Музей ЧерномырдинаКартины Кацусика Хокусай. Хокусай кацусика картины
Картины Кацусика Хокусай: karhu53
"O-iwa-san, отравленная неверным мужем и являвшаяся ему впоследствии" (1810-е)
"Смеющаяся хання (женщина-демон) с головой ребенка в руке" (1810-е)
Поэтому сильные эмоции, такие как ненависть, месть, отчаяние или ревность, могут создать привидение, влекущее дух обратно в этот мир, чтобы привести его в состояние хаоса. Такие привидения продолжают обитать на земле, пока кто-нибудь или что-нибудь не освободит их и не отпустит обратно в чистилище, чтобы они продолжили свой путь в вечность.
"Большая волна в Канагаве" (1823-1831)На гравюре изображена огромная волна, нависшая над лодкой близ префектуры Канагава. Гора Фудзи виднеется вдалеке и является фоном к основному действию на картине. Как и все остальные гравюры из этой серии, «Большая волна в Канагаве» представляет собой вид на гору Фудзи при определённых условиях. Волна бросает лодки как спички. По мнению искусствоведов, несчастные моряки, цепляющиеся за борта хлипких лодок, пригодных только для прибрежного плавания, могут олицетворять человечество.
Победный ветер. Ясный день (Красная Фудзи)» (1823—1831)На гравюре изображен вид горы Фудзияма, каковой она может приобретать поздним летом либо ранней осенью при особых погодных условиях (ветер южного направления, безоблачное небо): будучи освещенной лучами восходящего солнца, гора начинает отсвечивать красным. Искусствовед Т. Кларк писал, что данная композиция является наиболее абстрагированной и одновременно наиболее «метеорологически специфичной» работой из вышеупомянутой серии.karhu53.livejournal.com
Кацусика Хокусай | Artifex.ru
Когда мы говорим о Японии, то сразу представляем традиционную чайную церемонию, лицо утонченной гейши и пытаемся понять изысканное искусство страны восходящего солнца. Его богатая история создавалась многочисленными творцами, об одном из которых далее пойдет речь. Но прежде настоятельно советуем заварить кружку вкусного чая и не пугаться сложных слов. Поверьте, они будут проще, чем меню в японском ресторане.
Кацусика Хокусай (Katsushika Hokusai) – один из величайших художников Японии, который известен не только тем, что дал развитие новым направлениям искусства своей страны, но и страстью к постоянной перемене имен. За всю творческую деятельность мастер создал «коллекцию» из 30 псевдонимов.
Настоящее и малоизвестное имя художника – Токитаро. Так назвали его родители, о личных отношениях которых ходило много слухов. Авторитетный исследователь Мунесигэ Никадзима считал, что Никадзима Исэ не был настоящим отцом Токитаро. По одной из версий, мальчика отдали зеркальных дел мастеру для обучения ремеслу. Поэтому подрастающий художник стал увлекаться изобразительным искусством в шесть лет, когда помогал Исэ расписывать изделия.
Немного повзрослев, Токитаро устроился разносчиком в книжную лавку, уютно расположившуюся в районе Ёкомотё, и назвался Тэцудзо. Здесь юноша изучал китайский язык и постигал японскую грамоту. А через восемь лет он стал подмастерьем известного Кацукавы Сюнсё, и для Токитаро начался «Период Сюнро». Таким именем молодой человек подписывал свои работы в стиле укиё-э с 1778 года. Кацукава лично позволил помощнику взять этот псевдоним, потому что был благосклонен к трудолюбивому ученику, отменно выполнявшему самые сложные заказы.
После ухода из школы Сюнро столкнулся с первыми трудностями самостоятельного существования: он жил впроголодь, едва сводя концы с концами. Художник зарабатывал «на хлеб» мелкой торговлей и усиленно занимался живописью. В это время началось его развитие в качестве самодостаточного и профессионального художника. Он не собирался угождать запросам публики, требующей хлеба, зрелищ и картин в стиле укиё-э, и открыто заявил о том, что отныне будет вырабатывать индивидуальную манеру, бросая взгляд на японскую культуру через европейскую перспективу.
Надо сказать, что Сюнро добился успеха во всем, что планировал. Настоящий прорыв в сфере искусства он совершил, создав 15 выпусков «Манга», что в переводе означает «рисунки или зарисовки Хокусая». Каждое изображение рассказывало о городском быте и раскрывало особенности периода Эдо в Японии. «Манга» была для художника путевым дневником, в котором он описывал свои впечатления и мысли посредством картин. С 1878 года «Манга» считается уникальным памятником «золотого века» японской культуры.
Отлично получались у художника и суримоно – прообразы поздравительных открыток. На раннем этапе он создавал маленькие по размерам, но удлиненные суриномо, которые подписывал всегда по-разному: Хякурин Сори, Хякурин Хисикава или Могура Сюиро. Затем художник работал над длинными горизонтальными суриномо, и на этот раз он назывался Гакёдзином Хокусай.
Отличие всех открыток заключалось в усиленном внимании художника, которое он заострял на каждом изображенном человеке и окружающем его предмете. Персонажи выполнены так, словно мастер поймал удачный момент в объектив фотоаппарата. Люди «взаимодействуют» с природой, то щурясь на солнце, то поднимая руки в небеса. На суриномо с легкой подачи Хокусая появился интерьер, к изображению которого художник шел очень долго. Так он подготовил почву для становления себя как великого мастера, которого сегодня знают любители искусства по всему миру.
Псевдоним, под которым художник нам известен, происходит от названия сельского пригорода Токио, а «Хокусай» стало говорящим именем, и в переводе с японского означает «одержимый живописью».
Это сочетание слов закрепилось за мастером в 1807 году, когда он разменял пятый десяток лет. Тогда художник впервые подписался как Кацусика Хокусай под работами «36 видов Фудзи».
Эта серия состоит из 36 основных и десяти дополнительных гравюр по дереву, трудиться над которыми художник начал в 1830 году. Поверьте, после этих картин для вас больше не останется неизведанных сторон могучей горы Фудзи. Кацусика был уверен в том, что эта серия гравюр стала лучшим произведением, созданным за всю его долгую жизнь.
А то, как ему удавалось делать настолько детальные работы, и что помогло добиться ошеломляющего успеха в искусстве, Кацусика Хокусай объяснял очень просто:
«Если хочешь нарисовать птицу, ты должен стать птицей»
artifex.ru
Кацусика Хокусай — гравюры. | Картины и Репродукции
Если ты хочешь нарисовать птицу,ты должен стать птицей .
Кацусика Хокусай
Кацусика Хокусай.
Это не настоящее его имя.
Да и какое из имён этого человека можно считать настоящим?
Имя, данное ему при рождении? Но Накадзима Тамэкадзу его называли те несколько лет, когда он не рисовал. Можно ли счесть это настоящим именем человека, который на протяжении следующих трёх четвертей века почти не расставался с кисточкой, тушью и листом бумаги? А потом художник сменил одно за другим более 50 имён, сделав каждое из них всего лишь подписью под серией гравюр или рисунков.
Имя, под которым он теперь известен нам появилось лишь в 1807году, когда художнику было уже 46 лет, появилось как подпись под серией гравюр «36 видов Фудзи.» и означает сельский пригород старинной столицы Японии – Эдо, его родину .Сам он говорил, что родился в 50 лет. Искусствоведы объясняют, что Кацусика Хокусай имел в виду своё рождение, как мастера, но что он действительно имел в виду, знал лишь он сам.
Что важнее в картине – изображение или подпись, — каждый художник решает по-своему. Кацусика Хокусай всю жизнь останавливал прекрасные мгновенья этого вечно текущего из прошлого в будущее мира. Жанр укиё-э, в котором он работал примерно так и переводится (Укие в традициях буддизма означает буквально «мир Скорби», но японские поэты и художники придали этому термину поэтическое очарование — печальное очарование вещей — моно-но аварэ-, и с японского укиё-э переводится примерно как «картины проплывающего мимо мира»). Прекрасное воплощение принципа Дзен – постоянное в своей вечной переменчивости «здесь и сейчас». Но, сделав мимолетное постоянным, художник должно быть для равновесия композиции превратил своё имя во временный изменчивый атрибут изображений мира. А, может быть, он просто считал себя инструментом небес, приданным этому миру, чтобы фиксировать его красоту. Наравне с тушью, кисточкой, бумагой, оставив ещё место в том же ряду для зрителя. Или взял на себя роль связующего звена между нами, зрителями и проблесками гармонии, отражающимися повсюду. Эстетика Дзен утверждает, что каждая вещь, каждое проявление этого мира красиво своей, особой, неповторимой и неповторяющейся красотой и задача души, пришедшей в этот «мир Скорби», познать и понять эту красоту.
Экхарт говорил: То, что человек получает в созерцании, он должен вернуть в любви . Hа языке Дзен это прозвучало бы так: Излей е в работе , где под работой подразумевается активное и конкретное воплощение любви.
Чтобы увидеть, какое воплощение нашёл этот принцип в творчестве мастера, давайте обратимся к той серии гравюр, которые дали ему имя, ставшее теперь знаменитым. И давайте, как и сам мастер, доверимся старому принципу иерархии явлений, так называемому закону тэнтидзин — неба, земли и человека На всех гравюрах этот принцип составляет основу композиции. Гора Фудзи – священная и любимейшая гора японцев — присутствует на всех 36 гравюрах, как некая неизменная константа, эталон жизни. Но как это бывает в жизни, присутствует неявно, подчас её с трудом можно разглядеть то сквозь недоделанную бочку, то как отражение… А на среднем плане течёт обычная, заполненная мелкими заботами и ежедневными хлопотами жизнь, в которой множество людей совершают множество небольших поступков, и только общая сумма всех этих поступков постепенно и неуклонно изменяет мир. И в каждом из этих поступков неявное и непоказное сотрудничество и помощь незримой силы, которую воплощает гора Фудзи, отсвет её вечной красоты. Даже чисто композиционно гравюры построены так, что диагонали человеческих устремлений противоборствуют с диагоналями стихии, природных сил. А вертикальный и симметричный конус Фудзи уравновешивает всю композицию листа. И только на двух гравюрах людей нет, а Фудзи предстаёт перед нами во всём своём величии, безмолвии и красоте. Здесь Кацусика Хокусай добивается такой лаконичности и благородства линий и красок, что гора становится почти символом, сакральным знаком.
И, наконец, третий – передний план – это зритель, увидевший вслед за художником сквозь суету повседневности или в безмолвии и величии природы неявное проявление некоего всеобъемлющего сакрального закона бытия.
«Поэты Китая и Японии», «Виды знаменитых мостов», «100 видов горы Фудзи», «Тысяча видов моря» — это дар благодарности художника за возможность видеть в каждом мгновении проявление этого вечного закона.
И ещё один аспект: западный художник (до наступления эры модернизма, а тем более постмодернизма) всегда стремился создать законченное произведение искусства, которым можно наслаждаться как идеалом прекрасного, мечтал воплотить в образ своё собственное представление о гармонии. Тогда как японские поэты и живописцы, каллиграфы и мастера чайной церемонии искали нечто другое. В их творчестве, дающем лишь намёк на истинную красоту и мудрость бытия, содержится тайнопись законов космоса. Постичь её может лишь душа, также ищущая истину и гармонию. И чем сильнее это стремление, тем глубже проникновение в “печальное», в сокровенную суть явлений (югэн). Искушённый ценитель улавливает глубинное содержание образа в сложном переплетении вариаций подтекста, в напластовании оттенков смысла. Встречное движение мысли и чувства дают единственное, неповторимое впечатление момента, своего рода эстетическое прозрение. Из творческого взаимодействия сил созидающей и воспринимающей рождается сверхчувствование (едзе), которое и приоткрывает перед человеком тайну бытия. Обращаясь к молодым художникам Кацусика Хокусай написал: Если ты хочешь нарисовать птицу, ты должен стать птицей . То есть метод японского мастера состоит в том, что в момент творчества художник должен ощутить себя объектом рисования, оставаясь одновременно и создателем этого объекта. А если художник рисует «проплывающий мимо мир»? Тогда он сливается в единое с этим миром, оставаясь по-прежнему (или уже не по-прежнему, ведь он вместе с миром и изменяется) но всё же оставаясь самим собой. А теперь добавьте к этому ещё и зрителя, с которым, как уже сказано выше, японские художники вступают в полный чувств осознанный диалог, рождающий на основе этого триединства мир-художник-зритель некую совершенно новую реальность, которая, впрочем, также мимолетна, как и всё остальное, и так же проплывет мимо. Если однажды ты ощутил в себе силы стать творцом такого мгновения, то собственное имя и впрямь можно счесть некой второстепенной деталью на заднем плане. Вот уж воистину – «что в имени тебе моём?»
Те же принципы, но в несколько ином преломлении отразились и в его иллюстрациях к Антологии Стихи ста поэтов в пересказе няни”. Поэтическая антология Стихи ста поэтов была составлена в 1235 г. Фудзивара-но Садаи и включала сто стихотворений крупнейших японских поэтов XII-XIII вв. В период Токугава (1603-1868) на темы стихов сборника нередко создавались картины, гравюры и книжные иллюстрации. Особенно популярны были иллюстрации, в которых описываемые в классических стихах события изображались происходящими в условиях современной жизни. Такие рисунки иногда называют пародиями, но, вероятно, здесь больше подошло бы «аллюзии» – намёки-отклики, ведь не надо забывать, что в среде образованных японцев эти стихи поколение за поколением учило наизусть, и поэзия этих строк пропитывала восприятие окружающего мира. Недаром среди японской аристократии излюбленным развлечением был «разговор стихами», когда собеседники на хокку отвечали хокку, и рождался неповторимый диалог, где шедевры старой поэзии, сплетаясь, обретали новые смыслы и оттенки, а собеседники творили мимолетную красоту и гармонию, облекая свои чувства в прекрасные строки. Хокусай словно включается в эту игру и какая разница, что собеседников разделяют 700-900 лет. Одна из гравюр серии, судя по названию, должна иллюстрировать стихи Оно-но Комати, величайшей японской поэтессы IX в.:
Распустился впустую, О, век мой недолгий!Минул вишенный цвет. Век не смежая, гляжуВзглядом долгим, как дождь.
А на гравюре изображена сценка из сельской жизни, где люди заняты повседневным будничным трудом. Но в центре композиции двое крестьян подметают опавшие лепестки вишни, создавая пронзающую время связь чувств, подтверждая, что всё меняется в этом мире, лишь чувства остаются такими же. И пока существует человек, он будет горевать и радоваться, сколько бы веков не минуло. И красавицы, забывая о философии, будут так же сетовать на краткость своей молодости. Попробуйте вслед за художником ощутить себя красавицей, которая чувствует себя сметаемым лепестком вишни. И добавьте сюда свои переживания, ведь без них картина не состоится.
Успешно он работал и в самой малой форме ксилографии — суримоно (прообраз современных поздравительных открыток). Хокусай до сих пор считается непревзойденным мастером этого жанра. Особенно хороши его суримоно с шутливыми стихами — кёка, которые с конца XVIII в. стали дополнять изобразительные мотивы. Его чувство юмора и изобретательность нашли в этой области блестящее применение.
Он много путешествовал и создал самые лучшие для художника мемуары – он просто рисовал всё, что останавливало его внимание, рисовал так хорошо, как только мог. Таким способом он пытался передать молодым художникам весь опыт, всё мастерство, накопленное за долгую жизнь. 15 томов «манга» (наброски) тому свидетельство.
Можно ещё долго описывать, но лучше смотреть. Смотреть на его картины «проплывающего мимо мира», смотреть на сам мир, проплывающий мимо нас. Такой же прекрасный и такой же переменчивый, как тогда… Если захочется, можно ответить ему своими рисунками и гравюрами. Многословие вряд ли уместно, ведь Накадзима Тамекадзу пришёл в этот мир не разговаривать, а рисовать, и потому свою очень длинную и невероятно плодотворную жизнь сумел вписать в безукоризненную лаконичность традиционного японского трехстишия:
Родился в Эдо (Токио) 21 октября 1760- Рисовал мир, проплывающий мимо -Умер в Эдо (Токио) 10 мая 1849
Мы знаем, что художник, известный нам под именем Кацусика Хокусай оставил после себя более 30 тысяч гравюр, живописных произведений, рисунков, около 500 иллюстрированных книг. Но как хочется понять, что этот неутомимый дух забрал с собой? Может знание, как стать птицей?
Ирина Смирнова.
«Грани Эпохи»
Этико- философский журнал. №13 весна 2003 г дата публикации: 1.03.2003
www.house-art.com.ua
Кацусика Хокусай — википедия фото
Детство
Родился в сентябре 1760 года в Эдо (современный Токио) в семье ремесленника. Семья жила в районе, называвшемся Кацусика, — бедном городском предместье. Его настоящее имя — Токитаро (яп. 時太郎)[4], но на протяжении всей своей творческой жизни он принимал много различных псевдонимов. Считается, что его отцом был Накадзима Исэ (яп. 中島 伊勢), изготовлявший зеркала для сёгуна[4]. Хокусай не стал наследником своего отца, поэтому его матерью предположительно была конкубина[3]. По версии авторитетного исследователя творчества Хокусая Нарадзаки Мунэсигэ (яп. 楢崎 宗重), Накадзима Исэ был только приёмным отцом мальчика, которому он был отдан в обучение. Настоящим же его отцом Мунэсигэ считает крестьянина Кавамуру, который и отдал его Накадзиме в возрасте четырёх-пяти лет. Это позволяет сделать вывод, что семья Хокусая была из беднейших и у родителей не было возможности самостоятельно растить всех детей. Также можно предположить, что он не был старшим сыном в семье, поскольку на воспитание в чужие семьи отдавали только младших сыновей.
Начал рисовать в возрасте около шести лет, возможно обучаясь искусству у отца, чья работа над зеркалами включала в себя их роспись[3].
С шести лет я стал изображать различные формы предметов.
— Из предисловия к книге «100 видов Фудзи»
В 1770 году мальчик устраивается в книжную лавку разносчиком книг в район Ёкомотё. В этот период его зовут Тэцудзо. Причины, по которым он ушёл из мастерской приёмного отца, остаются неизвестными. Предположительно, именно работая в книжной лавке Хокусай обучается грамоте, в том числе китайскому языку. Следующий след в жизни художника — работа в мастерской гравёра (приблизительно с 1773 года), что, по всей вероятности, не было случайностью. На данный период приходится расцвет гравюры в Японии, которая начинает пользоваться большой популярностью. В целом, это время в Японии характеризуется значительным развитием культурной сферы: театр, изобразительное искусство, литература осваивают новые методы, разрабатываются новые стили. Происходит всплеск в книгопечатании. В происходящем развитии ярко проявляется свойственный японской культуре синтетизм, когда отдельные виды искусства и ремёсел тесно взаимосвязаны и взаимовлияют друг на друга: театр в Японии прочно связан не только с литературой, но и с музыкой; отдельным важным жанром в гравюре является создание портретов актёров, гравюра непосредственно связана с книгопечатанием, созданием рисунков на тканях, массово используется в быту при создании поздравительных открыток и т. п.
Начало пути
На детство и юность Хокусая приходится творчество многих японских мастеров гравюры: Харунобу, Кацукавы Сюнсё, Утагавы Тоёхару. Ксилография выходит на новый уровень развития как в художественном, так и в техническом плане. В мастерской гравёра Хокусай обучился основам мастерства резьбы по дереву. Но работа резчика-гравёра всегда была ограничена замыслом непосредственно художника. Как технический исполнитель, резчик не мог отступить от замысла художника, от него требовалась лишь точность и бережное отношение к работе. Хокусаю тесны рамки резчика и он ищет себя в создании гравюр по собственным рисункам.
В 1778 году Хокусай поступил учеником в студию Кацукавы Сюнсё (1726—1792), известного художника укиё-э, прославившегося портретами актёров кабуки. Его мастерская принадлежала к числу крупнейших в Эдо. Период творчества Хокусая с этого времени обычно называется «Период Сюнро», по имени, которым он подписывается. В 1779 году молодой художник сделал серию вполне уверенно скомпонованных театральных портретов.
Работа и учёба Хокусая в мастерской были отмечены её создателем. Сюнсё благоволит трудолюбивому и аккуратному ученику, который отменно выполняет и сложные заказы. При общей атмосфере непререкаемой покорности и преклонения перед учителем, царившей в мастерской, Хокусай пользуется особенным вниманием Сюнсё, что выражается и в том, что Хокусаю позволено подписываться как «Сюнро» — именем, образованным от имени учителя («Сюн» — от Сюнсё, «ро» — от имени «Кёкуро», которое раньше носил Сюнсё).
Хокусаю дозволено выступить с самостоятельными работами, и первым его опытом в 1784—1785 годах становятся гравюры в жанре якуся-э (один из видов театральной гравюры). Гравюры в основном относятся к типу хосо-э (узкие продольные гравюры, из которых составлялись диптихи и триптихи, представляющие одного актёра). Известны работы Хокусая этого периода, изображающие популярных актёров того времени Итикаву Дандзюро V (англ. Ichikawa Danjūrō V), Сэгаву Кикудзиро. Работы отмечены несомненным влиянием Сюнсё, однако к этому времени популярность Хокусая в жанре якуся-э уже сравнима с популярностью его учителя. Тонкий вкус, умение передать самое важное, тщательная проработка произведений — всё это ведёт к появлению собственного стиля, который не может сдерживаться рамками школы Кацукавы.
В период Сюнро Хокусай много трудится над иллюстрированием книг. Большей частью это популярная недорогая продукция, так называемая «кибёси» («книжки в жёлтых обложках»). Богатство сюжетов этих изданий требовало от художника изображать как бытовые сценки, посвящённые жизни горожан, так и создавать рисунки из истории Японии и Китая. В 1791 Хокусай был приглашён сделать несколько гравюр для издателя Цутая Дзюдзабуро.
После смерти Сюнсё в 1792 году школу Кацукавы возглавил другой ученик Сюнсё, Кацукава Сюнъэй (1762—1819). Примерно в 1795—1796 году Хокусай покидает дом Кацукавы. Точные причины этому не до конца ясны. Ясно, что уже вполне сформировавшийся художник, каким был Хокусай в это время, тяготился ролью ученика. Рамки школы были для него тесны, и только невероятная критичность к собственным способностям не позволяла Хокусаю признать себя состоявшимся художником. Возможно, повлиял на это и подход новых управителей школы, больше заинтересованных наживой, чем творчеством. Отдельные источники ссылаются на то, что из школы Кацукавы Хокусай был изгнан за «измену» — он ищет новых путей самовыражения, изучает искусство школы Кано, пытаясь использовать приёмы живописи в китайском стиле.
Собственный стиль. Суримоно
1793 и 1794 годы стали переломными в карьере Хокусая. Начав самостоятельную жизнь, он столкнулся с большими трудностями. Известно, что ему приходилось жить впроголодь, заниматься мелкой торговлей, чтобы как-то прокормить себя. Но в это время и происходит формирование Хокусая как мастера. Он изучает разные школы живописи: помимо школы Кано его интересует школа Сотацу, принадлежащая к живописи ямато-э, особенно два её представителя — Таварая Сотацу и Огата Корин.
Художник отказался потворствовать вкусам тогдашней публики, требующей привычных работ в жанре укиё-э, стал вырабатывать свой собственный стиль, почерпнув некоторые приемы японских школ живописи Римпа и Тоса, а также применив европейскую перспективу.
В 1795 году выходят его иллюстрации к поэтической антологии «Кёка Эдо мурасаки» (яп. 狂歌江戸紫). Между 1796 и 1799 Хокусай пишет много одиночных гравюр и альбомных листов. Последние, «суримоно» — так назывались эти выполненные по заказу оттиски — имели колоссальный успех. В результате другие художники сразу же принялись их имитировать.
Как раз в 1796 году художник стал использовать ставший впоследствии широко известным псевдоним Хокусай. Этим именем он, начиная с 1798, подписывал гравюрные листы и живописные работы, а некоторые выполненные по заказу иллюстрации он подписывал псевдонимом Тацумаса. Иллюстрации для коммерческих романов выходили под именем Токитаро, другие многотиражные гравюры и иллюстрации к книгам были подписаны Како либо Соробэку. В 1800 году, в возрасте 41 года, художник стал называть себя Гакёдзин Хокусай — «Безумный живописью Хокусай».
Публичные выступления
Примерно с этого времени, хотя он жил в некотором отдалении от общества, Хокусай, завоевав определённый авторитет, часто демонстрировал своё искусство на публике. В 1804 году на территории храма Эдо художник нарисовал изображение Бодхидхармы размером в 240 м². Между 1804 и 1813 проиллюстрировал комические повести, т. н. «ёмихон», известных авторов Кёкутэя Бакина и Рютэя Танэхико.
Альбомы и серии. Уединённая жизнь в Миуре
В 1812 году начинается его тесная дружба с художником Бокусэном (1775—1824), в результате чего между 1814 и 1834 годами в городе Нагоя вышла серия иллюстрированных альбомов «Хокусай манга» («Рисунки Хокусая») (англ. Hokusai Manga). Знаменитая серия пейзажных гравюр «Фугаку сандзюроккэй» («36 видов горы Фудзи») начала выходить в 1831 году, а в начале 1830-х годов Хокусай выпустил гравюры известных водопадов, мостов, птиц и привидений, то есть те работы, которыми он известен более всего в наше время. В конце 1834 года, непосредственно перед выходом его серии «Фугаку хяккэй» («100 видов горы Фудзи»), шедевра его книжной гравюры, художник покинул Эдо и в течение года жил в рабочем районе вблизи Ураги на полуострове Миура к югу от Эдо. В это же время (в 1835 году) начала издаваться его последняя, серьёзная серия гравюр «Хякунин иссю уба га этоки» (яп. 百人一首姥がゑとき) — «Сто стихов в изложении няни» (иллюстрации к сборнику «100 стихотворений 100 поэтов»). Всего к этой серии художник выполнил 28 гравюр и 62 эскиза тушью. Выход серии ксилографий к поэтической антологии «Хякунин иссю» был прерван после публикации 28 листов, выпуск серии так и остался незавершённым.
Снова в Эдо. Бедность
В 1836 году художник вернулся в Эдо, когда город был разгромлен окрестной беднотой и ему пришлось зарабатывать на пропитание продажей собственных картин. В 1839 году в мастерской Хокусая случился пожар, уничтоживший все наброски и рабочие материалы. После этого Хокусай, по всей видимости, рисовал совсем немного и практически не выпускал гравюр и книжных иллюстраций. Самым известным из его учеников стал Тотоя Хоккэй (1780—1850), который иллюстрировал книги и «суримоно».
Суримоно
Суримоно — вид традиционного японского искусства, цветная ксилография специфичного, вполне определённого назначения — служить подарком в среде японской городской интеллигенции. Поводом могло быть что угодно: юбилей, рождение сына, наступление поры цветения вишен, перемена фамилии, наступающий Новый год. Жанровое разнообразие суримоно было очень богатым, живописный план произведений мог относиться ко многим жанрам: дзимбуцу (изображение фигур), добуцу (изображение животных), катё (изображение цветов и птиц), сансуй (пейзаж).
Возникнув в первой половине XVIII века, суримоно становятся необычайно популярным в следующем веке. Особенности круга распространения обусловили и отличительные свойства: по сравнению с прочими гравюрами, суримоно печатались на более качественной бумаге и сам технологический процесс их создания был более сложен. Суримоно, по своей сути, представляет собой характерное для Японии поздравление — послание, выраженное с помощью изображения, текста (чаще всего в форме стихов), каллиграфии. Небольшое по размерам, простое по содержанию, это послание в то же время могло быть чрезвычайно сложным по смыслу. Создаваемый изобразительными, стихотворными и техническими средствами образ должен был обладать цельностью, органично синтезируя все составные части в единое целое. Именно эта синтетичность, позволяющая проявить собственные таланты, блеснуть умом, тонким вкусом, явить в простоте изысканность и глубину философского подтекста, и ценилась создателями суримоно. Это и искусство, и игра — создание суримоно становится одним из развлечений, способом приятно провести время. Как и состязания в сложении хайку или кёка, суримоно становится частью быта горожан, членов «поэтических клубов», весьма популярных в Эдо.
Заслуга Хокусая во взлёте популярности суримоно несомненна, он делает его важнейшим из видов японской ксилографии (англ. Woodblock printing in Japan). До него в этом направлении создавали произведения такие мастера, как Тоёхиро (англ. Toyohiro), Сюмман, Утамаро.
С определённой условностью можно выделить три этапа, пройденных Хокусаем при создании суримоно: ранний этап — работы, созданные в 1783—1797 годах, этап 1797—1805 годов, где художник тяготеет к традиционному стилю, и творчество после 1805 года, время расцвета и создания собственного неповторимого стиля.
Ранний этап характерен созданием слегка удлинённых суримоно маленького размера. Подписывал их автор именами Могура Сюиро, Хякурин Сори (иногда с добавлением Хисикава). К началу XIX века Хокусай переходит к созданию длинных горизонтальных суримоно. Эти работы часто подписываются именем Гакёдзин Хокусай. Несмотря на то, что при их создании Хокусай ориентировался на традиции, заложенные предшественниками, у него получается обогатить художественные приёмы и заложить основы для будущих открытий. К этому периоду относятся такие работы как «Восход солнца», «У фонтана», «Женщина с подносом» и другие. Композиция суримоно этого периода обычно однотипна: справа располагается группа людей, а в левой части изображается пейзаж.
Отличает работы мастера от работ других известных создателей гравюр прежде всего удивительное внимание к изображаемым вещам, природе, окружающему миру. Подобное внимание прежде всего оборачивается тем, что каждая деталь обогащается собственным смыслом. Изображая на дальнем плане природу, Хокусай может вдруг создать картину настолько естественную, что она перестаёт служить фоном, она становится ценна сама по себе. И хотя это особенно свойственно более поздним работам художника, в творчестве начала XIX века уже можно ощутить будущую изощрённость и богатство замыслов.
Люди на суримоно Хокусая прежде всего «живые», это не просто изображения. Показанные на фоне пейзажа, они активно с ним взаимодействуют: прикрывают рукой глаза от солнца, указывают на облака, вглядываются в бескрайние просторы, иногда даже повернувшись спиной к зрителю. Важность внутренней сути показываемых явлений и действий, заинтересованность деталями естественным образом приводят Хокусая к камерности сюжетов. На суримоно появляется интерьер, что тоже было не ново само по себе (интерьеры можно найти, например, в творчестве Моронобу), но то, что художник пришёл к его отображению в результате собственной внутренней работы, а не бездушного подражания, придаёт работам Хокусая особую интимность. Несмотря на то, что изображение интерьера не стало темой дальнейших творческих поисков мастера, оно подготовило рождение Хокусая как уникального, ни на кого не похожего творца, способного создать новый, прежде неизвестный тип суримоно.
Манга Хокусая
Созерцание горы Фудзи. 1814. Манга. Ветер. 1820. Манга.«Хокусай манга» (яп. 北斎漫画 буквально «рисунки Хокусая») — одна из главнейших работ в творческом наследии художника, созданная им в зените славы. Большого объёма и сложности, чрезвычайно богатая по материалу, «Манга» является выражением взглядов Хокусая на творчество, его философии, раскрывает секреты мастера. «Манга» ценна не только как веха в жизни Хокусая, но и как важный источник информации о культуре и искусстве Японии эпохи позднего феодализма. «Мангу» Хокусая нередко называют «энциклопедией японского народа»[источник не указан 327 дней].
Материалом для первого выпуска «Манги» стали зарисовки Хокусая, сделанные им во время путешествия в район Кансай в 1812 году. Ученики Хокусая — Маки Бокусэн, Хокуун и Хокутэй, — уговорили учителя издать их отдельной книгой, настолько они были поражены увиденным.
Первый выпуск «Манги» вышел в 1814 году в Эдо (издатель Какумаруя) и Нагоя (издатель Эйракуя). Подписана она была именем Тамэкадзу, которым пользовался Хокусай в 1812—1814 годах. Объём первого выпуска составлял 54 страницы. Всего при жизни художника вышло 12 выпусков, а после его смерти — ещё 3:
- 1815 — II, III
- 1816 — IV, V
- 1817 — VI, VII
- 1818 — VIII
- 1820 — IX, X
- 1834 — XI
- 1849 — XII
- 1849 — XIII (после смерти художника)
- 1874 — XIV
- 1878 — XV.
Сразу после выхода первой части она становится чрезвычайно популярна и раскупается буквально за неделю. Большинство рисунков изображали сценки из городской жизни, также содержалось множество зарисовок людей. Сборник представлял собой дневник, куда мастер заносил всё виденное им в жизни, но только в форме рисунков, а не текстом. В целом, такой принцип был продолжен и в следующих выпусках, все они отличаются богатством сюжетов. Лишь несколько выпусков можно считать тематическими: например, в пятом выпуске много места отведено архитектурным зарисовкам, двенадцатый посвящён карикатуре, а в четырнадцатом много изображений животных.
Первоначально бытовавшее среди искусствоведов мнение о незамысловатости «Манги» было скорректировано в начале XXI века: в её выпусках найдена сложно построенная нелинейная композиция и строгая продуманность в организации страниц[5][6].
org-wikipediya.ru
20 готовых цветовых палитр с картин художника Кацусика Хокусай | DesigNonstop
20 готовых цветовых палитр с картин художника Кацусика Хокусай
2
Для сегодняшней подборки цветовых палитр я выбрала замечательные картины японского художника 18 века Кацусика Хокусай. Это тот, который нарисовал известное изображение пенистой волны, популярное в интернете. Мне очень нравятся сочные звучные краски, которые автор использовал в своих работах. При этом они достаточно приглушенные и спокойные, что характерно для традиционной японской эстетики. Ну а поскольку сегодняшний дизайнерский тренд как раз и благоволит таким краскам, то палитры получились современными и подходящими для использования в дизайне. Смотрим палитры с его картин в приглушенном (dull) и ярком (vibrant) вариантах.
Рассмотреть работы, с которых были взяты эти цветовые палитры, можно в посте «Традиционные японские суримоно от художника Кацусика Хокусай«.
О том, как можно использовать эти палитры для выбора цвета для вашего сайта можно почитать в посте Как выбрать цветовую палитру для дизайна вашего сайта. А о том, как самому сделать паттерн для фотошопа с помощью этих палитр, можно почитать в посте Создаем в фотошопе паттерн для клетчатого шотландского узора.
1. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
2. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
3. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
4. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
5. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
6. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
7. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
8. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
9. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
10. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
11. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
12. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
13. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
14. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
15. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
16. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
17. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
18. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
19. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
20. Палитра цветов с картин Кацусика Хокусай
- 5
- 4
- 3
- 2
- 1
www.designonstop.com
Кацусика Хокусай. | Блог художника
В народе говорят, художниками не становятся, ими рождаются. Кацусика Хокусай родился художником в 70 лет. До этого возраста, как он сам утверждал он не сделал ничего значительного, хотя за его плечами было множество работ (около 30 тысяч).Будучи в преклонном возрасте Касусика говорил, что с 6 лет старался правильно передавать формы объектов. И вот к 73 годам он изучил строение животных, птиц и прочей живности.
«До 80 лет мое искусство будет постоянно развиваться, и к 90 годам я смогу проникнуть в самую суть искусства. В 100 лет я буду создавать картины, подобные божественному чуду. Когда мне исполнится 110 лет, каждая линия, каждая точка — будут сама жизнь. Те, кто будет жить долго, смогут увидеть, что я сдержу свое слово». Хокусай умер в возрасте 89 лет. Скорее всего он проник в самое сердце искусства. Хотя грустно конечно, что он не сдержал слово. Он мог бы создать еще массу шедевров.Восточный художник одновременно является и философом. В 1823—1831 гг. Хокусай создает свою, теперь известную серию «36 видов горы Фудзи». Эти работы представляют собой картину жизни той Японии: рыбаки в океане, мальчишки, запускающие воздушный змей, крестьяне, везущие на буйволах рисовую солому. И над всей этой жизненной пестротой высится конус Фудзиямы. Для японце Фужзи это нечто большее, чем просто гора.
Кстати Хокусай это не то имя, которое ему дали родители. Его он взял где-то в 40 лет, а настоящее имя Накадзима Тамэкадзу.
Всегда хотел себе в коллекцию монографию Хокусая. Но не электронную, а настоящую, бумажную. Советского образца. Не помню издательство, но помню, что там очень много чернобелой графики, которой в интернете очень мало. Дискриминация какая-то.
blogproart.ru
Кацусика Хокусай - WikiVisually
1. Эдо (город) – Edo, also romanized as Jedo, Yedo or Yeddo, is the former name of Tokyo. It was the seat of power for the Tokugawa shogunate, which ruled Japan from 1603 to 1868, during this period, it grew to become one of the largest cities in the world and home to an urban culture centered on the notion of a floating world. From the establishment of the Tokugawa bakufu headquarters at Edo, the became the de facto capital and center of political power. Edo grew from what had been a small, little-known fishing village in 1457 into the largest metropolis in the world with a population of 1,000,000 by 1721. Edo was repeatedly devastated by fires, with the Great Fire of Meireki in 1657 being the most disastrous, an estimated 100,000 people died in the fire. During the Edo period, there were about 100 fires mostly begun by accident, between 1600 and 1945, Edo/Tokyo was leveled every 25–50 years or so by fire, earthquakes, or war. In 1868, when the shogunate came to an end, the city was renamed Tokyo, the emperor moved his residence to Tokyo, making the city the formal capital of Japan, Keiō4, On the 17th day of the 7th month, Edo was renamed Tokyo. Keiō4, On the 27th day of the 8th month, Keiō4, On the eighth day of the ninth month, the nengō was formally changed from Keiō to Meiji and a general amnesty was granted. Meiji 2, On the 23rd day of the 10th month, ishimaru Sadatsuga was the magistrate of Edo in 1661. During the Edo period, the Shogunate appointed administrators with jurisdiction over the police, and beginning with the rule of Tokugawa Yoshimune), the machi bugyō heard criminal and civil suits, and performed other administrative functions. The city was out as a castle town around Edo Castle. Kyotos character was defined by the Imperial Court, the nobles, its Buddhist temples and its history, Osaka was the countrys commercial center. Areas further from the center were the domain of the chōnin, the area known as Shitamachi, northeast of the castle, was a center of urban culture. The ancient Buddhist temple of Sensō-ji still stands in Asakusa, marking the center of an area of traditional Shitamachi culture, some shops in the streets near the temple have existed continuously in the same location since the Edo period. The Sumida River, then called the Great River, ran along the edge of the city. The shogunates official rice-storage warehouses, other buildings and some of the citys best-known restaurants were located here. The Japan Bridge marked the center of the commercial center. Fishermen, craftsmen and other producers and retailers operated here, shippers managed ships known as tarubune to and from Osaka and other cities, bringing goods into the city or transferring them from sea routes to river barges or land routes such as the Tōkaidō
2. Япония – Japan is a sovereign island nation in Eastern Asia. Located in the Pacific Ocean, it lies off the eastern coast of the Asia Mainland and stretches from the Sea of Okhotsk in the north to the East China Sea, the kanji that make up Japans name mean sun origin. 日 can be read as ni and means sun while 本 can be read as hon, or pon, Japan is often referred to by the famous epithet Land of the Rising Sun in reference to its Japanese name. Japan is an archipelago consisting of about 6,852 islands. The four largest are Honshu, Hokkaido, Kyushu and Shikoku, the country is divided into 47 prefectures in eight regions. Hokkaido being the northernmost prefecture and Okinawa being the southernmost one, the population of 127 million is the worlds tenth largest. Japanese people make up 98. 5% of Japans total population, approximately 9.1 million people live in the city of Tokyo, the capital of Japan. Archaeological research indicates that Japan was inhabited as early as the Upper Paleolithic period, the first written mention of Japan is in Chinese history texts from the 1st century AD. Influence from other regions, mainly China, followed by periods of isolation, from the 12th century until 1868, Japan was ruled by successive feudal military shoguns who ruled in the name of the Emperor. Japan entered into a period of isolation in the early 17th century. The Second Sino-Japanese War of 1937 expanded into part of World War II in 1941, which came to an end in 1945 following the bombings of Hiroshima and Nagasaki. Japan is a member of the UN, the OECD, the G7, the G8, the country has the worlds third-largest economy by nominal GDP and the worlds fourth-largest economy by purchasing power parity. It is also the worlds fourth-largest exporter and fourth-largest importer, although Japan has officially renounced its right to declare war, it maintains a modern military with the worlds eighth-largest military budget, used for self-defense and peacekeeping roles. Japan is a country with a very high standard of living. Its population enjoys the highest life expectancy and the third lowest infant mortality rate in the world, in ancient China, Japan was called Wo 倭. It was mentioned in the third century Chinese historical text Records of the Three Kingdoms in the section for the Wei kingdom, Wa became disliked because it has the connotation of the character 矮, meaning dwarf. The 倭 kanji has been replaced with the homophone Wa, meaning harmony, the Japanese word for Japan is 日本, which is pronounced Nippon or Nihon and literally means the origin of the sun. The earliest record of the name Nihon appears in the Chinese historical records of the Tang dynasty, at the start of the seventh century, a delegation from Japan introduced their country as Nihon
3. Укиё-э – The ukiyo-e genre of art flourished in Japan from the 17th through 19th centuries. The term ukiyo-e translates as picture of the floating world, Edo became the seat of government for the military dictatorship in the early 17th century. The merchant class at the bottom of the social order benefitted most from the rapid economic growth. Many indulged in the entertainments of kabuki theatre, courtesans, the term ukiyo came to describe this hedonistic lifestyle. The earliest success was in the 1670s with Moronobus paintings and monochromatic prints of beautiful women, colour in prints came gradually—at first added by hand for special commissions. By the 1740s, artists such as Masanobu used multiple woodblocks to print areas of colour, from the 1760s the success of Harunobus brocade prints led to full-colour production becoming standard, each print made with numerous blocks. Specialists have prized the portraits of beauties and actors by masters such as Kiyonaga, Utamaro, Following the deaths of these two masters, and against the technological and social modernization that followed the Meiji Restoration of 1868, ukiyo-e production went into steep decline. Some ukiyo-e artists specialized in making paintings, but most works were prints, as printing was done by hand, printers were able to achieve effects impractical with machines, such as the blending or gradation of colours on the printing block. Ukiyo-e was central to forming the Wests perception of Japanese art in the late 19th century–especially the landscapes of Hokusai, Prints since the late 20th century have continued in an individualist vein, often made with techniques imported from the West. The Kanō school of painting incorporated features of both, since antiquity, Japanese art had found patrons in the aristocracy, military governments, and religious authorities. Later works appeared by and for townspeople, including inexpensive monochromatic paintings of female beauties and scenes of the theatre and pleasure districts, the hand-produced nature of these shikomi-e limited the scale of their production, a limit that was soon overcome by genres that turned to mass-produced woodblock printing. During a prolonged period of war in the 16th century. In the early 17th century Tokugawa Ieyasu unified the country and was appointed Shogun with supreme power over Japan and he consolidated his government in the village of Edo, and required the territorial lords to assemble there in alternate years with their entourages. The demands of the growing capital drew many male labourers from the country, the village grew during the Edo period from a population of 1800 to over a million in the 19th century. The centralized shogunate put an end to the power of the machishū and divided the population into four classes, with the ruling samurai class at the top. The experience of the quarters was open to those of sufficient wealth, manners. Woodblock printing in Japan traces back to the Hyakumantō Darani in 770 CE, until the 17th century such printing was reserved for Buddhist seals and images. Movable type appeared around 1600, but as the Japanese writing system required about 100,000 type pieces, in Saga Domain, calligrapher Honami Kōetsu and publisher Suminokura Soan combined printed text and images in an adaptation of The Tales of Ise and other works of literature
4. Период Эдо – The Edo period or Tokugawa period is the period between 1603 and 1868 in the history of Japan, when Japanese society was under the rule of the Tokugawa shogunate and the countrys 300 regional daimyō. The period was characterized by growth, strict social order, isolationist foreign policies. The shogunate was established in Edo on March 24,1603. The period came to an end with the Meiji Restoration on May 3,1868, instrumental in the rise of the new bakufu was Tokugawa Ieyasu, the main beneficiary of the achievements of Oda Nobunaga and Toyotomi Hideyoshi. Already powerful, Ieyasu profited by his transfer to the rich Kantō area, after Hideyoshis death, Ieyasu moved quickly to seize control from the Toyotomi family. Ieyasus victory over the western daimyōs at the Battle of Sekigahara gave him control of all Japan. He rapidly abolished numerous enemy daimyō houses, reduced others, such as that of the Toyotomi, Ieyasu still failed to achieve complete control of the western daimyōs, but his assumption of the title of shogun helped consolidate the alliance system. After further strengthening his base, Ieyasu installed his son Hidetada as shogun. The Toyotomi were still a significant threat, and Ieyasu devoted the next decade to their eradication, in 1615, the Tokugawa army destroyed the Toyotomi stronghold at Osaka. The Tokugawa period brought 250 years of stability to Japan, the political system evolved into what historians call bakuhan, a combination of the terms bakufu and han to describe the government and society of the period. In the bakuhan, the shogun had national authority and the daimyōs had regional authority and this represented a new unity in the feudal structure, which featured an increasingly large bureaucracy to administer the mixture of centralized and decentralized authorities. The feudal hierarchy was completed by the classes of daimyō. Closest to the Tokugawa house were the shinpan, or related houses and they were twenty-three daimyōs on the borders of Tokugawa lands, all directly related to Ieyasu. The shinpan held mostly honorary titles and advisory posts in the bakufu, the second class of the hierarchy were the fudai, or house daimyōs, rewarded with lands close to the Tokugawa holdings for their faithful service. By the 18th century,145 fudai controlled such smaller han, members of the fudai class staffed most of the major bakufu offices. Ninety-seven han formed the group, the tozama, former opponents or new allies. The tozama were located mostly on the peripheries of the archipelago, because the tozama were least trusted of the daimyō, they were the most cautiously managed and generously treated, although they were excluded from central government positions. The Tokugawa not only consolidated their control over a reunified Japan, they also had unprecedented power over the emperor, the court, all daimyōs and the religious orders
5. Ксилография – Woodcut is a relief printing technique in printmaking. An artist carves an image into the surface of a block of wood—typically with gouges—leaving the printing parts level with the surface while removing the non-printing parts. Areas that the artist cuts away carry no ink, while characters or images at surface level carry the ink to produce the print, the block is cut along the wood grain. The surface is covered with ink by rolling over the surface with a roller, leaving ink upon the flat surface. Multiple colors can be printed by keying the paper to a frame around the woodblocks, single-leaf woodcut is a term for a woodcut presented as a single image or print, as opposed to a book illustration. Among these the best known are the 16th century Hieronymus Andreae, Hans Lützelburger and Jost de Negker, all of whom ran workshops, the formschneider in turn handed the block on to specialist printers. There were further specialists who made the blank blocks and this is why woodcuts are sometimes described by museums or books as designed by rather than by an artist, but most authorities do not use this distinction. The division of labour had the advantage that a trained artist could adapt to the medium relatively easily, there were various methods of transferring the artists drawn design onto the block for the cutter to follow. Either the drawing would be made directly onto the block, or a drawing on paper was glued to the block, either way, the artists drawing was destroyed during the cutting process. Other methods were used, including tracing, in both Europe and the Far East in the early 20th century, some artists began to do the whole process themselves. In Japan, this movement was called sōsaku-hanga, as opposed to shin-hanga, in the West, many artists used the easier technique of linocut instead. Compared to intaglio techniques like etching and engraving, only low pressure is required to print, as a relief method, it is only necessary to ink the block and bring it into firm and even contact with the paper or cloth to achieve an acceptable print. In Europe a variety of woods including boxwood and several nut and fruit woods like pear or cherry were commonly used, in Japan, there are three methods of printing to consider, Stamping, Used for many fabrics and most early European woodcuts. Used for European woodcuts and block-books later in the fifteenth century, also used for many Western woodcuts from about 1910 to the present. The block goes face up on a table, with the paper or fabric on top, the back is rubbed with a hard pad, a flat piece of wood, a burnisher, or a leather frotton. A traditional Japanese tool used for this is called a baren, later in Japan, complex wooden mechanisms were used to help hold the woodblock perfectly still and to apply proper pressure in the printing process. This was especially helpful once multiple colors were introduced and had to be applied with precision atop previous ink layers, printing in a press, presses only seem to have been used in Asia in relatively recent times. Printing-presses were used from about 1480 for European prints and block-books, simple weighted presses may have been used in Europe before the print-press, but firm evidence is lacking
6. Токио – Tokyo, officially Tokyo Metropolis, is the capital of Japan and one of its 47 prefectures. The Greater Tokyo Area is the most populous area in the world. It is the seat of the Emperor of Japan and the Japanese government, Tokyo is in the Kantō region on the southeastern side of the main island Honshu and includes the Izu Islands and Ogasawara Islands. Formerly known as Edo, it has been the de facto seat of government since 1603 when Shogun Tokugawa Ieyasu made the city his headquarters. It officially became the capital after Emperor Meiji moved his seat to the city from the old capital of Kyoto in 1868, Tokyo Metropolis was formed in 1943 from the merger of the former Tokyo Prefecture and the city of Tokyo. The Tokyo metropolitan government administers the 23 Special Wards of Tokyo, the metropolitan government also administers 39 municipalities in the western part of the prefecture and the two outlying island chains. The population of the wards is over 9 million people. The prefecture is part of the worlds most populous metropolitan area with upwards of 37.8 million people, the city hosts 51 of the Fortune Global 500 companies, the highest number of any city in the world. Tokyo ranked third in the International Financial Centres Development IndexEdit, the city is also home to various television networks such as Fuji TV, Tokyo MX, TV Tokyo, TV Asahi, Nippon Television, NHK and the Tokyo Broadcasting System. Tokyo ranked first in the Global Economic Power Index and fourth in the Global Cities Index. The city is considered a world city – as listed by the GaWCs 2008 inventory – and in 2014. In 2015, Tokyo was named the Most Liveable City in the world by the magazine Monocle, the Michelin Guide has awarded Tokyo by far the most Michelin stars of any city in the world. Tokyo ranked first in the world in the Safe Cities Index, the 2016 edition of QS Best Student Cities ranked Tokyo as the 3rd-best city in the world to be a university student. Tokyo hosted the 1964 Summer Olympics, the 1979 G-7 summit, the 1986 G-7 summit, and the 1993 G-7 summit, and will host the 2020 Summer Olympics, Tokyo was originally known as Edo, which means estuary. During the early Meiji period, the city was also called Tōkei, some surviving official English documents use the spelling Tokei. However, this pronunciation is now obsolete, the name Tokyo was first suggested in 1813 in the book Kondō Hisaku, written by Satō Nobuhiro. When Ōkubo Toshimichi proposed the renaming to the government during the Meiji Restoration, according to Oda Kanshi, Tokyo was originally a small fishing village named Edo, in what was formerly part of the old Musashi Province. Edo was first fortified by the Edo clan, in the twelfth century
7. Конкубина – The woman in such a relationship is referred to as a concubine. The prevalence of concubinage and the status of rights and expectations of a concubine have varied between cultures as well as the rights of children of a concubine. Whatever the status and rights of the concubine, they were inferior to those of the wife. Historically, concubinage was frequently entered into voluntarily as it provided a measure of security for the woman involved. Involuntary or servile concubinage sometimes involved sexual slavery of one member of the relationship, nevertheless, sexual relations outside marriage were not uncommon, especially among royalty and nobility, and the woman in such relationships was commonly described as a mistress. However, the children of such relationships were counted as illegitimate and were barred from inheriting the title or estates. While various forms of sexual relationships and co-habitation short of marriage have become increasingly common in the Western world. The terms concubinage and concubine are used primarily when referring to non-marital partnerships of earlier eras. In modern usage, a domestic relationship is commonly referred to as co-habitation. Concubinage was highly popular before early 20th century all over Asia, the main function of concubinage was producing additional heirs, as well as bring males pleasure. Children of concubines had lower rights in account to inheritance, which was regulated by Dishu system, after that, even concubinage has been legally banned, the relationship between mistresses and their men are highly affected by it. In China, successful men often had concubines until the practice was outlawed after the Communist Party of China came to power in 1949, the standard Chinese term translated as concubine was qiè 妾, a term used since ancient times, which means female slave. Concubines resembled wives in that they were recognized sexual partners of a family member and were expected to bear children from him. Unofficial concubines, are of lower status, and children of her are considered illegitimate, in English the term concubine is also used for what the Chinese refer to as pínfēi consorts of emperors, some of very high rank. In premodern China, it was illegal and socially disreputable for a man to have more than one wife at a time, but he could have concubines. At first a man could have as many concubines as he could afford, however, from the Eastern Han onward, the higher ranking and the more noble an identity a man possessed, the more concubines he was permitted to have. A concubines treatment and situation were highly variable and were influenced by the status of the male to whom she was engaged. In the Book of Rites chapter on “The Pattern of the Family” it says, “If there were betrothal rites, she became a wife, and if she went without these, Concubines could be taken without any of the ceremonies used in marriages
8. Японская живопись – Japanese painting is one of the oldest and most highly refined of the Japanese visual arts, encompassing a wide variety of genres and styles. However distinctively Japanese traditions have developed in all these fields, the official List of National Treasures of Japan includes 158 works or sets of works from the 8th to the 19th century that represent peaks of achievement, or very rare survivals from early periods. The origins of painting in Japan date well back into Japans prehistoric period, simple figural representations, as well as botanical, architectural, and geometric designs are found on Jōmon period pottery and Yayoi period dōtaku bronze bells. Mural paintings with both geometric and figural designs have found in numerous tumuli dating to the Kofun period. With the further establishment of Buddhism in 6th and 7th century Japan, however, Nara-period Japan is recognized more for important contributions in the art of sculpture than painting. The earliest surviving paintings from this include the murals on the interior walls of the Kondō at the temple Hōryū-ji in Ikaruga. The style is reminiscent of Chinese painting from the Sui dynasty or the late Sixteen Kingdoms period, however, by the mid-Nara period, paintings in the style of the Tang dynasty became very popular. These also include the murals in the Takamatsuzuka Tomb, dating from around 700 AD. This style evolved into the genre, which remained popular through the early Heian period, as most of the paintings in the Nara period are religious in nature, the vast majority are by anonymous artists. With the development of the Esoteric Buddhist sects of Shingon and Tendai, painting of the 8th and 9th centuries is characterized by religious imagery, most notably painted Mandala. Numerous versions of mandala, most famously the Diamond Realm Mandala and Womb Realm Mandala at Tōji in Kyoto, were created as hanging scrolls, a noted early example is at the five-story pagoda of Daigo-ji, a temple south of Kyoto. With the rising importance of Pure Land sects of Japanese Buddhism in the 10th century and these include raigōzu, which depict Amida Buddha along with attendant bodhisattvas Kannon and Seishi arriving to welcome the souls of the faithful departed to Amidas Western Paradise. A noted early example dating from 1053 are painted on the interior of the Phoenix Hall of the Byōdō-in, stylistically, however, this type of painting continues to be informed by Tang Dynasty Chinese blue and green style landscape painting traditions. Yamato-e is a term that continues to be debated among historians of Japanese art. The mid-Heian period is seen as the age of Yamato-e. However, new painting formats also came to the fore, especially towards the end of the Heian period, including emakimono, varieties of emakimono encompass illustrated novels, such as the Genji Monogatari, historical works, such as the Ban Dainagon Ekotoba, and religious works. Genji Monogatari is organized into discreet episodes, whereas the more lively Ban Dainagon Ekotoba uses a narrative mode in order to emphasize the narratives forward motion. The Siege of the Sanjō Palace is another example of this type of painting
9. Судзуки Харунобу – Suzuki Harunobu was a Japanese designer of woodblock print artist in the Ukiyo-e style. He was an innovator, the first to produce prints in 1765, rendering obsolete the former modes of two-. Harunobu used many techniques, and depicted a wide variety of subjects. Like many artists of his day, Harunobu also produced a number of shunga, during his lifetime and shortly afterwards, many artists imitated his style. A few, such as Harushige, even boasted of their ability to forge the work of the great master, much about Harunobus life is unknown. Though some scholars assert that Harunobu was originally from Kyoto, pointing to possible influences from Nishikawa Sukenobu, much of his work and his work shows evidence of influences from many artists, including Torii Kiyomitsu, Ishikawa Toyonobu, the Kawamata school, and the Kanō school. However, the strongest influence upon Harunobu was the painter and printmaker Nishikawa Sukenobu, little is known of Harunobus early life, his birthplace and birthdate are unknown, but it is believed he grew up in Kyoto. It is said he was forty-six at his death in 1770, unlike most ukiyo-e artists, Harunobu used his real name rather than an artist name. He was from a family, and had an ancestor who was a retainer of Tokugawa Ieyasu in Mikawa Province. At some point, Harunobu became a student of the ukiyo-e master Nishikawa Sukenobu, Harunobu began his career in the style of the Torii school, creating many works which, while skillful, were not innovative and did not stand out. It was only through his involvement with a group of samurai that Harunobu tackled new formats. In 1764, as a result of his connections, he was chosen to aid these samurai in their amateur efforts to create e-goyomi. Harunobus calendars, which incorporated the calculations of the calendar into their images, would be exchanged at Edo gatherings. These calendar prints, would be the first nishiki-e, as a result of the wealth and connoisseurship of his samurai patrons, Harunobu created these prints using only the best materials he could. The new technique depended on using notches and wedges to hold the paper in place, Harunobu was the first ukiyo-e artist to consistently use more than three colors in each print. Nishiki-e, unlike their predecessors, were full-color images, as the technique was first used in a calendar, the year of their origin can be traced precisely to 1765. In the late 1760s Harunobu thus became one of the producers of images of bijinga and kabuki actors of Edo. In a few cases, notably his famous set of eight prints entitled Zashiki hakkei
wikivisually.com
