних картин Шагала «Влюблённые» (1928) была продана за рекордные 28,5 млн долларов при эстимейте от 12 млн до 18 млн долларов. Война ставок между тремя претендентами длилась более десяти минут. На картине (Les Amoureux) художник изобразил себя со своей музой и первой женой Белой Розенфельд. Полотно было приобретено вскоре после завершения через парижскую галерею Bernheim Jeune & Cie. С и тех пор оно оставалось во владении одной семьи.
Марк Захарович Шагал. Влюблённые1928
Предыдущий «потолок» для открытых торгов картинами Шагала был достигнут еще в 1990 году. Тогда на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке японский бизнесмен и рьяный коллекционер работ Марка Шагала, Хиронори Аоки, купил картину «Юбилей» (1923). Новая жемчужина коллекции японца (около 30 картин Шагала) обошлась ему около 14 млн долларов.
Марк Захарович Шагал. Юбилей1915, 80.8×100.3 см
5. Хаим Сутин
11 мая 2015 года на торгах Christie’s в Нью-Йорке полотно Хаима Сутина «Бычья туша» («Le Bœuf»), написанное около 1923 года, было продано за 28,2 млн долларов, не превысив верхнюю планку эстимейта в 30 млн. Созданное в период с 1923 по 1925 год, полотно является одной из девяти картин с бычьими тушами, написанными Сутиным с натуры. Только три картины из этой серии находятся в частном владении.
Хаим Соломонович Сутин. Бычья туша1923, 81×60 см
6. Алексей Явленский
На момент продажи картины Алексея Явленского «Шокко в широкополой шляпе» специалисты называли эту сделку «инвесторской удачей». Если в 2003 году картину приобрели на Sotheby’s за 8,3 млн долларов, то на торгах этого же аукционного дома 5 февраля 2008 года цена на «Шокко» взлетела более чем в 2 раза и составила почти 18,6 млн долларов. Тогда многие подчеркивали способность цен стремительно расти одновременно с интересом к творчеству художника. Возможно, после экспозиции в Русском музее, открывшей творчество Явленского широкой публике, интерес к его работам у русских коллекционеров вырастет еще больше.
Алексей Георгиевич Явленский. Шокко в широкополой шляпе1910, 75×65.1 см
7. Валентин Серов
«Портрет Марии Цетлиной» (1910), написанный знаменитым русским живописцем, был продан на Christie’s 24 ноября 2014 года. Сумма, вырученная за картину — чуть более 14,5 млн долларов — стала рекордом специализированных «русских торгов», которые Christie’s регулярно проводит в Лондоне.
Валентин Александрович Серов. Портрет Марии Цетлиной1910, 109×74 см
8. Николай Рерих
Продажа картины Николая Рериха «Мадонна Лаборис» (1931) стала рекордом продаж произведений русских живописцев аукционным домом Bonhams. 5 июня 2013 года в Лондоне этот лот ушел с молотка за 12 млн долларов. До того момента максимальная цена работ Николая Рериха составляла порядка 3,4 млн долларов (2007 года). И вот 6 лет спустя на торги Bonhams была выставлена очень известная, даже хрестоматийная вещь, которая с 1930-х годов была недоступна широкой публике. Несмотря на то, что уменьшенная копия «Мадонны Лаборис» выставляется в Музее Рерихов в Нью-Йорке, обладание оригиналом и история, провенанс работы, определенно повлияли на высокие результаты торгов.
Николай Константинович Рерих. Мадонна Лаборис (Труды Богоматери)1931, 8.4×12.4 см
9. Наталья Гончарова
Единственное женское имя, попавшее в список десяти самых дорогих русских художников — «амазонка авангарда» Наталья Гончарова. На протяжении десяти последних лет ее работа «Цветы» (1912) остается самой дорогой среди картин русских художниц, реализованных на открытых торгах. Произведение было продано на аукционе Christie’s в Лондоне 24 июня 2008 года почти за 10,9 млн долларов, ненамного превысив верхнюю планку эстимейта.
Наталья Сергеевна Гончарова. Цветы1912, 72.7×93 см
10. Николай Фешин
Завершает десятку самых дорогих русских художников Николай Фешин и его картина «Маленький ковбой». С результатом в 10,8 млн долларов полотно было продано на аукционе Macdougall’s в Лондоне 2 декабря 2010 года — самый дорогой лот русского искусства, когда-либо проданный этим аукционным домом. Вдобавок к этому, картина оказалась и топ-лотом всей русской недели того года в Лондоне. С верхним пределом эстимейта в 700 тысяч фунтов, «Маленький ковбой» вызвал огромный ажиотаж и был куплен коллекционером из России.
Николай Иванович Фешин. Маленький ковбой1940, 7.6×5.1 см
Подготовлено по материалам публикаций artinvestment.ru, sothebys.com, christies.com, macdougallauction.com, bonhams.com, tass.ru, собственным публикациям Артхива. Титульная иллюстрация: коллаж из работ Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» (1961), Казимира Малевича «Супрематическая композиция» (1916), Василия Кандинского «Картина с белыми линиями» (1913).
Источник - Артхив
vakin.livejournal.com
Русский авангард. Творчество К. Малевича, В. Кандинского, М. Шагала и др.
⇐ ПредыдущаяСтр 26 из 27Следующая ⇒Феномен искусства 20 в., определяемый термином «русский авангард», не соотносится с какой-либо конкретной художественной программой или стилем. Этот термин окончательно закрепляется за радикальными новаторскими течениями, складывающимися в русском искусстве в предвоенные – 1907–1914 гг., выходящие на авансцену в годы революции и достигающие зрелости в первое послереволюционное десятилетие.
Различные течения художественного авангарда объединяет решительный разрыв не только с академическими традициями и эклектической эстетикой 19 в., но и с новым искусством стиля модерн – господствующим в это время повсеместно и во всех видах искусства от архитектуры и живописи до театра и дизайна.
Общим для русского авангарда был радикальный отказ от культурного наследия, полное отрицание преемственности в художественном творчестве и сочетание деструктивного и созидательного начал: духа нигилизма и революционной агрессии с творческой энергией, направленной на создание принципиально нового в искусстве и в иных сферах жизни.
На разных этапах эти новаторские явления в русском искусстве обозначались терминами «модернизм», «новое искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство» и др
Малевич Казимир Северинович (1878, Киев - 1935, Ленинград) - художник-авангардист. Родился в семье управляющего заводом.
На протяжении долгого времени Малевича постоянно упрекали в рационализме. Основание для этого довольно просто найти. Основание дают особенности его творческого пути, умозрительный характер супрематизма, а также склонность великого мастера Малевича к теоретизированию. Складывается такое ощущение, что наследие художника как будто распадается на разнородные части. Копирование натуры безумно не было его занятием. Малевич не раз повторял: «Скопировать природу - вот взять и так написать, как она есть - а вот она как хороша! А напишешь - будет неинтересно. Нужно что-то внести» такие слова на протяжении долгого времени Малевич говорил своим ученикам. Без осмысления своей живописной практики Малевич не мог бы носить гордое призвание художника. В 1916 году ему удалось сформулировать свою жизненную и творческую позицию: «Художник должен знать теперь, что и почему происходит в его картинах». Малевичу удавалось отдаваться полностью любому творческому порыву.
Он считал, что настоящий художник должен уметь ставить цели и добиваться их, а также анализировать свой труд и его плоды. Художник должен был быть и творцом, и теоретиком в одно и тоже время. Малевич не раз советовал своим коллегам «приводить все в систему». Система была одни из любимых понятий Малевича. Своих учеников Малевич заставлял осваивать системы французской живописи, как когда-то делал сам. «У меня чисто моего остается супрематизм, а остальное - не мое. Но я ничего не потерял от того, что проходил строго эти системы», - говорил художник в начале 1929 года. «Прохождение» систем имело не просто учебный характер. Малевич считал, что в живописи, также как и в науке: новое возникает на основе того, что было сделано ранее. Только следование «магистральным», объективно важным тенденциям искусства способно сделать индивидуальное творчество значимым. Не стоит им сопротивляться. «Нравится или не нравится — искусство об этом вас не спрашивает, как не спросило, когда создавало звезды на небе», - писал художник в 1916 году.
Он как будто вовсе не сомневался, что звезды сделаны искусством. Но изучение систем — не самоцель, оно является лишь подготовкой к созидательному творчеству. Очень трудно найти свой путь в лабиринте современных изгибов. Для Малевича главную роль играет самопознание, которое осуществляется погружением в себя, включением интуиции. В определенный момент каждому художнику необходимо отстраниться от «чужого» искусства, а также от любых внешних воздействий. Точные и правильные творческие решения возникают по «внутренней необходимости». Многие исследования показывают, что картины Малевича были написаны традиционным методом послойного письма. Иногда присутствовало применение классических лессировок. В творчестве Малевича часто боролись или мирно соседствовали импульсивность и рассудочность. У Малевича в технике начинали играть развитый рисунок, активный и динамичный мазок, сложные колористические и фактурные построения. В своей живописи Малевич был многогранен и целеустремлен, также как и в других сферах своей жизни.
Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря ст. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—1926). В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 семья осела в Одессе, здесь будущий художник закончил гимназию, получает также художественное и музыкальное образование. В 1885-93 (с перерывом в 1889-91) учился на юридическом факультете Московского университета, где занимался на кафедре политической экономии и статистики под руководством профессора А. И. Чупрова, изучая экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, и с 28 мая (9 июня) по 3 (17 июля)совершил этнографическую экспедициию по северным уездам Вологодской губернии.[1]
В 1893 г. В.Кандинский окончил юридический факультет. В (1895—1896) трудился художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёва и К°», на Пименовской улице, в Москве.
Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. В Мюнхене знакомится с русскими художниками: А. Г. Явленским, М. В. Верёвкиной, Д. Н. Кардовским, М. В. Добужинским, И. Я. Билибиным, К. С. Петровым-Водкиным, И. Э. Грабарем.
С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе.[2]
В 1900 г. поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой сам же и преподавал.
С 1900 г. Кандинский много путешествует, посетив Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывает в Одессе и Москве. Участвовал в выставках Московского товарищества художников.
В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.
В 1909 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник», членами которой стали известные художники-экспрессионисты, Франц Марк, Алексей Явленский, Марианна Верёвкина а также Пауль Клее. Тогда же у него прошла первая персональная выставка.
В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами.
После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой.
В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал свою автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918).
В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).
В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он уже не вернулся.
В Берлине Василий Кандинский начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре Кандинский получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.
В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию.
С 1933 по 1944 г. он жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе.
В 1939 г. Василий Кандинский принял французское гражданство. Умер Кандинский 13 декабря 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.
«Колебание»
«Композиция»
«Москва»
«Восток».
Марк Заха́рович Шага́л (фр. Marc Chagall, идиш מאַרק שאַגאַל; 6 июля 1887, Лиозно, Могилёвская губерния — 28 марта 1985, Сен-Поль-де-Ванс, Прованс, Франция) — российский и французский художник[1], график, живописец, сценограф и поэт (идиш) еврейского происхождения, один из самых известных представителей художественного авангарда XX века.
Основным направляющим элементом творчества Марка Шагала является его национальное еврейское самоощущение, неразрывно связанное для него с призванием. «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником», — сформулировал он свою позицию в одном из эссе.
От своего первого учителя Юделя Пэна Шагал воспринял представление о национальном художнике; национальный темперамент нашёл выражение и в особенностях его образного строя. Художественные приемы Шагала основаны на визуализации поговорок на идиш и воплощении образов еврейского фольклора. Шагал вносит элементы еврейской интерпретации даже в изображение христианских сюжетов («Святое семейство», 1910, Музей Шагала; «Посвящение Христу» /«Голгофа»/, 1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк) — принцип, которому он остался верен до конца жизни.
Помимо художественного творчества, Шагал на протяжении всей жизни публиковал стихотворения, публицистические эссе и мемуаристику на идише. Часть из них переводились на иврит, белорусский, русский, английский и французский языки.
mykonspekts.ru
Почему Кандинский и Малевич круты, и чем интересен "Аватар"
Меня спросила подруга: "Расскажи, почему крут Кандинский? Я не понимаю!" Я начала экать и что-то невнятно бормотать. Вскоре поняла, что в двух словах и не объяснишь. Поэтому прочитала мини-лекцию про королей и капусту про Кандинского и "Аватар".Вот, решила записать.
Начну издалека. С того, что как и у всего сущего, у искусства есть свои функции. Как то: культовая, воспитательная, эстетическая, информационная, концептуальная (можно вспомнить еще десяток функций).
Культовая функция преобладала многие тысячелетия. Еще первобытные люди в период палеолита связывали животных с их изображениями: они верили, что, убив их, обеспечат себе успех в предстоящей охоте, как мы все знаем. "В подобных находках прослеживается связь между древнейшими религиозными верованиями и художественной деятельностью."
Медведь из пещеры Монтеспан. Остатки глиняной скульптуры. Палеолит.
Искусство не может существовать отдельно от общества. Есть конечно гиганты мысли, например Леонардо, творившие в отрыве, но это исключения из правила, еще раз правило подтверждающие.
Пока религия была основным ориентиром для общества, религия была основным ориентиром и для искусства. Со временем значение культовой функции все уменьшалось. Со времени эпохи Возрождения ориентиры постепенно изменялись. На первый план выходил интерес к человеку, к отдельной личности, изучение мироустройства.
К 19-му веку мы можем смело выделить две основные функции искусства того времени - эстетическую и информационную. Как пример - портретная и историческая живопись.
О.А. Кипренский, "Портрет А.С. Пушкина". 1827 г.
Что происходит в это время в обществе? Очень важный факт, изменивший общество - развитие, все ускоряющимися темпами, научно-технического творчества. Развитие естествознания.
В 1822 Жозеф Нисефор Ньепс сделал первую фотографию. Можно сказать, что это событие навсегда изменило историю искусства.
Первая, сохранившаяся на сегодняшний день, фотография «Вид из окна», 1826
С развитием научно-технического прогресса информационная и историческая функции искусства теряют свое значение. "Творцы" вынуждены и хотят искать новые пути, новые направления в искусстве.
15 апреля 1874 г. в Париже на бульваре Капуцинов состоялась выставка 30 молодых художников. Центральным произведением этой выставки явилась картина Клода Моне "Впечатление. Восход солнца".
Клод Моне "Впечатление. Восход солнца" (Музей Мармоттан, Париж)
Художник уже не воспроизводил действительность, а передавал свое личное впечатление от нее. С точки зрения живописи того времени техника этой картины груба и неряшлива.
Художник не ИЗОБРАЖАЕТ, а ИЗУЧАЕТ взаимосвязь между освещением и колоритом воды и неба - это новое слово в искусстве того времени. Постепенно, начиная примерно с 60-х годов 19-го века искусство становится не отображением действительности, а научным, философским изучением окружающего мира - возникает МОДЕРНИЗМ. Подробнее можно почитать здесь.
В направление модернизма входят такие художественные течения как импрессионизм, модерн, пуантилизм, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм и т. д.
Хочу немного остановиться на пуантилизме. Метод представляет собой нанесение краски точками чистых основных цветов. Краски не смешиваются на палитре. Краски смешиваются за счет оптического эффекта при рассматривании живописи на расстоянии.
Фрагмент одной из работ
Если посмотреть на это поверхностно, то можно воспринять пуантилизм как безделицу, игру. Но на самом деле Жорж-Пьер Сёра, Поль Синьяк провели серьезную научную работу по изучению законов цвета и света.В современных телевизорах, мониторах и триадной печати используются эти разработки.
Жорж-Пьер Сёра "Воскресный день на острове Гранд-Жатт", 1884-1886, Институт искусств, Чикаго
Кстати, о картине выше. Как мы видем, на женщинах юбки с турнюрами.
Турнюр образца 1881 года.
Еще раз повторю: "Общество меняется, меняется и искусство". В Новой Зеландии в 1893 году и в Австралии — в 1902 году женщины впервые получили избирательное право. Женщины борятся за свои права. Как это отразилось на моде? В прошлое постепенно уходят турнюры, и корсеты, юбки становятся все короче.
Британская суфражистка.
Еще пара слов о дадаизме. Приведу пример предметного искусства, но предмет в нем уже перестает быть предметом.
Марсель Дюшан, "Фонтан", 1917 год.(сделано из фаянсового писуара)
Как мы видим, модернизм зародился во Франции. Париж с середины XIX до 40-х годов XX века являлся центром искусства и культуры. И именно в Париже проявляется интерес европейцев к русскому искусству. Европейцы с восторгом принимают "Русские сезоны" Дягелева в 1909 году. Начинается рассвет русского искусства первой четверти XX века. Не было больше периода в искусстве, когда бы Российское искусство оказало влияние на весь мир.
Вот я наконец подбираюсь к Василию Кандинскому.:)
Если мы спросим образованного иностранца о русских художниках, то скорее всего он вспомнит два имени - Татлин и Кандинский.
Кандинский не был сумасшедшим, как думает большинство населения на просторах России!
Он был человеком высокообразованным, юристом. Мог бы преподавать в университете, но в 30 лет решил изменить свою судьбу (начал заниматься живописью), и тем самым изменил, возможно, судьбу европейского искусства.
Василий Кандинский - один из основоположников абстрактного искусства. В его работах изобразительная функция изживает себя. Его работы постепенно теряют фигуративность как таковую. Художник ИЗУЧАЕТ цвет и форму в полном отрыве от изобразительности.
Василий Кандинский, "Композиция VIII". 1923 г
Вообще по-хорошему можно почитать теоретические работы Кандинского и все понять, но писал он на немецком, тексты в стиле начала XX века, переводные, и времени у всех мало... Так что, еще немного расскажу и покажу сама.
Вот я соорудила три совсем упрощенные, художественной ценности не имеющие, картины, иллюстрирующие само понятие абстракции.
Что мы точно можем понять, это то, что каждая из них иллюстрирует очень общие, свойственные для нашего мира, как материального так и духовного, понятия. Первая говорит нам о контрасте и нюансе, вторая о ритме, монотонности и множестве, третья о распространении, прогрессии, эмоции и т. д. Не о чем же здесь спорить?
Поэтому первую я сейчас назову "Художник и толпа", вторую "Апофеоз войны", а третью, положим, "Балеро" Равеля. Или придумайте названия сами.
В общем смысл ясен, что может и не быть смысла в изобразительности в живописи.
Принципы композиции схожи и для танца, и для кино, и для музыки, и для живописи, и для дизайна . То есть беспредметная живопись по сути своей куда глубже чем слепое поверхностное копирование природных форм. Можно сказать, что это погружение в наше подсознание, возвращение к истокам, к основам смысла. То есть это был огромный скачек, переворот в многотысячелетней истории искусства...
...На этом месте моя умная подруга сказала: "А! Так он как Леонардо своего времени, препарирующий трупы!" "Во-во!" - ответила я...
...Ниже несколько цитат из произведений Кандинского.
Когда потрясены религия, наука и нравственность (последняя сильной рукой Ницше) и внешние устои угрожают падением, человек обращает свой взор от внешнего внутрь самого себя.
Литература, музыка и искусство являются первыми, наиболее восприимчивыми сферами, где этот поворот к духовному становится заметным в реальной форме. ...и обращаются к сюжетам и окружению, дающим свободный исход нематериальным устремлениям жаждущей души.
…Постепенно у различных видов искусства зарождается стремление наилучшим образом выразить то, что каждое из них имеет сказать, и притом средствами, всецело ему присущими.
О психическом действие цвета
Цвет является средством, которым можно непосредственно влиять на душу. Цвет - это клавиш; глаз - молоточек; душа - многострунный рояль.
О взаимодействии формы с цветом
Это неизбежное взаимоотношение формы и краски приводит нас к наблюдению воздействия формы на краску. Сама форма, даже если она совершенно абстрактна и подобна геометрической, имеет свое внутреннее звучание, является духовным существом с качествами, которые идентичны с этой формой…
Что касается Малевича, то он прошел схожий с Кандинским путь, но, и я опять повторюсь: "Общество меняется, меняется и искусство".
Кандинский творил основную часть времени в Германии. Его искусство - это эволюция. Малевич жил в революционной России и поступал как революционер - своим "Квадратом" поставил жирную точку, заколотил дверь в фигуративное искусство. Черный квадрат Малевич определял как «нуль форм», базисный элемент мира и бытия. Черный квадрат был первофигурой, первоначальным элементом нового «реалистического» творчества.
Ну, мы знаем, что получается в результате революций...
Казимир Малевич в супрематическом гробу.
Малевич так же много писал теоретических работ, но его читать не советую, сама смогла осилить только пару страниц.:)
Все довольно просто.Так почему же большая часть жителей России, рожденных до 1990 года не понимает абстрактного искусства? Тем более если одним из его родоначальников был русский художник и Россия являлась центром мирового абстракционизма.
В мире с 20 до 40-х годов произошли серьезные изменения - окончательно сформировались два величайших бренда в истории XX века. Вот их логотипы:
Все изменилось.
Мода 20-х и мода 40-х годов XX века.
Что происходит в искусстве Германии и СССР с 30-х годов? Происходит тоталитаризм. И выражается в искусстве он довольно похоже и с той и с другой стороны.
Но в 1945 году война закончилась, СССР победил, победила идеология, победило и искусство, эту идеологию выражающее. Поэтому до начала 90-х, пока не пал Советский режим, советские люди не могли видеть и думать иначе, чем предписано. Не могли формировать восприятие абстрактной живописи, в то время как на Западе связь между художественными направлениями не прервалась, и западный человек формировался совсем по-другому.
После войны центр мирового искусства переносится из обескровленной войной Европы в Америку. Люди больше не хотят быть столь серьезными, патетичными, строгими, экономными. В моде появляется новый стиль Нью Лук. Старое серьезное искусство модернизма исчерпало себя - начинается эпоха ПОСТМОДЕРНИЗМА. Подробнее здесь.Лень подробно писать. Приведу одну сравнительную таблицу.
Темой искусства становится игра, пародия, ирония. Искусство становится синтетическим (непонятно, где искусство, а где уже нет).
Вот как например трансформировалось искусство соцреализма в работах Комара и Меламида, имигрировавших в США.
Комар и Меламид, "Двойной автопортрет в образе пионера".
Комар и Меламид, "Глядя на другого, всматриваешься в себя".
Абстрактное искусство так же развивалось. Но уже в ключе постмодернизма. Наиболее известное направление - оп-арт.
Бриджит Райли, "Катаракта-III", 1967
На этих примерах видно, какой произошел разрыв в искусстве и сознании западного и российского человека.
В общем, для большинства россиян абстрактное искусство так и осталось "филькиной грамотой" потому что, чтобы знать язык (в нашем случае язык искусства) желательно учиться разговаривать на нем с самого детства.
Сегодня постмодернизм уже изживает себя. Пророчу *глаза закрыты*: "Грядет новое искусство! Искусство цифровое, синтетическое, интерактивное!"
Что это конкретно, пока трудно описать, но по некоторым признакам можно сказать, что "Аватар" - это произведение нового стиля. Кэмерон, как и с "Терминатором", попал в цель.
dr-anna-tati.livejournal.com
Культура абстракционизма. Творчество В.Кандинского и К.Малевича. — МегаЛекции
Абстракционизм -одно из наиболее интересных и продуктивных направлений искусства ХХ века, ориентированное на поиск неких чисто художественных пластических форм и цветовых сочетаний, позволяющих создать живописные полотна, предельно лишенные какого-либо вербализуемо-рассудочного содержания.Абстракционисты исходят из предпосылки, что произведения искусства являются самостоятельными сущностями, противостоящими природе, в своей основе не связаны с ней и не должны исходить из принципа внешнего подобия.
Живопись должна называться абстрактной, когда мы ничего не можем узнать в ней от объективной реальности, составляющей нормальную среду нашей жизни.
Воррингер В.
Идеиабстракционизма развивались в творчестве Хуана Миро, Франца Марка, но самым знаменитый его представитель - Василий Кандинский, являвшийся не только практиком, но и теоретиком данного направления.
Кандинский видел задачу нового искусства в том, чтобы увести зрителя от мира материальных форм в мир чистой духовной сущности. В отличие от других представителей авангардного искусства, проповедовавших принципиальный субъективизм, он считал, что в основе творчества лежит некое Абсолютное Духовное начало, проявляющее себя в любом предмете или фрагменте реальности. Художник, по Кандинскому, «слышит» внутреннее звучание Космоса и каждого предмета, «видит» его сокровенную духовную жизнь и его задача - высвобождение Духа от материально-предметной зависимости и господствующего утилитаризма. Это можно осуществить, только отказавшись от стремления воплотить внешне-явленческую сторону предмета; неважно как выглядит на самом деле тот или иной предмет, гораздо важнее передать его внутреннюю духовно-смысловую сущность, выраженную в «беспредметной» гармонии цвета и формы.
Задача искусства - путем ограничения внешнего заставить звучать внутреннее.
Кандинский В.
Художник-абстракционист может быть сравним с Алисой в Зазеркалье, которая видела улыбку Чеширского кота при отсутствии самого кота. Также и художник-абстракционист свободно манипулирует отдельными свойствами предмета - его формой и цветом, - самостоятельно существующими вне связи со своим носителем.
Приход беспредметной живописи на смену «реалистической» Кандинский сравнивает с появлением Нового Завета Христа, который не разрушил Ветхий Завет Моисея, но возник на его основе и углублял и развивал его более простые, прямолинейные нормы и установления. Если Закон Моисея в большей мере касался внешних поступков человека, то новозаветная этика прежде всего ориентирована на внутренние «деяния», для нее существенны и «мысленные грехи». Нечто подобное усматривает Кандинский и в беспредметной живописи. Она не отрицает и не зачеркивает старое искусство, но лишь «внутренне логично» и «чрезвычайно органично» развивает его; в ней делается акцент на требовании «внутренней жизни в произведении».
Бычков В.В.
На позициях, близких абстракционизму, основано творчество П.Мондриана (неопластицизм). Голландец Пит Мондриан полагал, что сущность мира может быть выражена посредством простых геометрических форм и линий. Оппозиция «горизонталь-вертикаль» с использованием локального цвета является наиболее типичной для его живописных полотен и наиболее адекватно, по его мнению, выражает ощущение пропорциональности, гармонии и равновесия как базовых принципов мироздания.
Творчество В. Кандинского
Период раннего творчества.
В раннем творчестве Кандинского натурные впечатления служили основой для создании ярких красочных пейзажей, иногда с романтически-символической загруженностью сюжетов («Синий всадник», 1903). Середина и вторая половина 1900-х гг. прошли под знаком увлечения русской стариной; в картинах «Песня Волги» (1906), «Пестрая жизнь» (1907), «Рок» (1909) художник совмещал ритмико-декоративные черты русского и немецкого модерна (югендстиля ) с приемами пуантилизма и стилизацией под народный лубок. В части работ Кандинский развивал ретроспективные фантазии, свойственные мастерам круга «Мир искусства» («Дамы в кринолинах», масло, 1909, Третьяковская галерея). Художник синтетического склада, Кандинский работал также в сферах декоративно-прикладного искусства (эскизы женских украшений, мебельной фурнитуры), пластики (лепка в глине), экспериментировал с живописью по стеклу.
Возникновение абстрактных произведений
В 1910 создал первое абстрактное произведение и написал трактат, озаглавленный «О духовном в искусстве» (опубликован в 1912 на немецком языке, фрагменты русского варианта были прочитаны Н. И. Кульбиным в декабре 1911 на Всероссийском съезде художников в Петербурге). Выдвинув в качестве основополагающего фундамента искусства его духовное содержание, Кандинский считал, что сокровенный внутренний смысл полнее всего может выразиться в композициях, организованных на основе ритма, психофизического воздействия цвета, контрастов динамики и статики.
Абстрактные полотна группировались художником по трем циклам: «Импрессии», «Импровизации» и «Композиции». Ритм, эмоциональное звучание цвета, энергичность линий и пятен его живописных композиций были призваны выразить мощные лирические ощущения, сходные с чувствами, пробуждаемыми музыкой, поэзией, видами прекрасных ландшафтов. Носителем внутренних переживаний в беспредметных композициях Кандинского становилась колористическая и композиционная оркестровка, осуществленная живописными средствами — цветом, точкой, линией, пятном, плоскостью, контрастным столкновением красочных пятен. Большое внимание художник уделял графике, в особенности гравюре на дереве. Экспрессивно-беспредметные графические композиции украсили немецкую книгу стихов Кандинского «Звуки» (1913). Участник множества русских и европейских выставок, художник умел консолидировать вокруг себя единомышленников. В 1901 он создал в Мюнхене группировку «Фаланга», в 1909 возглавил «Новое художественное общество — Мюнхен», в 1911 был инициатором возникновения объединения «Синий всадник». В первом альманахе «Синего всадника» (1912) была помещена сценическая композиция Кандинского «Желтый звук» на музыку Ф. А. Гартмана — готовившаяся постановка, призванная синтезировать в органическом единстве цвет, свет, движение и музыку (не состоялась из-за начавшейся 1-й мировой войны).
В 1913 в Берлине вышла книга Кандинского «Живопись как чистое искусство» на немецком языке и альбом его работ (1901-1913).
Русские годы
С началом войны Кандинский, российский подданный, вынужден был покинуть Германию. Возвратившись на родину через Швейцарию и Балканы, он поселился в Москве; в 1916 посетил Швецию, в 1917 Финляндию. Его живописные работы предреволюционных и революционных лет обладали широким стилистическим диапазоном: продолжая создавать экспрессивно-абстрактные полотна («Смутное», Третьяковская галерея, «Сумеречное», Русский музей, обе 1917; «Белый овал», 1920, Третьяковская галерея, и др.), художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи («Москва. Зубовская площадь», «Зимний день. Смоленский бульвар», обе ок. 1916, Третьяковская галерея), не оставлял занятий живописью на стекле («Амазонка», 1917; «Дамы в кринолинах», ок. 1918, обе в Третьяковской галерее), а также создавал картины, сочетавшие фигуративные элементы и декоративно-беспредметное начало [«Москва I (Красная площадь)», Третьяковская галерея; «Москва II», частное собрание, Мурнау, Германия, обе 1916].
После Октябрьской революции Кандинской активно включился в общественную деятельность. Был членом художественной коллегии Отдела изобразительных искусств Наркомпроса, председателем Всероссийской закупочной комиссии при Музейном бюро Отдела изобразительных искусств Наркомпроса, в 1919-21 заведовал московским Музеем живописной культуры. Преподавал в Государственных художественных свободных мастерских и Вхутемасе (1918-21), состоял профессором Московского университета. В 1921 живописец-теоретик разработал программу деятельности Института художественной культуры (Инхук), где руководил секцией монументального искусства. В печати регулярно появлялись статьи и теоретические работы Кандинского; так появилась и автобиографическая книга «Ступени» (М., 1918).
В январе 1921 Кандинский покинул Институт из-за внутренних разногласий. Вскоре был избран вице-президентом вновь созданной Российской Академии художественных наук, в которой руководил также физико-психологическим отделением. В декабре 1921 был откомандирован в Берлин для организации там филиала Академии и установления культурных связей с другими странами.
Переезд в Германию
В 1922 Кандинского пригласили преподавать в школу «Баухауз», где ему были поручены занятия по стенной живописи, по теории формы. В изданиях «Баухауза» были опубликованы трактаты Кандинского, посвященные вопросам формообразования, цветоведения, сценическому синтезу искусств.
В живописи и графике Кандинский обратился к воплощению своеобразных космологический идей, интерес к которым возник у него еще в России (графическая серия «Малые миры», 1923). В 1924-25 вместе с художниками Л. Фейнингером, А. Г. Явленским, П. Клее вошел в объединение «Синяя четверка».
В 1926 Кандинский опубликовал свой теоретический труд «Точка и линия на плоскости», переизданный во многих странах мира. Спроектировал и выполнил ряд монументальных работ (эскизы живописных панно для фойе «Свободной выставки», 1922; керамическое оформление музыкальной комнаты для Международной выставки в Берлине, 1931). Выступил как сценограф и режиссер в постановке сюиты М. П. Мусоргского «Картинки с выставки» в театре Дессау (1928). В 1928 принял немецкое подданство.
В 1920-е гг. художник достигает всемирного признания, его персональные выставки и выставки «Синей четверки» прошли во многих музеях и галереях в странах Европы и США.
Во Франции
После закрытия нацистами школы «Баухауз» (1932) переехал в Берлин, а оттуда в конце 1933 — во Францию; поселился в Нейи-сюр-Сен, пригороде Парижа, где жил до самой смерти (французское гражданство получил в 1939).
Экспрессивно-органический стиль Кандинского трансформировался в 1920-30-е гг.; композиции с широким использованием правильных геометрических элементов приобрели более упорядоченный характер («В черном квадрате», 1923, Музей Соломона Р. Гуггенхейма, Нью-Йорк; «Тринадцать квадратов», 1930, Национальный музей современного искусства, Париж, и др.). Творчество парижского периода, получившее наименование «синтетического», отмечено отпечатком воздействия сюрреалистической живописи («Разные части», «Вокруг круга», обе 1940, «Разнообразные действия», 1941, Городская галерея Ленбаххауз, Мюнхен, Германия, и др.). Работы Кандинского были включены нацистами в экспозицию «Дегенеративное искусство» (Мюнхен, 1937), часть его произведений была уничтожена. Первые месяцы фашистской оккупации художник провел в Пиренеях. Отказавшись эмигрировать в США, в августе 1940 возвратился в Париж. В 1944 задумал создать комедийный фильм-балет на музыку Ф. А. Гартмана. В ноябре-декабре 1944 состоялась его последняя прижизненная персональная выставка в Париже.
Творчество К. Малевича
Черный квадрат" Малевича до сих пор вызывает множество споров и разногласий, хотя был написан еще в 1915 году. До того как К.Малевич изобразил свой "Черный квадрат" он проделал немалый путь в своих творческих изысках. Всегда стремясь избежать живописи в том виде, в каком ее видит заурядный зритель, Малевич быстро совершенствовал свое творчество. Революционное время способствовало развитию новых направлений в искусстве. Социалистический мир побеждал, и большинство чувствовали себя победителями. Художники, поэты старались изобразить что-то новое, неординарное, порой бросая вызов уже новому обществу. Малевич в 1917 году в письме к другу писал: "я провозгласил себя президентом космического пространства". Такие высказывания соответствовали духу того времени. Чего стоит бескомпромиссный манифест "Пощечина общественному вкусу" в исполнении В.Маяковского, В.Хлебникова, А.Крученых. С ними, наиболее яркими представителями футуристического кружка, Малевич сблизился и впоследствии проиллюстрировал немало их произведений, в которых очень гармонично переплетаются рисунки с текстом. В результате весной 1913года на выставке "Мишень" он представил работы, которые резко отличались от экспонируемых на выставке работ. Уже здесь его картины становятся более абстрактными. Опираясь на основной принцип Сезанна (геометризацию, нужно добавить, что Сезанн в тот период являлся для него путеводной звездой), за четыре года Малевич создал не менее восьми различных форм живописи, надеясь превзойти его. Малевич готов был превратиться в лидера нового русского авангарда. "Женщина с ведрами", "Утро после грозы", "Уборка ржи", "Лесоруб", и многие другие работы того периода характеризует сплошная геометризация, объем прослеживается в каждой отдельной форме. Оставаясь приверженцем крестьянской темы, он решал ее по-своему. Крестьяне были для него олицетворением всего человечества, поэтому он так искренне их любил. В характерной манере вызова, он писал: "Одно великое отличие рабочих от крестьян: рисование. Рабочие никогда не рисовали, а потому были не способны украшать свои дома, а также не интересовались искусством - в противоположность крестьянам.Я с большим волнением смотрел, как делают крестьяне росписи, и помогал им вымазывать глиной пол хаты и делать узоры на печке. Им мастерски удавались изображения петухов, лошадок и цветов. Краски готовили здесь же, используя различные сорта глины. Но, не смотря на нелюбовь к рабочему классу, особенно привлекает внимание его работа "Точильщик". За счет повтора геометрических форм головы, рук и инструмента создается впечатление движения. Механический эффект подчеркивается насыщением объемов металлическими тонами.От других представителей кубизма его работы отличает присутствие всех цветов спектра, их переливы, большое многообразие ярких оттенков. Это характерная особенность Малевича, которому удалось достичь яркого и выразительного синтеза кубизма и футуризма по пути к полной абстракции. Хотя в тот период футуризм являлся основным соперником кубизма. И этот конфликт был вызван столкновением абсолютно несовместимых идеалов двух направлений. Цвет в кубизме служил основной сущностью картины, а футуристы в сущности картины видели выражение противоречий и тенденций современного мира. Еще с одной проблемой, с которой столкнулся Малевич, это пропаганда безучастия интеллекта, эмоций в творческом процессе.Но Малевич всегда стремился быть строителем-созидателем, старался обрести в абстрактных формах чистую пластичность, лишенную огромного материала живописного предмета и даже самого принципа объекта. Малевич бросает вызов цвету и форме. Он разделяет свою живопись на "заумный реализм" и "кубофутуристический реализм", а дальше создает свой стиль с названием "алогизм". Особенно новый стиль работы проявился в "Голове крестьянской девушки", где смещение овала лица говорит о "заумности" образа, а платок, словно металлический каркас, обрамляет ее лицо. Портрет рассматривается в своем интуитивном аспекте через живописный контраст и распыление объекта на составляющие элементы. Но чуть позже кубизм в его творчестве взял верх над остальными направлениями. Он сконцентрировал все свое внимание на квадраты, четырехугольники, трапеции, параллелограммы. Первая работа в этом направлении - "Дама на остановке трамвая", где сквозь прямоугольные формы просматривается только табличка с номером и мужское лицо, но ощущается движение трамвая. "Гвардеец", где можно определить каждому свое видение красноармейца в красных, желтых прямоугольниках, "Музыкальный инструмент".Интересно изображение глаза в портрете И.В.Клюна, изгиба губ, форма подбородка. Чувствуется характер и напористость изображенного человека посредством все тех же преломленных линий и форм. В своей статье "От Сезанна до супрематизма" он пишет: "Предметы обладают множеством кратковременных моментов, их аспекты варьируются, и точно также живописное отражение их тоже делается разнообразным. Все эти временные аспекты предметов и их анатомии (слой дерева и тому подобное)охватывает интуиция, как средство конструирования полотна. При помощи этого процесса данные средства конструируются так, что неожиданный характер встречи двух анатомических структур создает диссонанс, в результате чего возникает сила воздействия чрезвычайного напряжения. К "Черному квадрату" Малевич подходил через философское осмысление мира. Первое появление черного квадрата было в эскизах занавеса к опере Крученых и Хлебникова "Победа над солнцем". К этой опере он также делал костюмы и декорации. Когда под кистью Малевича возник черный четырехугольник, он не мог ни есть, ни спать целую неделю. Настолько важным событием явилась эта картина в его творчестве. Он шел к ней долгие годы. Это был кульминационный момент в его работе, его синтез живописи, скульптуры, прикладного искусства и его философских измерений. Позже он описал Черный квадрат как символ его собственного ухода в мир иной, а Красный квадрат - символ революции, хотя всячески клеймил различные символические толкования. Первое название, которое дал Малевич своему изобретению, было Четырехугольник. В действительности пары сторон не параллельны, четыре угла не являются прямыми. Он писал: "Современность нелегко вмещается в рамки древнего треугольника, поскольку жизнь в настоящее время стала четырехугольной". Для него это своя интерпретация иконы, и во время первого показа картины он расположил работу соответственно, высоко в углу комнаты и на второй последней футуристической выставке картин. Квадрат написан мелкими ударными мазками в стиле импрессионистов. Понятие формы для него - это глыба живописного объема. По его словам:"Художник формирует ощущение, поскольку ощущения определяют цвет и форму. В живописи он считал два важнейших элемента - сила тяжести и невесомость, статика и динамика, итог кубизма и футуризма. Цвет является создателем пространства, цвет вездесущ и всегда светоносен. В основу кубизма он вкладывал значение освобождения от окружающих форм природы и технологии, это своего рода - дорога к абсолютному, свободному творчеству. Далее следуют работы "Белый квадрат", олицетворение увядания форм в пространстве и полное исчезновение. Желтый четырехугольник, превращающийся в трапецию в пределах пространства. Совершается переход от статического этапа Черного квадрата к динамическим формам. Его квадраты распадаются на целое созвездие форм. Это соответствует развитию пилотируемых летательных аппаратов в действительности. Малевич выражает полет через супрематистское осознание мира. Он создает целый ряд Архитектонов, сочетание прямоугольных форм (из гипса). Эти сочетания во множестве были использованы архитекторами. И сейчас, глядя на них, поражаешься современности их форм. В 1927-х годах Малевич возвращается к предметно-сюжетным работам. Они интересны и абсолютно не похожи на предыдущие. Вторая серия работ на крестьянскую тематику отражает разрушительное воздействие коллективизации."Сложное предчувствие", "Девушки в поле", "Спортсмены", "Крестьяне" изображают людей без лиц. По его словам "будущее человека - неразрешимая загадка". Шаблонное изображение людей, отсутствие всякой индивидуальности, роботоризация - отражение не лучшей стороны социалистического мира, революционное брожение закончилось, начался диктат. При этом работы создают впечатление монументальности, торжественности и недосказанности. Последние его работы вообще выполнены в реалистичной манере "Работница", "Автопортрет", "Портрет жены". Такой переход от абстракционизма к формам реализма был продиктован влиянием художников эпохи Ренессанса. И в настоящей реалистичной манере Малевич неординарен, его работы также завораживают и притягивают.
Билет №29.
megalektsii.ru
Кандинский, Василий. Маленькие миры.
Kleine Welten. 12 оригинальных гравюр в издательской картонажной папке с титульным и вступительным листами (6 цветных литографии, 2 гравюры на дереве, 4 офорта в технике сухой иглы). Под каждой гравюрой подпись автора карандашом и печатная подпись-монограмма: К. Propylaen Verlag. Издательство "Пропилеи". Берлин, 1922. Гравюры отпечатаны автором в Баухаузе, в Веймаре. Общий тираж 230 нумерованных экземпляров, из коих первые 30 отпечатаны на японской бумаге. Комплектный экземпляр № 34. Формат папки: 46,0х35,5 см. Размеры листов и изображений на них разнятся. В продаже чаще всего встречаются отдельные листы из этой папки. Уход каждого листа до $25,000. Этим и объясняется мизерное наличие комплектных экземпляров. Видимо на каком-то временном отрезке выгоднее было продавать листами. Чрезвычайная редкость!
Любимый цвет художника Василия Кандинского, естественно, синий:
Синий, синий иней
Лёг на провода
В небе тёмно – синем
Синяя звезда.
Гравюры пронумерованы Кандинским римскими цифрами:
Маленькие миры I (Kleine Welten I): цветная литография, 36х28 см. (24,7х21,8 см.-изо)
Маленькие миры II (Kleine Welten II): цветная литография, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры III (Kleine Welten III): цветная литография, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры IV (Kleine Welten IV): цветная литография, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры V (Kleine Welten V): цветная литография, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры VI (Kleine Welten VI): гравюра на дереве, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры VII (Kleine Welten VII): цветная литография, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры VIII (Kleine Welten VIII): гравюра на дереве, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры IX (Kleine Welten IX): сухая игла, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры X (Kleine Welten X): сухая игла, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры XI (Kleine Welten XI): сухая игла, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
Маленькие миры XII (Kleine Welten XII): сухая игла, 36х28 см. (24,7х21,8 см.)
В цикле гравюр Kleine Welten ярко просматривается тенденция к обособлению отдельных частей очень сложной, в её цветовом решении, абстрактной композиции.
Кандинский, Василий Васильевич (1866 —1944) — русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник», преподавателем Баухауса. Родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, когда семья переехала туда в 1871 году. Родители предполагали для сына профессию юриста, Василий Васильевич блестяще окончил Юридический факультет Московского государственного университета. В 1896 знаменитый Дерптский университет в Тарту предлагает место профессора, но Кандинский отказывается. Так, по ряду причин в 30 лет он решил стать художником; это произошло под влиянием выставки импрессионистов в Москве в 1895 году и картины «Стога сена» Клода Моне. В 1896 году он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами. В 1896 году он отправляется в Мюнхен, считавшийся тогда одним из центров европейского искусства, и записывается в престижную частную школу югославского художника Антона Ажбе, где получает первые навыки в построении композиции, в работе с линией и формой. Однако весьма скоро школа перестает удовлетворять его потребностям. Позднее художник напишет: "Нередко я уступал искушению "прогулять" занятие и отправиться с этюдником в Швабинг, Энглишер-Гартен или парки на Изаре". В 1900 г. после неудачной попытки предыдущего года, Кандинский поступает в Мюнхенскую академию художеств, в класс Ф. Штука, "первого немецкого рисовальщика". Мастер доволен своим учеником, но считает его палитру слишком яркой. Выполняя его требования, Кандинский целый год пишет исключительно в черно-белой гамме, "изучая форму как таковую". В этот период Кандинский знакомится с молодой художницей Габриэлой Мюнтер, а в 1903 году расстается со своей женой Анной Чемякиной. Следующие пять лет они вместе с Габриэлой путешествуют по Европе, занимаясь живописью и участвуя в выставках. Вернувшись в Баварию, селятся в маленьком городке Мурнау у подножия Альп. Начинается этап интенсивного и плодотворного поиска. Работы этих лет - в основном пейзажи, построенные на цветовых диссонансах. Игра цветовых пятен и линий постепенно вытесняет образы реальной действительности ("Ахтырка. Осень. Этюд", 1901; "Шлюз", 1901; "Старый город", 1902; "Синий всадник", 1903; "Берег залива в Голландии", 1904; "Мурнау. Двор замка", 1908). В эти же годы он обратился к русской сказочной, былинной старине, создав завораживающие образы ("Русский всадник", 1902; "Русская красавица в пейзаже", 1904), превратив в зримое таинственные предания о славянских деревянных городах ("Русская деревня на реке с ладьями", ок. 1902; "К городу",ок.1903). Активная творческая деятельность, организующее начало всегда делали Кандинского центром притяжения всего интеллектуального, неспокойного, ищущего, что было в мире искусства того времени. Так, уже в 1901 г. он основывает в Мюнхене художественное объединение "Фаланга" и организует при нем школу, в которой сам же и преподает. За четыре года Кандинский устраивает двенадцать выставок состоящих в "Фаланге" живописцев. В 1909 году он, вместе с Явленским, Канольдтом, Кубином, Мюнтер и другими, основывает "Новое объединение художников, Мюнхен" (МКУМ) и берет на себя председательство. Кредо общества: "Каждый из участников не только знает, как сказать, но знает и что сказать". С 1900 г. Кандинский участвует в выставках Московского товарищества художников, а в 1910 и 1912 г. в выставках художественного объединения "Бубновый валет". Также, он публикует художественно-критические "Письма из Мюнхена" в журналах "Мир искусства" и "Аполлон" (1902, 1909). В1911 году Кандинский вместе со своим другом, художником Францем Марком, организовывает группу "Синий всадник". По словам самого художника, "акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гете и Филиппа Рунге, "югендстиль" и теософия Рудольфа Штайнера". "Ни в какое другое время живопись Кандинского не развивалась так стремительно, как в мюнхенские годы, - писал М.К. Лакост. - Порою нелегко бывает понять, почему основатель абстрактной живописи вначале избирал сюжеты, типичные для бидермейера - веера, кринолины, всадники. Стиль его ранних произведений не назовешь ни условным, ни манерным, но в них еще ничего не предвещало радикального обновления живописи. Впрочем, как известно, лишь немногим художникам бывает дано одновременно проявлять оригинальность в форме и в содержании. Сначала Кандинскому было важно испытать собственные возможности выражения. Хотя "Вечеру" (1904-1905) нельзя отказать в своеобразии, однако трудно себе представить, что создал ее тот самый художник, который через пять-шесть лет произведет на свет первое в истории искусства абстрактное произведение (1910). Какая великая творческая сила должна была действовать в Кандинском! Какая стремительная эволюция с 1908 по 1914 год - от пейзажных картин, хотя и дерзких уже по цвету и форме, но все еще верных наблюдениям натуры, как "Дома в Мурнау на Обермаркт" (1908), до хаотического этюда под названием "Ущелье" (1914) и беспокойных композиций в серии панно "Времена года" в музее Гуггенхейма ("Осень"). Было бы затруднительно угадать руку одного и того же художника в еще вполне предметных "Крестоносцах" (1903) и в такой абстрактной работе, как "Композиция VII", 1913, несмотря на общую им динамику. Тут скованный порыв, там - раскрепощенное движение". В то же время Кандинский отдает дань литературной деятельности. В 1912 году выходит книга "О духовном в искусстве". Перевернувшая устоявшееся представление об искусстве вообще, эта книга стала первым теоретическим обоснованием абстракционизма. Придя к мысли, что "цели (а потому и средства) природы и искусства существенно, органически и мирозаконно различны - и одинаково велики... и одинаково сильны", художник провозгласил творческий процесс "самовыражением и саморазвитием духа". Также Кандинский пишет мемуары "Оглядываясь назад" (1913 год; в русском переводе - "Ступени"), сборник стихов "Звуки" (1913 год) с 55 черно-белыми и цветными литографиями. С началом мировой войны Кандинский вынужден покинуть Германию. 3 августа 1914 года они с Габриэлой переезжают в Швейцарию, где Кандинский приступает к работе над книгой о "точке и линии". К ноябрю этого же года они расстаются. Габриэла возвращается в Мюнхен, а Кандинский едет в Москву. Осенью 1916 года Кандинский знакомится с Ниной Андреевской, дочерью русского генерала на которой он женится в феврале 1917 года. В эти кризисные годы революции Кандинский колеблется между языком полуабстракций, импрессионистическими пейзажами и романтическими фантазиями. В абстрактных картинах усиливается геометризация отдельных элементов, причиной чему, во-первых, собственный процесс упрощения, а во-вторых - авангардистско-художественная атмосфера Москвы того времени. В России Кандинский находится в русле послереволюционного культурно-политического развития. С 1918 по 1921 год он сотрудничает с ИЗО Наркомпроса в области художественной педагогики и музейной реформы. Между 1919 и 1921 годами публикует шесть больших статей. В качестве председателя Государственной закупочной комиссии при Музейном бюро Отдела ИЗО Наркомпроса участвует в организации двадцати двух провинциальных музеев. Но самое большое влияние Кандинский оказывает как преподаватель московского Свомаса (Свободные Мастерские), а затем Вхутемаса. Будучи его профессором с октября 1918 года, он составляет специальный учебный план, основанный на анализе цвета и формы, то есть развивающий идеи, высказанные в книге О духовном в искусстве. Также, участвуя в организации и управлении московским Институтом художественной культуры (Инхук) он составляет для него учебный план, основываясь на своей теории. Однако здесь мнения с коллегией института расходятся. Противники Кандинского - Родченко, Степанова и Попова - за точный анализ материалов, их конструктивное расположение и оформление. Любое проявление иррациональности в творческом процессе решительно отрицается. Кандинский, в свою очередь, энергично выступает против своих оппонентов-конструктивистов: "Если художник использует абстрактные средства выражения, это еще не означает, что он абстрактный художник. Это даже не означает, что он художник. Существует не меньше мертвых треугольников (будь они белыми или зелеными), чем мертвых куриц, мертвых лошадей и мертвых гитар. Стать "реалистическим академиком" можно так же легко, как "абстрактным академиком". Форма без содержания не рука, но пустая перчатка, заполненная воздухом". Постоянные нападки коллег-художников, считавших его работы "изуродованным спиритизмом" (Пунин) являются решающим фактором для отъезда Кандинского из Москвы в декабре 1921 года. Давление социалистической идеологии на искусство, приведшее впоследствии к появлению соцреализма, как единственно правильного направления на пути строительства развитого социализма. Картины Кандинского на многие годы уберут из советских музеев в запасники. Итак, в конце 1921 года художник покинул Россию навсегда и отправился в Берлин, откуда через несколько месяцев переехал в Веймар, а потом в 1925 году – в Дессау.
По возвращении в Германию, Кандинский принимает приглашение Вальтера Гропиуса, основателя знаменитого Баухауса (Высшая школа строительства и художественного конструирования) и они с Ниной переезжают в Веймар, где Кандинский возглавляет мастерскую настенной живописи. Он снова преподает и развивает свои идеи. Это касается, прежде всего, усиленного аналитического изучения отдельных элементов картины, результаты которого он представляет в 1926 году в своём известном сочинении «Точка и линия на плоскости». Также Кандинский много работает и экспериментирует с цветом, применяя аналитическую базу и полученные выводы в преподавательской деятельности. Творчество Кандинского вновь претерпевает изменения: отдельные геометрические элементы все более выступают на первый план, палитра насыщается холодными цветовыми гармониями, которые, порой, воспринимаются как диссонанс, особо используется круг, как чувственный символ совершенной формы. "Композиция VIII", 1923 - главная работа веймарского периода. Наряду с концептуальными работами, в это время он создает богатые фантазией и цветом известные среди библиофилов всего мира («Kleine Welten») «Маленькие миры» (1922) для издательства "Пропилеи" с 12-ю оригинальными гравюрами в издательской картонажной папке с титульным и вступительным листами ( 6 цветных литографии, 2 гравюры на дереве, 4 офорта в технике сухой иглы), а также несколько камерных, "интимных" картин, таких как "Маленькая мечта в красном", 1925. При этом Кандинский ведет лекционную и выставочную деятельность в США, основав вместе с Фейнингером, Клее и Явленским объединение "Синяя четверка". После закрытия Баухауса нацистами переезжает с женой во Францию, в 1939 году получает французское гражданство. Умер Кандинский 13 декабря 1944 года в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен. Похоронен на Новом кладбище Нёйи, расположенном в коммунах Пюто и Нантер под Парижем.
www.raruss.ru
