Музей ЧерномырдинаРомантический реализм Игоря Петрова. Е петрова картины
Записи блогов | G.Bedarev | Художник Михаил Петров
Михаил Федорович Петров родился 1938 году в Москве. ОкончилМосковское художественное училища в 1959 году. С 1960 годаон начал выставлять свои станковые и графические работы,участвуя в выставках молодых художников. Затем учеба нахудожественном факультете Всесоюзного государственного институтакинематографии.Думается, поэтому его работы радуют читателей и зрителей такойдобротой и чистотой.
Сегодня этого талантливого художника уже нет среди нас.Он ушел из жизни в 2008 году. Но пока мы помним его, еготворчество будет жить, привлекая в мир книг все новых иновых читателей.
Петров сам считал себя учеником Е. Шукаева, так нравились емуработы Евгения. Наши с Шукаевым мастерские находились в одномблоке и Михаил очень часто заходил к Е.Шукаеву, где я с ними познакомился. Петров был веселым и обаятельным человеком.Очень любил жизнь.Светлая ему память!
illustrators.ru
Романтический реализм Игоря Петрова — СамКульт. Область культуры
В Самарском художественном музее открылась персональная выставка Игоря Петрова «Гений Места». Мастер пейзажной картины Игорь Вадимович ПЕТРОВ – профессор Санкт-Петербургской Академии художеств, член Союза художников – представил более тридцати произведений разных лет.
Латинское genius loci восходит к религии древних римлян и буквально означает духа – хранителя домашнего очага, которому приносились жертвы и адресовались ритуалы. Культ гения места был частью широкой системы архаичных религиозных представлений, в рамках которых одушевлялись географические локусы (водные источники, реки и горные вершины, священные рощи), часто становившиеся культовыми местами. Понятие «гений места» не раз переосмыслялось в широких культурных контекстах. У Петрарки это понятие применялось по отношению к античным памятникам. Гете и Карамзин это понятие оживили в ходе своих «образовательных» путешествий.
Вторую жизнь это понятие получило в эпоху модерна, когда в ходе индустриализации России стала исчезать часть культурного наследия – мир дворянской усадьбы. Именно тогда в обществе, в творчестве русских художников возникла тоска по уходящему прекрасному прошлому. Понятие «гений места» проявилось в культе не только русской усадьбы, но и дворцов в пригородах Петербурга. И первыми это сделали мирискусники. Они любили детище Петра Великого и постарались воспеть его во всей полноте. И их наследие не пропало, оно напитало собой последующие поколения художников.
В экспозиции выставки заинтересовала композиция «Монплезир» (1996). Небольшой холст с изображением уединенного уголка Петергофа невольно ассоциируется с произведениями мастеров «Мира искусства». Фигурка дамы в костюме «домино» ** спешит за край картины, словно боится быть застигнутой врасплох, а сбоку огромный попугай, взгромоздившийся на перила балюстрадного парапета, – явление странное и необычайное на данном полотне.
Возникает определенная игра. Дама словно персонаж из картин К. Сомова, который ностальгировал по XVIII веку, воссоздавая игры, развлечения, фейерверки, идеализируя мир галантной эпохи. Е. Лансере и А. Бенуа воспроизводили картины из жизни монархов, маркиз. Картины И. Петрова из цикла «Мой Петербург» близки к ним по духу, хотя отличаются неярким светом, скупой красочной гаммой, жидким письмом, разбеленным колоритом и тоской по Серебряному веку. Во всем видна рука представителя петербургской школы живописи.
Игорь Петров родился в Ленинграде. С раннего детства художника окружал цвет российской науки, спорта, балета (Н. Дудинская, А. Шелест), известные музыканты и художники 50–60-х годов – друзья его знаменитых дедов. Один – Петров Валентин Александрович – выдающийся ученый-радиолог и рентгенолог. Во время войны сконструировал передвижную рентгеновскую установку, которая спасла на фронте много жизней, а позже основал первую в СССР кафедру биомеханики спорта в институте имени Лесгафта. Другой (двоюродный) дед – знаменитый скульптор Николай Васильевич Томский, президент Академии художеств. «Несмотря на все регалии, он был удивительно прост и скромен. Внимательно относился он к моим занятиям рисунком, поддерживал желание заниматься творчеством», – вспоминает Игорь Петров. В его художественном воспитании принимали участие друзья семьи – живописец Мария Клещар-Самохвалова и Александр Самохвалов. Особенно близки дед и бабушка были с семьей художника В. Подковырина, а его жена – ученица М. Бобышева, театральный художник Г. Яхонтова – готовила Игоря Вадимовича к поступлению в художественную школу. В 1963 году началось его профессиональное образование в классе А. Н. Гурина. Затем был Институт имени Репина (мастерская профессора В. М. Орешникова).
Глядя на полотно «Снегопад в Павловске» (2003), думаешь, будто один и тот же снегопад идет в различных точках города вне времени и пространства. На ум приходит композиция Е. Лансере «Парад при Павле I». Картина «Зимняя песнь фавнов» тоже ассоциируется с наследием мирискусников. Художник запечатлел под купами снега причудливый силуэт фонтана с золочеными маскаронами. Коронный фонтан был открыт в 1725 году, в 1786 году был демонтирован, но на основе археологических и иконографических изысканий воссоздан в 2011-м и в наши дни стал своеобразным символом исчезнувших забав XVIII века. Это сооружение не было известно художникам Серебряного века! Игорь Петров – художник начала XXI века – близок к пониманию эстетики мирискусников, будучи мистически связан с безвозвратно ушедшим прошлым. Необъяснимым образом он все соединяет в благоухающий букет исторических ароматов.
Откуда у художника такой интеллектуальный эстетизм, такое трепетное отношение к метафизике города, к его духовной составляющей? В пейзажах Санкт-Петербурга воплощена непостижимость города, его меланхоличность, возвышенность, растворяющая сиюминутную суету. Эстетство, наверное, оттого, что его, коренного ленинградца, питает Петербург. Его среда, люди…
***
Игорь Петров – приверженец реализма, доминирующей в России системы изобразительного искусства. Пейзажный жанр для него – выражение своего мировоззрения, своего отношения к жизни, служения красоте.
Цикл картин «Моя Таврида» – результат многолетней творческой работы Петрова: с 1980-х годов он ведет живописную практику у студентов-второкурсников на творческой базе в Алупке. Ежегодные поездки в Крым стали не только необходимостью, но и духовной потребностью, вдохновляющей на создание новых полотен.
Художник запечатлел многие известные места в Крыму: «Бухта Карлос-Лимена» (2000), «Яхты. Ялта» (2008), «Багровый Крым» (2013), «Английская набережная в Балаклаве» (2015) – все яркие, насыщенные цветом картины, полные ветра, солнца, морской свежести. Живопись крымских полотен атмосферная, очертания достопримечательностей размыты, нечетко проглядывают сквозь жаркое южное марево, сквозь розовато-лиловый слой теплого воздуха у поверхности земли.
В ряду крымских полотен большой интерес вызывают работы, насыщенные исторической составляющей Крыма: руины Херсонеса, стены генуэзских крепостей, виды Коктебеля и Симеиза.
В XXI веке понятие genius loci стало частью туристической культуры. В рамках образовательной географии оно активнее стало соотноситься с понятием культурного ландшафта, географического образа, местного мифа. Таков образ виллы «Мечта» в Симеизе, полный загадок и тайн. Никто не знает имени автора и заказчика проекта здания эпохи модерна, выполненного с элементами мавританского декора и запечатленного мастером в виде таинственного миража.
В серии картин «Моя Таврида» мне более всего запомнилась картина из раннего наследия художника «Видение. Коктебель» (1987). Это скромный сумрачный пейзаж с изображением горной гряды и двух ангелов, следующих вверх по тропе. Ну как тут не вспомнить строки Волошина: «С тех пор как отроком у молчаливых торжественно-пустынных берегов очнулся я – душа моя разъялась, и мысль росла, лепилась и ваялась по складкам гор, по выгибам холмов»…
В этом визуальном облике Коктебеля кисти Игоря Петрова есть соответствие духу поэзии Максимилиана Волошина. Это образ величия места, возвышающий душу. Гений места Коктебеля также вызывает чувство грусти и светлой радости оттого, что Коктебель как место многим обязан великому поэту.
***
В экспозиции выставки Игоря Петрова представлена серия картин Genius loci: виды Амстердама, Брюгге, Венеции, Марселя, Парижа, Рима, Толедо, Флоренции, общеизвестные мотивы, вдохновлявшие художников на протяжении веков. У автора есть интересная особенность: картины небольшие, но впечатление панорамы выражено отчетливо. Особенно хороши «Мосты Флоренции» (2015). В пейзажах городов Европы нет детальной разработки мотива, здесь иная реальность. Скорее воплощены история, тайна и душа города. Создавая Genius loci, художник творит наиболее вместительную форму, в которой упорядочивает ассоциации, метафизические цепочки. Он создает образный путеводитель личностного характера, где не соблюдается точная историческая топография.
В этом цикле запоминается «Утренний Париж» (2017). Неброский осенний мотив с изображением уголка набережной и моста через Сену. Париж предстает в утренней дымке, как город-видение, написанный кистью живо, свежо и вдохновенно.
«В дождь Париж расцветает, точно серая роза…» (М. Волошин)
Оторваться от этого полотна невозможно, хотя понимаешь, что всякое художественное произведение, воссоздающее ландшафт, существует до тех пор, пока смотрится, воспринимается и осмысляется. Гений и место здесь являют единство отношений.
***
Несколько строк о технике живописи Игоря Петрова. Он с успехом пользуется «акварельными» лессировками и пастозными фактурами, во всем видны творческая свобода, легкость письма – черты мастера-виртуоза. Полотна Петрова можно встретить в Государственном Русском музее, Музее русского искусства второй половины XX века.
Приехав к нам, он оказался очарован Самарой, ее художественными сокровищами, и в знак дружбы подарил в коллекцию Самарского художественного музея картину «Зимняя песнь фавнов».
Чем выставка Петрова драгоценна? Образ города, воплощенный как Genius loci, очень важен для жизни общества, несмотря на то, что размечен фактами жизни конкретного автора, важен, потому что преобразует интуитивную любовь горожан к городу в сознательную. Гений места указывает, за что конкретно можно любить или не любить город. Глазами гения образы города преобразуются в элементы местной идентичности, способствуют возникновению «чувства родины»…
Валентина ЧЕРНОВА
Член Ассоциации искусствоведов России, член Союза художников России.
* Домино – длинный плащ-накидка с большим капюшоном. Прихотью моды и настойчивостью французов черный плащ-мантия монахов доминиканского ордена стал в XVI веке самой любимой одеждой, часто дополнялся маской.
Опубликовано в «Свежей газете. Культуре», № 9 (117), 2017, Май
samcult.ru
Творчество Петрова - Водкина Кузьмы Сергеевича
Творчество Петрова - Водкина - это кладезь философских идей и националистических мыслей, потому что, несмотря на нелегкое время его жизни, он сумел сохранить свою самобытность, что не могло не отразиться на творчестве художника.О художнике.
Петров - Водкин К.С. был непримирим к серости, к мещанской будничности, верил в человека, в его высокое призвание жить на Земле.
«Я родился на Волге, в небольшом городке Хволынске, в семье сапожника, окрестности Хволынска с его холмами, бескрайними просторами, казалось сами просились на картину. Здесь в родном краю я унаследовал у далеких предков не только тайну древнего обычая иконописи, но и способности учиться у природы. Когда предстоит бросить насиженное годами место, то все в нем приобретает особенную привлекательность
Таким местом был для меня сад. Отсюда я всматривался в мир, устанавливал на свои места ценности, симпатии и ненависть, здесь я научился любить землю. Даже теперь когда на чистую палитру кладу я мои любимые краски , во мне будоражится мое давнишнее детское состояние от первой с ними встречи".
Долгими зимними вечерами Петров - Водкин любил слушать рассказы матери, замирало сердце, передо ним развертывались дикие грубые взаимоотношения людей между собой.
Мать очень чутко относилась к природе. Космос для нее был единым целым с огромным бьющимся человеческим сердцем внутри него.
"Однажды упав наземь, передо мной мелькнуло совершенно новое впечатление от пейзажа, я увидел Землю как планету, неожиданная совершенно новая сферичность обняла меня. Я испытал большую радость перед огромностью развернувшегося мира».
Это космическое открытие, не оставляло художника в его творчестве на протяжении всей жизни. Метод Петрова-Водкина изображения пространства назовут сферической перспективой, но это будет потом, а сначала его ожидали годы учебы.
"Петербург и школа технического рисования барона Штиглица развили во мне критическое отношение к окружающему и к самому себе. Мне думалось, что может быть всякая школа это печь для моей переплавки. И разжигается она моим собственным огнем, руководители только раздувают этот огонь либо гасят его".
Из Петербурга Петров - Водкин поехал в Москву, стал заниматься в Московском училище Живописи ваяния и зодчества в мастерской Серова. В спорах и песнях завязывались и политические узлы. "Как узко сшитый пиджак распирало наши плечи училище на Мясницкой".
"Шел 1904 год, мы бросались от индивидуализма к скопу, к запоздалому упрощенчеству, от противления к бунту, лишь бы только чтобы стало все вокруг нас не таким, каким оно было.
Томился я, терял самообладание, с отчаянием спрашивал себя: «Утерплю или не вытерплю зазывов в символизм, в декадентство. В ласкающую жуть неопределенность?»
Надо было бежать, хотя бы временно наглотаться другой действительности". Петров - Водкин скитался по заграницам около 8 лет, при этом штудировал ранних итальянцев Одлера, Гогена, Матиса популярные тогда теории символистов.
Кажется, не было ни одного движения человеческого тела, которое Петров - Водкин не зарисовал тысячи раз.
Из воспоминаний Жюли( будущей жены Петрова-Водкина): «Мой отец был серб, а мать француженка, в начале 1906 года вблизи Парижа я познакомилась с моим будущим мужем. В 1908 году мы решили покинуть Францию и уехать в Россию»
"Возвращение в Россию было удручающим, таможня выдала мне 200 с лишним холстов моих работ и сел я с ними на Каменноостровском в развалинах старого дома».
В сумятице и хаосе русской жизни начала века творчеством Петрова-Водкина движет тоска по утерянной человечеством гармонии.
Творчество раннего периода – это своеобразный театр на натуре, герои которого разыгрывают некий символический спектакль.
Пентров–Водкин, склонный к обобщенному философскому мышлению шел от воображения к натуре, он шел как сам об этом говорил от внутреннего образа. Картина «Играющие Мальчики изображает не момент реальной игры, подсмотренной в жизни, а некое ритуальное действие, борьба мальчиков переходит в борьбу некоторых пластических форм.
Петров - Водкин избрал в искусстве тернистую стезю. Он подвергался нападкам и справа со стороны людей, которые придерживались строго академических позиций, и слева - со стороны новаторов.
«Чем отвлеченнее мысль, тем яснее и совершеннее должна быть живописная форма для ее выражения». 
Весной 1910 года Кузьма Сергеевич выставил на выставке Союза русских художников Картину «Сон». Она произвела фурор. Мнение Репина о картине означало объявление войны старой школы новой. Появились карикатуры и статьи. Кузьма Сергеевич не боялся критики , она усиливала его творческую энергию и решимость.
«На выставке – салон я познакомился с центральными фигурами мира искусства и был ими тепло и участливо принят. Меня по-прежнему влекли к себе тайны древнерусской живописи, образы, связанные с великими традициями Древней Руси.
Когда я работал над купанием « Красного коня», я использовал приверженность к трем основным цветам: красному, желтому и синему. В этом тоже была связь с древнерусской иконой. Красный конь символ собирательный, как блоковская Русь - степная кобылица, как красный конь Есенина:
«Сойди, явись нам красный конь
Мы радугу тебе дугой,
Полярный круг на сбрую,
О, вывези наш шар земной на колею другую».
В 1915 году журнал Апполон писал: «Купание красного коня показалось первым ударом близкого в русском искусстве перелома». «Да, перелом наступал, мир искусства становился для меня тесен, я упорно шел к созданию содержательной картины.
Я перехожу к быту и типажу, который идет не от моей выдумки, а от людей, которых я видел на Волге, от природы. Художник обращается к старой и вечно новой теме материнства, к образу матери, хранительнице судьбу и счастья детей.
Священная целомудренность молодой матери придает картине «Утро Купальщицы» духовную чистоту иконы. Тривиальные сцены купания поднимаются до уровня философского обобщения жизни человека на Земле.
Человек у Петрова - Водкина неизменно чувствует себя частью огромной планеты, эта космичность мировосприятия помогала художнику увидеть Землю все происходящее на ней как бы с птичьего полета.
Мы видим каждый шаг жития крестьянина от рождения до смерти в его непреходящем значении. В монументальной пластике, покоряющей женственностью образов картины «Девушки на Волге», оживает строгая и величавая торжественность фресковой живописи.
И вновь образ матери – воплощение всего доброго и прекрасного. Правда и поэзия сливается в нем воедино.
Шли годы, мир стоял на пороге больших перемен. Корабль Земли входил в полосу штормов Истории. Кузьма Сергеевич не мог оставаться равнодушным к событиям окружающей жизни. 
За величественную строгую красоту картину "Петроград" сразу же стали называть Петроградская Мадонна. Иконописность облика матери, за что не раз меня упрекали, призвана была напомнить об огромном историческом пути России. О том, что Россия сумеет преодолеть выпавшее на ее долю испытания.
Планетарное видение, присущее художнику, приобретает в картине «Смерть комиссара» особый смысл. Бой идет не за один населенный пункт, бой идет за всю Землю. Ибо революция в России означает начало новой эры для всего человечества. Вместе со своими героями Петров - Водкин верит в жизнь, он испытывает чувство ответственности за будущее, чувство причастности к нему. 
«После боя» - их скорбь чиста, она взывает к возмездию. «Я подобно матросу в бурю, начинал ощущать каждым мускулом, качку этого мирового корабля».
Первое чем участвовал в революции, было большое панно «Степан Разин», оно входило в проект оформления театральной площади в Петрограде к первой годовщине Октября.
В эти же годы Петров - Водкин становится профессором Высшего Художественного Училища, созданного на базе Академии Художеств.
Работу над натюрмортом он называл одной из острых бесед живописца с натурой. Художник заставляет зрителя увидеть знакомые вещи неожиданно, по-новому. Его натюрморты настоящие поэмы о вещах, о пространстве, о цвете. «Холст до последнего мазка должен одрагоцениваться живописью, иначе все рассказанное на нем будет не более как предметным наименованием, то есть натурализмом. Натюрморт это скрипичные этюды, которые я дожжен исполнить раньше, чем начать концерт».
«Педагогикой я начал заниматься рано, создал собственную школу Художественного образования Молодежи. Я работаю над живым смотрением, я ищу живую видимость, для меня пространственность есть один из главных рассказчиков моей картины. На все упреки в том, что я разрушаю перспективу, объявляю во всеуслышание: « Мыслите о Земле, как о планете, и никогда не ошибетесь, ребята».
«В искусстве есть закон для художника, что не для тебя, то никому не нужно. Дело не в том чтобы пропищать свою песню, а в том, чтобы песнь была услышана коллективом земли».
«Сейчас у нас люди летают на парашютах, поднимаются на 15 верст вверх, а мы, видите ли, будем думать, как мне часто говорят, не качается ли у нас стол».
«1921, командировка в Самаркан. Я восхищен. Солнце в этой стране совершенно разбудило меня. Я чувствую себя изголодавшимся по работе. Мне не хватает часов, чтобы выполнить все, что я хотел бы сделать».
Из воспоминаний Кузьмы Сергеевича: «Не знаю я в других областях таких взаимоотношений между людьми, какие существуют между мастером и моделью. Доктор и Пациент это не то. Модель на длительной работе это удивительный товарищ и сестра».
В портретной живописи он всегда стремился к обобщению.
Кузьма Сергеевич был поклонником поэтической лиры Анны Ахматовой.
«Узнала ли я, когда томясь успехом,
Я искушала давнюю судьбу,
Что скоро люди беспощадным смехом
Ответят на предсмертную мольбу».
«Смерть, Смерть, смерть. Погиб Андрей Белый. Погиб потому что поэты погибают, взрываются, нельзя же, чтобы такая огромность творческой энергии распалась на свои атомы, без взрыва».
Преждевременная смерть поджидала и Кузьму Сергеевича. Тяжелая болезнь, чахотка, приблизила роковую развязку. Он скончался 14 февраля 1939г в возрасте 60 лет.
Свои воспоминания о Кузьме Сергеевиче Жюли назвала « МОЙ ВЕЛИКИЙ РУССКИЙ МУЖ»
Судьба художников в 30-е годы была осложнена теми процессами, которые происходили в нашем искусстве. Время ломало очень многих художников. Нивелировало их творческую индивидуальность. Петров-Водкин сумел сохранить свою самобытность до последних лет жизни.
То, что в его полотнах вызывало споры, сегодня кажется неопровержимо ясным, а иное, что воспринималось как откровение – надуманное. Творчество Петрова-Водкина – это живое постоянное развитие талантов. Ушли в историю долгие годы непонимания, почти забвения искусства великого русского художника, испытание временем он выдержал с честью.
Петров- Водкин - это художник- мудрец, художник-философ .
Его масштаб всечеловечен и огромен, и как свет от звезды, которая угасла, идет, к нам несколько десятков, а то и сотен лет, так и от него, несмотря на то, что его уже давно нет, к нам доходит этот свет и его сияние становится все ярче и значительнее.
Петров - Водкин – это мост, как бы связующий разные времена. Как художник гуманист он сумел сохранить ценности прошлого, идущие от русской иконы, опыт мастеров Возраждения, опыт Александра Иванова, Венецианова. Художник глубоко национальный, глубоко русский художник. В его работах присутствует дух русской песни, мелодичность, ясность красок.
Наверное, каждому зрителю он может открыть что-то свое. Настоящее искусство и рассчитано на какое-то соавторство зрителя в понимании художника.
Коротка ли человеческая жизнь? Но так мало космических неожиданностей дарит природа, их приходится создавать внутри себя, чтобы всколыхнуть застой окружающего, чтобы нарушить привычное. Никогда еще человечество не мечтало в пустую.
sajt-ob-iskusstve.narod.ru
