Музей ЧерномырдинаПосетительница филиала Лувра исписала маркером картину Делакруа. Свобода картина
Свобода, ведущая народ — Artrue
Автор: Делакруа (1798–1863).Тип: Картина маслом на холсте.Месторасположение: Лувр, Париж.
Делакруа
Сильное влияние на французскую живопись 19-го века оказал один из самых известных мастеров романтизма. Тем не менее, на Делакруа в значительной мере повлияли старые мастера, такие как Паоло Веронезе и Рубенс, а также более поздние художник, например, Гойя. Романтическая экспрессивность художника состояла из комбинации классических элементов живописи, барочных цветов и шероховатого реализма. Заядлый путешественник ассимилирует цвета и мотивы Северной Африки и Испании. Более свободную и красочную манеру письма художник перенимает в процессе общения с английскими мастерами Джоном Констеблем и Уильямом Тернером.
Синопсис
«Свобода, ведущая народ» — это одновременно политическая и аллегорическая работа. Картина, созданная в период с октября по декабрь 1830 года, представляет собой пример французского романтизма, но при этом развивает идеи реализма. Эта работа посвящена июльской революции 1830 года, при которой был свергнут король Франции Карл X, что привело к восхождению на трон его двоюродного брата — Луи-Филиппа I. Впервые продемонстрированная на Парижском салоне 1831 года, где вызвала переполох из-за своего политического значения, композиция демонстрировала аллегорическую фигуру Свободы (известную как Марианна, национальный символ Французской Республики), ведущую свой народ к победе по телам павших товарищей. Правой рукой она поднимает триколор, в левой держит мушкет со штыком. Из-за своего политического содержания картина длительное время была скрыта от общественности.
Свобода, ведущая народ
В картине на фоне собора Нотр-Дам изображены повстанцы различных социальных классов, что видно по их одежде и вооружению. Например, размахивающий шашкой человек — представитель рабочих слоев общества, фигура в шляпе — представитель буржуазии, а мужчина на коленях — сельский житель и, вероятно, строитель. Два мертвых тела в мундирах на переднем плане, скорее всего, это солдаты из королевского полка. Маленький мальчик часто ассоциируется с Гаврошем, персонажем книги Виктора Гюго, несмотря на то, что картина была написана за двадцать лет до ее публикации.
Некоторые искусствоведы утверждают, что Делакруа, создавая свою Свободу, вдохновлялся статуей Венеры Милосской (ее автором считается Александрос Антиохийский), что подчеркивает классицизм композиции. Об этом также говорит классическая драпировка желтого платья. Цвет флага намеренно выделяется на фоне серой цветовой гаммы холста.
artrue.ru
Описание картины Эжена Делакруа “Свобода, ведущая народ” (Свобода на баррикадах)
Уже впоследствии картина Эжена Делакруа, написанная им в 1830 году, стала именоваться “Свобода на баррикадах”, но первоначально она носила название “Свобода, ведущая народ”.
Иногда бытовало ошибочное мнение, что полотно создано под влиянием Великой французской революции, однако, на самом деле, Делакруа посвятил сюжет картины событиям июля 1830 года, когда в Париже шли ожесточенные уличные бои, приведшие к свержению Карла X, последнего из рода Бурбонов, коих так люто ненавидело население Франции.
Молодой Эжен Делакруа, позиционировавший себя не как революционера, но как мятежника, окрыленный и опьяненный свежим воздухом свободы и свершившихся побед, загорелся идеей написать картину о тех кровопролитных днях и подвиге своего народа. На осуществление поставленной перед самим собой задачи художнику понадобилось три месяца, по прошествии которых взорам восхищенной публики предстала “Свобода, ведущая народ”.
Сюжет полотна рассказывает о фрагменте жаркого сражения, где отряд вооруженных повстанцев через тела своих погибших товарищей и сквозь свист пуль пробивается к намеченной цели.
Впереди всех, с поднятым в одной руке трехцветным флагом французской Республики и с ружьем в другой, находится женщина. Это Свобода, увлекающая людей в атаку. На ней фригийский колпак, характерный для якобинцев и обнаженная грудь, что символизирует неистовое желание революционеров идти голой грудью на королевские штыки.
Кисть живописца безупречно подчеркнула разнообразные наряды восставших, указывая на то, что на уличных баррикадах плечом к плечу воевали представители самых разных слоев общества. Делакруа также присутствует на картине в образе мужчины в цилиндре слева от Свободы, несмотря на то, что участия в уличных боях он не принимал.
opisanie-kartin.com
Эжен Делакруа Свобода, ведущая народ: Описание произведения
Полуобнаженная девушка с профилем греческой богини и живым, теплым телом, с французским триколором и винтовкой в руках прочно ассоциируется с туманным понятием «свобода» вот уже почти два столетия. Этот образ используют карикатуристы, изображающие чиновничьи пороки, его использовали на французских листовках времен Второй мировой. Этот образ буквально материализовался, когда в 1968 году на обложке новостного журнала Paris Match появилась фотография студентки Каролин де Бендерн.Публикуя новости о студенческих волнениях 1968 года, переросших в многомиллионную забастовку и политический переворот, все мировые журналы множили фотографию Каролин, создавая новый медийный образ свободы. Этот образ стал сильным и эффектным только потому, что эмоционально очень перекликался с картиной Делакруа.
Эжен Делакруа картину назвал «28 июля, 1830». Этих цифр было достаточно, чтобы французские зрители поняли и вспомнили конкретный день, кровавый и страшный, вдохновивший и подаривший надежду.В этот день в Париже вспыхнул мятеж, который позже назовут Июльской революцией и который привел к смене власти и политического режима. Казалось бы – дело было затеяно гиблое: одного короля меняли на другого. Карл Х, убежденный консерватор, пришел к власти в 1824 году и за 6 лет правления постепенно уничтожил все институты и законы, принятые при Наполеоне. За триколор грозила смертная казнь, например. Когда же в 1830-м правительство приняло ряд указов, ограничивающих свободу слова и распускающих Палату представителей, французы вспомнили о том, что баррикады – это пока единственный проверенный способ выразить недовольство. Членов правительства арестовали, король отрекся от престола и уехал в Великобританию.
Эжен Делакруа, сын бывшего министра иностранных дел при Наполеоне, не стоял на баррикадах, но был «восторженным наблюдателем». «Я выбрал современный сюжет – баррикады. И раз уж я не сражался за свою страну, я буду писать в ее честь», - сообщает художник брату. Картину размером три на два с половиной метра Делакруа напишет всего за три месяца. Он работает быстро и восторженно, оставляя в широких размашистых мазках еще и собственные переживания, перерабатывая свое настроение в уникальную живописную манеру.
Это первая картина Делакруа, которая изображает его современников и близкие, конкретные события. Красный, белый и синий цвета, отражаясь от трехцветного флага в руках Свободы, звучат на всем полотне. Любимые всеми романтиками трупы на первом плане не сильно похожи на тела павших героев. А по живым еще мятежникам можно уверенно судить об их недавнем участии в мародерстве: на плече мальчишки и рабочего в берете одинаковые сумки с боеприпасами, и это сумки королевских солдат. Тело мужчины без штанов на первом плане убеждает нас не сомневаться в нравах восставших – его штаны конечно украли.
И несмотря на это картине «28 июля, 1830» удалось стать символом не только революции, но и всей Франции и свободы вообще. Питерский искусствовед Илья Доронченков утверждает, что со времен раннего христианства, когда абстрактные ценности воплотились в жизни Христа, до Делакруа никому не удавалось создать такой реальный и полнокровный символ абстрактного понятия. Понятия свободы.
Государство купило картину сразу же как только она была представлена на Салоне 1831 года, но только спустя 43 года ее вынесли из темных дворцовых коридоров и водрузили на стену Лувра для всеобщего обозрения. Каждое правительство, разными способами приходящее к власти во Франции, считало ее слишком опасной.
Автор: Анна Сидельникова
artchive.ru
Делакруа "Свобода, ведущая народ" описание картины, анализ
Эту картину Эжена Делакруа, написанную в 1830 году, иногда называют «Свобода на баррикадах», но правильное, оригинальное её название — «Свобода, ведущая народ». Также распространено ошибочное мнение, что на картине изображены события Великой французской революции, но это не так: картина наполнена духом и событиями июля 1830 года, когда Париж был охвачен уличным боями, которые привели к отречению от власти Карла X, которого очень сильно ненавидели практически все жители Франции.
Молодые годы Эжена Делакруа, прошедшие под знаменем революционных идей, натолкнули его на мысль о картине, которая бы символизировала подвиг французского народа в борьбе против тирана. Он с рвением принялся за работу и через три месяца полотно «Свобода, ведущая народ» было закончено и представлено зрителям.
На картине изображён разгар сражения на улицах Парижа, отряд восставших, несмотря на потери, движется под градом пуль к своей цели. Перед ними, с флагом Французской республики и ружьем в руках изображена женщина. Это и есть Свобода, она ведёт повстанцев к победе. На голове ее колпак, который был в моде у якобинцев того времени, грудь обнажена — она готова броситься на штыки королевских солдат. Разнообразие нарядов повстанцев говорит о том, что на улицы Парижа вышли бороться против тирании люди самых разных профессий и достатка.
Несмотря на то, что Делакруа не принимал непосредственного участия в уличных боях, на картине он изобразил и себя, чтобы показать одобрение и единение с борцами за свободу.
Год написания картины: 1830.
Размеры картины: 260 x 325 см.
Материал: холст.
Техника написания: масло.
Жанр: историческая живопись.
Стиль: романтизм.
Галерея: Лувр, Париж, Франция.
Другие картины художника:
opisanie-kartin.ru
Свобода, ведущая народ
Скрыть управляющие элементы
Символ бонапартистов (геральдические цвета Наполеона). Среди восставших было немало военных, сражавшихся в армии императора. Большинство из них Карл Х отправил в отставку на половинное жалованье.
3 Фигура в беретеСимволизирует рабочий класс. Такие береты носили парижские печатники, которые первыми вышли на улицы: ведь по указу Карла Х об отмене свободы прессы большинство типографий должны были закрыть, и их работники оставались без средств к существованию.
3 Фигура в цилиндреЭто и обобщенный образ французской буржуазии, и в то же время автопортрет художника.
3 ФлагСимвол французской национальной идеи: свобода (синий), равенство (белый) и братство (красный). Во время событий в Париже он воспринимался не как респуб ликанский флаг (большинство восставших были монархистами), а как флаг антибурбонский.
3 Фригийский колпакСимвол освобождения (такие колпаки носили в древнем мире отпущенные на волю рабы).
3 Фигура свободыПо мнению Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки — прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев.
3 СимволикаОбнаженная грудь — символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии (нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета).
3 История картиныДелакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года, положившей конец режиму Реставрации монархии Бурбонов. После многочисленных подготовительных эскизов ему потребовалось всего три месяца, чтобы написать картину. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для неё писать».
Впервые «Свобода, ведущая народ» была выставлена в Парижском салоне в мае 1831 года, где картина была восторженно принята и тотчас куплена государством. О своих впечатлениях от салона и от картины Делакруа, в частности, рассказал Генрих Гейне. Из-за революционного сюжета полотно на протяжении последующей четверти века не выставлялось на публике.
3Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ», 1830
0 2424 Переслать другуdiletant.media
Посетительница филиала Лувра исписала маркером картину Делакруа
11:0408.02.2013
(обновлено: 18:21 08.02.2013)
643600
Классика революционного романтизма, картина "Свобода, ведущая народ" или "Свобода на баррикадах" была написана Делакруа в 1830 году под впечатлением событий Июльской революции. Первоначально она располагалась в парижском Лувре, но с декабря 2012 года, после открытия нового отделения Лувра в городе Ланс, полотно было перенесено в новый музей.
МОСКВА, 8 фев — РИА Новости. Французская полиция задержала посетительницу филиала музея Лувр в городе Ланс, оставившую надпись черным маркером на знаменитой картине Эжена Делакруа "Свобода на баррикадах", сообщают в пятницу французские СМИ.
Женщина в возрасте 28 лет в четверг перед закрытием музея подошла к полотну, которое является главной достопримечательностью недавно открытой экспозиции, достала черный маркер и начала что-то писать. Ее немедленно остановили охранник зала и один из посетителей, а затем передали полиции и поместили под стражу. Мотивы поступка пока не известны. Их выяснит следствие, поскольку дирекция музея подала на женщину в суд.
Громкие случаи вандализма в музеях в 1911-2012 годах >>
"Это очень поверхностная надпись, нанесенная на слой лака. Ее, должно быть, легко очистить. Это внизу картины, в том месте, где изображен труп человека. Надпись трудно расшифровать. Возможно, это цифры, но букв там нет, это не какое-то послание", — отметила представитель музея.
Как сообщает администрация, теперь экспертам предстоит решить, нужно ли снимать картину и направлять ее на реставрацию.
Не берите молоток, если идете смотреть Микеланджело >>
Классика революционного романтизма, картина "Свобода, ведущая народ" или "Свобода на баррикадах" была написана Делакруа в 1830 году под впечатлением событий Июльской революции во Франции. Первоначально она располагалась в парижском Лувре, но с декабря 2012 года, после открытия нового отделения Лувра в городе Ланс (департамент Па-де-Кале на севере Франции), полотно было перенесено в новый музей вместе с другими 200 картинами из парижской галереи.
ria.ru
Свобода в искусстве. Экстенсивный и интенсивный этапы современного искусства.
Привет всем!
Продолжаю писать живописные женские портреты. Яркая цветовая абстракция не до конца постижимым для меня образом накладывается на красоту женских лиц , создавая их выразительность и чувства. Это продолжает волновать меня с той же силой. Портреты большие и порой, забываясь в работе, я чувствую себя словно древний человек перед божеством. Удивительно, но я творю это божество! А может оно творит меня? Законченные портреты существуют отдельно, они смотрят или на меня или немного в сторону, они слегка кокетничают, чувствуют, любят, мечтают, и я не понимаю какое я имею отношение к этой их жизни?
Но когда я не работаю, эти мысли меня не занимают, я уже мечтаю о новой картине, и иногда думаю совсем о другом....
* * *Воистину дети – это зрелые личности. Они свободны в своём творческом проявлении.
Ребёнок растёт, социум давит на ребёнка, заставляя его подстраиваться под него. Человек взрослеет, его личность мучается, деформируясь. Даже если арбуз выращивать в кубическом стакане, то и арбуз вырастет в виде куба. Кстати, так уже делают в Японии, и взвешивать не надо все арбузы весят и стоят одинаково! Считаю это насилием над природой арбуза! Мне круглые больше нравятся! Свободу арбузам!
Ну а если уже почти серьёзно, то напрашивается простая истина: арбуз выросший кубом, шаром уже стать не может! А человек?
Художник стремиться вновь к изначальной внутренней свободе.
Ведь только свобода даёт возможность таинственным образом опереться на будущее и продолжить полёт в настоящем.
"Заглянуть в будущее" х.м. 100х100
Достичь свободы можно двумя способами: либо «забить» на всё и всех, либо принять всё и всех. Оба способа эффективны. Но свобода, достигнутая первым способом относительна и спорна, достигнутая вторым способом – абсолютна. Первый способ для слабых, хотя его проявления внешне выглядит сильными. Второй - для сильных. Когда в мировом искусстве стала так цениться свобода выражения?
Не так давно, в ХХ веке. До этого свобода расценивалась как отсутствие уровня культуры, безобразие, сумасшествие, то есть всегда со знаком минус.
Почему в ХХ веке свобода выражения стала почти синонимом таланта?
Всё дело в том, что искусство в определённый момент своего развития, а точнее ко второй половине ХIХ века «почувствовало» себя самодостаточным, кстати, впервые за всю свою многовековую историю. До этого искусство было всегда зависимо от своих религиозных или светских заказчиков, и совсем не тяготилось этой зависимостью. В те времена художник, образно выражаясь, всегда говорил со зрителем на одном языке. А ситуация, когда художник создал что-то непонятное и, приняв гордую позу, сказал, что он так видит, была совершенно нереальна.
После того как искусство почувствовало себя самодостаточным, оно естественно очень скоро вступило в фазу поиска новых форм выражения, в экстенсивный этап своего развития. Потому что как раз в это время происходит слом общественного сознания – наступает Эпоха Модернизма.
После того как модернизм вошёл в свои права и «освоился» в умах и душах людей, эффектные плоды в искусстве стал приносить первый способ – революционный: «забить» на всё и на всех и творить как угодно, только не так как было принято до этого. Общественные настроения были идентичными, и такой путь снискал уважение, и даже стал академически-научным. Несмотря на простоту этого метода, он породил и много интересного – огромное количество талантов проявило себя в это время.
Авангард как паровоз набирал скорость. Правда в отличие от паровоза в его топку кидался не уголь, а идеология; одни «измы» в искусстве сменялись другими, и свобода выражения за несколько бурных десятилетий дошла до своего естественного предела.
Этим пределом стала полнейшая свобода не только от классических приёмов и форм выражения, но и от морали, нравственных устоев, от человечности, от зачастую невидимой, но очень важной божественной составляющей в искусстве. И беспредельность, стала пределом развития такого искусства, которое постоянно было нацелено на появление новых форм. Беспредельность стала пределом.
В принципе новые формы можно искать и сегодня, удивлять и радовать зрителя использованием совершенно неожиданных материалов, технологий. Но, по сути, принципиально нового в искусстве придумать уже невозможно (это совсем не означает, что искусство навсегда остановилось в своём развитии). Двадцатый век снял все формальные и моральные ограничения для искусства, а это означало, что предметом и объектом искусства уже могло быть всё что угодно, вплоть до экскрементов и трупов. Некоторые в пылу завоеваний не заметили, как в искусстве убили самое главное - его душу. Но многие это сделали сознательно.
Апофеозом такого искусства и одновременно его предсмертными судорогами стало желание художников, прежде всего, шокировать и оскорбить добрые чувства зрителя.Свобода выражения в своей абсолютности умерла, а вместе с ней умер и экстенсивный этап развития искусства.
Это свершилось. Процесс, что происходит сейчас, объясняется инерцией человеческого мышления и восприятия. Страсти почти улеглись, всё устоялось, стало привычным, раскалённая лава остыла и, затвердев, превратилась в почву.
Но ещё недавно умирание было медленным и мучительным, растянувшимся на долгие десятилетия. Это был серьёзный провал – кризис мирового искусства и культуры в целом, основанный и на новом кризисе общественного сознания. Энергия модернизма, основанная на уверенности в том, что человек сможет преобразовать и общество и себя самого, основанная на том, что жизнь и будущее цивилизации в руках у человека, иссякла. Мудрая сдержанность, игра, насмешка, самоирония, отсутствие видимых целей, часто скрытое уныние, отсюда приравнивание высокого к низкому, жизни к смерти, потеря интереса к человеку и человечности постепенно сменили настроения людей творческих и думающих. Частично человечество отчаянно боролось за торжество великих идей преобразования, периодически вновь пытаясь наивно поверить и в них и в их полезность, но всё было тщетно. Не удивительно, ведь эти «великие» идеи были далеко в стороне от божественной истины существования человека.
Глобальный кризис культуры хоть и был провозглашён, но не был понят современниками. Наверно, поэтому прижился ничего, по сути, не означающий термин - Постмодернизм.
Эпоха Постмодернизма была временем необходимым для того, чтобы осознать, а вернее прочувствовать (потому что осознание ещё впереди) эти процессы и повернуть сначала голову, а потом и оглобли в обратном направлении.
Итак, наступает новый – интенсивный этап развития современного искусства.
По сути искусство входит в свою взрослую и полноценную фазу, игра в бирюльки уже позади.
Инерция длительного экстенсивного развития ввела в заблуждение и критиков и искусствоведов и культурологов. Отсюда их растерянность в конце ХХ и начале ХХI века и полнейшее непонимание того, что ждёт искусство в ближайшем будущем.
Привыкнув, что художник может либо пережёвывать давно переваренное, либо открывать новые формы для своего самовыражения, они ещё пытаются прогнозировать будущее искусства как искусства связанного с новыми технологиями. И невдомёк им, что искусство переживает самое значительное изменение с исторически обозреваемых времён.
Когда-то, в Эпоху Возрождения, искусство освободилось от давления церкви, сдерживающей его развитие. И в центр мироздания, вытеснив Бога, Ренессанс поставил Человека в ипостаси Совершенства. Этот рассвет культуры исторически перебросил мостик в Эпоху Просвещения. Человек укреплялся в мысли о собственном величии и великих возможностях разума. Дальше – больше. ХХ век - время уже зарвавшегося человека. И неминуемый кризис! Искусство конца ХХ века выбросило за борт не только Бога, но и человека и всё человеческое!
Мы сделали виток спирали. И на новом витке в искусство возвращается Человек и Человеческое, а в Человека возвращается Бог.
Конечно, это надо понимать не буквально. Внутри привычных пластических форм заключена скрытая новизна – это таинственная субстанция, обладающая, словно ядерная энергия, колоссальным запасом сил.
В искусство возвращается сакральное.
"Королева ночи" х.м В настоящем искусстве всегда присутствовало сакральное.
Что же изменяется? Можно сказать, что почти во все времена сакральное хоть и было, наряду с красотой, самым интригующим моментом в искусстве, но было как бы побочным эффектом творчества.
- · Люди часто приписывали художнику стремление нарочно придавать своему творению некие таинственные свойства. Другими словами происходила сакрализация произведений искусства. Как, например, в случае «Джоконды» Леонардо да Винчи. Думаю, что само по себе всё таинственное в этом портрете является следствием перфекционизма Леонардо. Вспомним, что эпоха Возрождения ставила Человека в смысловой центр Вселенной. Человек рассматривался и отображался как совершенство. Красота и совершенные пропорции были объектом поклонения художников Возрождения. Вспомним общеизвестного «Витрувианского человека» Леонардо, где изображены идеальные пропорции мужского тела. Думаю, что таинственность Моны Лизы связана с долгой и тщательной проработкой портрета, глубоким размышлением над работой, и стремлением художника к совершенству изображения. Эманации художника неравнодушного и к самой госпоже Лизе и впоследствии ещё более к её живописному изображению, уже как к главному итогу всей жизни художника, сгустились в портрете. В результате этого в изображении как бы слилось воедино и женское и мужское начало. Зритель видит и обворожительную Лизу, и живую проницательность Леонардо, Леонардо, любующегося своим гением. Согласно мифам андрогин первый человек, впоследствии разделённый на два пола, и его совершенства так недостаёт мужчинам и женщинам отдельно. Разделённые в вечности пытаются восстановить свой андрогинический образ через сексуальное влечение к утерянной противоположности. Созерцая портрет, зритель как бы обретает утерянное навечно.
- · Ещё одним ярким доказательством сакрализации произведений искусства служит роман Оскара Уайльда «Портрет Дориана Грея», да и многие другие произведения мировой литературы на подобную тему.
- · Внимательный зритель всегда хотел видеть в произведениях искусства необъяснимое и таинственное. Человечество не утратило этого качества и сейчас. Я, и как художник и как сторонний наблюдатель, постоянно сталкиваюсь с подобными проявлениями людей. Люди умеют домысливать и вкладывать в картину или совсем не то, что «закладывал» художник, либо гораздо более того. Художники всегда воспринимались иначе, чем обычные люди. К таланту и его творениям относились с должным пиететом. Творцам часто предписывалось и предписывается особое существование, личные ценности, мышление, поведение. Как я уже писал ранее, не нарочно, но совершенно естественно, исходя из самой природы человека, создаётся миф. Сакральность это то, что желает видеть человек в произведении искусства. Это ли ни есть самое лучшее доказательство того, что искусство должно развиваться в этом направлении.
- · Кстати, в эпоху Постмодернизма искусство пережило десакрализацию. И в этом «заслуга» актуальщиков. На что рассчитывали апологеты contemporary art! При всём их старании, может ли быть неподдельный интерес к тому, что лишено основного привлекательного свойства?
"Грёзы" х.м. 100х100
Из века в век каноны красоты менялись весьма медленно. Человек за свою жизнь мог и не заметить этого изменения. Так же и в искусстве понятие о красоте в одну отдельно взятую эпоху были устойчивыми.
В современном мире, говоря о красоте в искусстве, то есть о том, что вызывает эстетическое наслаждение от созерцания, приходиться говорить о пороге эстетической восприимчивости зрителя. Когда изображение не вызывает отторжения и помогает прочувствовать определённый гармонический строй и меседж произведения.
После того как в ХХ веке формы красоты в мировом искусстве менялись как узоры в калейдоскопе, красота в искусстве для большинства является относительным и спорным понятием. Искусство в своём бурном развитии намного опередило естественный процесс освоения новых форм красоты для всего остального человечества.
Благодаря художникам модернистам мы поняли, что теоретически в природе человеческого восприятия есть бесконечное число форм красоты, их хватит на всех, и не в красоте одной дело. Понятие о красоте не должны разделять ни её творцов, ни зрителей.
Что есть сакральный посыл художника?
Этот вопрос я задаю сам себе, дерзко пытаясь содрать повязку времени с глаз, чтобы заглянуть в будущее мирового искусства. И чем же по большому счёту будут отличаться работы гениальных предшественников, в работах которых был сакральный посыл, от работ художников будущего?
"Мечта" х.м.120х100
Ничто новое не возникает на пустом месте - это закон развития. Предтечей импрессионизма, например, считаются и художники Древней Греции и Рима, и мастера Возрождения, и голландцы Халс и Вермеер, не говоря уже об англичанах Тернере, Констебле и французских барбизонцах. Но импрессионистами никто из них не был. Импрессионизм это уже, по сравнению к любым предшественникам, качественно другой подход к цвету в живописи и другая философия.
Я недаром привёл в пример Импрессионистов, - они стояли в самом начале экстенсивного этапа развития искусства. А сейчас мы говорим о начале нового интенсивного этапа.
Импрессионисты, цитирую Википедию, «стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости». Неправда ли для первопроходцев, которыми они были, задача конгениальная!
Что же будут стремиться отразить художники нового
Думаю, настал черёд внутреннего мира человека.
Внутренний мир Человека, если он не отрекается от Бога, безграничен, его красота бесспорна.
Кто знает, может быть, нас ждёт новый импрессионизм, импрессионизм внутреннего мира Человека?
"Надежда" х.м. 120х70
fleminski.livejournal.com
