Музей Черномырдина Музей Бахрушина Центральный музей
    Вооруженных Сил РФ Валютная биржа Центральная детская
    библиотека Музей Есенина Политехнический музей Дворец спорта Видное Педагогический
    колледж Музей спорта Музей памяти воинов Библиотека 214 МузШкола Радость Самбо 70 Частная коллекция

Ар брют – стиль тату для избранных. Ар брют картины

Ар-брют, искусство аутсайдеров | Арт

Картина, которую Мисти рисовала с закрытыми глазами, голой и перепуганной, пьяной и с больным желудком, — это первый экземпляр живописи, который ей довелось продать. Это лучшее, что удалось выполнить Мисти.Чак Паланик «Дневник»

В течение тридцати трёх лет сельский почтальон Жозеф Фердинан Шеваль привозил на свой участок камни и строил из них дворец своей мечты. Его безумное творение не принадлежало ни к одному из существующих стилей — оно было порождением богатой фантазии одинокого и странного человека. В 1912 году Почтальон Шеваль закончил свой «Идеальный дворец» и завещал похоронить себя внутри — но власти отказали ему в этом праве. И тогда он снова взялся за мастерок и приступил к строительству усыпальницы. Много лет спустя его удивительный стиль получил название — ар-брют.

Психиатр Ханц Принцхорн, автор первой монографии по искусству аутсайдеров

Эта история началась с немецкого психиатра Эмиля Крепелина. Великий учёный, внёсший в современную психиатрию значительно больше, чем Фрейд и все его последователи, вместе взятые, увлекался самыми разными вещами. Он изучал шизофрению и маниакально-депрессивный психоз, описал шизофазию и олигофрению, занимался психологической профилактикой алкоголизма, исследовал психические болезни-эндемики азиатов и африканцев, — а заодно коллекционировал творчество душевнобольных. Перейдя в 1903 году из Гейдельбергского университета в Мюнхенский, он оставил большую часть коллекции в Гейдельберге, куда в 1919 году пришёл работать другой талантливый психиатр Ханц Принцхорн.

Заинтересовавшись коллекцией, оставшейся от Крепелина, Принцхорн начал её пополнять, изучать и каталогизировать — и в 1922 году опубликовал свою знаменитую монографию «Художественное творчество душевнобольных», которая была малоинтересна для науки, но разошлась огромным тиражом из-за иллюстраций, восторженно воспринятых французской «тусовкой» художников и прочих людей искусства. Особенно монография понравилась группам сюрреалистов, примитивистов и авангардистов — потому что творчество душевнобольных во многом было им близко, точнее, сочетало в себе черты, присущие всем этим направлениям.

Психиатр Эмиль Крепелин, работая в Гейдельбергском университете, стал первым коллекционером творчества душевнобольных

Значительный след в психиатрии Принцхорн, в отличие от Крепелина, не оставил. А вот его труд попал в руки французскому художнику-примитивисту Жану Дюбюффе, который понял, что из этого можно немало вытянуть. Сам Дюбюффе рисовал в примитивном, «детском» стиле, и потому творчество душевнобольных показалось ему близким и понятным. В 1945 году в письме к своему другу, художнику Рене Обержонуа, он впервые употребил в отношении картин из психдиспансера термин «ар-брют» — art brut, «грубое искусство».

Термин прижился. Дюбюффе начал применять его к собственным работам и использовать на афишах выставок. Параллельно он продолжал дело Крепелина и Принцхорна, собирая коллекцию искусства душевнобольных. И оказалось, что среди них есть поистине гениальные люди.

Жан Дюбюффе, видный — и совершенно нормальный — представитель ар-брюта, коллекционер, меценат и организатор выставок многих художников-аутсайдеров. Фотопортрет работы Арнольда Ньюмана

www.mirf.ru

Ар Брют стиль в живописи

Ар брют (франц. Art brut – грубое, сырое искусство) – направление в европейском искусстве середины ХХ века, основателем и лидером которого был французский художник Жан Дюбюффе, разработавший концепцию чистого искусства, искусства, отвергающего красоту и гармонию. Каждый человек – художник, для человеческого существа рисовать так же естественно, как говорить или ходить. Не обремененный традициями и знаниями «удушающей культуры», он творит инстинктивно и непосредственно.

По мнению Дюбюффе, Ар брют – это творчество в наиболее чистом его проявлении: спонтанный психический выплеск из глубин разума и сознания, запечатленный на бумаге или воплощенный в материале.Он обращается к искусству душевнобольных, людей. Изолированных от общества, считая только их истинными художниками, обладающими тем субъективизмом, который придает человеку подлинную индивидуальность.

Вначале Дюбюффе копировал в своих произведениях их стиль, создавая нарочито примитивные, «варварские» формы и образы, фигуративные и абстрактные, поражающие неожиданными цветовыми решениями и как бы неловкой манерой письма. А в 1948 году вместе с писателем-сюрреалистом Андре Бретоном и испанским художником Антони Тапиесом основал в Париже «Компанию грубого искусства», призванную сохранять и изучать искусство маргиналов. Собранная или коллекция, насчитывающая около 5000 рисунков, живописных картин, предметов и скульптур, легла в основу Музея Ар брюта, основанного в 1976 году в Лозанне (Швейцария).

В современном искусстве понятие «ар брют» включает в себя творчество людей, существующих вне общества, — душевнобольных инвалидов, всевозможных маргиналов, а также произведения Ж.Дюбюффе, вдохновленные этими образцами. Ар брют является частью более широкого направления – «Аутсайдер арт» (искусство аутсайдеров), ставшего за последнее десятилетие серьезным движением в мировом художественном процессе. Во многом это заслуга радикала и воинствующего интиинтеллектуала Жана Дюбюффе, по-новому взглянувшего на мир.

Мастера Ар Брют: Жан Дюбюффе, Антонии Тапиес, Адольф Вельфли, Генри Дангер, Мортон Бартлетт, Роземари Кочи, Пол Хамфри. Юджин фон Брюнхенхайн.

Источник: http://www.izostili.ru/index.php?section_ID=12

история и особенности стиля, фото, эскизы

Содержание статьи

Арт-искусство имеет много направлений, но более авангардного и нонкомформистского течения тяжело даже представить. Ар брют тату – относительно молодой стиль, эпатажность и неординарность которого не позволяет завоевать массовую популярность. Каковы его характерные особенности, чем он выделяется среди других направлений?

череп на спине

История и сущность стиля

Название art brut состоит из французских слов art («искусство») и brut («грубый, брутальный»). Впервые этот термин ввел скульптор и художник Жан Дюбюффе в середине прошлого столетия. Его коллекция творений душевнобольных людей, инвалидов, заключенных в то время потрясла весь мир и послужила толчком к появлению нового неординарного направления в искусстве. Это были рисунки непрофессиональных художников, оторванных и изолированных от общества по тем или иным причинам. Для подобных маргиналов не существовало моральных норм, ограничений и правил. Всю свою больную фантазию они выплескивали на бумагу, стремясь донести собственное видение реальности.

Вскоре ар брют нашел свое отражение в живописи, литературе, скульптуре и тату-искусстве. Арт-стиль аутсайдеров также оказал влияние на сюрреализм и футуризм. Среди известных современных татуировщиков, работающих в данном стиле, можно выделить Питера Ауриша из Берлина, англичан Кева Джеймса и Джейда Томлисона.

тату-рукав в стиле ар брют

Характерные особенности

Тату в стиле ар брют внешне напоминают детские наивные рисунки. Однако жестокость образов и композиции в целом шокирует людей. Работы выглядят психоделично, агрессивно и зачастую не имеют ничего общего с реальной действительностью. Именно поэтому тату в стиле ар брют могут себе позволить лишь самые смелые и экстравагантные личности. Вызывающие рисунки противоречат всем существующим канонам и несут в себе глубокий смысл и собственное отношение к миру и окружающим. Хотя иногда абстрактные композиции не поддаются на первый взгляд логическому объяснению.

Мейнстрим – основной противник искусства аутсайдеров, поэтому в ар брют татуировках вы не найдете банальных тигров или драконов. Подобные тату на теле подойдут людям, которые не боятся бросать вызов обществу, любят эпатировать и шокировать окружающих.

креативное изображение на боку у парня

Техника исполнения

Уникальное отличие татуировок в стиле ар брют – это спонтанное нанесение рисунка на кожу. В работе не используются предварительно продуманные и изготовленные эскизы. Словно художник, татуировщик рисует картину маркером на теле, по ходу придумывая образы и сюжет композиции. Клиенту необходимо расслабиться и полностью довериться мастеру. Следует учитывать, что результат может быть самым неожиданным (см. фото ниже). Это может быть и настоящий шедевр, и примитивная картинка.

Что касается техники исполнения, то здесь мнения разделились. В разных странах тяготеют к определенному стилю. Например, в Европе больше предпочитают цветные тату, выполненные в реализме с абстрактными элементами (см. фото в галерее). В других местах выбирают черно-белую графику и лаконичные композиции.

Смотрите видео по теме

Фото татуировок

Оценка статьи:

Загрузка...

Поделиться с друзьями:

Смотрите также

Добавить комментарий

Значение тату

Места нанесения тату

Самое читаемое

Свежие публикации:

tattoofan.ru

Арт Брют. Часть 1. Искусство без примеси культуры | Психологические тренинги и курсы он-лайн. Системно-векторная психология

Ар-брют — это не просто искусство. Это «путешествие в глубины человеческой психики, где ощущения и эмоции переливаются через край». Что-то есть отталкивающее и одновременно манящее в этих работах, как будто возможность заглянуть за край нашей реальности — мечта любого звуковика.

6 3299 16 Июля 2014 в 04:51

Автор публикации: Вера АГИБАЛОВА, филолог.

Знаете ли вы ответ на вопрос: «Что такое искусство?» Мастерство техники? Бурная фантазия? Умение сочетать цвета? Жан Дюбюффе нашел свой ответ на этот вопрос, положив начало целому направлению в искусстве, получившему название ар-брют. Грубое, сырое искусство пациентов психиатрических клиник, аутсайдеров и просто чудаков-одиночек. Иногда по-настоящему уродливое и отталкивающее и одновременно гипнотически притягивающее… Подобные работы собирал Дюбюффе.

Когда-то Жана Дюбюффе не просто не понимали — над ним и его произведениями смеялись. Теперь же его коллекции стали объектом мечтаний лучших музеев современного искусства всего мира. Коллекционеры отдают золотые горы за очередной эталон «грубого искусства», а имя Жана Дюбюффе скоро встает в один ряд с такими мастерами, как Пикассо и Сальвадор Дали.

Путь Жана Дюбюффе достаточно длинный и порой очень извилистый, полный душевных метаний и страданий. Он очень долгое время, как и многие люди со звуковым вектором, пребывал в поиске себя и дела всей его жизни. Пробовал себя и в живописи, и в музыке, и в литературе. Даже пытался идти по стопам отца и занимался виноделием.

В мире существует стереотип, что талант человека раскрывается в раннем возрасте. Лет так до 21. Максимум до 27. Жан Дюбюффе, для которого, как мы увидим позже, рамок не существует, это клише разрушает, ведь он нащупал свой путь лишь после сорока, когда наконец понял, что его главное пристрастие — живопись.

Какими качествами и свойствами должен обладать настоящий художник? Мастерами цвета зачастую становятся люди с анальным и зрительным векторами, люди с золотыми руками и золотыми головами. Благодаря усидчивости, терпеливости и кропотливости анального вектора, а также хорошему вкусу и безукоризненному чувству прекрасного зрительного такие люди могут создавать настоящие шедевры, четко прорисовывая каждую деталь, каждый изгиб. Анально-зрительные мастера — это и художники, и скульпторы, и дизайнеры, и кутюрье — одним словом, те, кто создает культуру и хранит ее.

Жан Дюбюффе, обладая и анальным, и зрительным векторами, был художником (окончил Школу изобразительных искусств в Гавре), но отчего-то эту самую культуру ненавидел всеми фибрами своей души и выступал «против». Против ее «мертвого языка», против ее закостенелого духа, против всего того, что с нею связано. Так, например, музеи Дюбюффе называл «моргами набальзамированных тел», куда люди приходят «как по воскресеньям на кладбище, всей семьей, в молчании и на цыпочках».

Следование традициям и всем правилам, созданным за тысячелетия, по мнению Жана Дюбюффе, убивает искусство, лишает его души. Истинное искусство нужно искать в других местах — в творчестве детей, сумасшедших, чудаков, руками которых творит бессознательное, тот самый дух разрушения и варварства, который искал художник. Там, где искусство создается не ради выставок и похвал, где оно выступает лишь в роли самореализации.

«Для меня красоты нет нигде. Само понятие красоты безнадежно ошибочно», — заявлял Жан Дюбюффе. Секрет такого яростного антагонизма художника кроется в его бессознательном, а именно в наличии у него звукового вектора, для которого очень ценно само понятие свободы. Речь идет вовсе не о воле, не об уретральном «гулять так гулять», а о свободе личностной, которая является главной ценностью звуковика, пытающегося во всем заглянуть за рамки и условности, окунуться в глубь и понять смысл.

В общем-то, совсем неудивительно, что еще в 1924 году Жана Дюбюффе заинтересовала монография Ганса Принцхорна «Живопись душевнобольных», после прочтения которой юный художник осознал, что его собственные картины ни на что не годятся, и уничтожил их. С этих самых пор жизнь Жана Дюбюффе оказывается напрямую связана с поиском себя, с поиском в себе той самой свободы, неограненного алмаза, искусства «в чистом виде» без примеси культуры.

Истина — в несовершенстве. В зачатке, зародыше скрывается большой смысл и большой потенциал. Дюбюффе страдал от того, что окончил Школу искусств, так сказать, «окультурился», обрел рамки, оковы, мешающие ему творить. Специально технику не растеряешь и не позабудешь… И художник все больше и больше увлекался работами других — собирал картины сумасшедших, «медиумов», убийц и прочих «чудаков», рассматривал их, изучал и пытался раскрыть тайну.

А ларчик, как говорится, просто открывался. Ведь все перечисленные типы людей, как правило, обладают звуковым вектором, а значит, и похожим восприятием жизни. Подобное притягивается к подобному — и нередко именно звуковиков тянет к безумцам, ибо все объединено в звуке: и гений, и сумасшедший. Повышенный интерес Жана Дюбюффе — это, прежде всего, поиск. Поиск себя и поиск в себе: путь нелегкими тропками через других к познанию своей сущности, к своему «я».

Раз за разом неуверенными шажками Жан Дюбюффе пробовал вернуться к творчеству, но терпел крах. Новые попытки создать то самое «свободное» искусство оборачивались горьким разочарованием: изобретая что-то новое, художник начинал понимать, что это все «не то», это все уже было. И это не искусство, а вновь следование канонам, правилам и рамкам. Оковы культуры прочно въелись в руки Дюбюффе, и он уничтожал все свои картины, в который раз полностью отказывался от идеи рисовать, искал себя в других сферах деятельности (чертил, делал вино, занимался семьей), но рано или поздно возвращался вновь к живописи. Последнее и окончательное возвращение в возрасте 41 года стало успешным: художник наконец нащупал то, что искал.

Жан Дюбюффе разрабатывает технику «поднявшегося теста». Художник, отказываясь не только от традиционных приемов, но и даже от традиционных материалов живописи, делал смесь из гипса, извести и цемента, размазывал получившееся «тесто» по холсту, а потом наносил на образовавшуюся поверхность линии-царапины. Этакая наскальная живопись (которой, к слову, тоже очень интересовался Дюбюффе). Еще одна техника, созданная необычным художником, представляла собой спонтанное рисование шариковыми ручками и была названа hourloupe.

Жан Дюбюффе нашел, по его мнению, как раз то, что выражает искусство «вне контекста культуры», варварский дух, стихийность. Хаос — полная противоположность культуре, космосу, и в работах художника отображено именно это: уродливые, пугающие формы, наполненные звуковым страданием и смыслом, беспорядочные композиции, отображающие внутренние психологические состояния автора, многозначные абстракции. Отсутствие смысла, какой-либо идейной подачи или зашифрованного послания — тоже смысл. Так для некоторых картин, по большей части созданных посредством спонтанного рисования, характерен именно этот уход «в минус», бессмысленность, полное «ничто», из которого потом и рождается «нечто».

Первые две выставки работ Жана Дюбюффе были встречены с непониманием и даже насмешкой. Впрочем, художника это не удивило. Он и не рассчитывал, что современники поймут его «неискусство». Негодование критиков его не остановило: удивительно, но за свою жизнь художник создал более 10 тысяч работ, которые ныне являются достоянием музеев Лозанны, Нью-Йорка, Берлина, Роттердама, Парижа и даже Москвы.

Кроме всего прочего, за время своей творческой деятельности Жан Дюбюффе неоднократно организовывал выставки так называемого неопримитивизма, куда вошли так тщательно отобранные им работы детей, внеевропейских «дикарей», творчество душевнобольных, крестьянский и городской фольклор и многое другое (об этой коллекции мы поговорим в следующей статье). Коллекция Дюбюффе вкупе с его собственными работами стала фундаментом направления ар-брют, которое популярно среди таких же звуковиков и по сей день.

Ар-брют — это не просто искусство. Это «путешествие в глубины человеческой психики, где ощущения и эмоции переливаются через край».

Что-то есть отталкивающее и одновременно манящее в этих работах, как будто возможность заглянуть за край нашей реальности — мечта любого звуковика.

Читать продолжение

Автор публикации: Вера АГИБАЛОВА, филолог.

Статья написана по материалам тренинга Системно-векторной психологии

www.yburlan.ru

Ар брют — Википедия (с комментариями)

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Ар брют[1][2] (фр. Art Brut — грубое искусство, здесь — необработанное, неограненное искусство) — термин, введенный французским художником Жаном Дюбюффе (1945) для описания собранной им коллекции картин, рисунков и скульптуры, созданных непрофессиональными мастерами, которые как с общественной, так и с психической точки зрения являются маргиналами (душевнобольные, инвалиды, заключённые, чудаки — одиночки, медиумы и т. п.). Их работы несут в высшей степени спонтанный характер и практически не зависят от культурных шаблонов. В частности, Ар брют не считается с конвенциями правдоподобия, живописной перспективы и условных масштабов, не признает разграничения реального и фантастического, иерархии материалов и т. д.

В качестве эквивалента в англоязычной литературе используется термин искусство аутсайдеров, англ. outsider art (см. также Категория:Маргиналы в искусстве), который ввел в 1972 искусствовед Роджер Кардинал. Близкие явления — маргинальное искусство, наивное искусство, визионерское или интуитивное искусство, фольк-искусство, новый вымысел (фр. Neuve Invention), примитивизм.

Истоки понятия

Большое влияние на концепцию Ар брют оказали две монографии — немецкого психиатра Ханса Принцхорна «Художественное творчество душевнобольных» (1920) и швейцарского психотерапевта Вальтера Моргенталера «Душевнобольной как художник» (1921). Они привлекли внимание сюрреалистов и Дюбюффе, последний собрал крупную [fr.wikipedia.org/wiki/Collection_de_l%27art_brut коллекцию произведений Ар брют], с 1976 находящуюся в Лозанне (Шато де Больё, первый главный хранитель в 1976—2001 — Мишель Тевоз). Авангардное искусство ХХ в. (дадаизм, сюрреализм, футуризм и др.) активно обращается к опыту Ар брют.

Персоналии

Среди наиболее известных авторов Ар брют — Эугенио Санторо, Фердинан Шеваль, Фридрих Шрёдер-Зонненштерн, Адольф Вёльфли, Алоиза (Алоиза Корбаз), Огюстен Лесаж, Луи Сутер, Август Валла, Йоханн Хаузер, Генри Дарджер, Мадж Гилл, Джованни Батиста Подеста, Жанна Трипье, Мартин Рамирес, Джудит Скотт, Рафаэль Лонне и др.

Достойное место в этом ряду занимают Александр Лобанов и Роза Жарких. Их работы выставляются в Коллекции Ар Брют в Лозанне и других крупнейших собраниях.

Музеи и коллекции

Музеи или коллекции Ар брют имеются в Берне, Лозанне, Вене, Санкт-Галлене, Гейдельберге, Чикаго, Балтиморе, Москве и др.

См. также

Напишите отзыв о статье "Ар брют"

Примечания

↑ Власов В. Г. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства в 10-ти томах. — Спб.: Азбука-классика, 2004—2009. — Т. 1. — 576 с: ил. + вкл с.
↑ [www.krugosvet.ru/articles/89/1008976/1008976a1.htm Ар брют] // Энциклопедия «Кругосвет».

Литература

Dubuffet J. L’Art brut préféré aux arts culturels [1949]// Dubuffet J. Prospectus et tous écrits suivants. Tome 1. Paris: Gallimard, 1967, p. 198—202
Cardinal R. Outsider art. New York: Praeger Publishers, 1972
Presler G. L’Art brut. Kunst zwischen Genialität und Wahnsinn. Köln: Dumont, 1981
MacGregor J.M. The Discovery of the Art of the Insane. Princeton: Princeton UP, 1989
Parallel Visions: Modern Artists and Outsider Art. Los Angeles: Los Angeles County Museum of Art; Princeton: Princeton UP, 1992
Danchin L. Art Brut et Compagnie, la face cachée de l’art contemporain. Paris: La Différence, 1995
Ragon M. Du côté de l’art brut. Paris: A. Michel, 1996
Maizels J. Raw Creation art and beyond. London: Phaidon Press Limited, 1996.
Peiry L. L’Art Brut. Die Träume der Unvernunft. Jena: Glaux, 1999
Rhodes C. Outsider art, spontaneous alternatives. New York: Thames & Hudson, 2000
Тевоз М. ар-брют. Лозанна: Bookking International,1995
Из мира аднаво в другой. Искусство аутсайдеров: диалоги. Киев: Сфера, 1997
Маргинальное искусство. Составление и предисловие А. С. Мигунова. М.: Издательство Московского государственного университета, 1999
Искусство аутсайдеров: путеводитель/ Под ред. В. В. Гаврилова. Ярославль: Иные, 2005
Пас О. Искусство и поиск себя// [www.vavilon.ru/textonly/issue12/paz.html]

Ссылки

[www.museum.ru/outsider Сайт Московского музея творчества аутсайдеров]
(чешск.) [www.artbrut.cz Art Brut]
(англ.) [www.outsider-artworld.com Outsider Art]
(англ.) [www.rawvision.com Сайт журнала искусства аутсайдеров]
(фр.) [www.musee-creationfranche.com Musée de la création franche]
(фр.) [www.artbrut.ch Collection de l'art brut] (Швейцария)
(фр.) [lepoignardsubtil.hautetfort.com Le Poignard subtil] (Франция)
(нем.) [www.prinzhorn.uni-hd.de Сайт коллекции Ханса Принцхорна]
[pryazka.narod.ru/etiolog.htm В. В. Гаврилов. Этиология аутсайдер-арт]
[www.diy-zine.com/node/600 Подборка художников аутсайдеров из сообщества raw_vision]
[art-brut.info Творчество душевнобольных]
[youtube.com/watch?v=gDhdHuirxPI Фильм Московского музея творчества аутсайдеров «Искусство посторонних», 2008]

Отрывок, характеризующий Ар брют

11 го июля, в субботу, был получен манифест, но еще не напечатан; и Пьер, бывший у Ростовых, обещал на другой день, в воскресенье, приехать обедать и привезти манифест и воззвание, которые он достанет у графа Растопчина. В это воскресенье Ростовы, по обыкновению, поехали к обедне в домовую церковь Разумовских. Был жаркий июльский день. Уже в десять часов, когда Ростовы выходили из кареты перед церковью, в жарком воздухе, в криках разносчиков, в ярких и светлых летних платьях толпы, в запыленных листьях дерев бульвара, в звуках музыки и белых панталонах прошедшего на развод батальона, в громе мостовой и ярком блеске жаркого солнца было то летнее томление, довольство и недовольство настоящим, которое особенно резко чувствуется в ясный жаркий день в городе. В церкви Разумовских была вся знать московская, все знакомые Ростовых (в этот год, как бы ожидая чего то, очень много богатых семей, обыкновенно разъезжающихся по деревням, остались в городе). Проходя позади ливрейного лакея, раздвигавшего толпу подле матери, Наташа услыхала голос молодого человека, слишком громким шепотом говорившего о ней: – Это Ростова, та самая… – Как похудела, а все таки хороша! Она слышала, или ей показалось, что были упомянуты имена Курагина и Болконского. Впрочем, ей всегда это казалось. Ей всегда казалось, что все, глядя на нее, только и думают о том, что с ней случилось. Страдая и замирая в душе, как всегда в толпе, Наташа шла в своем лиловом шелковом с черными кружевами платье так, как умеют ходить женщины, – тем спокойнее и величавее, чем больнее и стыднее у ней было на душе. Она знала и не ошибалась, что она хороша, но это теперь не радовало ее, как прежде. Напротив, это мучило ее больше всего в последнее время и в особенности в этот яркий, жаркий летний день в городе. «Еще воскресенье, еще неделя, – говорила она себе, вспоминая, как она была тут в то воскресенье, – и все та же жизнь без жизни, и все те же условия, в которых так легко бывало жить прежде. Хороша, молода, и я знаю, что теперь добра, прежде я была дурная, а теперь я добра, я знаю, – думала она, – а так даром, ни для кого, проходят лучшие годы». Она стала подле матери и перекинулась с близко стоявшими знакомыми. Наташа по привычке рассмотрела туалеты дам, осудила tenue [манеру держаться] и неприличный способ креститься рукой на малом пространстве одной близко стоявшей дамы, опять с досадой подумала о том, что про нее судят, что и она судит, и вдруг, услыхав звуки службы, ужаснулась своей мерзости, ужаснулась тому, что прежняя чистота опять потеряна ею. Благообразный, тихий старичок служил с той кроткой торжественностью, которая так величаво, успокоительно действует на души молящихся. Царские двери затворились, медленно задернулась завеса; таинственный тихий голос произнес что то оттуда. Непонятные для нее самой слезы стояли в груди Наташи, и радостное и томительное чувство волновало ее. «Научи меня, что мне делать, как мне исправиться навсегда, навсегда, как мне быть с моей жизнью… – думала она. Дьякон вышел на амвон, выправил, широко отставив большой палец, длинные волосы из под стихаря и, положив на груди крест, громко и торжественно стал читать слова молитвы: – «Миром господу помолимся». «Миром, – все вместе, без различия сословий, без вражды, а соединенные братской любовью – будем молиться», – думала Наташа. – О свышнем мире и о спасении душ наших! «О мире ангелов и душ всех бестелесных существ, которые живут над нами», – молилась Наташа. Когда молились за воинство, она вспомнила брата и Денисова. Когда молились за плавающих и путешествующих, она вспомнила князя Андрея и молилась за него, и молилась за то, чтобы бог простил ей то зло, которое она ему сделала. Когда молились за любящих нас, она молилась о своих домашних, об отце, матери, Соне, в первый раз теперь понимая всю свою вину перед ними и чувствуя всю силу своей любви к ним. Когда молились о ненавидящих нас, она придумала себе врагов и ненавидящих для того, чтобы молиться за них. Она причисляла к врагам кредиторов и всех тех, которые имели дело с ее отцом, и всякий раз, при мысли о врагах и ненавидящих, она вспоминала Анатоля, сделавшего ей столько зла, и хотя он не был ненавидящий, она радостно молилась за него как за врага. Только на молитве она чувствовала себя в силах ясно и спокойно вспоминать и о князе Андрее, и об Анатоле, как об людях, к которым чувства ее уничтожались в сравнении с ее чувством страха и благоговения к богу. Когда молились за царскую фамилию и за Синод, она особенно низко кланялась и крестилась, говоря себе, что, ежели она не понимает, она не может сомневаться и все таки любит правительствующий Синод и молится за него.

wiki-org.ru

Целительное искусство

Ар брют

Определение

Август Наттерер (August Natterer). Голова ведьмы. 1915 г. «Ар брют», в современном понимании, это творчество душевнобольных людей или маргиналов, людей по тем или иным причинам не вписывающихся в обычную социальную систему или действующих по законам, не принятым в искусстве профессиональном, академическом. Термином «Ар брют» в конце ХХ века стали обозначать работы не- маргинальных художников, копировавших или вдохновленных творчеством душевнобольных.

История возникновения понятия

Вообще, термином «Ар брют» обозначается весьма широкое понятие, которое, подчас очень трудно четко классифицировать, определить для него какие-то конкретные рамки. Изначально, «сырым искусством» назвал свою коллекцию рисунков и картин душевнобольных и непрофессиональных авторов французский художник Жан Дюбуффе. Дюбуффе родился в 1901 году в городе Гавр, отец его был виноторговцем. Навыки изобразительного искусства Дюбуффе получал из самых разных источников, разрабатывал их самостоятельно, методом проб и ошибок. С самого начала своего пути Дюбуффе старался находить новые формы выражения в творчестве. Особой его страстью были эксперименты с материалами. В начале двадцатых годов он перебирается в Париж, где в художественный среде, добивается определенного признания, вращается в кругах авангардистов. С самого начала его внимание привлекли дадаисты, которые в творчестве пытались упростить реальность, сделать её качественно иной, будто новой, только увиденной глазами ребенка, и сюрреалисты, пытавшиеся экспериментировать с объектами, сознательно наделяя одни предметы, свойствами других, сращивая формы и изобретая новых существ, живших в иной, искусственной реальности. Как и другие, Дюбуффе искал новые методы создания собственного мира, чтобы затем переносить его в свое творчество, он продолжал эксперименты с материалом, стараясь, каждый раз найти все более «неожиданную» краску. Переломным моментом в жизни Дюбуффе стало прочтение книги Ханса Принцхорна «Живопись душевнобольных». Методы, которыми творили коллеги художника и его собственные стали казаться Дюбуффе излишне искусственными. В 1925 году, он заявляет, что он разочарован в своем занятии и отправляется на родину, торговать вином вместе со своим отцом. Однако вскоре художник одумался и решил не бросать искусства и творческого поиска совершенно. Он начинает собирать картины, рисунки, скульптуры и другие предметы творчества душевнобольных. Четких критериев отбора работ для своей коллекции у Дюбуффе не имелось, он собирал их, скорее по личному субъективному ощущению, его привлекали личности неординарные, внесистемные, как можно выразиться «лишние люди», «чудаки». Сам человек неординарный и талантливый, Жан Дюбуффе старался понять принцип восприятия других художников. Дюбуффе активно изучает творчество детей, душевнобольных, заключенных. Стремится сделать творчество таким же спонтанным и бессознательным. Он жадно выхватывает из реальности случайные предметы, находит случайный материал, затем нарочито грубо переносит предмет на холст. Он рисует шлаком, известкой, шариковой ручкой и изобретенными им самим предметами.

Дюбуффе. Эмалевый сад. 1974. Музей Креллер Мюллер. Нидерланды.

Так, художник сформировал концепцию «Ар брют», «грубого», «сырого» искусства. К нему присоединяются Бекон, Джакометти и еще несколько художников из группы дадаистов и смежных направлений. Подробнее о фонде и коллекции Дюбуффе можно прочитать на сайте http://www.dubuffetfondation.com/index_ang.htm.

Особенности концепции

Главной особенностью Ар брют является спонтанность, неупорядоченность мотивов художника, оно подчас, является более вдохновленным, чем искусство официальное, академическое. Но вдохновленность эта иная: прежде всего источником, мотивом «сырого искусства» являются внутренние, часто необычные переживания автора, которые он стремится реализовать, сделать их оформленными и понятными для мира и прежде всего, для самого себя. Если хотите «подчинить творчеству» свои своеобразные чувства, идеи и стремления. Ар брют не признает практически никаких законов, творчества. С сюрреализмом его роднит слияние реального и фантастического, а с дадаизмом – грубое искажение восприятия мира через призму сверхсильного эмоционального насыщения. Художник сам волен выбирать перспективу, пропорции материал, технику и многое другое. Однако выбор его должен быть, как можно менее продуман, почти бессознателен и случаен (это отличает метод Дюбуффе от "параноидально-критического" метода Сальвадора дали, где фантастические и искаженные образы формируются сознательно и воплощаются в классической технике). Другая замечательная особенность Ар брют: оно качественно отличается от основного направления, которое определяется модой, существующими на данный момент академическими принципами и насущными социальными темами. Независимый характер Ар брют способен, со временем привнести нечто новое в принципы официальной художественной культуры. В широком смысле, любая особая стилистика и направление проходило этап «сырого искусства», до того, как было популяризировано и принято широкими массами зрителей. Однако, не всякое новое, непризнанное направление в искусстве это Ар брют. «Сырое искусство» - почти всегда творчество одиночки, тогда как представители разных авангардных течений в итоге объединялись в группы, формировали общие принципы формы своего творчества, заимствовали и совершенствовали художественные приемы. Еще до формирования концепции «сырого искусства» Дюбуффе существовали авторы, творчество которых с уверенностью можно отнести к данному течению. Практически в одно время с Дюбуффе, во Франции появляется художница, работающая в жанре «наивного искусства» - Луи Серафина.

Кадр из фильма Серафина из Санлиса

Родилась художника в семье крестьянки и часовщика, с детства она проявляла тягу к религии. В 7 летнем возрасте она теряет родителей и до совершеннолетия воспитывается старшей сестрой, работает служанкой, пастушкой. Вдохновившись церковными витражами и грубыми народными предметами искусства на религиозную тематику, Луи Серафина начинает рисовать, причем делает это ночью, при свече. Её картины грубоваты, почти детски, но не просты. Яркие мазки рисуют цветы, букеты, которые будучи обыденными, по своей сути, принимают необычный вид. Её натюрморты больше походят на символы, гербы, элементы располагаются в каком-то странном геометрическом порядке, а излишне яркие, почти горящие цвета находятся меж собой в вычурном, непривычном контрасте. Материал она ищет по собственным критериям, по-детски считая, что цветы должны рисоваться цветами, а кровь – кровью. Настроение картин не терпит у нее полутонов, радость всегда экстатичная, страх почти животный. Художницу случайно замечают и, с 1928 года, она становится достаточно известной, благодаря поддержке меценатов. Однако забвение пришло так же быстро, как и признание. С началом великой депрессии в США, а затем второй мировой войны, интерес к наивному искусству пропадает. В 1932 году уже всеми забытая художница попадает в психиатрическую больницу с диагнозом «хронический психоз». Всю оставшуюся жизнь Серафина Луи провела в психиатрической больнице, где и скончалась в 1942 году. Повторный интерес к художнице возник уже после войны, в 1945 году, её картины неоднократно выставлялись в различных галереях Европы. В 2008 году кинорежиссер Мартен Право снял биографический фильм «Серафина из Санлиса» о художнице.

Ар брют и клиническая психиатрия

Художественная ценность «Ар брют», как любого направления в искусстве продолжает оспариваться, положительным моментом можно отметить то, что количество зрителей нейтрально относящихся к нему минимально. Существуют, как ярые противники популяризации творчества душевнобольных, так и столь же ярые сторонники. Однако оставим эти споры искусствоведам, тем более что в клинической психиатрии и психологии «Ар брют» давно заняло свое заслуженное место. Первоначально врачи, работавшие в психиатрических стационарах, относились к творчеству своих пациентов пренебрежительно или даже крайне негативно. Считалось, что излишняя активность может способствовать обострению болезненных явлений в поведении больно, что пациент от переутомления себя умственной деятельностью не будет иметь достаточно потенциала для борьбы с болезнью. Однако с течением времени некоторые психиатры стали замечать положительный характер занятости своих пациентов творчеством. Отмечалось, что это создает лучший контакт между пациентом и его врачом. Как следствие заинтересованности занятием больного, у врача появляется больше времени для установления с пациентом неформального контакта, что, в свою очередь помогает установке партнерских взаимоотношений для лучшего подбора наиболее подходящей пациенту схемы и лечения и последующей социальной реабилитации. Следующим положительным моментом поощрения творчества душевнобольных является диагностический. Одна из важнейших задач психиатрии и клинической психологии – определение границ патологии и личностной конституции пациента, нахождение грани на которой идет взаимодействие и борьба болезни и здоровой части личности пациента. Другими словами: психиатру требуется определить, где явления, рожденные психиатрическим недугом, а где проявления нормальной личности пациента и как эти явления уживаются вместе. Изучение творчества душевнобольных с точки зрения психологии патопсихологии и позволяет решить эту задачу. Рисунок очень часто может определить, каков был пациент до начала болезни, каковы были его основные жизненные мотивации, какова была его и личность и таким образом сформировать наиболее адекватный подход для лечения, прежде всего для психотерапевтического. Очень часто пациент, страдающий от того или иного недуга, не способен осознать его тяжесть или даже наличие как таковое. Подчеркиваю, что речь здесь идет не о сокрытии симптоматики пациентом, а о непонимании, того, что именно с ним происходит. Конечно, это создает известные проблемы для диагностики. Очень часто нормальный для такого состояния страх пациента перед своим недугом излишне субъективно искажает, усиливает картину болезни. Первое, чего надо добиться в таком случае – позволить пациенту избавиться от этого страха, помочь начать воспринимать болезнь в её истинном ключе. Творческое самовыражение позволяет пациенту избавиться от излишней озабоченности, растерянности перед болезнью. Надо отметить, что позиция врача должна быть здесь максимально объективной, многое зависит от его умения. На работу больного следует учиться смотреть именно глазами больного, стараться понять, что именно он пытался вложить в тот или иной элемент, какую роль в его жизни занимает тот или иной сюжет. Не последнюю роль здесь имеет и самоанализ со стороны пациента. Размеренная, систематизированная творческая деятельность, перенос переживаний в творчество позволяет пациенту систематизировать и понять свои собственные, подчас разрозненные мысли и чувства. Нередко пациенты в состоянии возбуждения проявляют разрушительные и агрессивные действия по отношению к себе и окружающим, всегда большим успехом является возможность переключить пациента с разрушительной деятельности, на творческую, созидательную. Здесь вступает в дело такой механизм психологической защиты, как сублимация, то есть перенаправление собственных, разрушительных стремлений и желаний в ту форму, которая не будет порицаема и обществом и не приведет к саморазрушительным действиям пациента. Частично выздоровевший человек, находясь в стенах психиатрической больницы, или лечащийся амбулаторно весьма часто начинает испытывать чувство собственной ущербности, бесполезности, и очень часто безосновательно. Когда болезнь еще не полностью побеждена и ресурсов для занятия основной, профессиональной деятельностью у пациента еще нет, он может найти отдушину в творчестве, понять что он, как и прежде человек, способный творить, человек вполне полноценный. Бывает порой, что человек находит себя заново, как раз в творчестве, открыв в себе ранее неизвестные ему самому грани.

mindlabyrinth.ru

Арт-брют: история болезни

История арт-брют, что в переводе с французского означает "сырое искусство", — это вечная история поиска истоков, изначального, сырого... В 1912 году швейцарский авангардист Пауль Клее писал на страницах журнала "Альпы": "Если речь идет о том, чтобы реформировать актуальное искусство, к произведениям душевнобольных следует на самом деле относиться гораздо серьезнее, чем ко всему, что представлено в художественных музеях".

В эпоху победившего постмодерна, когда современное искусство освоило последние рубежи художественной инновации, манифестов больше не пишут, о реформах, революции и самой возможности нового всерьез не говорят. А если и говорят, то - на уровне риторических упражнений. Но когда современное искусство то слишком "литературное" и сложное, то, наоборот, минималистичное и невзрачное, стало понемногу надоедать, и для починки "души" снова захотелось либо по-настоящему красивого искусства, либо по-настоящему наивного, первозданного и непосредственного, интерес к творчеству аутсайдеров стал неуклонно повышаться. Во избежание путаницы необходимо пояснить, что наряду с французским названием "арт-брют", то есть буквально — "сырое искусство" существует и целый ряд англоязычных терминов: "роу-арт" — сырое искусство, "селф-тот-арт" — искусство самоучек, и наиболее распространенный сегодня "аутсайдерс-арт". Последний охватывает наиболее широкий спектр течений, включая, например, шаманистскую живопись мексиканских индейцев уичоли и гаитянских колдунов вуду. Термин "арт-брют" - буквально "сырое искусство" — принято связывать с творчеством французского живописца и скульптора Жана Дюбюффе.

Но это в принципе неверно. Собственные работы радикал и воинствующий антиинтеллектуал Дюбюффе стилизовал под примитив, выражая таким образом протест против ненавистной ему "буржуазной культуры" и "мещанских вкусов". И надо сказать, что готовый продукт отличался высокой степенью неординарности. Первые полотна Дюбюффе, показанные им в 1944 году в Париже, не на шутку разозлили публику, которая еще не успела окончательно смириться с гениальностью абстракционистов и экспрессионистов. Сегодня директора ведущих музеев мира буквально вступают в единоборство за картины Дюбюффе, оттеснившие признанных Пикассо и Дали.

Cпециалист по арт-брют — кельнская галеристка Сузанне Цандер полагает, что лишь очень тонкие ценители искусства способны находить прекрасное в арт-брют, подкупающем простотой непосредственного выражения и глубиной личного восприятия авторов, для которых это часто единственная возможность общения с внешним миром. В США рынок арт-брют особенно велик, уже 8 лет в Нью-Йорке ежегодно проходит специализированная международная ярмарка, в которой принимают участие и европейские галереи.

В 1997 году на биеннале в Венеции американцы сильно удивили европейцев, представив на авторитетнейшей выставке современного искусства традиционную живопись, да к тому же картины примитивиста из настоящей глубинки, афроамериканца Роберта Колскотта. Но, может быть, именно это стало одним из факторов, пробудивших интерес к спонтанным выплескам художественного творчества "иных" в Европе, где естественный, спонтанный, неотрефлектированный взгляд на мир оказывал значительное влияние на мастеров модерна от Пауля Клее до сюрреалистов и продолжает влиять на актуальные течения, вроде "молодых британцев". И тем не менее, за редким исключением, в Европе, и прежде всего в Германии, арт-брют выставлялось и продавалось как нечто маргинальное, не вписывающееся в художественно-исторический контекст — и не очень соотносящееся с трендами арт-рынка; на ярмарках современного искусства арт-брют галереи вели периферийное существование. Смешно, поскольку термин "маргинальность", по сути, давно уже ничего не сообщает, а в отношении современного искусства воспринимается как тавтология.

Разрыв в понимании арт-брют между Европой и США объяснить не трудно. С приходом к власти в Германии в 1933 году национал-социалисты немедленно приступили к реализации эвтаназической программы, направленной на физическую ликвидацию душевнобольных. Пострадали не только художники, многие коллекционеры и психиатры, работавшие с художниками арт-брют, в том числе и сподвижники автора знаменитой книги "Изобразительное искусство душевнобольных" (1922) Ганса Принцхорна в Хайдельбергском университете, подверглись репрессиям, были депортированы в концлагеря, их коллекции конфискованы. Чудом большая часть собрания Принцхорна (около пяти тысяч картин и рисунков) сохранилась, и была обнаружена лет двадцать назад где-то в пыльных архивах университета, но, как ни удивительно, возможности создать музей для этой уникальной коллекции в Германии не нашлось и по сей день.

В Европе арт-брют собирают в основном сами художники, среди них австриец Арнульф Райнер и Хартмут Нойман из Кельна. Обширная коллекция аутсайдерского искусства, собранная Дюбюффе, выставлена в специальном музее в Лозанне. В замке Беннигхайм на юге Германии можно увидеть более пятисот объектов аутсайдерского искусства из собрания Шарлотты Цандер, в том числе прекрасные работы классиков — Адольфа Вельфли, Луиса Суттера, Пола Хамфри, Огюстена Лессажа. Дочь собирательницы — Сузанне Цандер — уже 12-й год специализируется исключительно на арт-брют. Сузанне убеждена, что проблемы творчества следует обсуждать без скидки на медицинский диагноз, и очень последовательно отстаивает в работе и в контактах со СМИ свою позицию. По ее словам, арт-брют — это искусство одаренных аутсайдеров, работающих произвольно, но с высокой степенью аутентичности, не заинтересованных в потенциальном зрителе и не ориентированных на рынок, обычно не имеющих спецобразования и не знакомых с законами живописи...

Но арт-брют — это ни в коем случае не детские рисунки и не результат арт-терапии или творчества в психодинамических или психосоматических группах. Дети, примитивы, наивы и терапевтический арт — формально близки к аутсайдерам, но явления эти крайне разнородные. Хотя в Германии и существуют общества и организации, выставляющие творчество инвалидов и психически больных, и даже вручается ежегодный приз "за лучшую работу душевнобольного", все это замечательно, но к арт-брют отношения не имеет. Цандер не задается вопросом о том, какие отклонения у тех художников, с которыми она работает, напоминая, что галерист и критик должен интересоваться искусством, а историей болезни — лечащий врач. "Искусство в рамках терапии делается для диагностики или лечения, а не для художественных выставок. Выставлять надо искусство, а не медицинскую документацию", — парировала Цандер, узнав, что в сопутствующей программе международной ярмарки современного искусства "Арт Колонь", которая состоится в ноябре, намечается выставка работ из психиатрической терапии. Да и самом деле, выставлять арт-брют вместе с результатами арт-терапии, работами заключенных или детей, означает примерно тоже самое, что объединять в одну экспозицию Адольфа Вельфли и Винсента ван Гога по признаку того, что оба были не в себе.

Произведения арт-брют автономны и самодостаточны. Бесполезно задавать вопросы о том, что хотел сказать художник, что он имел в виду, на чем основывается его теория. Адольф Вельфли, чьи работы сегодня стоят до нескольких сотен тысяч долларов, страдал, например, тяжелой формой шизофрении. Понять то, что происходило в его душе, для обычного человека не представляется возможным.

Среди художников арт-брют часто встречаются люди с различными нервными расстройствами и пациенты психиатрических клиник, но чаще это чудаковатые одиночки, замкнутые, изолированные от внешнего мира, иногда детьми пережившие экзистенциальный опыт войны, ужасы Холокоста и концлагерей (Роземари Кочи), потерявшие родных и близких, либо люди сложной и трагической судьбы, никогда не имевшие семьи (Хенри Даргер, Мортон Бартлетт). Шокирует судьба Даргера, скончавшегося в 1972-м в Чикаго в одиночестве и нищете. После его смерти хозяин дома, в котором Даргер снимал маленькую квартирку, обнаружил в комнатке нелюдимого квартиросъемщика тысячи больших акварелей и карандашных рисунков, принадлежавших к жутковатой эпопее "Вивиэн герлз". Они изображали жизнь вымышленной планеты в несколько тысяч раз больше нашей Земли, населенной маленькими девочками и злыми солдафонами, которые вели между собой ожесточенную войну. Мастера арт-брют часто занимаются мифотворчеством и искренне верят в вымышленные истории. Они редко способны к рефлексии по поводу своего искусства и обычно даже не считают себя художниками, рисуют картины, фотографируют и изготавливают художественные объекты исключительно из внутренней необходимости. Важной вехой в реабилитации арт-брют в Германии стала экспозиция "Obsession" из работ американских аутсайдеров Хенри Даргера, Мортона Бартлетта, Юджина фон Брюнхенхайна и Пола Хамфри, состоявшаяся в конце прошлого года в Кельне, в пространстве выставочного зала Кунстферайна, где обитает современное искусство. Разумеется, главная заслуга в организации выставки принадлежит наряду с директором Кунстферайна Удо Киттельманом куратору Сузанне Цандер и соорганизатору — историку и искусствоведу Клаудии Дихтер. Тема была довольно провокационная: творческое выражение навязчивой сексуальности. По поводу того, следует ли показывать столь причудливую эротику, развернулась весьма широкая дискуссия, но к большому удовлетворению устроителей, почти ни у кого из тысяч посетителей выставки не возникало сомнений в том, можно ли представлять этих художников в рамках "конвенциональной" общности современного искусства, искусство это или нет. Звучит парадоксально, но, похоже, что творчество аутсайдеров для устоявшегося арт-мира и рынка - последняя грань маргинальности.

В Европе серьезным достижением стало выделение арт-брют в отдельную программу на новой, сдвоенной ярмарке современного искусства и антиквариата "Кунстмессе Кельн", состоявшейся в апреле. О разнице во вкусах и разногласиях в понимании "сырого, дикого" искусства между европейцами и американцами свидетельствовал "скромный успех" единственной американской галереи Дина Дженсена из Милуоки. На ее стенде в Кельне были, в частности, выставлены написанные маслом картины Юджина фон Брюнхенхайна, тогда как в Европе его знают главным образом как фотографа, автора бесконечных серий фотопортретов своей любимой жены Мэри в инсценировке "святой", "голливудской дивы", или "пин-ап". Странным многим посетителям показалось и присутствие на стендах американцев эскизов цветных татуировок 40-50-х гг. Что, конечно, не является арт-брют, но, безусловно, — одним из проявлений аутсайдерс-арт в его американском понимании, то есть искусства, граничащего с арт-брют, поскольку его авторы также находятся в ситуации отверженных. Кельнские галеристы считают "трансатлантический обмен" и конкуренцию вполне плодотворной и надеются, что первая неудача не отпугнет американские галереи арт-брют. "Кунст-мессе Кельн", которая будет теперь проходить ежегодно в апреле, стала интересным дополнением к осенней ярмарке современного искусства "Арт Колонь".

Родилось новое мероприятие от "брака по расчету" между проводившейся ранее ежегодно в течение 30 лет в Дюссельдорфе "Западно-немецкой ярмарки антиквариата и классического модерна" с новым начинанием — ярмаркой художественных изданий, искусства после 1960 года и арт-брют "Кунст Кельн-2000". В рамках сопроводительной программы в секции арт-брют состоялась специальная выставка наиболее интересных работ из обширного собрания австрийского художника Арнульфа Райнера, и надо сказать, что посетителей там было больше, чем этажом выше, где развернулась экспозиция ваз и утвари из стекла и олова флореального и неоромантического югендстиля мануфактур Рейнской провинции "Оривит", "Британния", "Й. П. Кайзер".

Интерес коллекционеров к арт-брют объясняется не только высоким качеством работ, но и сравнительно доступными ценами. Сузанне Цандер предлагала картины и объекты для разных кошельков, наряду с "престижными" Джеффом Хиллом, Аугустом Валла, Освальдом Чиртнером, Савой Секуличем всего за несколько сотен марок можно было приобрести работы участника кельнской выставки "Obsession" Пола Хамфри из серии "Sleeping beauty". Последние годы жизни Хамфри рисовал почти исключительно "спящих красавиц" методом художественного закрашивания гуашью, акрилом, смешанными красками фотографий или скопированных из журналов фотопортретов манекенщиц, поп-звезд или просто приглянувшихся ему женщин. Изображения выглядели все на одно лицо, и Хамфри утверждал, что прототипом служит его дочь, которой, кстати, как выяснилось уже после смерти художника в прошлом году, у него никогда не было. По словам галеристов, за последние три-четыре года цены, особенно на работы классиков, необычайно выросли и продолжают повышаться. Гастон Шессак, Луис Суттер, Рамирес, Скотти Уилсон, Жак Браунштейн, Алоизе Корбаз стоят десятки и даже сотни тысяч марок. На "Кунстмессе Кельн" картины и объекты этих художников можно было приобрести у Фишера из Берлина, галереи Рич-Фиш из Страсбурга и парижской "des 4 coins". В галерее "Кунст унд Хандель" из Граца (Австрия) рисунки Йоганна Хаузера, одного из лучших мастеров клиники в Гуггинге, были проданы по цене от 30 тыс. до 120 тыс. марок. На стенде галереи Карстена Греве из Кельна, напоминающие по стилю абстрактный экспрессионизм картины замечательного художника афроамериканца Первиса Янга в самодельных, грубо сколоченных из досок рамах, стоили от 20 тыс. марок. На мои расспросы о том, что за люди, помимо упомянутых художников-коллекционеров, покупают арт-брют, галеристы отвечали, что коллекционеры — всюду коллекционеры. Иногда одержимые, иногда любители. Цандер иронизирует, что рассматривая свою налоговую декларацию, каждый раз радостно удивляется тому, что налоги с проданных ею в галерее картин и объектов не так уж велики, но это потому, что большинство работ покупают все же не немцы, а иностранцы — англичане, французы или швейцарцы. Половина приглашений на очередной вернисаж в ее небольшой галерее рассылается за границу.

Виктор Кирхмейер

источник: artpages

be-inart.com